Misty – Die Erroll Garner Story(Misty – The Erroll Garner Story, Schweiz/Frankreich/Deutschland 2024)
Regie: Georges Gachot
Drehbuch: Georges Gachot, Paolo Poloni
TV-Premiere. Spielfilmlange Doku über den Jazzpianisten Errol Garner (1921 – 1977).
Seine bekannteste Aufnahme ist „Concert by the Sea“. Sein bekanntester Song ist „Misty“, unter anderem bedeutungsvoll gespielt in Clint Eastwoods Regiedebüt „Sadisctico“ (Play Misty for me, USA 1971).
Über die Doku meint das Lexikon des Internationalen Films: „Der Dokumentarfilm schöpft aus dem reichen Archivmaterial der Auftritte und macht es sich zur Aufgabe, den Musiker (…) der Vergessenheit zu entreißen. Dazu fährt der Film zahlreiche Lobeshymnen von damals bis heute auf, gerät darüber aber einseitig und wenig dramatisch, zudem widmet er sich zu ausführlich der wenig bekannten, aber auch nicht sehr ergiebigen privaten Seite des Künstlers.“
Trotzdem will man sich danach wieder eine seiner Aufnahmen anhören.
mit (teilweise Archivaufnahmen) Erroll Garner, Jimmie Smith, Ernest McCarty, Brian Torff, Jim Doran, Kim Garner, Rosalyn Noisette, Thelma Spencer, Martha Glaser, Dan Morgenstern, Gil Nobel
Letztes Jahr habe ich bereits zwei Songcomics besprochen. Aber der Ventil Verlag hat noch mehr Songcomics veröffentlicht, die abgefeiert werden können.
Zuerst muss wahrscheinlich erklärt werden, was ein „Songcomic“ ist. Das ist ganz einfach: es ist ein Comic, der einen Song illustriert und dabei den Text des Liedes übernimmt. Aus Lyrics werden Sprechblasen. Das geschieht mal näher, mal weniger nah an dem Song, aber es ist immer ein Vergnügen.
Die Auswahl der Songs erfolgt mal indem die Songs von einem markanten Album der Band genommen werden, mal indem einige ihrer bekannten Songs genommen werden. Jeder Zeichner illustriert einen Song. Das sichert eine stilistische Vielfalt. Dazu gibt es kurze Kommentare der Musiker zu den Songs und der Zeichner erklärt, was er mit dem Song verbindet.
Am Ende steht ein schönes Buch, das sich vor allem an die Fans der Band richtet. Die können dann die Schallplatte/CD aus dem Regal ziehen oder die Playlist anklicken.
In „Thank you for a lovely day“ werden die „The Go-Betweens“-Songs „Karen“, „Lee Remick“, „Right Here“, „The Clarke Sister“, „Bye Bye Pride“, „Love Goes on“, „Quiet Heaart“, „Streets of Your Town“, „German Farmhouse“, „Too Much of One Thing“ und „Here Comes a City“ von Philip Waechter, Katharina Kuhlenkampff, Matthias Lehmann, Bim Eriksson, Christopher Tauber, Noah van Sciver, Ulf K., Klaus Cornfield, Oska Wald, Luka Lenzin/Leif Gütschow und Sarah Lippett illustriert. In diesem Songcomics-Band sind alle Texte auf Englisch.
In „Monarchie und Alltag“ werden die „Fehlfarben“-Songs „Hier und jetzt“, „Grauschleier“, „Das sind Geschichten“, „All that heaven allows“, „Gottseidank nicht in England“, „Militürk“, „Apokalypse“, „Ein Jahr (Es geht voran)“, „Angst“, „Das war vor Jahren“ und „Paul ist tot“ – also die gesamte legendäre „Monarchie und Alltag“-LP – von Frank Witzel, 18 metzger, Anke Kuhl, Anna Sommer, Minou Zaribaf, Ricaletto, Karolina Chyzewska, Nicolas Mahler, Tine Fetz, Andreas Michalke und Markus Färber illustriert.
In „Ab dafür“ werden die „Trio“-Songs „Los Paul“, „Broken Hearts for you and me“, „Sabine, Sabine, Sabine“, „Danger is“, „Da Da Da ich lieb dich nicht du liebst mich nicht aha aha aha“ (ihr Überklassiker), „Kummer“, „Anna – lassmichrein lassmichraus“, „Bye Bye“, „Herz ist Trumpf“ und „Out in the streets“ von Jan Soeken, Klaus Cornfield, Helena Baumeister, Nadine Redlich, Dominik Wendland, Nicolas Mahler, Mawil/Gregor Hinz, Jul Gordon, Amelie Persson und Sandra Rummler illustriert.
In „Schwule Mädchen Sondereinheit“ werden die „Fettes Brot“-Songs „Jein“, „Amsterdam“, „Schwule Mädchen“, „Emanuela“, „Falsche Entscheidung“, „Klaus & Klaus & Klaus“, „Bettina, zieh dir bitte etwas an“, „Silberfische in meinem Bett“, „Echo“, und „An Tagen wie diesen“ von Kati Rickenbach, Kathrin Klinger, Noëlle Kröger, Jens Cornils, Tobi Dahmen, Wiebke Bolduan, Hamed Eshrat, Helena Baumeister, Josephine Mark und Büke Schwarz illustriert.
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Gunther Buskies/Jonas Engelmann (Hrsg.): Thank you for a lovely day – 11 The Go-Betweens Songcomics
Ventil, 2023
128 Seiten
25 Euro
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Gunther Buskies/Jonas Engelmann (Hrsg.): Monarchie und Alltag – Ein Fehlfarben-Songcomic
Ventil, 2022
128 Seiten
25 Euro
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Gunther Buskies/Jonas Engelmann (Hrsg.): Ab dafür – 10 Trio-Songcomics
Der Untertitel „She-Punks von 1977 bis heute“ ist schon etwas irreführend. Denn Reto Caduff erzählt in seinem Dokumentarfilm „Einfach machen!“ nicht die Geschichte von fast fünfzig Jahren Frauen in der Punkmusik. Er versucht es noch nicht einmal. Er erzählt die Geschichte von drei Frauenpunkbands damals und heute. Es handelt sich um Östro 430 (aus Düsseldorf), Mania D, die sich in Malaria! umbenannten (West-Berlin) und Kleenex, die später zu LiLiput wurde (Zürich). Sie waren Exotinnen. Denn damals war die Rockmusik in ihrer gesamten Breite männlich dominiert. Aber sie wollten endlich einen Platz auf der Bühne haben und sich dabei, dem revolutionären Zeitgeist folgend, von Männern nicht mehr vorschreiben lassen, was sie zu tun hatten. Sie wollten über die Dinge singen, die sie interessierten. Diesen Raum nahmen sie sich. Die in „Einfach machen!“ porträtierten Bands und einige andere Musikerinnen ebneten den Weg für weitere Frauenrockbands.
In den folgenden Jahren kam es in den drei im Film porträtierten Bands zu der üblichen Abfolge von Auflösungen, Weiterarbeit in verschiedenen anderen Konstellationen und Reunions. Einige der Musikerinnen zogen sich auch über viele Jahre aus dem Musikgeschäft zurück und zogen Kinder groß. Heute stehen sie als Musikerinnen wieder auf der Bühne.
Für seine Doku unterhielt Caduff sich mit den Musikerinnen. Anschließend schnitt er die Interviews mit historischen und aktuellen Aufnahmen und Liveaufnahmen zu einem netten Porträt über drei Frauenpunkbands.
Das ist kurzweilig und informativ ohne jemals zu sehr in die Tiefe zu gehen. Das gilt vor allem für den viel zu kurz geratenen Rückblick in die siebziger Jahre, als E-Gitarre spielende Frauen noch Exotinnen waren. Und natürlich ist „Einfach machen!“ keine Geschichte von fünfzig Jahren Frauen in der Punkmusik.
Trotzdem ist Caduffs Doku für Musikfans sehenswert. Und Musikerinnen, die überlegen, ob sie auf der Bühne ein Instrument spielen können, können sich an das Motto aller Punkmusiker*innen halten: „Einfach machen!“
Einfach machen! She-Punks von 1977 bis heute(Deutschland/Schweiz 2024)
Regie: Reto Caduff
Drehbuch: Christine Franz
mit Beate Bartel, Sandy Black, Bettina Flörchinger, Gudrun Gut, Christine Hahn, Carmen Knoebel, Bettina Köster, Madlaina Peer, Anja Peterssen, Elisabeth Recker, Sara Schär, Klaudia Schifferle, Martina Weith
ABER nicht in dieser Qualität. 1971 schlug Adrian Maben Pink Floyd, damals bestehend aus der klassischen Besetzung Roger Waters (Bass), David Gilmour (Gitarre), Richard Wright (Keyboards) und Nick Mason (Schlagzeug), vor, in Pompeji im Amphitheater einige Songs ohne Publikum zu spielen und daraus einen Konzertfilm zu machen.
1972 wurde das Werk erstmals der Öffentlickeit präsentiert. Vor dem Kinostart 1974 gab es Nachdrehs in den Abbey Road Studios. Seitdem wurde der Konzertfilm, teils in leicht geänderten Schnittfassungen, immer wieder veröffentlicht.
Präsentiert werden von den vier Musikern im menschenleeren, sonnendurchfluteten Theater heute immer noch bekannte Songs, wie „Echoes“, „One of these Days“ (beide von „Meddle“) und „A Saucerful of Secrets“ (von „A Saucerful of Secrets“ und „Ummagumma“), aber nicht die große Hits von ihren später veröffentlichten LPs. Als Pink Floyd in Pompeji spielte, waren sie bereits eine bekannte Band. Der große Durchbruch erfolgte 1973 mit „The Dark Side of the Moon“. Einige Soundschnipsel aus der LP wurden im Film zu Aufnahmen aus dem Abbey Road Studios verwendet. Dort entstanden auch Aufnahmen von Gesprächen mit und zwischen den Musikern.
Für die aktuelle Kinoauswertung wurde das originale 35mm-Kameranegativ, das kürzlich im Archiv von Pink Floyd entdeckt wurde, in 4K restauriert. Steven Wilson (Porcupine Tree) mischte für das Kino und das Heimkino den Ton neu ab.
Das Bild ist – ich konnte den Musikfilm im IMAX, in einer der vordersten Reihen sitzend, sehen – fantastisch. Das sind Details zu sehen, die frühere Generationen so wahrscheinlich niemals sahen. Der Ton überzeugt ebenfalls.
Der Film selbst ist heute eine Zeitkapsel, der auch eine Band kurz vor ihrem so von niemand erahnbarem großen Durchbruch zeigt. Einige damals revolutionäre Stilmittel sind heute veraltet. Einiges was damals mit großem logistischem Aufwand verbunden war, wird heute lässig für jeden Konzertmitschnitt verwendet. Die Mischung aus live im Amphitheater aufgenommenen Stücken, Impressionen aus dem Studio, Gesprächen und pointillistisch eingestreuten Bildern von durch die Landschaft laufenden Musikern und römischen Fresken war damals sicher aufregender als heute, wo wir solche Montagen schon hunderttausendmal gesehen haben. Jedenfalls hätte ich gerne mehr von ihrem Auftritt in Pompei gesehen.
Als historisches Dokument und als wegweisender Konzertfilm ist „Pink Floyd at Pompeii“ immer noch sehenswert und in der aktuellen Fassung, betitelt als „Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII“, im Kino ein Erlebnis, das wegen der Bilder und der Musik im größten Kinosaal mit der besten Soundanlage gesehen werden sollte.
Für das Heimkino und die heimische Stereonanlage erscheint der Konzertfilm am 2. Mai als CD, DVD, Blu-Ray und LP.
Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII(Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII, Großbritannien/USA 2025)
Regie: Adrian Maben
Drehbuch (eher Idee): Adrian Maben
mit Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright, Nick Mason
Länge: 89 Minuten
FSK: ab 0 Jahre
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alternativer Titel/Originaltitel: Pink Floyd: Live at Pompeii (Frankreich/Deutschland 1972/1974)
Für Maurice Ravel war es eine Auftragskomposition und eine technische Übung, die er zwischen Juli und Oktober 1928 für die Tänzerin und Choreographin Ida Rubinstein schrieb.
Das für ein Ballett geschriebene Orchesterwerk wurde schnell populär. Heute ist der „Bolero“ Ravels bekanntestes Stück. Immer noch, fast hundert Jahre nach der Premiere, ist es, so steht es im Presseheft, weltweit alle fünfzehn Minuten irgendwo zu hören. Oder anders gesagt: das Stück ist auf der Erde ununterbrochen zu hören.
Ravel hätte das vielleicht gefallen. Schließlich betrachtete er die Auftragskomposition als extremes und einseitiges Experiment, in dem ein Thema ohne jede Entwicklung wiederholt wird und allmählich einer Klimax zugeführt wird. Er meinte, es sei sein einziges Meisterwerk und ergänzte: „Leider hat es aber nichts mit Musik zu tun.“
Und diese Nicht-Musik wird jetzt ständig gespielt. Ohne eine Variation und ohne jemals zu enden.
Anne Fontaine („Coco Chanel – Der Beginn einer Leidenschaft“) erzählt in ihrem Biopic „Bolero“ jetzt, sich Freiheiten nehmend, Maurice Ravels Leben nach. Im Zentrum steht das titelgebende Stück. Sie konzentriert sich auf drei Abschnitte in Ravels Leben. Nämlich als er sich Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts fünfmal, immer erfolglos, um den renommierten Prix de Rome bewarb, auf das Schreiben des Orchesterstückes „Bolero“ 1927/1928 und auf seine letzten Tage, als eine schwere neurologische Erkrankung sein Leben bestimmte. Der am 7. März 1875 in Ciboure geborene Ravel starb am 28. Dezember 1937 in Paris.
Fontaine erzählt Ravels Leben nicht als verfilmten Wikipedia-Artikel. Das ist erfreulich, aber schon während des Sehens drängt sich der Eindruck auf, dass das Ansehen einer guten Dokumentation über Ravel die mit großem Abstand und in jeder Beziehung bessere Wahl gewesen wäre.
Bolero (Bolero, Frankreich/Belgien 2024)
Regie: Anne Fontaine
Drehbuch: Anne Fontaine, Claire Barré, Pierre Trividic (Mitarbeit), Jacques Fieschi (Mitarbeit), Jean-Pierre Longeat (Mitarbeit)
LV: Marcel Marnat: Maurice Ravel, 1986
mit Raphaël Personnaz, Doria Tillier, Jeanne Balibar, Vincent Perez, Emmanuelle Devos, Sophie Guillemin, Anne Alvaro, Marie Denarnaud
Als Bob Dylan (Timothée Chalamet) im Januar 1961 in New York ankommt, wartet niemand auf ihn. Er ist nur ein weiterer junger Mann mit einer Gitarre und dem Wunsch als Folk-Musiker Geld zu verdienen.
Wahnsinnig schnell steigt er, mit ein wenig väterlicher Hilfe von Pete Seeger (Edward Norton), den er am Krankenbett von seinem Idol Woody Guthrie trifft, zum Star und zur Stimme einer Generation auf.
Fünf Jahre später wagt er den Bruch mit der Folk-Szene. Er stöpselt seine Gitarre ein – und der Rest ist Rockgeschichte.
James Mangold der Regisseur des Johnny-Cash-Biopics „Walk the Line“, beschäftigt sich in seinem neuesten Film „Like a Complete Unknown“ mit diesen fünf entscheidenden Jahren in Bob Dylans Karriere. In diesen Jahren legte er das Fundament. Er schrieb viele Songs, die heute immer noch fest im kollektiven Gedächtnis verhaftet sind. Er elektrifizierte, mit einigen begnadeten Begleitmusikern, die Folkmusik zum Folkrock. Es ist auch eine Zeit, die musikhistorisch gut aufgearbeitet ist. Genannt seien hier, neben zahlreichen Büchern und Reportagen, Martin Scorseses vorzüglicher Dokumentarfilm „No Direction Home“, der sich ebenfalls mit diesen Jahren in Bob Dylans Leben beschäftigt, und die vielen CDs in Dylans „The Bootleg Series“, die sich intensiv mit diesen Jahren beschäftigen und bei Fans immer wieder für Erstaunen sorgen. Denn gerade wenn man glaubt, auch wirklich den allerletzten Alternate Take eines Songs gehört zu haben, veröffentlicht Dylan einen weiteren Alternate Take.
Über Dylans Privatleben ist weniger bekannt, was auch daran liegt, dass in Musikzeitschriften, LP-Kritiken und Dokumentarfilmen sich auf das Werk und damit zusammenhängende Äußerungen des Künstlers konzentriert wird. In einem Spielfilm ist das dann anders. Entsprechend großen Raum nehmen Dylans Beziehung zur Folk-Ikone Joan Baez (Monica Barbaro) und zu Suze Rotolo ein. Im Film heißt die politische Aktivistin und Friedenskämpferin Sylvie Russo (Elle Fanning). Beide animierten Dylan zu mehr politischen Liedern. Ein klassischer Polit-Sänger wurde er nie und er benimmt sich ihnen gegenüber immer wieder, wie Mangold in seinem Biopic zeigt, wie ein Arschloch. Seine erste Ehefrau, Sara Lownds, die er 1965 heiratete, wird im Film nicht erwähnt.
James Mangold stellt diese Zeit detailgetrau nach. Bei den Fakten nimmt er sich Freiheiten, die Dylan-Fans teilweise die Wände hochlaufen lassen. Salopp gesagt: die Gitarre stimmt, die Frisur stimmt, die Kleider stimmen, wahrscheinlich stimmt sogar Dylans Unterhose, die Lampe im Hintergrund sowieso, aber dann singt Dylan sein großes Liebeslied vor der falschen Frau oder zum falschen Zeitpunkt. „Like a complete unknown“ ist wahrlich kein verfilmter Wikipedia-Artikel, sondern ein Dylan-Biopic, das ein Gefühl von Dylans Aura vermitteln will und ihn als jungen, von Erfolg zu Erfolg eilenden Künstler zeigt, während Timothée Chalamet die unkaputtbaren Songs von Bob Dylan spielt.
„Like a complete unknown“ kann daher gut als Startpunkt für weitere Dylan-Studien verwendet werden. Außerdem hat Bob Dylan, geboren 1941 als Robert Allen Zimmerman in Duluth, Minnesota, schon am Beginn seiner Karriere einer guten Geschichte immer den Vorzug gegenüber der historischen Wahrheit gegeben.
Der Film selbst wirkt dabei immer wie der Besuch in einem Museum. Es ist informativ und kurzweilig in seiner Mischung aus Information und Musik. Vieles wird angesprochen, aber nie aus einer bestimmten Perspektive, sondern nüchtern-objektiv wie ein Text in einer Ausstellung, in dem dann steht, dass Dylan 1965 in Newport nicht mit der im Folk akzeptierten Akustikgitarre, sondern mit einer E-Gitarre auftrat und er von einer Rockband begleitet wurde. Teile des Publikums buhten über diesen Verrat an der Folkmusik. Dieser Auftritt bildet den Höhepunkt und das krachende Finale des Biopics. Die Songs funktionieren, das um den Auftritt ausbrechende Chaos verfolgt man eher ungerührt, weil einerseits an der Mythenbildung weitergearbeitet wird und andererseits nicht wirklich erfahrbar gemacht wird, wie groß der Bruch mit damaligen Folk-Szene war.
„Like a complete unkown“ bleibt in diesem Moment, wie während des gesamten Films, an der glänzenden Oberfläche, die nichts von den Leiden und Selbstzweifeln eines Künstlers verrät. Dylan tut, was Dylan tun muss. Die Folk-Szene und seine Beziehungen bleiben der folkloristische Hintergrund für ikonische Bilder. Das ist nie wirklich schlecht und immer gut gemacht, aber auch nie wirklich befriedigend.
Wer mehr über die damalige Folk-Szene und deren Innenleben erfahren möchte, sollte sich „Inside Llewlyn Davis“ ansehen. Der Film der Coen-Brüder endet mit der Ankunft von Dylan in Greenwich Village. Trotzdem ist es der bessere Film über Bob Dylan, die damalige Folk-Szene und die inneren und äußeren Kämpfe eines Musikers. Und dann gibt es noch Martin Scorseses bereits erwähnten Dokumentarfilm „No Direction Home“ über diese erste Schaffensphase in dem an Irrungen, Wirrungen, Ab- und Umwegen reichen Werk von Bob Dylan und seinen Erforschungen der amerikanischen Seele.
Like a complete unknown (A complete unknown, USA 2024)
Regie: James Mangold
Drehbuch: James Mangold, Jay Cocks
LV: Elijah Wald: Dylan Goes Electric!, 2015
mit Timothée Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro, Boyd Holbrook, Dan Fogler, Norbert Leo Butz, Scott McNairy
Michael Jary, Bruno Balz und Nick Cave lebten in Berlin. Und während Cave allgemein bekannt ist (jedenfalls wenn man sich für Rockmusik interessiert), dürften die Namen Jary und Balz kaum jemand etwas sagen. Dabei komponierten sie unzählige Schlager, die von einem Millionenpublikum gehört wurden. Gassenhauer eben. Aber die Namen der Texter und Komponisten von Schlagern kennen nur die wenigen Menschen, die auch das Kleingedruckte auf der Plattenhülle oder der Schallplatte lesen. Dabei sind die Lieder von Komponist Michael Jary (24. September 1906, Laurahütte – 12. Juli 1988, München) und der offen homosexuelle Texter Bruno Balz (6. Oktober 1902, Berlin – 14. März 1988, Bad Wiessee) heute immer noch bekannt. Teils durch die Interpretationen von Zarah Leander, für die sie mehrere Lieder schrieben. Zu ihren gemeinsamen Werken gehören „Das kann doch einen Seemann nicht erschüttern“, „Ich weiß, es wird einmal ein Wunder gescheh’n“, „Davon geht die Welt nicht unter“, „Das machen nur die Beine von Dolores“ und „Wir wollen niemals auseinandergehn“. Ihre Lieder sind in ungefähr 250 Kinofilmen zu hören.
Ihre Karriere begann, getrennt voneinander, in den zwanziger Jahren. Ab 1937 arbeiteten sie zusammen. In Berlin bezogen sie in der Fasanenstraße 60 zwei Wohnungen. So konnten sie einfacher zu jeder Tages- und Nachtzeit zusammen arbeiten. In den sechziger Jahren endete ihre jahrzehntelange Zusammenarbeit. Sie wandten sich auch vom musikalisch zunehmend uninteressantester werdendem Schlagergeschäft ab.
In seinem Dokumentarfilm „Im Schatten der Träume“ lässt Martin Witz das Leben von Komponist Michael Jary und Texter Bruno Balz Revue passieren in einer konventionellen Mischung aus sprechenden Köpfen (u. a. unser allerliebster Unterhaltungsmusiksänger Götz Alsmann und Rainer Rother, langjähriger kundiger Leiter der Kinemathek des Deutschen Historischen Museums [Berlin]), historischen Aufnahmen und Film- und Konzertausschnitten, in denen verschiedene Künstler ihre Lieder singen. Dabei entsteht auch ein Bild von Deutschland während der Weimarer Repulik, als Jary und Balz ihre Karriere begannen, dem Nationalsozialismus, als sie erfolgreich Lieder für UFA-Filme komponierten, und dem Wirtschaftswunder-Deutschland, als sie immer noch erfolgreich waren.
Insgesamt bleibt der Film deskriptiv an der Oberfläche und er ist überschaubar informativ, aber die alten Lieder funktionieren noch immer. Und deshalb gefällt der dann doch ziemlich kurzweilige Film.
Als Nick Cave und seine damalige Band „The Birthday Party“ 1982 nach Berlin kamen, lebten Jary und Balz noch und ein imaginiertes Treffen zwischen ihnen wäre sicher interessant geworden. Aber wahrscheinlich hätten sie sich nichts zu sagen gehabt. Während die Schlagerkomponisten Jary und Balz ihr Publikum nach einem anstrengenden Arbeitstag mit leichten Melodien erfreuen wollten, waren damals die Konzerte der „Birthday Party“ Nahkämpfe zwischen Publikum und Band und die Musiker waren wütend wütend wütend.
In seinem Dokumentarfilm „Mutiny in Heaven – Nick Caves frühe Jahre“ zeichnet Ian White die Geschichte von „The Birthday Party“ nach. Die kurzlebige und inzwischen legendäre Band ging aus der Punk/Wave-Band „The Boys next Door“ hervor. Als Nick Cave (voc), Mick Harvey (git, key, sax), Phill Calvert (dr), Tracy Pew (b) und Rowland S. Howard (git) 1980 von Melbourne (Australien) nach London umzogen und die LP „The Birthday Party“ veröffentlichten, änderten sie auch ihren Namen und ihren Stil. Fortan spielten sie lauten, aggressiven, kakophonischen Post-Punk/Noise-Rock. Die Kritik lobte den Krach, aber der große finanzielle Erfolg blieb aus. 1983 lösten sie sich auf. Nick Cave gründete die Bad Seeds.
Ian White montiert in seinem Dokumentarfilm über die Band Fotos, andere Dokumente aus der Bandgeschichte, viele bislang unbekannte Konzertmitschnitte und eigens für den Film erstellte animierte Sequenzen dicht und schnell aneinander. Die Menge der dokumentarischen Aufnahmen, die Ian White gefunden hat, ist beeindruckend. Die Bildqualität der Amateueraufnahmen oft historisch. Die Animationen basieren auf Originalzeichnungen von Reinhard Kleist. Von ihm sind auch die hochgelobten Comics „Nick Cave – Mercy on me“, „Nick Cave and The Bad Seeds: Ein Artbook“ und „Starman – David Bowie’s Ziggy Stardust Years“. Bei seiner durchdachten Montage des Materials arbeitet White mit Bildfehlern und akustischen und optischen Störungen. Die so entstandene Punk-Noise-DIY-Collage fordert Augen und Ohren heraus.
Darüber legt er die Stimmen der Bandmitglieder, die auf ihre Zeit in „The Birthday Party“ zurückblicken. Wie Asif Kapadia in seiner Amy-Winehouse-Doku „Amy“ verzichtet White so, obwohl er es doch ein-, zweimal tut, auf die in Dokumentarfilmen übliche Abfolge sprechender Köpfe. Allerdings können die einzelnen Sprecher nicht immer eindeutig identifiziert werden. Und natürlich ist ein solches Vorgehen nicht im Ansatz kritisch oder analytisch. Es ist Oral History und schwelgen in Erinnerungen.
„Mutiny in Heaven – Nick Caves frühe Jahre“ ist ein Film für die Fans von Nick Cave, die mehr über die teuflisch wütenden Anfäge des zunehmend pastoralen Sängers wissen wollen, und für Musikfans die mehr über eine legendäre Noise-Band und die frühen achtziger Jahre erfahren wollen. Alle anderen sollten einen großen Bogen um dieses Werk machen.
Im Schatten der Träume (Schweiz/Deutschland 2024)
Regie: Martin Witz
Drehbuch: Martin Witz
mit Götz Alsmann, Manfred Herzer, Micaela Jary, Claudio Maniscalco, Rainer Rother, Klaudia Wick, Bibi Johns, Carol Schuler
Rich Peppiatt erzählt in seinem Spielfilmdebüt „Kneecap“ mit den Musikern der nordirischen Hip-Hop-Band Kneecap die Geschichte der Band als ein Bandbiopic im „Trainspotting“-Punk-Stil. Da wird im Zweifelsfall für eine gute Story die Wahrheit zurechtgebogen. Das Ergebnis ist ein großer, respektloser Spaß über die aktuelle Situation in Nordirland, Jugendkultur, Hip-Hop und der Kampf um die Anerkennung der irischen Sprache. Kneecap, die auf irisch singen, was bis dahin noch keine Hip-Hop-Band gemacht hat, werden zur Stimme für die gerade im englisch sprechenden Nordirland stattfindende Abstimmung über ein irisches Sprachgesetz.
Das Sprachrohr der Abstimmungsinitiative werden sie nicht. Dafür erzählen ihre Texte zu rotzig und mit zu vielen Schimpfworten über ihr Leben und die alltäglichen Stellungskämpfe. Auf ihren Konzerten verteilen sie Drogen. Bei Jugendlichen kommt beides gut an.
Während die drei Musiker in ihrer Heimatstadt Belfast vor immer größerem Publikum spielen, ist das Leben der beiden Sänger Mo Chara und Móglai Bap und von DJ Pròvai, einem Lehrer, der aus Angst um seine Arbeitsstelle nur maskiert mit einer Sturmhaube in den Farben der irischen Flagge auftritt, ein einziges Chaos zwischen all den untereinander verfeindeten Splittergruppen. Vor allem die paramilitärische Splittergruppe „Radical Republicans Against Drugs“ (RRAD) und Detective Ellis verfolgen sie unerbittlich. Ellis glaubt nämlich, dass der IRA-Terrorist und Vater von Móglai Bap, Arló Ó Cairealláin (Michael Fassbender), nicht tot, sondern seit zehn Jahren untergetaucht ist und aus dem Untergrund weitere Verbrechen plant. Auch Arló ist von der zu viel unerwünschte Aufmerksamkeit auf ihn lenkenden Musikkarriere seines Sohnes nicht begeistert.
Kneecap besteht aus Mo Chara (Liam Óg Ó Hannaidh), Móglaí Bap (Naoise Ó Cairealláin) und DJ Próvaí (JJ Ó Dochartaigh), die sich in dem ‚Bandbiopic‘ selbst spielen. Gegründet wurde die Band 2017, nachdem der Irisch-Lehrer und Ex-Musiker JJ Ó Dochartaigh von Detective Ellis mitten in der Nacht als Übersetzer angefordert wird, weil der verhaftete Liam Óg Ó Hannaidh nur irisch reden und so die nur englisch sprechenden Polizisten beleidigen und provozieren will. JJ entdeckt, während er Liam hilft, dessen in einem Notizbuch notierten Texte. Er findet sie so gut, dass er noch in der Nacht beginnt sie zu vertonen. So erzählt jedenfalls die Komödie „Kneecap“ die erste Begegnung zwischen den Musikern. Schnell sind sie erfolgreich und umstritten. Das kann alles natürlich bei Wikipedia nachgelesen oder, frei interpretiert, in „Kneecap“ angesehen werden.
Kneecap(Kneecap, Großbritannien/Irland 2024)
Regie: Rich Peppiatt
Drehbuch: Rich Peppiatt
mit Naoise Ó Cairealláin, Liam Óg Ó Hannaidh, JJ Ó Dochartaigh, Josie Walker, Fionnuala Flaherty, Jessica Reynolds, Adam Best, Simone Kirby, Michael Fassbender
Der Film beginnt mit Robbie Williams, der ankündigt, er werde jetzt seine Geschichte erzählen. Das sagt er so unverblümt, dass der Ton für ein zumindest interessantes Biopic gesetzt ist. Immerhin bietet seine Karriere vom Mitglied in der erfolgreichen Boyband „Take That“ zu Solo-Weltstar, garniert mit einigen Drogenexzessen und publikumswirksamen Ausfällen, genug Stoff für ein zünftiges Musiker-Biopic.
Dann sehen wir Robbie Williams 1982 in seinem Geburtsort Stoke-on-Trent als neunjährigen Jungen, als er auf einem matschigen Bolzplatz als letzter für eine Fussballmannschaft ausgewählt wird – und wir sehen die eine geniale Entscheidung, die Musikvideo- und „Greatest Showman“-Regisseur Michael Gracey und die anderen Macher des Films trafen, die „Better Man – Die Robbie Williams Story“ sofort von allen anderen Musiker-Biopics unterscheidet und die gleichzeitig fast alle Biopic-Probleme löst. Es ist eine Idee, die so einfach, wie genial ist und die innerhalb des Films erstaunlich weit trägt. Robbie Williams sieht wie ein AFFE aus. Mit dieser Entscheidung entfiel für die Macher das Problem, Robbie-Williams-Lookalikes zu finden, die ihn als neunjährigen Jungen, Teenager (mit 15 wurde der Schulabbrecher Mitglied von „Take That“), jungen Mann und Anfang Dreißigjährigen (das Biopic endet kurz nach seinen legendären Knebworth-Konzerten von 2003) spielen und die ihm immer nur mehr oder weniger ähneln. Fans werden außerdem sofort die falschen Bewegungen und den falschen Gesang der Schauspieler bemerken, die den porträtierten Star spielen. Ein Affe verkörpert ihn während des gesamten Films. Der Film-CGI-Affe entstand aus der Stimme von Robbie Williams, Williams selbst in einem Motion-Capture-Anzug, und mehreren Schauspielern, die ihn spielen. Der jüngere Williams wird von Asmara Feik und Carter J. Murphy, der Ältere wird von Jonno Davies gespielt. Anschließend verschmolz Wētā FX die einzelnen Teile zu einem sehr überzeugend wirkendem Affen.
Auch das nächste Problem war damit gelöst. „Take That“ war eine aus fünf weißen Jungs bestehende Boygroup. Auf der Bühne sahen sie alle gleich aus. Tanzszenen sind Wimmelbilder, in denen viele gutaussehende junge Männer sich synchron bewegen und singen. Da dauert es immer einige Sekunden, bis man die einzelnen Sänger erkennt. Aber den einen Affen im Bild erkennt man sofort.
Auf der erzählerischen Ebene löste der Affe das Problem, wie man Robbie Williams‘ Selbstwahrnehmung zeigt. Er fühlt sich als Outsider. Das ist leicht gesagt. Aber wie zeigt man es? Wenn man ihn als den einzigen Affen in der Gruppe zeigt, löst sich das Problem in Luft auf. Seine Familie akzeptiert ihn, wie er ist. Seine Schulkameraden wollen mit dem seltsamen Jungen nichts zu tun haben. Er will unbedingt dazugehören, aber er tut es nicht. Und natürlich können die Macher jederzeit in Williams‘ Kopf springen und fantastische Szenen zeigen. Es sind Szenen, die in jedem anderen Film lächerlich wären. In „Better Man“ fügen sie sich nahtlos in die Erzählung ein.
Der Film selbst folgt dann, ziemlich konventionell, dem Leben von Robbie Williams von seiner Kindheit über „Take That“ und erfolgreichen Soloplatten bis zu seinem großen, von ihm ersehnten, für ihn subjektiv desaströs verlaufendem Auftritt in Knebworth vor hunderttausenden jubelnder Fans. Und weil Williams ein sich nicht schonender Erzähler ist, ist „Better Man“ ein auch für Menschen, die nichts von „Take That“ und Robbie Williams halten, sehenswerter Film.
Mit den heutigen Kinostarts „Better Man“, „Queer“ (der heute seinen bundesweiten Start hat) und „Nosferatu“ (den ich für hoffnungslos überbewertet halte) beginnt das Kinojahr vielversprechend. Einige werden diese Woche schon ihre ersten Einträge für die Jahresbestenliste tätigen.
Better Man – Die Robbie Williams Story (Better Man, Australien/USA 2024)
Regie: Michael Gracey
Drehbuch: Simon Gleeson, Oliver Cole, Michael Gracey
mit Robbie Williams, Jonno Davies, Steve Pemberton, Damon Herriman, Raechelle Banno, Alison Steadman, Kate Mulvany, Frazer Hadfield, Tom Budge, Anthony Hayes, Jake Simmance, Asmara Feik, Carter J. Murphy
Same procedure as last year – und selbstverständlich sind die Rollling Stones dabei. Dieses Mal um 16.45 Uhr mit ihrem Konzert in Shepherd’s Bush.
Den Auftakt machen um 06.15 Uhr die legendäre Country-Supergroup „The Highway Men“. Danach geht es weiter mit alten Bekannten wie Cyndi Lauper, Billy Joel, Clueso, Herbert Grönemeyer, Sheryl Crow und Liam Gallagher. Der Abend wird um 20.15 Uhr von AC/DC mit ihrem Madrid-Gastspiel von 1996 und um 21.45 Uhr von Anastacia mit Ausschnitten aus ihrer Europa-Tour von 2004 bestritten.
Miles Davis – Birth of the Cool (Miles Davis: Birth of the Cool, USA 2019)
Regie: Stanley Nelson
Drehbuch: Stanley Nelson
TV-Premiere. Gelungene spielfilmlange Doku über Jazz-Trompeter Miles Davis (1926 – 1991).
„Miles Davis – Birth of the Cool“ ist für den Davis-Fan eine Auffrischung bekannter Informationen. Für den Novizen ist die Doku ein glänzender und rundum gelungener Überblick über das Leben und Werk eines der wichtigsten Jazzmusiker.
mit (ohne zwischen aktuellen Interviews und Archivmaterial, ohne zwischen kurzen und langen Statements und ohne zwischen allgemein bekannten und unbekannteren Gesprächspartnern zu unterscheiden) Miles Davis, Carl Lumbly (im Original: Stimme von Miles Davis), Reginald Petty, Quincy Troupe, Farah Griffin, Lee Annie Bonner, Ashley Kahn, Benjamin Cawthra, Billy Eckstine, Walter Cronkite, Jimmy Heath, Jimmy Cobb, Dan Morgenstern, Charlie Parker, Greg Tate, Gerald Early, Quincy Jones, Wayne Shorter, Tammy L. Kernodle, Juliette Gréco, Vincent Bessières, George Wein, Eugene Redmond, Thelonious Monk, Carlos Santana, Herbie Hancock, Marcus Miller, Cortez McCoy, Sandra McCoy, Jack Chambers, Frances Taylor, Johnny Mathis, René Urtreger, Joshua Redman, John Coltrane, James Mtume, Lenny White, Vincent Wilburn Jr., Archie Shepp, Stanley Crouch, Gil Evans, Cheryl Davis, Ron Carter, Sly and the Family Stone, Clive Davis, Betty Davis, Marguerite Cantú, Mark Rothbaum, Erin Davis, Mike Stern, Mikel Elam, Jo Gelbard, Prince, Wallace Roney
Im August 2023 spielte Element of Crime in Berlin fünf Konzerte für den Konzert-/Dokumentarfilm „Element of Crime in Wenn es dunkel und kalt wird in Berln“. Die Konzerte erzählen einen Aspekt der Geschichte der Band, nämlich den steigenden Zuspruch des Publikums, nach. Das erste Konzert des Films ist im Privatclub, einer kleinen Location für 200 Gäste. An den folgenden Tagen traten sie in immer größeren Locations auf. Das fünfte und letzte Konzert ist ein ausverkauftes Open-Air-Konzert in der Zitadelle Spandau vor 9000 Fans.
Für seinen Dokumentarfilm „Element of Crime in Wenn es dunkel und kalt wird in Berlin“ ergänzte Schauspieler Charly Hübner die Live-Aufnahmen um Interviews mit den Bandmitgliedern und einige Bilder von den Anfängen der Band in den achtziger Jahren in kleinen Berliner Clubs. Damals sangen sie noch auf Englisch. Der Erfolg blieb aus. Das änderte sich 1991 mit „Damals hinterm Mond“, ihrer ersten LP mit deutschen Texten und dem richtigen Beginn der Geschichte von „Element of Crime“. Seitdem ist ihre Musik eine melancholisch-filigrane Nachtmusik zwischen Chanson, Independent und ruhiger Rockmusik. Sie haben keine großen Hits, aber einen unverkennbaren Stil, den sie seit über dreißig Jahren perfektionieren.
„Element of Crime in Wenn es dunkel und kalt wird in Berlin“ ist eine ordentliche Musikdoku, die in bewährter Manier ausführlich dokumentierte Live-Auftritte und knappe, eher anekdotische Statements der Musiker unaufgeregt miteinander verbindet. Hübners Doku ist primär der Film eines Fans der Band für die Fans der Band.
P. S.: Zum Film ist eine Soundtrack-CD erschienen. Aber vielleicht gibt es auch irgendwann eine CD-Box mit allen auf dieser Berlin-Tour gespielten Konzerten. Das wäre, vielleicht nächste Jahr zum vierzigjährigem Bandjubiläum, eine sehr gute Ergänzung zu den wenigen offiziell erhältlichen Live-Mitschnitten.
Element of Crime in Wenn es dunkel und kalt wird in Berlin(Deutschland 2024)
Regie: Charly Hübner
Drehbuch: Charly Hübner
mit Sven Regener, Jakob Ilja, Richard Pappik, Markus Runzheimer, Rainer Theobald, Ekki Busch
Länge: 94 Minuten
FSK: ab 0 Jahre
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Kinostart: Dienstag, 1. Oktober, als bundesweiter Event-Start
Ihre erste CD „Frank“ veröffentlicht die am 14. September 1983 London geborene Amy Winehouse 2003. Der große weltweite Erfolg kommt 2006 mit ihrer zweiten und letzten CD „Back to Black“. 2008 erhält die Retrosoul-Sängerin bei den Grammy Awards rekordverdächtige fünf Preise. 2007 heiratet sie Blake Fielder-Civil. 2009 erfolgt die Scheidung. Er macht sie drogenabhängig. Die Beziehung ist von Gewalt und Drogen und öffentlicher Aufmerksamkeit geprägt. Winehouse ist, mit ihrem unberechenbarem Verhalten, ihrer Drogensucht und psychischer Probleme, ein wandelndes Katastrophengebiet. Die Boulevardpresse belagert sie. Am 23. Juli 2011 stirbt sie an einer Alkoholvergiftung. Amy Winehouse wurde 27 Jahre alt.
Ihr kurzes Leben bietet, abseits der ausgetretenen Biopic-Pfade, in denen einfach ihre Lebensstationen und Skandale chronologisch abgehandelt werden, viele Anknüpfungspunkte für einen aufregenden Film.
„Back to Black“ ist es nicht. Es ist bestenfalls eine mit Amy-Winehouse-Songs garnierte Liebesgeschichte unter Drogenabhängigen. Die biographischen Stationen aus Amy Winehouses Leben werden so kryptisch, elliptisch und bezuglos abgehandelt, dass man danach den Wikipedia-Artikel liest, um zu erfahren, was man gerade gesehen hat. Da springt der Film von Konzerten in Bars vor kleinem Publikum zu Arena-Konzerten. Da beschließt Amy Winehouse in der einen Minute, sich in eine Drogentherapie zu begeben. Es folgen ein Bild eines ländlich gelegenen Nobelsanatoriums und schon ist die Therapie beendet. Währenddessen wird ausführlich und in langen Szenen die erste Begegnung von Winehouse und Blake Fielder-Civil, deren Ausprobieren verschiedenster Drogen und ihre vor allem für sie sehr ungute Beziehung zelebriert. Dazwischen tritt der immer zuverlässige Eddie Marsan als ihr Vater Mitch Winehouse auf. Er versucht ihr selbstlos und uneigennützig zu helfen.
Drehbuchautor Matt Greenhalgh („Control“ [über „Joy Division“-Frontman Ian Curtis], „Nowhere Boy“ [über den jungen John Lennon]) und Regisseurin Sam Taylor-Johnson („Nowhere Boy“, Razzie-Liebling „Fifty Shades of Grey“) erzählen Amy Winehouses Lebensgeschichte oberflächlich und alle möglichen Tiefen und interessanten Aspekte vermeidend. Das Ergebnis ist eine Junkie-Liebesgeschichte, in der wir wenig über Amy Winehouse erfahren und das wie die harmlose Spielfilmversion von Asif Kapadias mit dem Dokumentarfilm-Oscar ausgezeichnetem Porträt „Amy“ (GB 2015) wirkt. Sein Film ist zwar auch nur gefälliges, auf Analysen und historische Einordnungen verzichtendes Doku-Handwerk für den Amy-Winehouse-Fan, aber immerhin wird die problematische Beziehung zu ihrem Vater Mitch Winehouse und zu Blake Fielder-Civil tiefgehender thematisiert und es gibt eine Idee, warum Amy Winehouse so jung starb. Insofern ist Kapadias Dokumentarfilm der bessere Einstieg in ihr Leben.
„Back to Black“ ist dagegen nur ein Biopic für den Amy-Winehouse-Fan, der sich freut, ihre Songs im Kino zu hören.
Vor wenigen Wochen lief Reinaldo Marcus Greens „Bob Marley: One Love“ (Bob Marley: One Love, USA 2024) an. Er konzentriert sich in seinem ebenfalls eher misslungenem Biopic (das immerhin die Musik von Bob Marley hat) auf einen kurzen Ausschnitt aus dem Leben des 1981 verstorbenen Reggae-Musiker. Im direkten Vergleich ist Greens Musiker-Biopic das bessere Musiker-Biopic. Er hat immerhin eine Idee davon, was er erzählen möchte.
Back to Black (Back to Black, Großbritannien 2024)
Regie: Sam Taylor-Johnson
Drehbuch: Matt Greenhalgh
Filmmusik: Nick Cave, Warren Ellis
mit Marisa Abela, Jack O’Connell, Eddie Marsan, Lesley Manville, Juliet Cowan, Sam Buchanan
TV-Premiere. Brandneue 75-minütige Doku über das legendäre Jazzlabel MPS (Musik Produktion Schwarzwald), das im Schwarzwald (in Villingen) im Tonstudio in vorzüglicher Klangqualität Langspielplatten aufnahm mit damaligen und künftigen Weltstars, wie Oscar Peterson, Duke Elllington, Jean-Luc Ponty, Jasper van ’t Hof, Rolf Kühn, Joachim Kühn, Gunter Hampel, Charly Antolini, Daniel Humair, Albert Mangelsdorff, Alexander von Schlippenbach, Joe Henderson, Chick Corea, Volker Kriegel, Elvin Jones, Eberhard Weber und [hier kannst du deinen bis jetzt nicht genannten Lieblings-MPS-Musiker eintragen]. Labeleigner Hans Georg Brunner-Schwer war dabei, wie die Namen der Jazzer verraten, musikalisch offen für verschiedene Stilrichtungen und Experimente. Zwischen 1968 und 1983 entstanden ungefähr fünfhundert Alben. Die Originale sind bei Jazzfans gesuchte Sammlerstücke. Die CD-Wiederveröffentlichungen sind noch (!) deutlich einfacher erhältlich. Vor allem seitdem die Edel AG seit 2014 den MPS-Katalog wieder veröffentlicht und auch neue Alben aufnimmt.
Sascha Schmidt erzählt in „MPS – Die Legende lebt“, mit vielen Zeitzeugen-Interviews, die Geschichte des Labels und seines kreativen Kopfes Hans Georg Brunner-Schwer nach.
Regulär startet die grandios aussehende 4K-Restaurierung von Jonathan Demmes „Stop Making Sense“ erst am 28. März. Aber bereits am 22., 23. und 24. März gibt in zahlreichen Kinos Previews, für die sich bereits einige Tage vorher einige Karten gekauft werden können. Und, ja, es lohnt sich, den Konzertfilm wieder oder erstmals im Kino zu sehen. Nicht umsonst wird „Stop Making Sense“ immer noch, vierzig Jahre nach seiner Premiere, als einer der besten Konzertfilme genannt. Das liegt an der betont minimalistischen Inszenierung. Nichts lenkt von dem Konzert der Talking Heads und seiner ebenso einfachen, wie durchdachten, schlüssigen und überzeugenden Dramaturgie ab. Jonathan Demme verzichtet auf die bei Rockkonzerten immer wieder nervende Kamera, die hektisch wackelt und zoomt als gäbe es kein Morgen und die nur eine Aufgabe erfüllt: vom Spiel der Band abzulenken. Gleiches gilt für die Bilder vom begeistert klatschendem und mitgröhlendem Publikum. In „Stop Making Sense“ ist das Publikum erst am Filmende für einige Sekunden zu sehen. Bis dahin wird nur die Bühne und was auf ihr geschieht, gezeigt. Ohne Brimborium und von der Musik und dem Spiel der Musiker ablenkenden Effekthaschereien.
An drei Abenden im Dezember 1983 nahm „Das Schweigen der Lämmer“-Regisseur Jonathan Demme mit sieben Kameras im Pantages Theater in Hollywood, Los Angeles, die Konzerte der Talking Heads auf. Dabei konzentrierten sich die Kameras an jedem Abend auf einen anderen Teil der Bühnenpräsentation. Deshalb sehen wir in den Totalen von der Bühne keine Kameras auf der Bühne. Damit es beim späteren Zusammenschnitt keine Probleme mit den Outfits der Musiker gab, trugen sie während der Konzerte immer das gleiche Outfit. Bevorzugt nicht reflektierende dunkle oder neutrale Kleidung. Kein Bandmitglied sollte besonders hervorhoben werden und so den Gesamteindruck stören. Für die Abwesenheit von Publikumsbildern gibt es, auch wenn heute unklar ist, ob das von Anfang an so geplant oder eine glückliche Fügung war, eine einfache Erklärung. An einem Abend wurden auch das Publikum aufgenommen. Dafür musste im Saal Licht eingeschaltet werden. In dem beleuchteten Saal und vor den Kameras reagierte das Publikum verhaltener als in den anderen Shows und die Band spielte, so heißt es, ihr vielleicht schlechtestes Konzert.
Es waren also einige Zufälle und technische Notwendigkeiten, die zu dem gelungenen Gesamteindruck beitragen. Dass an mehreren Abende gefilmt wurde, half. Ebenso dass die Talking Heads für dieses Konzert ein ebenso einfaches, wie überzeugendes, in der vorherigen Tour erprobtes Konzept hatten. Mit jedem Song, beginnend mit David Byrnes Solo-Interpretation von „Psycho Killer“, betreten weitere Bandmitglieder die Bühne. Bühnenarbeiter schieben während der einzelnen Songs immer mehr Bühnenteile und Instrumente auf die zunächst leere Bühne. Später verändert sich das Bühnenbild mit minimalen Mitteln. Während des Konzerts werden auf die hintere Wand der Bühne nur einige Bilder projeziert. Das Bühnenlicht setzt einige Akzente. Es gibt eine schon damals schreiend altertümliche Stehlampe. Und David Byrne tritt in einem Big Suit auf.
Dabei fällt in der Physiognomie eine erstaunliche Ähnlichkeit zwischen Band-Mastermind David Byrne und „Oppenheimer“-Schauspieler Cillian Murphy auf. Falls es also demnächst ein Biopic über die Talking Heads gibt, wäre der Hauptdarsteller schon gefunden.
Für die jetzige Kinopräsentation wurde der Film vom Original-Negativ, das seit 1992 unangetastet bei MGM im Filmlager lag, in 4K und Dolby Atmos restauriert. Das Ergebnis überzeugt restlos und die Musik, über die ich jetzt kein Wort verloren habe, ist immer noch grandios.
Stop Making Sense(Stop Making Sense, USA 1984)
Regie: Jonathan Demme
Drehbuch: Jonathan Demme, Talking Heads
mit David Byrne, Chris Frantz, Jerry Harrison, Tina Weymouth, Ednah Holt, Lynn Mabry, Steve Scales, Alex Weir, Bernie Worrell
Länge: 88 Minuten
FSK: ab 0 Jahre
Regulärer Kinostart: 28. März 2024
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Die Previews (sortiert nach Ort, Tag, Kino – Mein Tipp: das größte Kino mit dem besten Sound wählen)
Gut, Hipgnosis ist kein ‚englisches‘ Wort, das einem einfach über die Lippen geht und die meisten Menschen werden wahrscheinlich noch nie etwas von Hipgnosis gehört haben. Aber sie kennen deren Bilder. Denn Aubrey ‚Po‘ Powell und Storm Thorgerson, die Gründer von Hipgnosis, einem aus „hip“ und „gnostic“ zusammengesetztem Kunstwort, erschufen zwischen 1968 und den frühen achtziger Jahren, vor dem Siegeszug der CD, zahlreiche legendäre Schallplattencover. Als Richtschnur kann gelten, dass wenn du dich an ein LP-Cover aus den Siebzigern erinnerst, es sehr wahrscheinlich von Hipgnosis ist. Besonders lange und produktiv war, beginnend mit „A Saucerful of Secrets“, ihre Zusammenarbiet mit Pink Floyd. Es folgten für die Band die Covers für deren nächsten LPs. Für „Atom Heart Mother“ fotografierten sie eine Kuh auf einer Wiese. Keiner weiß, was die Kuh bedeuten soll, aber noch heute ist das Cover bekannt. Noch bekannter sind die nächsten beiden für Pink Floyd gestalteten Covers, nämlich das in seiner Einfachheit legendäre Cover für „The Dark Side of the Moon“ auf dem ein Prisma einen weißen Lichtstrahl in seine Spektralfarben bricht und, für „Wish you where here“, das Foto eines brennenden Mannes im Anzug, der einem anderen Mann die Hand gibt. Und, ja, der Mann stand in Flammen, er wurde mehrmals, bis der Wind die Flammen in die richtige Richtung bewegte, angesteckt und er verbrannte sich dabei. Für „Animals“ ließen sie in London zwischen den Schornsteinen eines Kohlekraftwerks ein riesiges aufgeblasenes Schwein aufsteigen.
Die Story, wie dieses Cover letztendlich entstand, ist, auch wenn sie in Fankreisen bekannt ist, zu gut, um sie hier zu verraten. Das geschieht in Anton Corbijn gelungen zwischen SW und, für die Plattencover, Farbe wechselndem Dokumentarfilm „Squaring the Circle – The Story of Hipgnosis“. Wegen den im Film gezeigten, von Hipgnosis gestalteten LP-Covern sollte er unbedingt im Kino gesehen werden. Schon ein LP-Cover ist mit 31,5 cm x 31.5 cm groß. Ein Klappcover ist noch größer, aber auch die kleinste Kinoleinwand ist noch größer und in diesem Fall ist Größe ein wichtiger Faktor. Formal setzt Corbijn auf die aus unzähligen anderen Dokumentarfilmen bewährte Mischung aus historischen Aufnahmen und neuen Interviews. Chronologisch erzählt er die Geschichte der Grafikdesign-Agentur und wie einige ihrer legendären Covers entstanden sind, nach. Durch den Nebel von teils widersprüchlichen Erinnerungen entsteht so auch ein Bild des Exzesses, der damals im Musikbusiness möglich war, und der zu den teilweise extrem kostspieligen Covers von Hipgnosis führte.
Corbijns erster Dokumentarfilm, nach mehreren Spielfilmen und einer langen und erfolgreichen Karriere als Fotograf von Künstlern, vor allem Musiker, und Regisseur von Musikvideos, ist eine süffige Mischung aus Anekdoten, unterlegt von einer fast schon dauerpräsenten pink-floydschen Gitarre und Bildern von Schallplattencovern, bei denen die Grafikdesigner und die Musiker sie als eigenständige Kunstwerke verstanden wissen wollten.
„Squaring the Circle – The Story of Hignosis“ ist das filmische Äquivalent zu einem Gang durch eine gut kuratierte, ästhetisch ansprechend gestaltete Ausstellung, die kurzweilig und gelungen Musik- und Designgeschichte vermittelt und einen in eine Zeit zurückversetzt, als ein LP-Cover als eigenständiges Kunstwerk betrachtet werden konnte. Manchmal war das Cover gelungener als die Musik.
Squaring the Circle – The Story of Hipgnosis (Squaring the Circle – The Story of Hipgnosis, Großbritannien 2022)
Regie: Anton Corbijn
Drehbuch: Trish D Chetty
mit Aubrey „Po“ Powell, Paul McCartney, Jimmy Page, Robert Plant, David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Noel Gallagher, Glen Metlock, Graham Gouldman, Peter Gabriel, Peter Saville, George Hardie, Humphrey Ocean, Roger Dean, Jill Furmanovsky, Andrew Ellis, Richard Evans, David Gale, Alex Henderson, Jenny Lesmoir-Gordon, Richard Manning, Merck Mercuriadis, Carinthia West
Länge: 106 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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und der Musik von (selbstverständlich wird nicht jedes Lied ausgespielt und die Pink-Floydsche Gitarre dominiert den Film, aber die unten stehenden Bands und Musiker geben einen Eindruck von den gezeigten LP-Covern)
Pink Floyd (Shine On You Crazy Diamond, Interstellar Overdrive, Wish You Were Here, Let There Be More Light, Set The Controls For The Heart Of The Sun, A Saucerful Of Secrets, Pow R. Toc H., Atom Heart Mother Suite, Money, Breathe, Time, Shine On You Crazy Diamond Prts 1-5, Exposure, Dogs, Pigs)
Led Zeppelin (The Ocean, No Quarter, The Ocean Live MSG 1973, Nobody’s Fault But Mine, Black Dog)
Wings (Band on the Run, You Gave Me the Answer, My Carnival Live, Letting Go)
10CC (I’m not in Love, Honeymoon with B Troop, The Things We Do For Love, Art For Art’s Sake)
The Nice (Elegy, Hang On To A Dream)
Peter Gabriel (Down The Dolce Vita)
Depeche Mode (I Just Can’t Get Enough)
Throbbing Cristle (Hamburger Lady)
John Coltrane (I’m A Dreamer, Aren’t We All)
Syd Barrett (Baby Lemonade)
Chico Hamilton (Repulsion)
Soft Machine (Hope for Happiness)
Christopher Gunning (Black Magic Theme)
Berliner Philharmoniker (The Blue Danube)
Royal Conertgebouw Orchestra (Also Sprach Zarathustra!)
„Bob Marley: One Love“ gehört zu den Biopics, die nicht das gesamte Leben eines Menschen von der Wiege bis zur Bahre schildern, sondern die sich auf einen kurzen entscheidenden Abschnitt im Leben des Porträtierten konzentrieren. „Selma“ war so ein Biopic.
Reinaldo Marcus Green, der zuletzt das Biopic „King Richard“ (über Richard Williams und seine Töchter Venus und Serena Williams) inszenierte, beginnt sein Bob-Marley-Biopic Ende 1976. Jamaika versinkt im nachkolonialen Bürgerkriegschaos. Bob Marley, schon damals ein Star, möchte mit einem Friedenskonzert zur Versöhnung aufrufen. Politisch ist das selbstverständlich unglaublich naiv. Aber Bob Marley ist ein Künstler und ein gläubiger Rastafari. Am 3. Dezember 1976, zwei Tage vor dem Smile Jamaica Concert, wird in seinem Haus in Kingston ein Anschlag auf ihn verübt. Neben ihm werden seine Frau Rita, sein Manager Don Taylor und der Band-Assistent Louis Griffiths teils schwer verletzt. Wie durch ein Wunder überleben alle.
Nach dem Konzert verlässt Bob Marley die Insel. Der Druck ist zu groß. Seine Frau Rita und seine Kinder schickt er in die USA zu Verwandten (und ziemlich vollständig aus der Filmgeschichte). Er selbst fliegt mit seiner Band, den Wailers, nach London. Dort nimmt er seine nächste Platte auf. „Exodus“ wird am 3. Juni 1977 veröffentlicht und ein riesiger Erfolg. Bob Marley wird noch populärer.
Er tourt durch die Welt. Sein Wunsch, auch in Afrika zu spielen, verwirklicht sich in dem Moment noch nicht.
Am 22. April 1978 kehrt er zu einem weiteren Friedenskonzert, dem One Love Peace Concert, nach Jamaika zurück.
Diese beiden Konzerte bilden in Greens Film die erzählerische Klammer.
Dazwischen gibt es viele Episoden und Musik, aber es wird nie klar, was Green an genau diesem Teil aus Bob Marleys Leben interessiert. Alle damit zusammenhängenden potentiell interessanten Fragen werden vermieden. Es gibt auch keine Perspektive auf Marleys Leben, die das präsentierte Material irgendwie ordnen würde. Entsprechend ziellos plätschert das Biopic zwischen Episoden aus Marleys Familienleben, Proben und Abhängen mit seiner Band, Auftritten und Gesprächen mit Vertrauten und zusammenhanglos eingestreuten Rückblenden vor sich hin.
Dabei hätten diese anderthalb Jahre das Potential gehabt, eine interessante Geschichte zu erzählen. Green hätte erzählen können, wie es ist, wenn man aus seiner Heimat flüchten muss und wieder zurückkehren und Frieden stiften möchte. Oder wie es ist, wenn man plötzlich von einem weltweit bekannten Star, der schon damals in Jamaika gottgleich verehrt wurde, zu einem Superstar wird und man so zu einer einflussreichen Stimme wird. Oder wenn man von Freunden ausgenutzt und Vertrauen missbraucht wird. Oder wie ein Künstler, der in London auf Punk-Musiker trifft, sich mit seinem neuen Werk neu erfinden möchte. Oder über seine Beziehung zu seiner Frau. Das alles wird in „Bob Marley: One Love“ kurz angesprochen, aber nie konsequent vertieft.
Stattdessen rückt mit zunehmender Filmzeit die Rastafari-Religion immer mehr in den Mittelpunkt. Allerdings auf einem so plakativen und nervigem Niveau, das wir sonst nur aus unerträglichen christlichen Faith-based-Movies kennen.
Am Ende ist „Bob Marley: One Love“ nur, mit einigen Auslassungen, die Verfilmung einiger Zeilen aus dem Wikipedia-Artikel über Bob Marley. Garniert wird die Bilderbuch-Zusammenstellung nicht zusammenhängender Ereignisse mit vielen Bob-Marley-Songs, die im Film von Bob Marley gesungen werden.
Bob Marley: One Love(Bob Marley: One Love, USA 2024)
Regie: Reinaldo Marcus Green
Drehbuch: Terence Winter, Frank E. Flowers, Zach Baylin, Reinaldo Marcus Green (nach einer Geschichte von Terence Winter und Frank E. Flowers)
mit Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Umi Myers, Anthony Welsh, Nia Ashi, Aston Barrett Jr., Anna-Sharé Blake, Gawaine „J-Summa” Campbell, Naomi Cowan, Alexx A-Game, Michael Gandolfini, Quan-Dajai Henriques, Hector Roots Lewis, Abijah „Naki Wailer” Livingston, Nadine Marshall, Sheldon Shepherd, Andrae Simpson, Stefan A.D Wade
Am Freitag, den 16. Februar, zeigt Arte um 21.45 Uhr die Doku „Marley“ (USA/Großbritannien 2012) und danach um 00.05 Uhr „Bob Marley: Uprising Live!“ (Deutschland 1980). Das Konzert wurde am 13. Juni 1980 in der Dortmunder Westfalenhalle für den „Rockpalast“ aufgenommen.
Wahrscheinlich die bessere Wahl, die auch danach einige Tage in der Mediathek (Folge den Links) verfügbar ist.
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Bob Marley live 1977 in London im Rainbow Theatre.
Bob Marley live 1980 in der Dortmunder Westfalenhalle
Zwischen den Musicals „Mean Girls – Der Girls Club“ (letzte Woche) und „Die Farbe Lila“ (nächste Woche) und zwei Wochen vor dem Biopic „Bob Marley: One Love“ kommt diese Woche ein Musikfilm ins Kino, der eine Liebeserklärung an den Austropop und die Welt der verrauchten Tschocherl ist.
Im Mittelpunkt steht der Musiker Erich ‚Rickerl‘ Bohacek. Verkörpert wird er von Voodoo Jürgens, einem Vertreter der neuen Generation des Austropops, der in dem Film einige seiner Lieder ungeschnitten auf der Akustik-Gitarre präsentiert. Bei uns sind ja immer noch die Begründer Wolfgang Ambros, Georg Danzer, Reinhard Fendrich, Ludwig Hirsch und STS die bekanntesten und für Adrian Goigingers Film in verschiedenen Schattierungen wichtigsten Vertreter des Austropops.
Rickerl hat immer seine Gitarre und seine handgeschriebenen Texte dabei. Es sind schwarzhumorige Alltagsbeobachtungen über die Menschen, die er kennt und liebt. Er schreibt, von unüberhörbarer Sympathie getragen, von den Gescheiterten, den Randexistenzen, den Spinnern, den Verpeilten, den Jungen und den Alten, die alle im Kapitalismus nicht richtig funktionieren, weil sie lieber in der Beisln rauchen, trinken und reden.
Rickerl will zwar von seiner Musik leben. Er ist talentiert. Er hat auch einen Manager, der gerne einige seiner Songs aufnehmen würde, aber er ist unfähig, seine Karriere sorgfältig zu planen. Er kann noch nicht einmal einen der vielen Aushilfsjob, die ihm vom Amt mit milder Verzweifelung angeboten werde, länger behalten. Zu einem Gespräch mit einer Journalistin, die in seiner Beisl auftaucht, muss er gezwungen werden. Als sie ihn in ihre Radiosendung einlädt, kehrt er vor der Tür des Senders um und verbringt lieber den Tag mit seinem Sohn am See.
Seine Wohnung scheint zu sagen „Verwahrlost aber frei“ (Ambros). Ein Smartphone besitzt er nicht. Auch keinen Computer. Mit seinem Sohn, dem sechsjährigen Dominik, versteht er sich gut. Mit seiner Ex-Freundin Viki, die auch Dominiks Mutter ist, weniger. Sie hat inzwischen einen neuen Freund, den sie auch heiraten will. Für Rickerl ist ihr neuer nur ein ‚gstopfter Piefke‘.
Adrian Goiginger setzt diesem Musiker, seiner Musik und dem in ihr porträtierten Milieu ein Denkmal. „Rickerl – Musik is höchstens a Hobby“ ist ein liebevolles Porträt einer sich im Verschwinden befindenden Welt, die es so vielleicht nie gegeben hat, die aber höchst heimilig und liebenswert ist.
Rickerl – Musik is höchstens a Hobby(Österreich/Deutschland 2023)
Regie: Adrian Goiginger
Drehbuch: Adrian Goiginger
Musik: Voodoo Jürgens
mit Voodoo Jürgens, Ben Winkler, Agnes Hausmann, Claudius von Stolzmann, Rudi Larsen, Nicole Beutler, Patrick Seletzky, Der Nino aus Wien
Es gibt ihn: Jazz im Fernsehen. Zu einer Uhrzeit….naja, für die 9-to-5-Arbeiter gibt es die Mediathek, in der es noch mehr Jazzkonzerte gibt und die einen zuverlässig durch die Nacht und den Tag bringen.
Heute, nach der Geisterstunde, zeigt der WDR die Konzerte die die Steve Gadd Band und Anika Miles (mit Band) auf den Leverkusener Jazztagen 2023 gaben.
Schlagzeuger Steve Gadd ist bekannt als Studiomusiker und Begleiter von, um nur einige der bekanntesten Namen zu nennen, Chick Corea, Stanley Clarke, Eric Clapton, Peter Gabriel, Kate Bush, Steely Dan und Paul Simon. Auch beim legendären „Concert im Central Park“ von Simon & Garfunkel saß er am Schlagzeug.
Gadd trat mit Michael Landau (guitar), Travis Carlton (bass), Larry Goldings (keyboards) und Walt Fowler (flugelhorn, trumpet) auf.
Die deutsche Schlagzeugerin Anika Nilles ist jünger und noch unbekannter. Aber in der Szene hat sie bereits mehrere „Rising Star“-Preise bekommen und 2023 war sie für den Deutschen Jazzpreis in der Kategorie „Schlagzeug/Percussion“ nominiert.
Nilles trat mit Joachim Schneiss (guitar), Johnathan Ihlenfeld (bass), Patrick Rugebregt (keyboards), Hilde Müller (keyboards) und Santino Scavelli (percussion) auf.
Das dürfte eine satte Portion Fusion geben.
In den nächsten Wochen werden weitere Konzerte von den Leverkusener Jazztagen ausgestrahlt.
Los geht es zu nachtschlafender Zeit um 05.30 Uhr mit Carole King. Weiter geht es mit Bob Dylan (um 06.15 Uhr gibt es sein neues Werk „Shadow Kingdom – The Early Songs“), den Highwaymen (um 07.05 Uhr), Lynyrd Skynyrd (um 08.20 Uhr), Mick Fleetwood (um 09.15 Uhr), Eric Clapton (um 10.30 Uhr), Peter Gabriel (um 11.30 Uhr), Sting (um 12.45 Uhr), Céline Dion (um 14.00 Uhr), Herbert Grönemeyer (um 14.45 Uhr), Paul McCartney & Wings (um 16.45 Uhr), George Michael (um 17.45 Uhr), P!NK (um 19.00 Uhr), Tina Turner (um 20.15 Uhr), Rolling Stones (um 21.30 Uhr – natürlich sind die Stones dabei), Madonna (um 23.30 Uhr), Bryan Adams (um 01.30 Uhr), Backstreet Boys (um 02.30 Uhr), Santana (um 03.45 Uhr) und endet um 05.00 Uhr mit Rita Ora (um 05.00 Uhr).
Die Konzerte sind meist neueren Datums – Ausnahmen sind Carole King (von 1973), die Highwaymen (von 1990), Eric Clapton (von 1990/1991), Peter Gabriel (von seiner 1994er „Secret World“-Tour), Paul McCartney (mit den Wings trat er in den Siebzigern auf), Tina Turner (von 2009) und den Rolling Stones (GRRR von 2012). Diese Konzerte sind teilweise erst jetzt in der hier präsentierten Version veröffentlicht worden.
Das Programm besteht, wie gewohnt, vor allem aus alten Bekannten, die schon vor Jahrzehnten auftraten. Das gefällt, ist aber wenig aufregend. Ich würde mir da etwas mehr Experimentier- und Entdeckerfreude wünschen.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 