Genau, der Ti West, der zuletzt mit der Horrorfilmtrilogie „X“, „Pearl“ und „MaXXXine“ bei den geschichtsbewussten Horrorfilmfans sehr gut ankam. Und der Johnny Depp, der in Filmen von Tim Burton, beispielsweise als „Sweeney Todd“ (um den in einem Schauermärchen-London spielenden Film zu nennen), und als Captain Jack Sparrow in den „Fluch der Karibik“-Filmen Millionen begeisterte. Nachdem sein Schauspielkarriere wegen des Scheidungskrieges mit Amber Heard und damit zusammenhängender Gerichtsverfahren in den vergangenen Jahren pausierte, soll „Ebenezer“ sein großes Comeback sein.
Diese beiden Männer nahmen sich Charles Dickens‘ allseits beliebte, bekannte und schon unzählige Male, auch als Parodie, verfilmte „Weihnachtsgeschichte“ (A Christmas Carol) vor. Die Werbung war, sagen wir mal, unspezifisch. Wikipedia labelte den Film vor dem Kinostart unbeholfen als „a 2026 Gothic dark fantasy black comedy-thriller film“.
Das Ergebnis ist sehr nahe an Charles Dickens Geschichte. Auch die eher wenigen Horror- und Comedy-Elemente des Films wurden aus dem kurzen Buch übernommen.
Ebenezer Scrooge ist 1843 in London ein allseits bekannter Menschenfeind und Pfennigfuchser. Wie in den vergangenen Jahren will er Weihnachten allein in seiner Wohnung verbringen.
Diese Weihnachten wird er zuerst von seinem verstorbenem Geschäftspartner Jacob Marley und anschließend von drei Weihnachtsgeistern besucht. Der erste Geist führt ihn zurück in seine Vergangenheit, der zweite Geist zeigt Ebenezer das Leben seines Angestellten und seines Neffen und der dritte Geist zeigt ihm seine Zukunft, genaugenommen seinen Tod. Danach ist Ebenezer ein anderer Mensch.
„Ebenezer“ ist ein netter altmodischer, mit zwei Stunden zu lang geratener, harmloser Grusler. Wests textgetreue Version geht etwas in Richtung Gothic, aber ohne Tim Burtons Stilbewusstsein und Burtons bizarren Humor. Sehr vergnüglich ist am Filmanfang das wunderschön gehässige Gespräch zwischen Ebenezer Scrooge (Johnny Depp) und seinem Geschäftspartner Jacob Marley (Ian McKellen). Sie werfen sich die Pointen wie gut platzierte Tennisbälle zu. Dummerweise stirbt Marley bereits nach wenigen Minuten. Glücklicherweise darf er – kurz – als Geist zurückkehren. Und, nein, das ist kein Spoiler. Das steht alles genauso in der 1843 erschienenen Geschichte und wurde wahrscheinlich in fast allen Verfilmungen, Theaterversionen, Hörspielen undsoweiter genauso präsentiert.
Damit bleibt auch die Frage, warum jetzt dieser Film gedreht werden musste. Es gibt einige minimale Änderungen und für den Film notwendigen Anpassungen. So ist es filmischer, wenn Scrooge und Marley sich unterhalten und Marley dann stirbt, als, wie im Buch, im ersten Satz einfach gesagt wird, dass Scrooges langjähriger Geschäftspartner verstorben ist. Das gesagt, erzählt Ti West die von Charles Dickens aufgeschriebene Geschichte teils wortwörtlich nach.
Von Ti West und Johnny Depp hätte man einen individuelleren, möglicherweise witzigeren, in jedem Fall gruseligeren Zugang zu der Geschichte erwartet. Entstanden ist eine textgetreue, mit zwei Stunden zu lang geratene, überaus brave Verfilmung einer bereits unzählige Male verfilmten Geschichte. Objektiv betrachtet ist „Ebenezer“ kein schlechter Film, sondern ein überflüssiger Film.
Ebenezer – Eine Weihnachtsgeschichte (Ebenezer, USA 2026)
Regie: Ti West
Drehbuch: Nathaniel Halpern
LV: Charles Dickens: A Christmas Carol in Prose, Being a Ghost-Story of Christmas, 1843 (Eine Weihnachtsgeschichte; Der Weihnachtsabend)
mit Johnny Depp, Rupert Grint, Andrea Riseborough, Sam Claflin, Daisy Ridley, Arthur Conti, Ellie Bamber, Henry Lloyd-Hughes, Charlie Murphy, Tramell Tillman, Ian McKellen
Zehn Jahre sind seit seinem letzten Kinofilm „The Neon Demon“ vergangen. Jetzt kehrt Nicolas Winding Refn mit „Her Private Hell“ ins Kino zurück und er macht dort weiter, wo er damals aufhörte. Die wohl ähnlich gelagerten Fernsehserien „Too Old to Die Young“ und „Copenhagen Cowboy“ habe ich noch nicht gesehen.
Wie schon in „The Neon Demon“ (2016) und davor in „Only God Forgives“ (2013) und, mit Abstrichen, in seinem Wikingerfilm „Walhalla Rising“ (2009), der sich sehr meditativ an einer nachvollziehbaren und chronologisch erzählten Minimalstory einer Reise entlanggehangelt, sind die Bilder wichtiger als die Geschichte. Refn zeigt, ohne eine wirklich erkennbare Story, mehr oder weniger assoziativ aneinander montierte Bilder und Sequenzen. Das ist dann deutlich näher an einem Musikclip oder einer Werbung für eine noble Mode- oder Parfümmarke als an einem auch nur ansatzweise nacherzählbarem oder nach den Gesetzen der Logik erklärbarem Spielfilm. Es geht um Stimmungen, Gefühle und allseits bekannte Bildwelten, die mit den dazu gehörigen, oberflächlich bleibenden Emotionen schnell abgerufen werden können.
In „Her Private Hell“ geht es, laut der offiziellen Synopse, in einer retrofuturistischen Metropolis um einen Killer, den Leatherman, der seine Opfer mit seinem diamantenbesetzten Lederhandschuhen zerfetzt, einem Soldaten, der seine entführte Tochter sucht und einer Frau, die ihren Vater sucht und viel Zeit mit anderen Frauen in einem Hotelzimmer mit fabelhafter Aussicht verbringt.
Das kommt alles in dem Film vor, der einfach ungefähr ein halbes Dutzend Storyfragmente und Stile nebeneinander stellt. Als würde man durch das nachmitternächtliche Fernsehprogramm zappen und dabei immer wieder bei einem Neo-Noir, einem Horrorfilm, einem Melodrama, einem Giallo, einem trashigen, möglicherweise in den sechziger Jahren in Italien entstandenem Science-Fiction-Film hängenbleiben. Das sind die Teile. Etwas Ganzes ergibt sich daraus erst im Kopf des Zuschauers. Falls überhaupt.
Refn sagt dazu: „Ich wollte viele Filme in einem Film machen.“
Havana Rose Liu, die Dominique spielt, meint: „Ich denke, was während dieses gesamten Prozesses faszinierend war, ist, dass Nic jedem von uns erlaubt, eine andere Geschichte darüber zu haben, worum es in ‚Her Private Hell‘ geht und was der Film bedeutet. Wenn man jeden der beteiligten Schauspieler fragt, wird jeder eine andere Geschichte erzählen.“
Weil Refn konsequent den einmal beschrittenen Weg weitergeht, liefert er mit dem Science-Fiction-Neo-Noir „Her Private Hell“ genau das, was man von ihm inzwischen erwartet. Viele werden dafür überhaupt nicht ins Kino gehen (sie verpassen auch, ehrlich gesagt, nichts), andere werden den Saal gelangweilt verlassen (wie bei David Lynchs „Inland Empire“). Die wenigen devoten Fans werden begeistert von dem neuen Film ihres in Rätseln sprechenden Meisters sein.
Ich selbst fand „Her Private Hell“ nicht enttäuschend. Er war genau das, was ich erwartet hatte. Vielleicht werde ich ihn mir in einer dunklen Nacht, in dem dösigen Zustand zwischen Wachsein und Traum wieder ansehen. Aber weiterempfehlen kann ich ihn nur an die Menschen, die eine spielfilmlange Version des Trailers wollen. Mit vielen Stillleben, endlosen monotonen Kamerafahrten durch noble Hotelflure, fotogen hindrapierten Schönheiten und etwas Gewalt.
Her Private Hell(Her Private Hell, Dänemark/USA/Großbritannien 2026)
Regie: Nicolas Winding Refn
Drehbuch: Nicolas Winding Refn, Esti Giordani (nach einer Geschichte von Nicolas Winding Refn)
mit Sophie Thatcher, Charles Melton, Havana Rose Liu. Kristine Froseth, Shioli Kutsuna, Aoi Yamada, Dougray Scott
Auf den ersten Blick ist Martin McDonaghs neuer Film sein politischster Film. Schon die Synopse schreit „Polit-Komödie“: kurz vor dem Militärputsch in Chile 1973 werden die CIA-Agenten Chris (John Malkovich) und Lee (Sam Rockwell) von ihrem Büroleiter MJ (Steve Buscemi) von Santiago, der Hauptstadt von Chile, auf die ebenfalls zu Chile gehörende Osterinsel geschickt.
Aber anstatt jetzt irgendetwas zu tun, das irgendetwas mit dem Putsch zu tun haben könnte, beginnen Chris und Lee das Inselleben zu genießen. Dabei ist Lee etwas genervt, weil Chris überall herumerzählen muss, dass sie Geheimagenten sind, schon viele gefährliche Missionen erledigt haben, Menschen ermordeten und das jetzt in Chile wieder tun wollen. Chris sorgt durchgehend für Chaos und plaudert dabei CIA-Geheimnisse aus. Ob er weiß, was er tut, ist unklar. In jedem Fall agiert ein wandelndes Pulverfass besonnener als Chris.
Deshalb verwundert es auch nicht, dass Lee auf der einsam gelegenen Insel seinen besten Kumpel Chris töten soll.
„Wild Horse Nine“ ist die neue Komödie von Martin McDonagh. Die Dialoge sind gewohnt brillant, schwarzhumorig, umwerfend komisch und präzise beobachtet. Die Story schlägt einige Haken, aber weniger als in seinen vorherigen Filmen. Das liegt auch daran, dass der Plot von „Wild Horse Nine“ verdächtig an sein geniales Spielfilmdebüt „Brügge sehen…und sterben?“ erinnert. Sicher, McDonagh hat aus dem Killer-Duo ein Agenten-Duo gemacht. Sie arbeiten nicht mehr für einen Gangsterboss, sondern für die CIA. Und im Lauf der Geschichte werden einige Situationen auch anders aufgelöst, aber das ändert nichts daran: „Wild Horse Nine“ ist eine Kopie von „Brügge sehen…und sterben?“. Nur die Kulisse wurde ausgetauscht.
Das hat er bislang nicht gemacht. In seinen vorherigen Filme – „Brügge sehen…und sterben?“ (2008), „7 Psychos“ (2012), „Three Billboards outside Ebbing Missouri“ (2017) und „The Banshees ofn Inisherin“ (2022) – erzählte er Geschichten, die sich deutlich voneinander unterscheiden.
Diese fast schon sklavische Wiederholung eines von ihm bereits benutzten Plots macht seine Geheimagenten-Komödie, die sich nicht sonderlich für Chile und die US-amerikanische Südamerika-Politik interessiert, zu einer Enttäuschung.
Da helfen auch nicht die gewohnt gute Inszenierung, die köstlichen Dialoge, die fotogene Landschaft (es wurde auf der Osterinsel gedreht) und die guten Schauspieler. Vor allem das im Zentrum stehende von John Malkovich und Sam Rockwell wie gespielte Agentenduo gefällt.
Wild Horse Nine(Wild Horse Nine, USA 2026)
Regie: Martin McDonagh
Drehbuch: Martin McDonagh
mit John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi, Tom Waits, Parker Posey, Mariana Di Girólamo, Ailín Salas
Liberace – Zu viel des Guten ist wundervoll (Behind the Candelabra, USA 2013)
Regie: Steven Soderbergh
Drehbuch: Richard LaGravenese
LV: Scott Thorson, Alex Thorleifson: Behind the Candelabra, 1988
Grandioses, mit Preisen überschüttetes Biopic über den klavierspielenden, stockschwulen Las-Vegas-Entertainer Liberace, der jeden verklagte, der behauptete, er sei schwul.
Soderbergh erzählt pointiert, mit einem scharfen Blick auf die damalige Bigotterie und die Schauwerte, die Liebesgeschichte zwischen den beiden Männern, in der der ältere Mann den anderen verführt, ausnutzt und letztendlich verstößt. Es ist auch ein Blick auf die Schattenseiten des Showgeschäfts, in denen ein Star wie ein kleiner König herrschen kann.
Es ist ein neuer Film, aber wie mehreren kürzlich angelaufenen Horrorfilmen liegt auch bei „Beware Boiúna“ der Referenzrahmen eindeutig in der Vergangenheit. Genaugenommen in den siebziger und achtziger Jahren. Schon die Schrifteinblendungen am Anfang, das Bildformat, die Bilder, das verschwitzte Aussehen der normal aussehenden Schauspieler und die Story erinnern eindeutig an ältere Abenteuer- und Horrorfilme, in denen Glücksritter auf der Suche nach Schätzen im unzugänglichen Dschungel Einheimischen und Tieren begegneten. Je nach Film waren die Einheimischen treudoofes Kanonenfutter, ungastlich mordlüstern, manchmal auch eindeutig kannibalistisch und oft auch sehr sinnesfreudig. Die gefährlichen Tiere, allesamt noch nicht entdeckte, manchmal aus Legenden bekannte Arten, verteidigten mordlüstern und menschenfressend ihr Revier. Manchmal gab es im Dschungel auch ein Königreich oder die pompöse Zentrale des Bösewichts. Aber „Beware Boiúna“ ist nicht diese Art Film, in der ein Königreich entdeckt wird. „Beware Boiúna“ ist ein altmodischer Tierhorrorfilm, in dem eine riesige Schlange sich durch den Dschungel frisst.
Bis sie zum ersten Mal richtig auftaucht, lässt Regisseur Mike P. Nelson sich viel Zeit. Unter der Leitung eines erfahrenen Arztes unternimmt ein junges Ärzteteam auf einem heruntergekommenem Boot eine mehrwöchige Reise durch den Amazonas. In abgelegenen und nur sehr schwer erreichbaren Gegenden versorgen sie die Einheimischen mit Medikamenten und verarzten sie. Zum Team gehört Lena. Sie sucht ihren kürzlich in der Gegend spurlos verschwundenen Bruder. Er arbeitete als Kurier für Goldgräber.
An einer Station stoßen sie auf ein anderes Schiff. Auf ihm sind Brennan, sein jüngerer Bruder und einige weitere Besatzungsmitglieder. Sie führen Vermessungsarbeiten für eine geplante Straße durch. Das muss genügen, um sie als Bösewichter zu kennzeichnen.
Als die Jungärztin Alli mitten in der Nacht deren Schiff losbinden will, wird sie von Brennans Bruder erwischt. Im Kampfgetümmel fällt er unglücklich. Lena und Alli lassen die Leiche verschwinden. Schließlich ist die nächste Polizeistation weit weg, der Tote war ein trunksüchtiger Widerling und in der Wildnis verschwinden ständig Menschen.
Am nächsten Tag fahren sie mit dem Medizinschiff weiter. Noch bevor sie ihren nächsten geplanten Haltepunkt erreichen können, nimmt Brennan ziemlich mordlüstern die Verfolgung auf.
Und dann taucht die legendäre, sehr freßfreudige Riesenschlange Boiúna auf.
„Beware Boiúna“ ist ein gut abgehangener Tierhorror, der wie ein in den Siebzigern gedrehter und seitdem verschollener Film wirkt, der jetzt in einer restaurierten Fassung ins Kino kommt. Diese Illusion zerstören die Macher zwar am Filmanfang, wenn sie Found-Footage-Aufnahmen zeigen, die nach dem Datumsstempel erst kürzlich aufgenommen wurden. Aber danach wird während des gesamten Films auf alles, was übermäßig ‚modern‘ sein könnte, verzichtet.
Die Überraschungen bewegen sich im Rahmen von Details und Variationen bekannter Elemente. Die beiden Frauen haben eine größere und aktivere Rolle als in älteren Filmen. Der Junge im Ärzteteam ist ein sympathischer Hasenfuß, der die berechtigte Frage stellt, was er im Dschungel zu suchen hat. Er ist für den Humor zuständig. Diese Witzfigur war früher eindimensionaler angelegt. Die Einheimischen werden mehr als in älteren Filmen als unterscheidbare Individuen gezeichnet. Die Probleme im Amazonas nehmen einen größeren Raum ein. Es geht um das Leben der Indigenen, die zunehmende Zerstörung ihres Lebensraums, den skrupellosen Umtrieben von Goldräubern und anderen den Regenwald rodenden und das Land hemmungslos ausbeutenden Menschen und Organisationen. Das sind keine neuen, aber immer noch aktuelle Probleme, die etwas aus dem Fokus der Weltöffentlichkeit geraten sind.
Mike P. Nelson drehte seinen Horrorfilm in Kolumbien in Leticia und im Amazonas, teilweise mit Einheimischen. Das sieht man.
Insgesamt ist „Beware Boiùna“ – vor allem für alle, die endlich mal wieder einen ‚realistischen‘ Tierhorrorfilm sehen wollen, bei dem sie im Kinosaal die dampfende Schwüle des Dschungels verspüren – ein sehenswerter B-Horrorfilm, der nie vorgibt mehr zu sein.
Zum 50. Todestag von Jean Gabin (15. November 1976):
Arte, 21.45
Hafen im Nebel (Les Quai des Brunes, Frankreich 1938)
Regie: Marcel Carné
Drehbuch: Jacques Prévert
LV: Pierre Mac Orlan (geboren als Pierre Dumarchais): Quai des brumes, 1938 (Hafen im Nebel)
In Le Havre wartet der Deserteur auf sein Schiff in die Freiheit. Da verliebt er sich in die schöne Nelly, die allerdings auch von einem Gauner und ihrem Vormund begehrt wird.
Ein auch heute noch absolut sehenwerter Filmklassiker, ein Welterfolg des „poetischen Realismus“ und manchmal wird „Hafen im Nebel“ auch in den Noir-Kanon aufgenommen.
Anschließend, um 23.15 Uhr, zeigt Arte die brandneue einstündige Doku „Jean Gabin: Filmstar und Mann mit Charakter“ (Frankreich 2026).
Mit Jean Gabin, Michèle Morgan, Michel Simon, Pierre Brasseur
Einen gelungenen Über- und Einblick in das Werk feministischer Regisseurinnen in Deutschland bietet der von Karin Herbst-Meßlinger und Rainer Rother bereits 2019 herausgegebene Sammelband „Selbstbestimmt – Perspektiven von Filmemacherinnen“. Das 216-seitige Werk konzentriert sich in fünf längeren thematischen Aufsätzen und fünf Einzelbetrachtungen wichtiger Filme vor allem auf bundesdeutsche Regisseurinnen und wie sie in den sechziger, siebziger und achtziger Jahren versuchten, eine eigene Sprache zu finden zwischen Mainstream-Filmen à la Edgar-Wallace-, Lümmel- und Schulmädchenreportfilmen, und dem eindeutig von Männern dominiertem Neuen Deutschen Film. Auf DDR-Regisseurinnen wird kaum eingegangen. Ihre wenigen Filme wurden nach der Premiere aus dem Verkehr gezogen und erst nach der Wende einem breiteren Publikum zugänglich gemacht. In dem Moment waren es schon eindeutig historische Filme.
Wie auch bei anderen von der Stiftung Deutsche Kinemathek und Bertz + Fischer (von dem Verlag ist die Buchhandelsausgabe) veröffentlichten Filmbücher ist „Selbstbestimmt“ reichhaltig bebildert. In diesem Fall gibt es als Bonus zwei DVDs mit insgesamt zehn Filmen. Drei davon haben Spielfilmlänge.
Alte Nazis und Neue Rechte: Der große Rechtsruck nach dem Krieg (Deutschland 2025)
Regie: Florian Hartung, Kim Schibilla
Drehbuch: Florian Hartung, Kim Schibilla
TV-Premiere. 55-minütige Doku über rechtsextreme Umtriebe in Deutschland und Frankreich um 1968 – und was die Gesellschaft dagegen unternahm.
In Deutschland zog die sich bürgerlich gebende NPD mit ihren NSDAP-Mitgliedern in sieben Landtage. In Frankreich probierte die Nouvelle Droite eine intellektuelle, langfristig das Denken der Gesellschaft verändernden Herangehensweise.
Noch werden die Buden für den Weihnachtsmarkt an der Gedächtniskirche (aka Weihnachtsmarkt am Breitscheidplatz) aufgebaut und eingerichtet. Die Beleuchtung ist noch aus. Ein fröhlicher Weihnatsmann prostet freundlich den vorbeihastenden Fußgängern zu. Er hat alle Zeit der Welt.
New York, 1841: Solomon Northup wird von Sklavenhändlern entführt und in die Südstaaten verkauft.
Steve McQueens grandioser Film schildert die wahre Geschichte von Solomon Northup. Der vielfach ausgezeichnete und hochgelobte Film erhielt, unter anderem, den Oscar als Bester Film.
Die Fakten sind schockierend und kaum bekannt. Im KZ Auschwitz sterilisierte der anerkannte Gynäkologen Prof. Dr. Carl Clauberg während des Zweiten Weltkriegs im Block 10 hunderte Frauen gegen ihren Willen und ohne ihr Wissen. Ohne Rücksicht auf Verluste probierte er an ihnen ein operationsloses Sterilisationsverfahren aus. Zu den Tätern gehörten auch zur Kollaboration erpresste jüdische Häftlingsärzte.
Deshalb ist es gut, dass Marcus O. Rosenmüller, basierend auf einem Drehbuch von Alice Brauner, die den Film auch produzierte, einen Film darüber drehte. Er tat es mit dem gebotenen Respekt und Anstand. Und so nah an den Fakten wie möglich. Der Film spielt fast ausschließlich im Block 10. Rosenmüller verzichtet auf eindeutig erkennbare Helden und Bösewichter; wobei Axel Prahl als Prof. Dr. Carl Clauberg so diabolisch-fies spielt, dass er sich als Bösewicht qualifiziert.
Brauner und Rosenmüller zeigen ein System, in dem alle mitmachen. Sie konzentrieren sich auf den Block 10 und die Menschen, die dort als Täter und Opfer waren. Dabei konzentrieren sie sich auf die Täter. Clauberg interessiert sich nicht für die Frauen, sondern für Forschungsergebnisse. Viele Zwangssterilisationen werden von dem feinfühlig auf die Frauen eingehendem jüdischen Doktor Maximilian Samuel (Christian Berkel) durchgeführt, der seine Tochter beschützen will.
Das Ergebnis ist honorig, in seiner Ernsthaftigkeit rechtschaffen bemüht, aber auch zu brav und zu konventionell in Richtung „Großer TV-Film der Woche mit einem wichtigen historischen Thema und Starbesetzung“ inszeniert.
„Son of Saul“ und „The Zone of Interest“ (läuft am Montag, den 9.. November, um 22.15 Uhr im ZDF und kann danach wohl auch in der Mediathek angesehen werden), die ebenfalls in und vor dem KZ Auschwitz spielen, zeigen eindrücklicher die Schrecken in einem Konzentrationslager.
Block 10(Deutschland 2026)
Regie: Marcus O. Rosenmüller
Drehbuch: Alice Brauner
mit Christian Berkel, Axel Prahl, Johannes Zirner, Moritz Führmann, Bibiana Beglau, Marta Sroka, Rafael Stachowiak, Michelle Twarowska, Luisa Aschenbrenner, Anezka Rusevova, Lea Fassbender, Gonny Gaaker, Robert Besta, Milena Straube, Nilofar Khodabakhshi, Voula Doulgkeridou, Talia Dogan, Lena Kalisch, Lydia Georgantzi
Kurz nachdem die drei Kindheitsfreundinnen Kasih, Saya und Hani sich nach langer Zeit wieder treffen und durch die Siedlung, in der sie groß wurden, ziehen, wird ein Anschlag auf ein Mehrfamilienhaus verübt. Es gibt Verletzte und mehrere Tote. Die Polizei verhaftet Saya. Das Motiv ist unklar, könnte aber linksextremistisch oder islamistisch sein.
Kasih will nicht glauben, dass Saya eine Mörderin sein soll.
Ausgehend von diesem Anschlag entwirft Milena Aboyan in ihrem neuen Film, der auf dem hochgelobtem gleichnamigen Roman von Shida Bazyar basiert, eine atemberaubende Reise durch das migrantische Leben in den vergangenen Jahrzehnten in Deutschland. Weil Kasih eine extrem unzuverlässige Erzählerin ist, die mit den Vorurteilen der deutschen Mehrheitsgesellschaft gegenüber den ‚Ausländern‘, dem eigenen Selbstbild und dem nach außen getragenem Image spielt, ist in dieser nicht-chronologischen, assoziativen Erzählung auch unklar, was denn nun Wahrheit, was Lüge, was Vorurteile sind. Ob und warum Saya die Tat beging oder nicht beging, ist dabei sekundär. Auch weil Kasih, die Saya längere Zeit nicht gesehen hat, darüber nur mehr oder weniger zutreffende Vermutungen anstellen kann.
Diese Nicht-Geschichte erzählt Aboyan erfrischend weit von den üblichen TV-Konventionen und dem Mainstream deutscher Spielfilme.
Deshalb fallen die überaus konventionelle Farbgebung und Bildgestaltung und die partiell zeitlich eindeutige Verortung der Geschichte negativ ins Gewicht. Hier hätte Aboyan locker auf jede Jahresangabe verzichten können. „Drei Kameradinnen“ handelt von einem Gefühl und es ist Kasihs zum Scheitern verurteilter Versuch einer Wahrheitsfndung, während sie sich und uns mit verschiedenen Selbstbildern und Zuschreibungen konfrontiert.
Drei Kameradinnen(Deutschland 2026)
Regie: Milena Aboyan
Drehbuch: Milena Aboyan
LV: Shida Bazyar: Drei Kameradinnen, 2021
mit Bayan Layla, Manal Raga a Sabit, Brikena Ray, Hadnet Tesfai, Eugene Boateng, Jasmin Shakeri, Meret Becker, David Richter
Als ihr kleiner Bruder Mac von einem Schwarm Krähen entführt wird, begibt die zwölfjährige Prue McKeel sich in die „Undurchdringliche Wildnis“, einen direkt hinter Portland, Oregon, liegenden verzauberten Wald, in dem all die guten und bösen Wesen leben, die in Zauberwäldern leben und unsere Heldin, zusammen mit ihrem trotteligen, sie verliebt begleitenden Mitschüler Curtis Mehlberg, ungeahnte und gefährliche Abenteuer erleben lassen.
Im Kern ist die Story von „Wildwood“ selbstverständlich aus zahlreichen Fantasy-Büchern und Filmen bekannt. Travis Knight erzählt sie durchaus flott, mit einigen Überraschungen, glaubwürdigen Figuren und mit über hundertdreißig Minuten zu lang. Das ist alles gut gemacht und würde allemal für eine Empfehlung des Films für ein jugendliches Publikum ausreichen.
Wirklich beeindruckend ist, dass „Wildwood“ als Stop-Motion-Animationsabenteuer erzählt wird. Entstanden ist der Film in jahrelanger Arbeit. 2018 begannen Storyboard-Künstler mit dem Zeichnen von Bildern. Anfang 2020 ging der Film in die Vorproduktion. Offiziell begannen die Dreharbeiten 2021. 233 Puppen wurden entworfen, hergestellt und eingekleidet. Damit die Gesichter natürlich aussehen, wurde 142030 Ersatzgesichter erstellt. 132 reale Kulissen wurden erstellt. 728 Bäume wurden handgefertigt. 49 Animatoren arbeiteten an dem Film Bild für Bild. Der fertige Film besteht aus 2804 Einstellungen. Vom Produktionsstart bis zur Fertigstellung des Films vergingen 231 Wochen.
In dem fertigen Film gibt es Actionszenen und mit Kämpfenden randvoll gefüllte Kampfszenen, die schon in einem normalen Film beeindruckend und logistisch schwierig wären. Hier wurde es mit Puppen gemacht und es sieht verdammt echt aus.
Drehbuch: Chris Butler (nach den Büchern von Colin Meloy und Carson Ellis)
mit (im Original den Stimmen von) Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Carey Mulligan, Mahershala Ali, Awkwafina, Angela Bassett, Jake Johnson, Maya Erskine, Charlie Day, Jemaine Clement, Tom Waits, Tantoo Cardinal, Richard E. Grant, Amandla Stenberg, Blythe Danner
Der Soldat James Ryan (Saving Private Ryan, USA 1998)
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: Robert Rodat
1944, nach der Landung der Allierten in der Normandie, wird US-Captain Miller mit einigen Männern losgeschickt. Sie sollen den titelgebenden Soldaten James Ryan finden und nach Hause schicken. Dummerweise weiß niemand, wo er ist.
Packender Kriegsfilm von Steven Spielberg. Auch wenn er letztendlich nur die Geschichte vom tapferen Soldaten erzählt.
Mit Tom Hanks, Edward Burns, Tom Sizemore, Matt Damon, Barry Pepper, Adam Goldberg, Vin Diesel, Giovanni Ribisi, Jeremy Davis, Ted Danson, Bryan Cranston, Paul Giamatti
Für die trüben Novembertage empfehlen die Damen und Herren Krimikritiker in ihrer monatlichen Krimibestenliste, präsentiert von Deutschlandfunk und Deutschlandfunk Kultur, folgende mörderischen Romane:
1 (7) Tana French: Wie ein Fluss in der Nacht
Aus dem Englischen von Henning Ahrens
560 Seiten
26 Euro
S. Fischer
2 (2) Belinda Bauer: Das Ding der Unmöglichkeit
Aus dem Englischen von Conny Lösch
400 Seiten
25 Euro
Antje Kunstmann
3 (-) Attica Locke: Führe mich heim
Aus dem Englischen von Andrea Stumpf
358 Seiten
26 Euro
Polar
4 (-) Caroline Blackwood: Das Schicksal von Mary Rose
Aus dem Englischen von Claudia Voit
284 Seiten
24 Euro
Insel
5 (9) Dirk Schmidt: Final Show
267 Seiten
17 Euro
Suhrkamp
6 (-) Iva Procházkova: Ein Lied für den Weg
Aus dem Tschechischen von Mirko Kraetsch
428 Seiten
22 Euro
Braumüller
8 (3) Mike Nicol: Die Schakalin
Aus dem Englischen von Meredith Barth
511 Seiten
15 Euro
btb
9 (-) Liza Cody: Die herzlose Detektivin
Aus dem Englischen von Iris Konopik
272 Seiten
18 Euro
Ariadne/Argument
10 (1) Peter Grainger: Ein unglücklicher Tod
Aus dem Englischen von Eva Regul
272 Seiten
18 Euro
Diogenes
–
In ( ) ist die Platzierung vom Vormonat.
–
Dass Peter Grainger mit zwei Romanen auf der Liste steht, dürfte eine Premiere sein.
Attica Locke liegt ziemlich weit oben auf meinem Zu-lesen-Stapel. Dummerweise dauert die Lektüre von Anna Mais “Brausecrash” länger als erwartet. Nicht weil das Buch schlecht ist, sondern weil ich so wenig Zeit habe.
2015, so erzählt Fatih Akin, hatte sein damals zehnjähriger Sohn die Idee für einen Film über zwei Freunde, von denen der eine lebendig und der andere tot ist. Diese Idee war der Ursprung für seinen neuesten Film „Geister“. Pünktlich zum Filmstart erschien jetzt auch die auf dem Drehbuch und Rohschnittfassungen basierende, von Bea Davies gezeichnete Comicversion.
Aus den beiden Freunden wurden zwei Abiturienten, die sich auf einer Abifeier im Turmkorb des Heinrich-Hertz-Turms, dem Fernsehturm von Hamburg, an der Bar kennen lernen. Die beiden Einser-Abiturienten Faris (Eren M. Güvercin) und Farasha (Mariam Dawoud) verstehen sich sofort. Es ist die sprichwörtliche Liebe auf den ersten Blick.
Farasha bittet Faris, sie heimzufahren. Zusammen mit zwei Freunden, die er ebenfalls nach Hause fahren will, machen sie sich auf den Weg. Es ist eine dieser typischen Heimfahrtouren quer durch die Stadt. Als er sich im Roßhafen verfährt, geschieht ein Unfall.
Am nächsten Tag erwacht Faris im Krankenhaus. Er erfährt, dass er in die Elbe gefahren und Farasha ertrunken ist. Warum es zum Unfall kam und was am Unfallort genau passierte, enthüllt Akin ziemlich ungeschickt in Bruchstücken über den gesamten Film.
Die tote Farasha erfährt von ihrem ebenfalls totem Vater, dass die Toten in den ersten vierzig Tagen nach ihrem Tod den Lebenden im Traum begegnen können. Danach verschwänden sie im Nebel der Erinnerung. Farasha versucht nun den von ihr über alles geliebten Faris zu kontaktieren. Und Faris versucht, mit Farashas Hilfe, Klarheit über seine Gefühle und sein weiteres Leben zu erlangen. Im Moment kann er sich kein Leben ohne Farasha vorstellen.
Fatih Akin erzählt die Geschichte einer großen Liebe. Was kann da nach „Gegen die Wand“ schon schiefgehen? Und er erzählt sie mit jungen Protagonisten, die gerade ihr Abitur hinter sich haben. Was kann da nach Filmen wie „Tschick“, „Rheingold“, „Amrum“ und „Kurz und schmerzlos“ schon schiefgehen?
In den ersten Minuten, wenn Farasha und Faris sich zum ersten Mal begegnen, zeigt Akin, dass alles schiefgehen kann. In der Szene stimmt nichts.Die Gefühle sind bestenfalls behauptet. Bei diesem ersten Gespräch zwischen Farasha und Faris ist nicht die Taubheit für das Gespräch der beiden Jugendlichen, sondern die Taubheit für jedes Gespräch erstaunlich. So reden Menschen nicht miteinander. Nicht im echten Leben, nicht auf einer Theaterbühne, höchstens in einem schlechten Film.
Im folgenden wird es nicht besser. Das Spiel bleibt gekünstelt. Das Plotting ist seltsam. Das Erzähltempo enervierend langsam. Szenen, die große Gefühle zeigen sollen, erreichen das Gegenteil. Anstatt nach Taschentüchern zu suchen, gibt es peinliches Schweigen und Lachanfälle.
In „Geister“ ist nichts von dem Fatih Akin zu spüren, der sich in seinen anderen Filmen so gut auf die widerstreitenden Gefühle seiner Protagonisten einließ und er ein fantastisches Gespür für jugendliche Protagonisten, ihr Leben, ihre Gefühle und Wünsche hatte. Aber das waren glaubwürdige Figuren, mit denen man sich gerne auf eine Reise begab. In „Geister“ sind sie nur Abziehbilder für Behauptungen.
Während der Film auf keiner Ebene funktioniert, funktioniert die von Bea Davies gezeichnete Comic-Version prächtig. Ihr Comic ist ein Filmroman. D. h. er hält sich in den Dialogen und Bildern sklavisch an das Drehbuch und überträgt die Geschichte möglichst getreu in ein anderes Medium. Im Comic sind die gekünstelten Dialoge des Films gut lesbar. Schließlich gibt es in einem Comic keinen Platz für lange Dialoge. Sie sind immer knapp. Die Zeichnungen und das Erzähltempo stimmen. Der Wechsel zwischen den SW-Panels und den wenigen farbigen Elementen, die für das Totenreich stehen, ist schlüssig. Akins Film ist dagegen durchgehend bunt. Und ein Manga oder ein Anime, in dem Menschen im Kontakt mit mal guten, mal bösen Geistern stehen, ist keine Seltenheit.
Wer sich für die Geschichte interessiert, sollte den Comic lesen.
Geister (Deutschland 2026)
Regie: Fatih Akin
Drehbuch: Fatih Akin, Ruth Toma
mit Mariam Dawoud, Eren M. Güvercin, Carlotta von Falkenhayn, Gabriel-Winner Amorin, Anna Bederke, Lama Alhalabi, Aya Samra, David Schütter
Länge: 106 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Der Comic zum Film
Bea Davies: Geister (nach einem Film von Fatih Akin)
TV-Premiere. Über 160 Minuten erzählt Tom Tykwer einige Wochen aus dem Leben der normal dysfunktionalen Berliner Familie Engels, deren Leben etwas aus den gewohnten Bahnen gerät, als sie eine syrische Immigrantin als Haushälterin engagieren. Denn Farrah ist nicht nur Haushälterin.
Schön, dass Tom Tykwer nach einer neunjährigen Kinopause wieder Kino macht. Schade, dass es kein besserer Film wurde.
Seit 2009 veröffentliche Jörg Maurer sechzehn humoristische Alpenkrimis mit Kommissar Hubertus Jennerwein als etwas seltsamen und an Akinetopsie (aka Bewegungsblindheit) leidenden Ermittler. Von den Büchern wurden über drei Millionen Exemplare verkauft. Mit den Verfilmungen haute es bislang nicht hin. 2011 wurde der Jennerwein-Krimi „Föhnlage“ für das Fernsehen verfilmt. Es blieb eine einmalige Ermittlung.
Jetzt wird ein zweiter Versuch gestartet. „Kommissar Jennerwein – Hochsaison“ bekommt sogar, trotz TV-Optik und einer erkennbar auf weitere Filme angelegten Erzählweise, einen Kinostart.
Während des Neujahrsspringen in Garmisch-Partenkirchen wird auf den gerade springenden dänischen Skispringer geschossen. Der vor wenigen Minuten in dem Ort wieder angekommene Kommissar Jennerwein (Florian Brückner) beginnt mit seinen Ermittlungen. Während der Bürgermeister möchte, dass die Ermittlungen möglichst schnell beendet werden und er wieder ungehindert die Bewerbung von Garmisch-Partenkirchen für die Winter-Olympiade forcieren kann, erhalten Jennerwein und sein Team anonyme Briefe, in denen weitere Taten angekündigt werden.
Hannu Salonens Verfilmung des zweiten Jennerwein-Alpenkrimis „Hochsaison“ nimmt sich, zum Glück, gegenüber dem Roman viele Freiheiten und konzentriert sich mehr auf den Kriminalfall.
Im Gegensatz zu dem konfus vor sich hin plätscherndem Roman, erzählt Salonen, ausgehend von einem von Maximilian Brückner, Linus Herbig-Matten und Dinah Marte Golch geschriebenem Drehbuch, eine ziemlich stringente Kriminalgeschichte mit einer ordentlichen Portion bayerischem Humor. Es gibt einem Blick auf die regionalen Besonderheiten und Sehenswürdigkeiten, die fotogen für die Verbrechen ins Szene gesetzt werden. Das Ermittlerteam findet in diesem Krimi zusammen. Die Absicht der Macher, dass es gemeinsam weitere Fälle lösen soll, ist unverkennbar. Das alles orientiert sich deutlich an den gelungeneren Eberhofer-Krimikomödien. In „Kommissar Jennerwein – Hochsaison“ ist alles harmloser und austauschbarer.
Veröffentlicht von AxelB 
