Neu im Kino/Filmkritik: Christian Petzold erzählt die Geschichte von „Undine“ neu

Juli 5, 2020

Mit dem Känguru verabschiedete das Kino sich in die Corona-Auszeit. Mit Undine wird diese Zwangspause, unter Einhaltung der Abstandsregeln, beendet und wenn die Infektionszahlen in Deutschland so bleiben, wie sie im Moment sind, können die Kinos in den kommenden Wochen und Monaten geöffnet bleiben. Möglicherweise werden die Regeln demnächst sogar gelockert und Kinos (und auch Theater und bestuhlte Konzertsäle) nähern sich langsam wieder einem normaleren Betrieb. Denn die aktuellen Abstandsregeln hier in Berlin – jede zweite Reihe bleibt leer, zwischen den Gästen sind immer mindestens zwei Plätze frei – ermöglichen keinen gewinnbringenden, sondern, sogar unter den allergünstigsten Bedingungen nur einen nicht zu verlustreichen Betrieb. Aktuell rechnen alle Kinobetreiber, die sich in den Medien äußerten und mit denen ich mich unterhalten habe, mit einer Höchstauslastung zwischen zwanzig und dreißig Prozent. Wenn in der Hauptstadt der Singles für eine Vorstellung nur abstandsbewusste Singles Eintrittskarten kaufen, sitzen natürlich noch weniger zahlende Zuschauer im Kino.

In diesem Umfeld startet Christian Petzolds neuer Film „Undine“, in dem er den Mythos der Wasserfrau Undine in die Gegenwart und, jedenfalls zu einem großen Teil, nach Berlin, einer Stadt mit einem sehr feuchten Untergrund und vielen Flüssen, verlegt.

Petzolds Undine (Paula Beer) ist eine typische junge Großstadtfrau. Sie lebt allein in einem anonymen Apartment und erklärt als Stadthistorikerin (per Honorarvertrag) in der Senatsstelle für Stadtentwicklung an Miniaturmodellen Berlin-Besuchern die Baugeschichte Berlins. Ihrem letzten Freund hat sie gerade, nachdem er sie für eine andere Frau verlassen hat, Himmel und Hölle an den Hals gewünscht.

Kurz darauf trifft sie den Industrietaucher Christoph (Franz Rogowski), ein riesiges Aquarium in einem Restaurant zerbirst und die altbekannte Geschichte von Undine beschreitet über und unter Wasser zwischen Berlin und einem Staudamm in der Nähe von Köln neue Wege. In dem Stausee soll auch ein riesiger Wels leben, der sich in einem der gefluteten Gebäude und Höhlen versteckt.

Auf der Berlinale wurde „Undine“ abgefeiert. Paula Beer erhielt für ihr Spiel einen Silbernen Bären. Und „Undine“ hat auch alles, was man von einem Petzold-Film erwarten kann. Das Drehbuch verknüpft geschickt mehrere Bedeutungsebenen und Interpretationsfolien miteinander. In diesem Fall trifft die mythische Welt des Märchens auf den prosaischen Großstadtalltag der Twenty/Thirty-Somethings.

Undine ist in der Mythologie die Wasserfrau, die zum Mann kommt, der unglücklich verliebt ist. Sobald der Mann sie verrät, muss er sterben. Er ertrinkt in einer Wasserblase. Und Undine muss zurück ins Wasser. Petzold ließ sich bei seiner Interpretation des Undine-Mythos von Peter von Matts „Liebesverrat“ (in dem es ein Kapitel über den Undine-Mythos gibt) und Ingeborg Bachmanns Erzählung „Undine geht“ inspirieren. Bachmann erzählt in ihrer Neuinterpretation die Geschichte von Undine aus Undines Sicht und bei Bachmann sind die Männer niemals treu, weil sie sich nur selber lieben. Petzolds Undine versucht ihr Schicksal in die eigenen Hände zu nehmen. Sie will nicht wieder zurück in das Wasser.

Im Film gibt es klug platzierte Zitate. Schließlich ist Petzold ein stilbewusster Regisseur, der die Filmgeschichte kennt. Die Schauspieler sind gewohnt gut. Die Inszenierung ebenso. Da gibt es nichts zu mäkeln.

Aber mich hat die Geschichte von Undine vollkommen kalt und desinteressiert zurückgelassen. Das Liebesdrama berührte mich nicht. Weder im Positiven, noch im Negativen – und dabei haben mir Petzolds frühere Filme ausnahmslos gut gefallen.

Das ändert nichts daran, dass „Undine“ sehenswert ist. Es ist halt nur kein Film für mich.

Undine (Deutschland/Frankreich 2020)

Regie: Christian Petzold

Drehbuch: Christian Petzold

mit Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz, Anne Ratte-Polle, Rafael Stachowiak

Länge: 89 Minuten

FSK: ab 12 Jahre

Hinweise

Homepage zum Film

Filmportal über „Undine“

Moviepilot über „Undine“

Metacritic über „Undine“

Rotten Tomatoes über „Undine“

Wikipedia über „Undine“ (deutsch, englisch)

Berlinale über „Undine“

Meine Besprechung von Christian Petzolds „Phoenix“ (Deutschland 2014)

Meine Besprechung von Christian Petzolds „Transit“ (Deutschland/Frankreich 2018)

Christian Petzold in der Kriminalakte


TV-Tipp für den 5. Juli: Spartacus

Juli 4, 2020

Arte, 20.15

Spartacus (Spartacus, USA 1960)

Regie: Stanley Kubrick

Drehbuch: Dalton Trumbo

LV: Howard Fast: Spartacus, 1951 (Spartacus)

71 nach Christus: Spartacus führt einen Sklavenaufstand gegen die Römer an – und Stanley Kubrick inszenierte (nachdem Produzent und Hauptdarsteller Kirk Douglas Regisseur Anthony Mann gefeuert hatte) einen der wenigen genießbaren Monumentalfilme.

mit Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, John Gavin, Tony Curtis, Nina Foch, John Ireland, Herbert Lom, John Dall, Woody Strode

Wiederholung: Dienstag, 7. Juli, 13.40 Uhr

Hinweise

Rotten Tomatoes über „Spartacus“

Wikipedia über „Spartacus“ (deutsch, englisch)

Stanley Kubrick in der Kriminalakte


Neu im Kino/Filmkritik: Reisen ohne Zukunft (?) mit dem „Suicide Tourist“

Juli 4, 2020

Die ersten Minuten von „Suicide Tourist“ machen neugierig. Der äußert bieder und durchschnittlich wirkende Versicherungsagent Max Isaksen (Nikokaj Coster-Waldau) spricht in eine Videokamera und kündigt seinen nahen Tod an. Die folgenden Minuten, wenn Regisseur Jonas Alexander Arnby zwischen verschiedenen Zeitebenen hin und herspringt und einige Fährten auslegt, steigern diese Neugierde auf den Fortgang der Geschichte.

Wenn man die Geschichte dann, und ohne das Ende zu verraten, in eine rudimentäre chronologische Ordnung bringt, wird es recht banal. Max ist unheilbar erkrankt. In den nächsten Monaten wird der Tumor in seinem Gehirn seine Persönlichkeit radikal verändern. Später wird er daran sterben. Max will seine Frau Lærke nicht mit seiner Leidensgeschichte belasten. Im Zusammenhang mit einem seiner Versicherungsfälle erfährt er vom Hotel Aurora und seiner besonderen Dienstleistung. Diese ist, das wird im Film nahe gelegt, mindestens im legalen Graubereich, falls nicht sogar illegal. Die Betreiber des abgelegenen Luxusressort helfen ihren Gästen beim Suizid.

Wenn ein Kunde mit dem Hotel Aurora einen Vertrag über einen begleiteten Suizid abschließt, gibt es auch eine seltsame Klausel, die dem Kunden einen Rücktritt verweigert. Der Vertrag wird in jedem Fall erfüllt.

Gestandene Thrillerfans vermuten in dem Moment schon das Schlimmste. Denn warum sollte jemand, der unbedingt sterben möchte und dafür ein einsam gelegenes Hotel aufsucht, nicht mehr sterben wollen? Und warum sollte Max, der an einer tödlichen Krankheit leidet, seine Meinung ändern wollen?

Regisseur Arnby deutet während des Films immer wieder an, dass die Hotelbetreiber ihre Kunden regelmäßig gegen ihren Willen töten. Diese Andeutungen führen am Ende nicht zur Aufdeckung einer großen Verschwörung. Sie zeigen, wie Max in dem Moment die Welt wahrnimmt.

In seinem meditativ erzähltem Film „Suicide Tourist“ setzt sich „When Animals dream“-Regisseur Jonas Alexander Arnby unglücklich zwischen die Stühle. Sein Film ist kein Thriller (und will es auch nicht sein), kein Horrorfilm und auch kein Drama über die Probleme der umstrittenen kommerziellen Suizidbeihilfe. Sie dient hier nur als Aufhänger für eine reichlich dröge und, aufgrund seiner Struktur, äußerst umständlich erzählte Geschichte eines introvertierten Mannes, der sich, nach der tödlichen Diagnose, fragt, ob sein Leben noch einen Sinn hat. Nach neunzig Minuten und einer enttäuschenden Pointe wissen wir es.

Suicide Tourist (Selvmordsturisten, Dänemark/Deutschland/Frankreich/Schweden/Norwegen 2019)

Regie: Jonas Alexander Arnby

Drehbuch: Rasmus Birch

mit Nikokaj Coster-Waldau, Tuva Novotny, Robert Aramayo, Jan Bijvoet, Solbjørg Højfeldt, Slimane Dazi, Sonja Richter, Johanna Wokalek

Länge: 90 Minuten

FSK: ab 12 Jahre

Hinweise

Deutsche Homepage zum Film

Filmportal über „Suicide Tourist“

Moviepilot über „Suicide Tourist“

Metacritic über „Suicide Tourist“

Rotten Tomatoes über „Suicide Tourist“

Wikipedia über „Suicide Tourist“

Meine Besprechung von Jonas Alexander Arnbys „When Animals dream“ (Når dyrene drømmer, Dänemark 2014)


TV-Tipp für den 4. Juli: Selma

Juli 3, 2020

3sat, 23.00

Selma (Selma, USA/Großbritannien 2014)

Regie: Ava DuVernay

Drehbuch: Paul Webb

Mit friedlichen Protestmärschen will Dr. Martin Luther King 1965 in Selma, Alabama, für das allgemeine Wahlrecht kämpfen. Denn dort ist die Diskriminierung der Afroamerikaner besonders deutlich. Und dort eskaliert die Situation in auch von King ungeahnter Weise. Ein Diakon wird von Weißen erschlagen. Auf der Edmund Pettus Bridge werden die friedlich Demonstrierenden mit Tränengas und nackter Gewalt zurückgedrängt. Die Bilder wurden im Fernsehen ausgestrahlt. An dem Abend schlagen Klu-Klux-Klan-Mitglieder drei weiße Geistliche zusammen. Einer stirbt an den Verletzungen.

Der dritte Versuch, friedlich von Selma nach Montgomery, der Hauptstadt von Alabama, zu marschieren wird dann zwischen dem 21. und 25. März 1965 zu einem Triumphzug für die Bürgerrechtsbewegung.

Das grandiose und wichtige Drama/Biopic „Selma“ setzt King und seinen Mitkämpfern ein würdiges Denkmal. DuVernays Film wurde von der Kritik abgefeiert und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet.

Mehr in meiner ausführlichen Besprechung

mit David Oyelowo, Tom Wilkinson, Tim Roth, Cuba Gooding Jr., Alessandro Nivola, Carmen Ejogo, Lorraine Toussaint, Ophrah Winfrey, Tessa Thompson, Giovanni Ribisi, Common, Dylan Baker, Wendell Pierce, Stan Houston

Hinweise
Moviepilot über „Selma“
Metacritic über „Selma“
Rotten Tomatoes über „Selma“
Wikipedia über „Selma“ (deutsch, englisch) und Martin Luther King (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Ava DuVernays „Selma“ (Selma, USA/Großbritannien 2014 – mit etlichen YouTube-Clips) und der DVD


TV-Tipp für den 3. Juli: Scarface

Juli 2, 2020

3sat, 23.15

Scarface – Toni, das Narbengesicht (Scarface, USA 1983)

Regie: Brian De Palma

Drehbuch: Oliver Stone

LV: Armitage Trail: Scarface, 1930 (Scarface)

Buch zum Film: Paul Monette: Scarface, 1983 (Scarface – Der Mann mit der Narbe)

De Palma aktualisierte „Scarface“, die Geschichte vom Aufstieg und Fall eines Gangsters, und schuf ein packendes Sittengemälde des Verbrechens in Florida in den frühen Achtzigern.

Damals wurde die Sprache („Fuck“) und die Brutalität kritisiert. Heute wäre es die grauenhafte, altmodische Disco-Musik von Giorgio Moroder. Ansonsten ist „Scarface“ in der ungekürzten Fassung inzwischen einer der Klassiker des Gangsterfilms.

Mit Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastrantonio, Robert Loggia, F. Murray Abraham

Hinweise

Rotten Tomatoes über „Scarface“

Wikipedia über „Scarface“ (deutsch, englisch)

Movie Addiction über “Scarface”

New York Times: Vincent Canby: Besprechung von “Scarface” (9. Dezember 1983)

Roger Ebert über “Scarface” (9. Dezember 1983, 28. September 2003)

Angel Fire: Brian-de-Palma-Fanseite über “Scarface”

Schnittberichte: Vergleich der FSK-16-Fassung (ein trauriger Torso) mit der Kinoversion

Meine Besprechung von Christian De Metter/Armitage Trails „Scarface“ (Scarface, 2011) (Comic, der auf Armitage Trails Roman basiert)


Neu im Kino/Filmkritik: Ein Mann und eine Frau erinnern sich an „Die schönsten Jahre eines Lebens“

Juli 1, 2020

Vor über fünfzig Jahren begegneten sich ein Mann und eine Frau. Heute sind sie älter und Claude Lelouch erzählt, wie Jean-Louis Duroc und Anne Gauthier jetzt leben, was sie in den vergangenen Jahrzehnten taten und wie sie sich an diese Begegnung, die Lelouch 1966 in seinem Film „Ein Mann und eine Frau“ erzählte, erinnern. Der Liebesfilm, mit Jean-Louis Trintignant und Anouk Aimée in den Hauptrollen, war damals ein Kassenerfolg. Die ins Ohr gehenden Chansons von Francis Lai halfen. Die Story ist reinster Kitsch. Aber die Idee, dass der Mann und die Frau verwitwet sind und alleine ihr Kind, ein Junge und ein Mädchen, groß ziehen müssen, verlieh der Geschichte einen neuen und sehr zeitgemäßen Touch. Die Machart, es wurde schnell und mit einem geringen Budget gedreht, sorgte für Authentizität. Heute gilt das Liebesdrama als Nouvelle-Vague-Klassiker; – wobei bei dieser Labelung ein sehr weiter Begriff von Nouvelle Vague benutzt wird.

Vor über dreißig Jahren drehte Lelouch, wieder mit Trintignant und Aimée, die Fortsetzung „Ein Mann und eine Frau: Zwanzig Jahre später“ (Un homme et une femme, Frankreich/USA 1986), die den Erfolg des ersten Films nicht wiederholen konnte und die, soweit ich es überblicke, für den dritten Film mit dem Traumpaar Aimée/Trintignant ignoriert wurde.

Der frühere Rennfahrer Jean-Louis Duroc lebt inzwischen in einem Altersheim und ist mit den normalen Gebrechen des Alters geschlagen. Die Beine machen nicht mehr mit. Das Gedächtnis ebenso. Dafür erinnert er sich umso lieber an seine Vergangenheit, vor allem an die Begegnung mit dem Skriptgirl Anne Gauthier und ihre kurze, aber unglückliche Beziehung.

Deshalb besucht sein Sohn Antoine die immer noch überaus agile Anne. Sie lebt in der Normandie, führt einen kleinen Laden und ist Großmutter. Antoine hofft, dass eine neuerliche Begegnung mit Anne eine positive Auswirkung auf den Zustand seines Vaters hat.

Anne besucht Jean-Louis in der mondänen Seniorenresidenz. Beim Anblick seiner verflossenen großen Liebe beginnt er aufzublühen. Er erzählt dieser Frau, die ihn an Anne erinnert, von Anne.

Wie schon in „Ein Mann und eine Frau“ bestand das Drehbuch für „Die schönsten Jahre eines Lebens“ nur aus wenigen Seiten. Wieder wurde sehr schnell gedreht (laut Lelouch dauerten die Dreharbeiten 13 Tagen) und beim Dreh wurde viel improvisiert. Im Schneideraum destillierte Lelouch dann aus dem Material den Film, der vor allem von seiner Stimmung lebt.

Denn „Die schönsten Jahre eines Lebens“ ist ein Erinnerungsfilm. Anne und Jean-Louis sind von ihrer Vergangenheit, den wenigen Tagen, die sie damals zusammen verbrachten, umstellt. Sie reden darüber. Langsam, tastend, immer in Andeutungen, die es ihnen ermöglichen, sich zurückzuziehen. Das ist, vor allem in der ersten, 19 Minuten dauernden Begegnung zwischen Jean-Louis und Anne im Park des Seniorenheims, große Schauspielkunst. Trintignant und Aimée führen ein spontan klingendes, aber in diesem Fall aufgeschriebenes und von Lelouch während des Drehs gesteuertes Gespräch, das präzise die Struktur von Erinnerungen erfasst.

Später besuchen Anne und Jean-Louis wieder die Orte, an denen sie vor über fünfzig Jahren waren. Die Vergangenheit durchdringt dabei immer wieder die Gegenwart. Mal subtil, mal eindeutig, wenn Jean-Louis vor einem Hotel sein damaliges Auto sieht.

Dazu zeigt Lelouch minutenlang Bilder aus „Ein Mann und eine Frau“ und aus seinem neunminütigem Kurzfilm „C’était un rendez-vous“ (1976). Die Bilder des Kurzfilms zeigen jetzt, wie Jean-Louis (in Wirklichkeit war Lelouch der Fahrer) durch das frühmorgendliche Paris rast und alle roten Ampeln ignoriert, um rechtzeitig am Bahnhof anzukommen, um Anne seine Liebe zu gestehen. Auch über diese teils farbentsättigten, teils schwarzweißen Bilder reden sie. Oder es ertönen Chansons, die bis zur letzten Minute ausgespielt werden und teilweise schon aus „Ein Mann und eine Frau“ bekannt sind.

Lelouch verwebt diese Erinnerungen mit zwei Interviews mit Anne und Fantasien von Jean-Louis, der sie als Bonnie und Clyde Polizisten töten und Tankstellen überfallen sieht. Ihr Fluchtfahrzeug ist dabei eine Ente, die aber, wenn Jean-Louis sie fährt, mindestens hundert Stundenkilometer fährt.

Lelouch zeichnet sehr genau die Struktur von Erinnerungen, das Irrlichtern zwischen Gegenwart, Vergangenheit und Tagträumen nach. Jean-Louis Trintignant und Anouk Aimée spielen sich wie ein altes Ehepaar die Bälle zu. Die Chansons und die Bilder aus „Ein Mann und eine Frau“ (den man nicht gesehen haben muss, um „Die schönsten Jahre eines Lebens“ zu genießen, ich würde sogar behaupten, nicht gesehen haben sollte, weil „Die schönsten Jahre eines Lebens“ nicht wie eine Fortsetzung von „Ein Mann und eine Frau“, sondern wie ein Palimpset funktioniert.) wecken wohlige Erinnerungen an die Vergangenheit. Es geht um Stimmungen, Bilder, Gedanken und das endlose Umkreisen und Verweilen in einem Moment.

Die schönsten Jahre eines Lebens (Les plus belles années d’une vie, Frankreich 2019)

Regie: Claude Lelouch

Drehbuch: Claude Lelouch, Valérie Perrin, Pierre Uytterhoeven

mit Anouk Aimée, Jean-Lous Trintignant, Souad Amidou, Antoine Sire, Marianne Denicourt, Monica Belluci, Tess Lauvergne, Vincent Vinel

Länge: 90 Minuten

FSK: ab 6 Jahre (empfohlen allerdings eher ab 60 Jahre, denn mit 66 fängt das Leben an und, wie Victor Hugo sagte: „Die besten Jahre eines Lebens sind all jene, die man noch nicht gelegt hat.“)

Hinweise

Deutsche Homepage zum Film

Moviepilot über „Die schönsten Jahre eines Lebens“

AlloCiné über „Die schönsten Jahre eines Lebens“

Rotten Tomatoes über „Die schönsten Jahre eines Lebens“

Wikipedia über „Die schönsten Jahre eines Lebens“


Neu im Kino/Filmkritik: Abel Ferrara besucht „Siberia“

Juli 1, 2020

Jahrelang kam kein Film von Abel Ferrara in unsere Kinos und jetzt laufen, coronabedingt, nicht innerhalb weniger Wochen, sondern innerhalb weniger Monate, zwei seiner Filme in unseren Kinos. „Tommaso und der Tanz der Geister“ lief am 13. Februar an. Wenige Tage später feierte sein neuer Film „Siberia“ auf der Berlinale seine nicht gerade umjubelte Premiere. Denn nachdem Ferraras erste Filme blutige Genrefilme sind, die ihm in vielen Ländern unterschiedlich viel Ärger mit der Zensur bescherten, sind seine späteren Filme teils sehr persönliche Werke, wie „Tommaso und der Tanz der Geister“. „Siberia“, wieder mit Willem Dafoe in der Hauptrolle, geht einen Schritt weiter. Es ist ein Werk, in dem Ferrara sich nicht mehr um sein Publikum kümmert.

Die Story ist nur noch eine dürftige Skizze. Dafoe spielt Clint, einen Einsiedler, der sich in die verschneiten Berge zurückgezogen hat. Er lebt in einer Hütte, die auch so etwas wie eine verwaiste Gaststätte für durchziehende Reisende und Einheimische ist. Eines Tages bricht er mit seinen Hunden in die Einsamkeit auf. Er will sich noch weiter von der Menschheit zurückziehen. Seine Reise ist eine zusammenhanglose Collage von Erinnerungen, Fantasien und Erlebtem. Es gibt nackte Frauen, die alle keine Playboy-Idealmaße haben. Dafür dürfen wir ausführlich den dicken Bauch einer Schwangeren bewundern. Es gibt Gewalt. In einem einsam gelegenem, herrschaftlichem und ziemlich heruntergekommenem Anwesen wird eine Mischung aus drogengeschwängerter Party und satanischer Messe gefeiert, angemessen betont mit Heavy-Metal-Klängen. Es gibt viele Aufnahmen von verschneiten Berglandschaften und Tieren. Vor allem Hundeliebhaber, die zuletzt bei der Jack-London-Verfilmung „Ruf der Wildnis“ über den digital animierten Schlittenhund jammerten, dürften sich freuen.

Weil alle diese Szenen so kryptisch sind, stellt man schnell den Versuch einer autobiographischen Deutung, die bei „Tommaso“ mühelos gelang, ein.

Das macht den Film zu einem nicht uninteressanten Interpretationsangebot für männliche Gefühle und Obsessionen, die jeder für sich nach eigenem Gusto deuten kann.

Es ist allerdings auch ein Film, der nie versucht irgendeinen Kontakt zum Publikum aufzunehmen. „Siberia“ ist ein in sich verschlossenes Werk, das sich selbst genügt. Für einen Regisseur, der in der ersten Hälfte seiner Karriere unbedingt den Kontakt zum Publikum suchte, ist das eine sehr interessante Entwicklung hin zu einem inneren Exil.

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Abel Ferrara sagt zu seinem Film:

Nach „Pasolini“ habe ich mich hingesetzt und dies ist mir zugeflogen: Verrückte, fremdartige Bilder, weder urban noch modern. Ich habe dem einfach freien Lauf gelassen. Dieser Ort, diese Art Jack-London-Welt, mit Hunden, mit gewissen Begegnungen, die sich ergeben, mit gewissen Stationen auf einer Reise, die durch diese total unterschiedlichen Orte und Zeiten geprägt sind. Nicht um ein perfektes Drehbuch zu schreiben, sondern um Bilder zu sammeln und die Erinnerung anzuzapfen, um Möglichkeiten zu schaffen, um unser Denken herauszufordern, um eine Erfahrung zu erschaffen und aufzuzeichnen, die hoffentlich wichtig genug ist, um beim Publikum Widerhall zu finden. Sachen, die zwar manchmal schwer zu erklären sind, dafür aber immer interessant umzusetzen und grundlegend filmisch. Das ist keine Abweichung von unserem Vorgehen – es ist dessen Fortsetzung. Seit dem ersten Film gehen wir weiter und weiter in die Dunkelheit. Ich habe ein großes Verlangen danach zu erfahren, was mit Film möglich ist.

Siberia (Siberia, Italien/Deutschland/Mexico 2020)

Regie: Abel Ferrara

Drehbuch: Abel Ferrara, Christ Zois

mit Willem Dafoe, Dounia Sichov, Simon McBurney, Cristina Chiriac, Daniel Giménez Cacho, Fabio Pagano, Anna Ferrara, Phil Neilson, Laurent Arnatsiaq, Valentina Rozumenko, Trish Osmond

Länge: 91 Minuten

FSK: ab 16 Jahre

Hinweise

Deutsche Homepage zum Film

Moviepilot über „Siberia“

Rotten Tomatoes über „Siberia“

Wikipedia über „Siberia“ (deutsch, englisch)

Berlinale über „Siberia“

Meine Besprechung von Abel Ferraras “King of New York” (King of  New York, USA 1989)

Meine Besprechung von Abel Ferraras „Tommaso und der Tanz der Geister (Tommaso, Italien/Großbritannien/USA 2019)

Abel Ferrara in der Kriminalakte

 


TV-Tipp für den 2. Juli: American Ultra

Juli 1, 2020

Vox, 22.15

American Ultra (American Ultra, USA 2015)

Regie: Nima Nourizadeh

Drehbuch: Max Landis

Mike lebt dauerbekifft und wunschlos glücklich mit seiner Freundin Phoebe in einer Kleinstadt. Das friedliche Leben endet, als eine Frau wirres Zeug zu ihm sagt und zwei Männer an seinem Auto herumfummeln. Mit der Hilfe von einem Kaffeebecher und einem Plastiklöffel bringt er sie um. Kurz darauf wimmelt es in der Kleinstadt von schießwütigen CIA-Agenten, die Mike aufgrund seiner Vergangenheit als gemeingefährliche Killermaschine umbringen wollen. Aber Mike hat nichts verlernt und einiges neues gelernt.

Herrlich abgefahrene, brutal durchgeknallte Kiffer-Actionkomödie.

Mehr in meiner ausführlichen Besprechung.

mit Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Topher Grace, Connie Britton, Walton Goggins, John Leguizamo, Bill Pullman, Tony Hale, Stuart Greer

Hinweise
Moviepilot über „American Ultra“
Metacritic über „American Ultra“
Rotten Tomatoes über „American Ultra“
Wikipedia über „American Ultra“ (deutsch, englisch)

Meine Besprechung von Nima Nourizadeh „American Ultra“ (American Ultra, USA 2015)