New York, 1841: Solomon Northup wird von Sklavenhändlern entführt und in die Südstaaten verkauft.
Steve McQueens grandioser Film schildert die wahre Geschichte von Solomon Northup. Der vielfach ausgezeichnete und hochgelobte Film erhielt, unter anderem, den Oscar als Bester Film.
Die Fakten sind schockierend und kaum bekannt. Im KZ Auschwitz sterilisierte der anerkannte Gynäkologen Prof. Dr. Carl Clauberg während des Zweiten Weltkriegs im Block 10 hunderte Frauen gegen ihren Willen und ohne ihr Wissen. Ohne Rücksicht auf Verluste probierte er an ihnen ein operationsloses Sterilisationsverfahren aus. Zu den Tätern gehörten auch zur Kollaboration erpresste jüdische Häftlingsärzte.
Deshalb ist es gut, dass Marcus O. Rosenmüller, basierend auf einem Drehbuch von Alice Brauner, die den Film auch produzierte, einen Film darüber drehte. Er tat es mit dem gebotenen Respekt und Anstand. Und so nah an den Fakten wie möglich. Der Film spielt fast ausschließlich im Block 10. Rosenmüller verzichtet auf eindeutig erkennbare Helden und Bösewichter; wobei Axel Prahl als Prof. Dr. Carl Clauberg so diabolisch-fies spielt, dass er sich als Bösewicht qualifiziert.
Brauner und Rosenmüller zeigen ein System, in dem alle mitmachen. Sie konzentrieren sich auf den Block 10 und die Menschen, die dort als Täter und Opfer waren. Dabei konzentrieren sie sich auf die Täter. Clauberg interessiert sich nicht für die Frauen, sondern für Forschungsergebnisse. Viele Zwangssterilisationen werden von dem feinfühlig auf die Frauen eingehendem jüdischen Doktor Maximilian Samuel (Christian Berkel) durchgeführt, der seine Tochter beschützen will.
Das Ergebnis ist honorig, in seiner Ernsthaftigkeit rechtschaffen bemüht, aber auch zu brav und zu konventionell in Richtung „Großer TV-Film der Woche mit einem wichtigen historischen Thema und Starbesetzung“ inszeniert.
„Son of Saul“ und „The Zone of Interest“ (läuft am Montag, den 9.. November, um 22.15 Uhr im ZDF und kann danach wohl auch in der Mediathek angesehen werden), die ebenfalls in und vor dem KZ Auschwitz spielen, zeigen eindrücklicher die Schrecken in einem Konzentrationslager.
Block 10(Deutschland 2026)
Regie: Marcus O. Rosenmüller
Drehbuch: Alice Brauner
mit Christian Berkel, Axel Prahl, Johannes Zirner, Moritz Führmann, Bibiana Beglau, Marta Sroka, Rafael Stachowiak, Michelle Twarowska, Luisa Aschenbrenner, Anezka Rusevova, Lea Fassbender, Gonny Gaaker, Robert Besta, Milena Straube, Nilofar Khodabakhshi, Voula Doulgkeridou, Talia Dogan, Lena Kalisch, Lydia Georgantzi
Kurz nachdem die drei Kindheitsfreundinnen Kasih, Saya und Hani sich nach langer Zeit wieder treffen und durch die Siedlung, in der sie groß wurden, ziehen, wird ein Anschlag auf ein Mehrfamilienhaus verübt. Es gibt Verletzte und mehrere Tote. Die Polizei verhaftet Saya. Das Motiv ist unklar, könnte aber linksextremistisch oder islamistisch sein.
Kasih will nicht glauben, dass Saya eine Mörderin sein soll.
Ausgehend von diesem Anschlag entwirft Milena Aboyan in ihrem neuen Film, der auf dem hochgelobtem gleichnamigen Roman von Shida Bazyar basiert, eine atemberaubende Reise durch das migrantische Leben in den vergangenen Jahrzehnten in Deutschland. Weil Kasih eine extrem unzuverlässige Erzählerin ist, die mit den Vorurteilen der deutschen Mehrheitsgesellschaft gegenüber den ‚Ausländern‘, dem eigenen Selbstbild und dem nach außen getragenem Image spielt, ist in dieser nicht-chronologischen, assoziativen Erzählung auch unklar, was denn nun Wahrheit, was Lüge, was Vorurteile sind. Ob und warum Saya die Tat beging oder nicht beging, ist dabei sekundär. Auch weil Kasih, die Saya längere Zeit nicht gesehen hat, darüber nur mehr oder weniger zutreffende Vermutungen anstellen kann.
Diese Nicht-Geschichte erzählt Aboyan erfrischend weit von den üblichen TV-Konventionen und dem Mainstream deutscher Spielfilme.
Deshalb fallen die überaus konventionelle Farbgebung und Bildgestaltung und die partiell zeitlich eindeutige Verortung der Geschichte negativ ins Gewicht. Hier hätte Aboyan locker auf jede Jahresangabe verzichten können. „Drei Kameradinnen“ handelt von einem Gefühl und es ist Kasihs zum Scheitern verurteilter Versuch einer Wahrheitsfndung, während sie sich und uns mit verschiedenen Selbstbildern und Zuschreibungen konfrontiert.
Drei Kameradinnen(Deutschland 2026)
Regie: Milena Aboyan
Drehbuch: Milena Aboyan
LV: Shida Bazyar: Drei Kameradinnen, 2021
mit Bayan Layla, Manal Raga a Sabit, Brikena Ray, Hadnet Tesfai, Eugene Boateng, Jasmin Shakeri, Meret Becker, David Richter
Als ihr kleiner Bruder Mac von einem Schwarm Krähen entführt wird, begibt die zwölfjährige Prue McKeel sich in die „Undurchdringliche Wildnis“, einen direkt hinter Portland, Oregon, liegenden verzauberten Wald, in dem all die guten und bösen Wesen leben, die in Zauberwäldern leben und unsere Heldin, zusammen mit ihrem trotteligen, sie verliebt begleitenden Mitschüler Curtis Mehlberg, ungeahnte und gefährliche Abenteuer erleben lassen.
Im Kern ist die Story von „Wildwood“ selbstverständlich aus zahlreichen Fantasy-Büchern und Filmen bekannt. Travis Knight erzählt sie durchaus flott, mit einigen Überraschungen, glaubwürdigen Figuren und mit über hundertdreißig Minuten zu lang. Das ist alles gut gemacht und würde allemal für eine Empfehlung des Films für ein jugendliches Publikum ausreichen.
Wirklich beeindruckend ist, dass „Wildwood“ als Stop-Motion-Animationsabenteuer erzählt wird. Entstanden ist der Film in jahrelanger Arbeit. 2018 begannen Storyboard-Künstler mit dem Zeichnen von Bildern. Anfang 2020 ging der Film in die Vorproduktion. Offiziell begannen die Dreharbeiten 2021. 233 Puppen wurden entworfen, hergestellt und eingekleidet. Damit die Gesichter natürlich aussehen, wurde 142030 Ersatzgesichter erstellt. 132 reale Kulissen wurden erstellt. 728 Bäume wurden handgefertigt. 49 Animatoren arbeiteten an dem Film Bild für Bild. Der fertige Film besteht aus 2804 Einstellungen. Vom Produktionsstart bis zur Fertigstellung des Films vergingen 231 Wochen.
In dem fertigen Film gibt es Actionszenen und mit Kämpfenden randvoll gefüllte Kampfszenen, die schon in einem normalen Film beeindruckend und logistisch schwierig wären. Hier wurde es mit Puppen gemacht und es sieht verdammt echt aus.
Drehbuch: Chris Butler (nach den Büchern von Colin Meloy und Carson Ellis)
mit (im Original den Stimmen von) Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Carey Mulligan, Mahershala Ali, Awkwafina, Angela Bassett, Jake Johnson, Maya Erskine, Charlie Day, Jemaine Clement, Tom Waits, Tantoo Cardinal, Richard E. Grant, Amandla Stenberg, Blythe Danner
Der Soldat James Ryan (Saving Private Ryan, USA 1998)
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: Robert Rodat
1944, nach der Landung der Allierten in der Normandie, wird US-Captain Miller mit einigen Männern losgeschickt. Sie sollen den titelgebenden Soldaten James Ryan finden und nach Hause schicken. Dummerweise weiß niemand, wo er ist.
Packender Kriegsfilm von Steven Spielberg. Auch wenn er letztendlich nur die Geschichte vom tapferen Soldaten erzählt.
Mit Tom Hanks, Edward Burns, Tom Sizemore, Matt Damon, Barry Pepper, Adam Goldberg, Vin Diesel, Giovanni Ribisi, Jeremy Davis, Ted Danson, Bryan Cranston, Paul Giamatti
Für die trüben Novembertage empfehlen die Damen und Herren Krimikritiker in ihrer monatlichen Krimibestenliste, präsentiert von Deutschlandfunk und Deutschlandfunk Kultur, folgende mörderischen Romane:
1 (7) Tana French: Wie ein Fluss in der Nacht
Aus dem Englischen von Henning Ahrens
560 Seiten
26 Euro
S. Fischer
2 (2) Belinda Bauer: Das Ding der Unmöglichkeit
Aus dem Englischen von Conny Lösch
400 Seiten
25 Euro
Antje Kunstmann
3 (-) Attica Locke: Führe mich heim
Aus dem Englischen von Andrea Stumpf
358 Seiten
26 Euro
Polar
4 (-) Caroline Blackwood: Das Schicksal von Mary Rose
Aus dem Englischen von Claudia Voit
284 Seiten
24 Euro
Insel
5 (9) Dirk Schmidt: Final Show
267 Seiten
17 Euro
Suhrkamp
6 (-) Iva Procházkova: Ein Lied für den Weg
Aus dem Tschechischen von Mirko Kraetsch
428 Seiten
22 Euro
Braumüller
8 (3) Mike Nicol: Die Schakalin
Aus dem Englischen von Meredith Barth
511 Seiten
15 Euro
btb
9 (-) Liza Cody: Die herzlose Detektivin
Aus dem Englischen von Iris Konopik
272 Seiten
18 Euro
Ariadne/Argument
10 (1) Peter Grainger: Ein unglücklicher Tod
Aus dem Englischen von Eva Regul
272 Seiten
18 Euro
Diogenes
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In ( ) ist die Platzierung vom Vormonat.
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Dass Peter Grainger mit zwei Romanen auf der Liste steht, dürfte eine Premiere sein.
Attica Locke liegt ziemlich weit oben auf meinem Zu-lesen-Stapel. Dummerweise dauert die Lektüre von Anna Mais “Brausecrash” länger als erwartet. Nicht weil das Buch schlecht ist, sondern weil ich so wenig Zeit habe.
2015, so erzählt Fatih Akin, hatte sein damals zehnjähriger Sohn die Idee für einen Film über zwei Freunde, von denen der eine lebendig und der andere tot ist. Diese Idee war der Ursprung für seinen neuesten Film „Geister“. Pünktlich zum Filmstart erschien jetzt auch die auf dem Drehbuch und Rohschnittfassungen basierende, von Bea Davies gezeichnete Comicversion.
Aus den beiden Freunden wurden zwei Abiturienten, die sich auf einer Abifeier im Turmkorb des Heinrich-Hertz-Turms, dem Fernsehturm von Hamburg, an der Bar kennen lernen. Die beiden Einser-Abiturienten Faris (Eren M. Güvercin) und Farasha (Mariam Dawoud) verstehen sich sofort. Es ist die sprichwörtliche Liebe auf den ersten Blick.
Farasha bittet Faris, sie heimzufahren. Zusammen mit zwei Freunden, die er ebenfalls nach Hause fahren will, machen sie sich auf den Weg. Es ist eine dieser typischen Heimfahrtouren quer durch die Stadt. Als er sich im Roßhafen verfährt, geschieht ein Unfall.
Am nächsten Tag erwacht Faris im Krankenhaus. Er erfährt, dass er in die Elbe gefahren und Farasha ertrunken ist. Warum es zum Unfall kam und was am Unfallort genau passierte, enthüllt Akin ziemlich ungeschickt in Bruchstücken über den gesamten Film.
Die tote Farasha erfährt von ihrem ebenfalls totem Vater, dass die Toten in den ersten vierzig Tagen nach ihrem Tod den Lebenden im Traum begegnen können. Danach verschwänden sie im Nebel der Erinnerung. Farasha versucht nun den von ihr über alles geliebten Faris zu kontaktieren. Und Faris versucht, mit Farashas Hilfe, Klarheit über seine Gefühle und sein weiteres Leben zu erlangen. Im Moment kann er sich kein Leben ohne Farasha vorstellen.
Fatih Akin erzählt die Geschichte einer großen Liebe. Was kann da nach „Gegen die Wand“ schon schiefgehen? Und er erzählt sie mit jungen Protagonisten, die gerade ihr Abitur hinter sich haben. Was kann da nach Filmen wie „Tschick“, „Rheingold“, „Amrum“ und „Kurz und schmerzlos“ schon schiefgehen?
In den ersten Minuten, wenn Farasha und Faris sich zum ersten Mal begegnen, zeigt Akin, dass alles schiefgehen kann. In der Szene stimmt nichts.Die Gefühle sind bestenfalls behauptet. Bei diesem ersten Gespräch zwischen Farasha und Faris ist nicht die Taubheit für das Gespräch der beiden Jugendlichen, sondern die Taubheit für jedes Gespräch erstaunlich. So reden Menschen nicht miteinander. Nicht im echten Leben, nicht auf einer Theaterbühne, höchstens in einem schlechten Film.
Im folgenden wird es nicht besser. Das Spiel bleibt gekünstelt. Das Plotting ist seltsam. Das Erzähltempo enervierend langsam. Szenen, die große Gefühle zeigen sollen, erreichen das Gegenteil. Anstatt nach Taschentüchern zu suchen, gibt es peinliches Schweigen und Lachanfälle.
In „Geister“ ist nichts von dem Fatih Akin zu spüren, der sich in seinen anderen Filmen so gut auf die widerstreitenden Gefühle seiner Protagonisten einließ und er ein fantastisches Gespür für jugendliche Protagonisten, ihr Leben, ihre Gefühle und Wünsche hatte. Aber das waren glaubwürdige Figuren, mit denen man sich gerne auf eine Reise begab. In „Geister“ sind sie nur Abziehbilder für Behauptungen.
Während der Film auf keiner Ebene funktioniert, funktioniert die von Bea Davies gezeichnete Comic-Version prächtig. Ihr Comic ist ein Filmroman. D. h. er hält sich in den Dialogen und Bildern sklavisch an das Drehbuch und überträgt die Geschichte möglichst getreu in ein anderes Medium. Im Comic sind die gekünstelten Dialoge des Films gut lesbar. Schließlich gibt es in einem Comic keinen Platz für lange Dialoge. Sie sind immer knapp. Die Zeichnungen und das Erzähltempo stimmen. Der Wechsel zwischen den SW-Panels und den wenigen farbigen Elementen, die für das Totenreich stehen, ist schlüssig. Akins Film ist dagegen durchgehend bunt. Und ein Manga oder ein Anime, in dem Menschen im Kontakt mit mal guten, mal bösen Geistern stehen, ist keine Seltenheit.
Wer sich für die Geschichte interessiert, sollte den Comic lesen.
Geister (Deutschland 2026)
Regie: Fatih Akin
Drehbuch: Fatih Akin, Ruth Toma
mit Mariam Dawoud, Eren M. Güvercin, Carlotta von Falkenhayn, Gabriel-Winner Amorin, Anna Bederke, Lama Alhalabi, Aya Samra, David Schütter
Länge: 106 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Der Comic zum Film
Bea Davies: Geister (nach einem Film von Fatih Akin)
TV-Premiere. Über 160 Minuten erzählt Tom Tykwer einige Wochen aus dem Leben der normal dysfunktionalen Berliner Familie Engels, deren Leben etwas aus den gewohnten Bahnen gerät, als sie eine syrische Immigrantin als Haushälterin engagieren. Denn Farrah ist nicht nur Haushälterin.
Schön, dass Tom Tykwer nach einer neunjährigen Kinopause wieder Kino macht. Schade, dass es kein besserer Film wurde.
Seit 2009 veröffentliche Jörg Maurer sechzehn humoristische Alpenkrimis mit Kommissar Hubertus Jennerwein als etwas seltsamen und an Akinetopsie (aka Bewegungsblindheit) leidenden Ermittler. Von den Büchern wurden über drei Millionen Exemplare verkauft. Mit den Verfilmungen haute es bislang nicht hin. 2011 wurde der Jennerwein-Krimi „Föhnlage“ für das Fernsehen verfilmt. Es blieb eine einmalige Ermittlung.
Jetzt wird ein zweiter Versuch gestartet. „Kommissar Jennerwein – Hochsaison“ bekommt sogar, trotz TV-Optik und einer erkennbar auf weitere Filme angelegten Erzählweise, einen Kinostart.
Während des Neujahrsspringen in Garmisch-Partenkirchen wird auf den gerade springenden dänischen Skispringer geschossen. Der vor wenigen Minuten in dem Ort wieder angekommene Kommissar Jennerwein (Florian Brückner) beginnt mit seinen Ermittlungen. Während der Bürgermeister möchte, dass die Ermittlungen möglichst schnell beendet werden und er wieder ungehindert die Bewerbung von Garmisch-Partenkirchen für die Winter-Olympiade forcieren kann, erhalten Jennerwein und sein Team anonyme Briefe, in denen weitere Taten angekündigt werden.
Hannu Salonens Verfilmung des zweiten Jennerwein-Alpenkrimis „Hochsaison“ nimmt sich, zum Glück, gegenüber dem Roman viele Freiheiten und konzentriert sich mehr auf den Kriminalfall.
Im Gegensatz zu dem konfus vor sich hin plätscherndem Roman, erzählt Salonen, ausgehend von einem von Maximilian Brückner, Linus Herbig-Matten und Dinah Marte Golch geschriebenem Drehbuch, eine ziemlich stringente Kriminalgeschichte mit einer ordentlichen Portion bayerischem Humor. Es gibt einem Blick auf die regionalen Besonderheiten und Sehenswürdigkeiten, die fotogen für die Verbrechen ins Szene gesetzt werden. Das Ermittlerteam findet in diesem Krimi zusammen. Die Absicht der Macher, dass es gemeinsam weitere Fälle lösen soll, ist unverkennbar. Das alles orientiert sich deutlich an den gelungeneren Eberhofer-Krimikomödien. In „Kommissar Jennerwein – Hochsaison“ ist alles harmloser und austauschbarer.
Und jetzt sollte ich erklären, welcher Godzilla zurück ist.
Seinen ersten Auftritt hatte er 1954 in Inoshiro Hondas „Godzilla“. Der SW-Monsterheuler thematisierte auch die Folgen des Zweiten Weltkriegs, vor allem der Atombombenabwürfe auf Hiroshima und Nagasaki, für Japan. Seitdem trat er in unzähligen weiteren Filmen auf. Die meisten Filme waren billig. Mit kindlicher Freude zertrampelte Godzilla Großstädte, während Menschen versuchten, ihn zu besiegen. Manchmal kämpfte Gozilla auch gegen andere Kaijus. Die Menschen kämpften gegen sie. Am Ende war eine Großstadt kaputt. Und viele Kinder und Jugendliche hatten einen wunderschönen Sonntagnachmittag vor dem Fernseher verbracht.
Später durfte Godzilla im Big-Budget-Hollywoodkino mitmischen. Aktuell in dem „MonsterVerse“. Die bislang fünf Filme waren teuer. Der günstigste soll 135 Millionen US-Dollar gekostet haben. Sie haben viele ziemlich gut aussehenden CGI-Effekte und sind, in verschiedenen Abstufungen, schlecht.
Mitten in dieses Hollywood-Franchise platzte 2023 „Godzilla Minus One“. Takashi Yamazaki erzählt in seinem mit einem Oscar für die besten visuellen Effekte prämiertem Monsterfilm, der am Ende des Zweiten Weltkriegs beginnt, vom Kampf einiger tapferer Menschen gegen Godzilla. Der aus Hollywood-Sicht extrem günstig produzierte Film – er soll 10 Millionen US-Dollar gekostet haben – war ein Überraschungserfolg.
„Gozilla Minus Zero“ ist die zwei Jahre später spielende Fortsetzung. Godzilla ist doch nicht tot. Artgenossen von Godzilla tauchen auf. Alles deutet auf einen großen Kampf zwischen Menschen und Monstern hin. Auf der Seite der Menschen kämpfen dann viele Menschen, die bereits in „Godzilla Minus One“ gegen Godzilla kämpften.
Für die ursprünglich nicht geplante Fortsetzung hatte Takashi Yamazaki, der wieder das Drehbuch schrieb, Regie führte und für die visuellen Effekte zuständig war, mehr Geld zur Verfügung. Er sagt bescheiden, das Budget sei etwas gestiegen. In jedem Fall war das VFX-Team größer. Dieses Mal bestand es nicht aus 35, sondern aus 50 Leuten. Es wurde im IMAX-Format gedreht. Und er ist einige Minuten länger.
Sein Film ist ein leicht zwiespältiges Vergnügen. Die Actionszenen sind gelungen. Vor allem im Finale wird dem Affen ordentlich Zucker gegeben. Aber sie sind rar. Die Auftritte von Godzilla und seinen, uh, Artgenossen noch rarer.
Zwischen den Actionszenen wird ordentlich gemenschelt, analysiert und sich auf den Kampf gegen die Monster vorbereitet. Die politischen Implikationen sind deutlich. Die Szenen mit Menschen sind oft quälend. Beispielsweise bemüht sich ein Mädchen schon von ihrem ersten Auftritt an erfolgreich, möglichst nervig zu sein. Das überbordende, kulturell bedingte Pathos und die damit verbundene Todesverachtung ist arg gewöhnungsbedürftig. Andere Szenen in der Familie und bei der Arbeit sind durchaus gelungen, aber auch eigentlich immer länger als nötig. So kommt der Monsterfilm auf deutlich über zwei Stunden Laufzeit.
Trotz aller Kritik ist „Godzilla Minus Zero“ ungleich besser als die Hollywood-Filme des „MonsterVerse“. Er bietet den Fans schon, was sie wollen und von einem japanischen Godzilla-Film erwarten.
Godzilla Minus Zero(Godzilla Minus Zero, Japan 2026)
Regie: Takashi Yamazaki
Drehbuch (und visuelle Effekte): Takashi Yamazaki
mit Ryûnosuke Kamiki, Minami Hamabe, Min Tanaka, Hidetaka Yoshioka, Masami Nagasawa, Yuki Yamada, Kuranosuke Sasaki, Jun Kunimura, Sakura Ando, Miou Tanaka, Sae Nagatani
Irgendwo in Russland in der Provinz: Gleb ist ein erfolgreicher Firmeninhaber, verheiratet und Vater. Sie leben in einem noblen, sehr westlich eingerichtetem Haus im Wald an einem See. Auf den ersten Blick ist alles perfekt. Aber nach Russlands Überfall auf die benachbarte Ukraine flüchten etliche Mitarbeiter in den Westen. Jeder seiner Arbeitstage beginnt mit der Meldung, wer nicht zur Arbeit erschienen ist. Zusätzlich bittet ihn die Regierung, vierzehn seiner Mitarbeiter für die ‚Spezialoperation‘ abzustellen. Gleb fragt sich, wen von seinen Angestellten er in den ziemlich sicheren Tod schicken soll.
Auch im Privaten häufen sich die Probleme. Seine Frau Galina betrügt ihn. Das kann und will er nicht akzeptieren.
Ruhig, sehr ruhig, immerhin hat „Minotaurus“ eine stolze Länge von 142 Minuten, erzählt Andrey Zvyagintsev von Glebs Leben und wie es immer mehr aus dem Ruder läuft. Er gehört eindeutig zur oberen Schicht. Er hat den Habitus eines Mitglieds der Bourgeoisie. In diesen Momenten wirkt Zvyagintsevs Film, als habe er Claude Chabrols bitterböse und präzise Analyse der französischen Gesellschaft, vor allem der französischen Gesellschaft der sechziger und siebziger Jahre, als er einige seiner besten und einflussreichsten Kriminaldramen drehte, auf die russische Gesellschaft übertragen. Das funktioniert erstaunlich gut. Zvyagintsev hat nicht nur Chabrols Gesellschaftsporträt, sondern einen seiner besten Filmen, nämlich „Die untreue Frau“ (La femme infidèle, Frankreich 1969), in die Gegenwart und in die russische Provinz verlegt.
Wenn man das während des Films begreift oder schon vorher weiß, dann kennt man natürlich die Geschichte und fragt sich, warum Zvyagintsev 45 Minuten mehr braucht als Chabrol, um diese Geschichte von Eifersucht, Mord und Liebe zu erzählen. Die anfängliche Spannung verfliegt, weil man den sich langsam entfaltenden, chronologisch und unterkühlt erzählten Plot, seine Wendungen und auch die Schlusspointe kennt. Ob Zvyagintsev Chabrols Schlusspointe genau so wiederholt oder, immerhin entstand Chabrols Film vor über fünfzig Jahren und spielte in einer anderen Gesellschaft, variiert, ist in dem Moment schon zweitrangig.
Insgesamt ist Zvyagintsevs Krimidrama über eine fremdgehende Frau und ihren eifersüchtigen Ehemann einfach zu lang. Daran ändert Zvyagintsevs Anklage gegen das System Putin und die präzisen, oft packenden, aber immer auch langen Miniaturen aus dem Leben in einer Provinzstadt, und etliche wegen ihrer Inszenierung atemberaubenden Szenen nichts.
Um alle Missverständnisse über den Wahrheitsgehalt der Geschichte auszuräumen, verrät das Presseheft auf der ersten Seite: „Diese Darstellung von Patricia Highsmith und ihrem Leben ist rein fiktiv.“
Regisseur Anton Corbijn erklärt es genauer: „Highsmith war eine reale Person, und sie zog in ein bunkerartiges Haus in der Schweiz, wo sie bis zu ihrem Tod lebte. Wir zeigen sie am Ende ihres Lebens, was biografisch der Wahrheit entspricht, aber alles andere ist fiktional. Wir spielen also mit dem Verständnis davon, wer sie war, und bauen darauf auf.“
Helen Mirren, die Patricia Highsmith spielt, stimmt ihm zu: „Wir haben keinen Dokumentarfilm über Patricia Highsmith gedreht. Wir drehen nicht einmal ein Dokudrama über sie. Sie ist eine Figur in einer Geschichte, die ein Krimi, ein Thriller, eine psychologische Untersuchung ist – offensichtlich inspiriert von ihrem brillanten Schreibstil. Es ist nicht die wahre Figur, die man da sieht. Ich betrachte es nicht als Imitation, es ist eine fiktive Figur, die von ihr inspiriert ist.“
Und wie alle großen Schriftsteller und Schriftstellerinnen (und Blues-, Jazz- und Rockmusiker; aber deren Geschichten sind andere Geschichten) wissen, sollte eine gute Geschichte niemals über Gebühr von lästigen Fakten gestört werden. Ein Roman, ein Theaterstück, ein Spielfilm ist Fiktion. Und das ist „Ein Talent fürs Morden“. Außerdem ist Corbijns Film ein großer Spaß für Fans von Patricia Highsmith und Tom Ripley, für Krimifans und für die Freunde einer guten schwarzhumorigen, mit Anspielungen und Metaebenen angereicherten Geschichte.
1995 soll der junge Lektor Edward Ridgeway (Alden Ehrenreich) die zurückgezogen in einem Chalet in den Schweizer Alpen lebende Patricia Highsmith (Helen Mirren) überzeugen, noch einen Ripley-Roman zu schreiben. Er hat schon gehört, dass sie schwierig sei. Aber dass sie so schwierig und biestig ist und ihn anscheinend umbringen will, damit hat er nicht gerechnet. Oder spielt sie nur mit ihm?
„Ein Talent fürs Morden“ basiert auf Joanna Murray-Smiths von ihr für den Film kunstvoll erweitertem Zwei-Personen-Theaterstück. Für Fans von Patricia Highsmith und ihrer bekanntesten Figur, dem Mörder Tom Ripley, ist das Ergebnis ein Fest. Gleich ihr erster Roman „Alibi für zwei“/“Zwei Fremde im Zug“ (Strangers on a train, 1950) mit seiner grandiosen Prämisse von einem vertauschten Mord war ein Erfolg. Alfred Hitchcock verfilmte ihn. 1955 erschien ihr erster Ripley-Roman „Nur die Sonne war Zeuge“/“Der talentierte Mr. Ripley“ (The talented Mr Ripley). Die erste Verfilmung von 1960 machte Alain Delon, der Ripley verkörperte, zum Star. 1999 verfilmte Anthony Minghella den Roman wieder. Mit Matt Damon als Ripley. Beide Filme gelten inzwischen als Klassiker. Highsmith hatte damals einen Mörder erfunden, der weiter morden durfte in ihren Romanen und den Verfilmungen. Beispielsweise in „Der amerikanische Freund“ von Wim Wenders. Und das sind nur die bekanntesten Ripley-Verfilmungen für das Kino.
Highsmith schrieb fünf Ripley-Romane. Er blieb ihr einziger Seriencharakter.
Nachdem Ridgeway die ersten Stunden und Nacht mit der Hausherrin überlebt, beginnen sie ein Spiel, das die Grenzen zwischen Realität und Fiktion weiter verwischt. Sie erfinden einen neuen Ripley-Roman – und wir sehen Ridgeway als Ripley (Eldenreich in einer Doppelrolle), der die Frau, die er auf der Zugfahrt zu Patricia Highsmith kennen lernte, mit mörderischen Absichten verführt. Sie könnte ein Vermögen erben.
In der schwarzhumorigen Krimikomödie gibt es selbstverständlich etliche Anspielungen auf Tom Ripley. Wobei sich wegen der großen Bekanntheit des ersten Ripley-Romans und den allseits bekannten Verfilmungen vor allem auf diesen Ripley-Roman konzentriert wird. Alle anderen Werke und ihr ebenfalls damals unbekannteres, heute bekannteres Privatleben werden dagegen weitgehend und großflächig ignoriert. Schließlich will „Ein Talent fürs Morden“ ein glänzend gespielter und inszenierter Spaß mit dem öffentlichen Image und dem populären Wissen über Patricia Highsmith sein.
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Wer es realistischer will, kann sich den Dokumentarfilm „Loving Highsmith“ (Schweiz/Deutschland 2022) ansehen. Und wer einige Zeit auf der Couch verbringen will, kann einige ihrer bei Diogenes erschienenen Bücher lesen.
Am 18. November erscheint dort als 15. Band der Reihe „Modern Classics“ ihr früher Roman „Salz und sein Preis“ in einer neuen Ausgabe als Hardcover.
Der Roman ist ein untypischer Highsmith-Roman, weil er keine Kriminal- sondern eine Liebesgeschichte erzählt und weil er ursprünglich unter Pseudonym erschien. 1952 wurde er unter dem Autorennamen Claire Morgan veröffentlicht. Highsmith wollte damals nicht als Autorin lesbischer Romane angesehen werden. In „The Price of Salt“, so der Originaltitel, erzählt Highsmith die optimistisch endende Liebesgeschichte zwischen der neunzehnjährigen Verkäuferin Therese Belivet und der dreizehn Jahre älteren, wohlhabenden, eine Tochter habenden, verheirateten, aber getrennt lebenden Carol Aird. Die Paperback-Ausgabe wurde über eine Million mal verkauft.
1990 veröffentlichte Highsmith den Roman unter ihrem Namen als „Carol“. Eine erste Übersetzung (von Kyra Stromberg) erschien 1990 bei Diogenes als „Carol – Roman einer ungewöhnlichen Liebe“. 2005 erschien, ebenfalls bei Diogenes, der Roman in einer neuen Übersetzung (von Melanie Walz) als „Salz und sein Preis“.
2015 kam die von Todd Haynes sensibel inszenierte Verfilmung „Carol“ mit Cate Blanchett und Rooney Mara in den Hauptrollen in die Kinos.
Ein gewöhnlicher Startpunkt ist natürlich einer ihrer Kriminalromane. Es ist egal, mit welchem man beginnt.
Ein Talent fürs Morden (A Talent for Murder, Großbritannien/Schweiz/Italien 2026)
Regie: Anton Corbijn
Drehbuch: Joanna Murray-Smith (nach ihrem Theaterstück „Switzerland“ [2014])
mit Helen Mirren, Alden Ehrenreich, Olivia Cooke, Juliet Stevenson
Länge: 106 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Lektüretipp (erhältlich in dieser Ausgabe ab dem 18. November)
Patricia Highsmith: Salz und sein Preis
(übersetzt von Melanie Walz, mit einem Nachwort von Patricia Highsmith und einem von Antje Rávik Strubel)
Weil die TV-Premiere von „Late Night with the Devil“ (Toller Film!) im ZDF um 01.20 Uhr einfach zu spät ist:
One, 21.55
Shoplifters – Familienbande(Manbiki Kazoku, Japan 2018)
Regie: Hirokazu Kore-eda
Drehbuch: Hirokazu Kore-eda
Die Familie Shibata hält sich mit kleinen Ladendiebstählen über Wasser. Aber sie sind auch eine herzensgute Familie, die spontan die kleine Yuri, die allein auf einem Balkon spielt, bei sich aufnehmen.
Gewohnt feinfühliger Film von Hirokazu Kore-eda über echte und falsche Familien, der verdient in Cannes die Goldene Palme erhielt.
Bis auf Daniel Craigs tödliche (und wie ich finde tödlich misslungene) Abschiedsvorstellung “Keine Zeit zu sterben” zeigt das ZDF ab Dienstag, den 1. Dezember, ab 10.00 Uhr alle Eon-James-Bond-Filme; also die klassischen, kanonisierten, offiziellen James-Bond-Filme mit Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan und Daniel Craig.
Nicht alle Filme laufen im Fernsehen, aber alle sind in der Mediathek. Konkret: ab dem 1. Dezember sind sie für sechzig Tage im ZDF-Streaming-Portal und ab Freitag, den 18. Dezember, um 22.25 Uhr werden einige Bond-Filme im ZDF, ZDFneo und auf 3sat gezeigt.
Das ist also eine grandiose Gelegenheit, Lücken zu schließen oder einfach noch einmal fast alle James-Bond-Filme zu sehen. Ohne Werbung und auch ohne die Filme zu kaufen.
Friendly Fire – Erich Fried (Deutschland/Österreich 2025)
Regie: Klaus Fried, Julia Albrecht (Realisation)
Drehbuch: Klaus Fried, Andrew Hood
TV-Premiere. Klaus Fried will herausfinden, warum sein Vater Erich Fried (6. Mai 1921, Wien – 22. November 1988, Baden-Baden) so wenig über ihn wusste.
Entstanden ist kein Film über das Werk von Erich Fried, sondern über die Suche nach einem Vater, der gleichzeitig ein von der ganzen Welt bewunderter Dichter und politischer Essayist war. Ein mit Absicht sperriger und dissonanter Film. Sehenswert!
Aufgrund eines Fluchs tauschen der gefürchtete Serienmörder ‚Blissfield Butcher‘ (Vince Vaughn) und die 17jährige Millie Kessler (Kathryn Newton) ihre Körper. Der Mörder ist begeistert. Denn niemand würde vermuten, dass eine schnuckelige Schülerin ein gefürchteter Mörder ist. Er erkundet sofort neue, ihm vorher verschlossene Jagdreviere. Die Schülerin hätte dagegen gerne ihren alten Körper zurück.
Köstlicher Bodyswitch-Slasherfilm mit einer ordentlichen Portion Slapstick (wenn der Riese Vaughn eine 17-jährige spielt) und voller gelungener Anspielungen und Zitate auf Horrorfilme.
Wenige Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs schickt die CSSR einen Spion und die UdSSR eine Spionin in den Westen. Während ihres ersten echten Einsatzes treffen sie sich zufällig in München in einer Hotelbar. Sie verlieben sich ineinander und interessieren sie sich nicht mehr für ihre Mission.
Dass Pavel besonders sprachbegabt ist, kommt öfter vor. Dass Sylva, bevor sie im Institut für experimentelle Humanmedizin zu einer wunderschönen Frau wurde, eine Füchsin war, ist dagegen einzigartig und jenseits jeder Realität. Aber so etwas kommt in osteuropäischen Romanen, auch wenn sie keine Fantasy-Romane sind, die in Buchhandlungen sofort bei den üblichen Fantasy-Romanen einsortiert werden, öfter vor.
Jiří Kratochvil wurde 1940 in Brünn geboren. Von 1968 bis 1989 belegte ihn die dortige Regierung mit einem politisch bedingtem Publikationsverbot. Inzwischen ist er einer der führenden Vertreter der tschechischen Postmoderne.
Sein neuester Roman „Fuchs zu Dame“ ist ein wenig Spionageroman, etwas Fantasy-Geschichte, milde Satire, bestenfalls durchwachsene postmoderne Spielerei und langweilige Biographie.
Für die Agentengeschichte interessiert Kratochvil sich kaum. Sylva und Pavel lassen schnell ihren eher nebulösen Auftrag links liegen. Gemeinsam flüchten sie in die USA und versuchen in der Provinz nicht aufzufallen. Spannend ist das nicht. Auch nicht witzig; – was ja für die mangelnde Spionageroman-Spannung entschädigen könnte. Und auch nie absurd oder satirisch genug, Dabei böten, wie viele Romane und Filme beweisen, die Missionen der Agenten, ihre Schattenspiele, die beginnende Paranoia des Kalten Krieges und die grundverschiedenen (?) Ideologien in Ost und West viel Anlass für herzhafte Lacher.
„Fuchs zu D ame“ ist eine, trotz ihrer Kürze von nicht einmal 240 Seiten, sich quälend lang anfühlende Doppelbiographie.
Kratochvils Roman erhielt 2020 den tschechischen Magnesia-Litera-Preis in der Kategorie Prosa.
P. S.: Die am Buchende platzierte „Anmerkung des Autors“ sollte, weil sie wichtige Informationen zur Geschichte enthält, erst nach der Lektüre gelesen werden.
Kurz nachdem Marina ihren Mann Alexander mit Veronal vergiftet hat, beginnt sie zu erzählen, wie sie zur Prostituierten wurde und sich in den trunksüchtigen Maler verliebt, wie er, verursacht durch einen Gehirntumor, sein Augenlicht verliert und sterben will.
Ein Skandalfilm und enormer Publikumserfolg. Aufgeregt werde sich damals weniger über die sekundenlange Nacktaufnahme von Hildegard Knef, sondern vor allem über die im Film breit angesprochenen Themen Sterbehilfe, Suizid, Inzest, Wilde Ehe und Prostitution. Das empörte 1951 die katholische Kirche (die evangelische Kirche war weniger empört) und die gottesfürchtige Bevölkerung. Es gab Aufrufe, den Film nicht zu zeigen oder ihn sich nicht anzusehen, Flugblätter, Schweigemärsche, mit Stinkbomben und Niespulver gestörte Kinovorstellungen, Vorführungen unter Polizeischutz und Aufführungsverbote.
„der größte Skandalfall des deutschen Nachkriegsfilms (…) „der interessanteste schlechte deutsche Film aus einer Zeit, da es fast nur schlechte deutsche Filme gab. (….) er hat die Faszination aller heillos chaotischen und wüst verkitschten Filme.“ (Christa Bandmann/Joe Hembus: Klassiker des deutschen Tonfilms, 1980)
Der damals, nach langen Verhandlungen, ab 18 Jahre freigegebene Film (heute FSK 12) ist ein aus Rückblenden bestehender Stummfilm, über den ein, von wenigen Dialogen unterbrochener, Monolog Marinas gelegt wurde.
Anschließend, um 21.40 Uhr, zeigt Arte die 55-minütige Doku „Hildegard Knef: So oder so ist das Leben” (Deutschland 2025, Regie: André Schäfer).
mit Hildegard Knef, Gustav Fröhlich, Robert Meyn, Aenne Bruck, Jochen-Wolfgang Meyn, Andreas Wolf
Veröffentlicht von AxelB 
