Neu im Kino/Filmkritik: Über Disneys Live-Action-Musical „Schneewittchen“

März 21, 2025

Schneewittchen und die 7 Zwerge“ (Snow White and the Seven Dwarfs) war 1937 der erste spielfilmlange Trickfilm von Walt Disney und ein gigantischer Erfolg an der Kinokasse. Der deutsche Kinostart war am 24. Februar 1950.

In dem Film wird die aus dem Märchen der Brüder Grimm allseits bekannte Geschichte von Schneewittchen, der bösen Stiefmutter, dem vergifteten Apfel und den sieben Zwergen mit Gesang und langen, die Geschichte oft nicht voran bringenden Episoden erzählt.

Das jetzt anlaufende Realfilm-Remake dieses Disney-Films, inszeniert von Marc Webb („The Amazing Spider-Man“), folgt dem bekannten Märchen und dem Trickfilm. Im Gegensatz zu früheren Disney-Live-Action-Filmen, die einfach nur den Trickfilm mit anderer Technik neu inszenierten, baut Webb die Geschichte aus und interpretiert einige ikonische Szenen neu. Sein Remake ist, mit Abspann, eine knappe halbe Stunde länger als der ursprüngliche Film. Einige der Neuerungen sind gelungen, einige nicht, wobei gerade die Szenen, die das Original direkt zitieren und anders erzählen, weitgehend misslungen sind. Die gänzlich neuen Szenen und radikalen Neuinterpretationen sind gelungener, bleiben aber auf halbe Strecke stehen. Es sind interessante Ideen und Skizzen, aus denen etwas hätte werden können.

Gerade diese Unentschlossenheit trägt zu dem zwiespältigen Gesamteindruck bei. So wird am Anfang mehr über Schneewittchens Leben mit ihren Eltern und am Hof erzählt. In dem Moment bekommen Schneewittchen (Rachel Zegler) und die böse Stiefmutter, die spätere Böse Königin (Gal Gadot), mehr Tiefe. Auch über den Prinzen, der Schneewittchen am Ende küsst, erfahren wir mehr. Jetzt ist er kein Prinz mehr, sondern ein Robin-Hood-artiger Räuber, der Lebensmittel aus dem Schloss stiehlt. Denn die Böse Königin beutet ihre Untergebenen gnadenlos aus. Nur durch Diebstähle können er und seine Weggefährten überleben.

Bis es zur ersten Begegnung zwischen Schneewittchen und den Zwergen kommt, vergeht eine gute halbe Stunde. Die im Trickfilm immer noch sehr gruseligen Erlebnisse von Schneewittchen im nächtlichen Wald dauern jetzt nur wenige Sekunden und sind deutlich weniger gruselig. Wenn Schneewittchen dann das Haus der Zwerge betritt, wird auf die ikonische, heute natürlich veraltete, aber erzählerisch immer noch sehr wirksame, sehr gelungene und vieles etablierende Szene des Originals verzichtet. Zur Erinnerung: Im Original erkundet Schneewittchen das Haus, in dem alles so klein ist. Sie macht sich Gedanken über die in ihm lebenden Kinder und ihre auf den Betten stehenden Namen. Sie, die am Hof von der bösen Stiefmutter gezwungen wurde, als Dienstmagd vor allem zu putzen, ist über das Chaos in dem Haus schockiert. Sie putzt das gesamte Haus und legt sich anschließend müde in drei nebeneinander stehende Zwergenbetten. Weil heute eine Frau, die sich ausschließlich über Hausarbeiten definiert, ein veraltetes, konservatives Frauenbild symbolisiert, putzt Schneewittchen jetzt nicht mehr das Haus. Sie bemerkt nur noch die Unordnung und den Schmutz in dem Haus und legt sich ins Bett.

Die darauf folgende Szene, wenn die Zwerge nach ihrer Arbeit in ihr Haus zurückkehren, hat im Remake dann auch nicht mehr die Wirkung der ursprünglichen Szene. In dem Trickfilm bemerken die Zwerge natürlich sofort, dass jemand in ihrem Haus war. Sie fragen sich, wer das war, was er gestohlen hat und ob er vielleicht noch in dem Haus ist und ihnen etwas antun will. Die Macher können hier eine schöne lange und spannende Szene präsentieren, in der wie Zwerge genauer kennen lernen. Im Remake betreten sie ihr Haus und bemerken erst als sie ihr Schlafzimmer betreten, dass jemand Fremdes in ihrem Haus ist.

Im Original gibt es eine lange Geschichte, die uns gut unterhält und in der wir viel über die Figuren erfahren. Im Remake nicht.

Die gruseligen Szenen des Trickfilms wurden übernommen, allerdings in einer deutlich kindgerechteren und wirkungsloseren Version. So ist Schneewittchens schon erwähnte Flucht durch den nächtlichen Wald deutlich weniger alptraumhaft. Gleiches gilt für den Höhepunkt. Nachdem die böse Stiefmutter erfährt, dass Schneewittchen noch lebt. Sie verwandelt sich in eine alte Frau und will Schneewittchen mit einem Apfel vergiften. Im Trickfilm ist sie fortan eine wahre Schreckgestalt, eine Hexe, die Alpträume verursachen kann. Im Realfilm ist sie, für wenige Minuten, Gal Gadot mit einigen Falten.

Solche Verschlechterungen ziehen sich bei den Neuinterpretationen der aus dem Original bekannten Szenen durch den gesamten Film.

Gerade in den neuen Szenen in Webbs Film über die im Wald lebende Räuberbande, ihren Kampf gegen die Königin und das nicht gezeigte Leid der von ihr unterdrückten Bevölkerung drängt sich eine politische Interpretation des Films an, der erstaunlich mühelos auf die aktuelle Lage in den USA angewandt werden kann.

In dieser Interpretation – und nur diese Interpretation ist widerspruchsfrei möglich – führt Schneewittchen eine breite Koalition gesellschaftlicher Minderheiten, Außenseiter, Arbeiter und Unterdrückter an, die am Ende gegen die nur auf den äußeren Schein und die eigene Bereicherung fixierte Böse Königin kämpfen. Schneewittchen sieht in diesen Momenten sogar wie eine Zwillingsschwester der demokratischen Politikerin Alexandria Ocasio Cortez, kurz AOC, aus. Dabei wurde der Film zu einer Zeit geschrieben und gedreht – die Haupt-Dreharbeiten waren von Oktober 2021 bis Februar 2022 – als eine Wiederwahl von Donald Trump noch nicht einmal eine finstere Utopie war.

Den aktuellen, vor allem in den USA lautstark geführten Presserummel über politische Äußerungen von Rachel Zegler und Gal Gadot, Beschwerden von Kleinwüchsigen über die Nicht-Beschäftigung von ihnen als Zwerge zugunsten von CGI-Zwergen, Kampagnen rassistischer Fans, denen Rachel Zegler (die dem Trickfilm-Schneewittchen sehr ähnelt) nicht Weiß genug ist undsoweiter habe ich jetzt weggelassen. Wer will kann sie im Rolling Stone nachlesen. Möglicherweise beeinträchtigen diese Debatten vor allem in den USA das Einspielergebnis des Films. Langfristig ist das egal und „Schneewittchen“ könnte, trotz seiner Mängel, Kompromisse und bestenfalls halbherzigen Neuerungen, in einigen Jahren einer der Disney-Filme sein, die Eltern sich immer wieder mit ihren Kinder ansehen müssen.

Schneewittchen (Snow White, USA 2025)

Regie: Marc Webb

Drehbuch: Erin Cressida Wilson

mit Rachel Zegler, Andrew Burnap, Gal Gadot

Länge: 109 Minuten

FSK: ab 0 Jahre

Hinweise

Deutsche Homepage zum Film

Moviepilot über „Schneewittchen“

Metacritic über „Schneewittchen“

Rotten Tomatoes über „Schneewittchen“

Wikipedia über „Schneewittchen“ (deutsch, englisch)

Meine Besprechung von Marc Webbs „The Amazing Spider-Man“ (The Amazing Spider-Man, USA 2012)

Meine Besprechung von Marc Webbs „The Amazing Spider-Man 2: Rise of Electro“ (The Amazing Spider-Man 2: Rise of Electro, USA 2013)


Neu im Kino/Filmkritik: „Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“ erzählt die Geschichte der zehnten Hunger-Games

November 16, 2023

Bislang kennnen wir Präsident Coriolanus Snow nur als alten Mann, der die Hunger Games verantwortet. In jedem Jahr kämpfen in diesen Spielen, zum Vergnügen der sensationshungrigen Masse, zufällig ausgewählte Jugendliche aus den zwölf Distrikten gegeneinander und bringen sich um. Katniss Everdeen aus dem zwölften Distrikt wird bei den 74. Hunger Games zum Star. In den folgenden Jahren bedroht sie die Herrschaft von Snow und beendet sie letztendlich.

Die drei „Die Tribute von Panem“-Young-Adult-Romane von Suzanne Collins, – „Tödliche Spiele“, „Gefährliche Liebe“ und „Flammender Zorn“ -, waren Bestseller. Die vier Filme – der letzte Teil der Trilogie wurde auf zwei Filme aufgeteilt – waren Hits. Und Katniss-Darstellerin Jennifer Lawrence ein Star.

Danach schrieb Suzanne Collins das Prequel „Die Tribute von Panem X – Das Lied von Vogel und Schlange“. Das Bestseller wurde jetzt von dem bewährten Team am bewährten Ort verfilmt. Ein großer Teil des Young-Adult-Actionfilms wurde im Studio Babelsberg und in Berlin an auch für Nicht-Einheimische erkennbaren Orten gedreht. Regisseur Francis Lawrence und Kameramann Jo Willems waren in die vorherigen drei „Die Tribute von Panem“-Filme als Regisseur und Kameramann dabei. Die Musik ist wieder von James Newton Howard und produziert wurde der Film, unter anderem, von Nina Jacobson. Newton und Jacobson sind seit dem ersten „Die Tribute von Panem“-Film dabei. Editor Mark Yoshikawa ist zum zweiten Mal dabei. Damit ist hinter der Kamera in jeder Beziehung für Kontinuität gesorgt. Die Hauptdarsteller wurden, aus nachvollziehbaren Gründen, ausgetauscht.

Tie Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“ spielt vierundsechzig Jahre vor dem ersten „Die Tribute von Panem“-Film. Coriolanus Snow (Tom Blyth) ist ein junger Mann, der sich eine große Karriere erhofft. Der Achtzehnjährige ist intelligent, ehrgeizig und sieht gut aus. Nur mit den Finanzen und dem damit verbundenem gesellschaftlichem Ansehen hapert es. Er hofft, als Mentor für einen „Hunger Games“-Spieler, einen weiteren wichtigen Karriereschritt zu absolvieren.

Allerdings wurden bei den jetzt stattfindenden zehnten Hunger Games plötzlich die Regeln geändert. Er passt sich an und versucht sie weiter zu seinen Gunsten zu ändern. Und er muss Lucy Gray Baird (Rachel Zegler) zum Sieg führen. Lucy kommt aus dem verarmten zwölften Distrikt. Sie ist eine begnadete Sängerin und sehr eigensinnig. Schnell erkennt sie, dass sie das in einer Gladioatorenarena stattfindende Töten-oder-getötet-werden-Spiel nur überleben kann, wenn sie mit Coriolanus zusammen arbeitet.

Mit 157 Minuten ist „Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“ der längste Film der Reihe. Das Prequel ist ein gelungener Blick in die Vergangenheit von Panem, das allerdings an seiner Länge von gut drei Stunden und den schon immer ärgerlichen Konventionen von Young-Adult-Dystopien leidet.

Die Welt von Panem ist eine Retro-Dystopie, die hier wie ein leicht upgedateter Mix aus George Orwells „1984“, Drittem Reich und Kalter-Krieg-Ostblock aussieht. Die Gesellschaft ist in eine prosperierende Hauptstadt und ländliche, teils verarmte Distrikte unterteilt. Die Gesellschaft ist, soweit erkennbar, eine Ständegesellschaft. In ihnen wird mit strenger Hand und einer gnadenlosen Auswahl regiert. Es ist eine Welt, in der niemand leben möchte. Die Hauptfiguren sind junge Erwachsene, die um ihr überleben kämpfen müssen. Dabei sind in „The Ballad of Songbirds & Snakes“ die Spiele noch sehr einfach gehalten. In einer Arena müssen sie sich umbringen. Gewonnen hat, wer überlebt.

Alles in dieser Young-Adult-Dystopie ist auf ein Teenager-Publikum zugeschnitten. Dementsprechend ist alles immer eine Spur zu plakativ und naiv.

Ein weiteres Problem ist die Länge. Anstatt den sechshundertseitigen Roman radikal für die Verflmung zu überarbeiten (was wahrscheinlich bei den Fans für entsetzte Aufschreie sorgen würde) oder ihn in zwei Filmen zu verfilmen, wurde er jetzt als Ganzes verfilmt. Und das war keine gute Entscheidung. Nach dem Ende des zehnten Hunger Games und damit nach gut zwei Stunden Filmzeit, hätten die Macher den Film, mit einem kleinen Cliffhanger, gut beenden können. Das wäre ein guter Young-Adult-Actionfilm mit einer stringenten Spannungskurve geworden.

Aber sie erzählen im dritten Teil des Films (der deutlich länger als ein normaler dritter Filmakt ist), ohne einen eindeutigen erzählerischen Fokus, die Geschichte von Coriolanus und Lucy Gray, die jetzt im Wald und am See endgültig zum Liebespaar werden, weiter. Entsprechend zäh und auch uninteressant gestaltet sich dieser dritte Teil. Immerhin erfahren wir in diesen Minuten mehr über das Leben im zwölften Distrikt.

Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“ ist ein guter zweistündiger Young-Adult-Film mit einem überlangem Epilog, der einem die ganze Lust am Film nimmt.

Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes (The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes, USA 2023)

Regie: Francis Lawrence

Drehbuch: Michael Lesslie, Michael Arndt

LV: Suzanne Collins: The Ballad of Songbirds and Snakes – A Hunger Game Novel, 2020 (Die Tribute von Panem X – Das Lied von Vogel und Schlange)

mit Tom Blyth, Rachel Zegler, Hunter Schafer, Jason Schwartzman, Peter Dinklage, Viola Davis, Josh Andrés Rivera, Hunter Schafer, Fionnula Flanagan

Länge: 157 Minuten

FSK: ab 12 Jahre

Hinweise

Deutsche Homepage zum Film

Englische Homepage zum Film

Filmportal über „Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“

Moviepilot über „Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“

Metacritic über „Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“

Rotten Tomatoes über „Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“

Wikipedia über „Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds & Snakes“ (deutsch, englisch)

Meine Besprechung von Francis Lawrences „Die Tribute von Panem – Catching Fire“ (The Hunger Games: Catching Fire, USA 2013)

Meine Besprechung von Francis Lawrences „Red Sparrow“ (Red Sparrow, USA 2018)


Neu im Kino/Filmkritik: Der Big-Budget-Superheldenfilm der Woche: „Shazam! Fury of the Gods“

März 16, 2023

Unter all den Superhelden, die im Kino gegen Bösewichter kämpfen, ist Billy Batson (Asher Angel/Zachary Levi) der kleine Junge von nebenan. Am liebsten hängt er mit seinen Freunden, die auch seine Familie sind, in ihrer Höhle ab und übt Manöverkritik an ihrer letzten Aktion. Billy ist kein König eines afrikanischen Staates, kein Millionär, kein Chef eines riesigen Unternehmens, kein Erfinder, kein von einem frenden Planeten kommender und auch kein in eine Schulkameradin verliebter Spinnenmann. Der Kindskopf ist ein Junge, der in einer Pflegefamilie lebt. Wie seine fünf Geschwister, die ebenfalls von Rosa und Victor Vasquez adoptiert wurden. Es ist eine wirkliche Multikulti-Familie. Sie leben in einem kleinen Reihenhaus, das viel zu klein für sie ist. Sie verstehen sich glänzend und helfen sich gegenseitig. Vielleicht deshalb hat Billy am Ende von „Shazam!“ (2019) seine Superkräfte mit ihnen geteilt. Jetzt werden alle seine Brüder und Schwester, wenn sie „Shazam!“ rufen, zu deutlich älter aussehenden Superhelden. Doch letztendlich sind sie immer noch Kinder.

Diese Kinder bekommen in David F. Sandbergs zweitem „Shazam!“-Film Ärger mit Hespera (Helen Mirren), Kalypso (Lucy Liu) und Anthea (Rachel Zegler). Die drei Grazien sind Töchter des Atlas, ziemlich verärgert und gerade dabei, möglichst viele Menschen zu töten. Nur Billy kann in seinem Superhelden-Ich das verhindern. Das sagt ihm jedenfalls der Zauberer (Djimon Hounsou), der ihm die Superhelden-Fähigkeiten verlieh. Außerdem ist Shazam durch eine frühere Tat für die Rückkehr der drei Göttinnen verantwortlich.

Shazam! Fury of the Gods“ ist letztendlich ein grundsympathischer Kinderfilm, der sich eher an Zehnjährige und weniger an Menschen über 12 Jahre richtet. So sind Billy und seine Freunde Kinder, die eine neuere Version der „Fünf Freunde“, der „drei ???“ und anderer Gruppen junger Menschen, die in Büchern und Filmen jeden Sommer spannende Abenteuer erleben, sind. Anscheinend werden sie niemals älter. Sie haben keine Pubertätsprobleme, weil sie, wenn auch nicht unbedingt körperlich, im seeligen vorpubertären Alter sind. Sex und die Probleme des Erwachsenwerdens sind ihnen egal. Viel leber erleben sie spannende Abenteuer.

Ihre Gegnerinnen, die griechischen Göttinen Hespera, Kalypso und Anthea, sind zunächst einmal Böse, ohne jemals wirklich bedrohlich zu sein. Später fragen sie sich sogar, ob sie das richtige tun. Im Gegensatz zu anderen Superheldengeschichten, in denen die griechische Mythologie verdeckt thematisiert wird, wird sie in „Shazam! Fury of the Gods“ direkt in die Geschichte eingeflochten – und verschafft dem Publikum eine kleine Portion abendländischer Bildung. Bis neben den Göttinnen Dinosaurier und Einhörner auftauchen und sich munter durch Philadelphia kloppen, dabei die halbe Stadt zerstören und niemand umbringen oder ernsthaft verletzten.

Die Tricks sind teilweise atemberaubend schlecht. Aber im Gegensatz zu „Ant-Man and the Wasp: Quantumania“ (2023), in dem öfters der durchaus zutreffende Eindruck entstand, dass die Schauspieler ihre Parts allein in leeren Hallen aufgenommen haben, sind hier die Schauspieler öfters gemeinsam im Bild und sie interagieren miteinander. Wenn sie dann auf Dinosaurier durch die Luft reiten oder sich in der Großstadt verkloppen, sehen die CGI-Effekte wie uralte praktische Tricks irgendwo zwischen B-Picture, „Flash Gordon“ und Godzilla aus.

Das Finale ist dann eine episch lange, ermüdende CGI-Materialschlacht. Sie beginnt am helllichten Tag und endet, Stunden später, in der Nacht.

Wer danach noch nicht genug hat, für den gibt es im und nach dem Abspann jeweils eine Szene, die wahrscheinlich den nächsten Film antriggert.

Eigentlich ist in „Shazam! Fury of the Gods“ alles so wie in unzähligen anderen Superheldenfilmen. Nur dass es hier mehr in Richtung der kindisch-naiven Anfänge geht und alles wie ein Kindergeburtstag wirkt, in dem Kinder munter ihr Spielzeug durch das Zimmer werfen, herumtoben, ihre eigenen Regeln entwerfen, verwerfen und ihren Spaß haben. Wie auch Shazam, der im Film zwar fast achtzehn Jahre alt sein soll, sich aber liebend gern wie ein Elfjähriger benimmt.

Shazam! Fury of the Gods (Shazam! Fury of the Gods, USA 2023)

Regie: David F. Sandberg

Drehbuch: Henry Gayden, Chris Morgan (basierend auf der von Bill Parker und C. C. Beck erfundenen DC-Figur)

mit Zachary Levi, Asher Angel, Jack Dylan Grazer, Adam Brody, Ross Butler, Meagan Good, D. J. Cotrona, Grace Caroline Currey, Faithe Herman, Ian Chen, Jovan Armand, Marta Milans, Cooper Andrews, Djimon Hounsou, Rachel Zegler, Lucy Liu, Helen Mirren

Länge: 131 Minuten

FSK: ab 12 Jahre

Hinweise

Englische Homepage zum Film

Moviepilot über „Shazam! Fury of the Gods“

Metacritic über „Shazam! Fury of the Gods“

Rotten Tomatoes über „Shazam! Fury of the Gods“

Wikipedia über „Shazam! Fury of the Gods“ (deutsch, englisch)

Meine Besprechung von David F. Sandbergs „Lights out“ (Lights out,USA 2016)

Meine Besprechung von David F. Sandbergs „Annabelle 2″ (Annabelle: Creation, USA 2017)


Neu im Kino/Filmkritik: Über Steven Spielbergs „West Side Story“

Dezember 9, 2021

Sechzig Jahre nach der Premiere des von Robert Wises und Jerome Robbins‘ inszeniertem Musical-Klassiker „West Side Story“ kann es selbstverständlich eine neue Filminterpretation des Stückes geben. Wise und Robbins verfilmten ein damals unglaublich erfolgreiches, heute immer noch sehr beliebtes Broadway-Musical. Und warum soll es von solchen Theaterstücken nicht neue Versionen geben? Schließlich gibt es unzählige Shakespeare-Verfilmungen. Opern werden jedes Jahr auf zahlreichen Bühnen neu aufgeführt oder auch, viel seltener, verfilmt. Mal näher am Ursprungstext, mal freier.

Die „West Side Story“ von Arthur Laurents (Buch), Jerome Robbins (Choreographie), Leonard Bernstein (Musik) und Stephen Sondheim (Texte, wenige Tage vor dem Filmstart, am 26. November 2021, verstorben) gehört inzwischen zu den kanonischen und allgemein bekannten Texten, der genau deswegen neu inszeniert und interpretiert werden kann.

Steven Spielbergs entschied sich in seiner Verfilmung der „West Side Story“ für die möglichst originalgetreue Variante. Hier und da gibt es einige kleine Änderungen, einige minimale Erneuerungen und Akzentverschiebungen. Aber letztendlich wirkt seine Bearbeitung wie die Frage, ob einem jetzt die Mozart-Interpretation von Herbert von Karajan oder von Daniel Barenboim besser gefällt. Während der Experte begeistert minimale Unterschiede erklärt, fragt sich der Nicht-Experte gelangweilt, wo denn jetzt genau die wirklich wichtigen Unterschiede sind. Und wenn ihm schon in der einen Fassung das Stück nicht gefiel, wird die minimal andere Fassung ihn nicht zu einer Revision seiner Meinung bewegen.

Immer noch verlieben sich Tony (Ansel Elgort) und Maria (Cindy Tolan) ineinander. Sie ist die kleine Schwester von Bernardo, dem Anführer der Sharks, einer puerto-ricanischen Jugendgang. Tony gehört zu den aus Nachkommen europäischer Einwanderer bestehenden Jets. Nach einer Haftstrafe versucht er jetzt ein von Gewalt und Kleinkriminalität freies Leben zu führen. Deshalb ruht seine Mitgliedschaft.

Die beiden proletarischen Jugendbanden sind miteinander verfeindet. Sie kämpfen um die Vorherrschaft im Viertel. Sie gehören zur gleichen ökonomischen Klasse. Aber anstatt gemeinsam für eine Verbesserung ihrer Lage zu kämpfen, bekämpfen sie sich gegenseitig. Vor allem die weiße Jugendbande ist, wie ein Polizist ihnen sagt, der Abschaum, der den Aufstieg aus dem Viertel nicht geschafft hat. Insgesamt zeichnet Spielberg die Jets eindeutig negativer als Wise/Robbins. Sie sind Angst und Schrecken verbreitende Kleingangster.

Die Inspiration für die „West Side Story“ war „Romeo und Julia“. Die Liebesgeschichte wurde in die damalige Gegenwart, nämlich den Sommer 1957 in der Upper West Side und den anliegenden Kiezen Lincoln Square und San Juan Hill verlegt. Es wurden aktuelle Probleme angesprochen. Das waren (und sind) die Konflikte zwischen ethnischen Gruppen, Einheimischen und Zuwanderern, sich zu Jugendgangs zusammenschließende Jugendliche und das US-amerikanische Aufstiegsversprechen. Das alles spielt sich vor einem massiven Umbau des Viertels und einer damit verbundenen Gentrifizierung ab. Denn die Straßen, um die Jets und Sharks kämpfen, waren damals Teil einer umfassenden Stadterneuerung in New York. Deshalb bewegen sich beide Gruppen durch riesige, äußerst fotogene Ruinenfelder.

Dieses Verarbeiten aktueller Themen in einem Musical war damals noch neu. Die „West Side Story“ spielt nicht in einer Fantasielandschaft. Die Macher versuchten nicht, die Wirklichkeit möglichst umfassend aus dem Film zu tilgen, sondern sie brachten möglichst viel Realität in das Musical. In seinem Remake akzentuiert Spielberg, nach einem Drehbuch von Tony Kushner („Angels in America“, „München“, „Lincoln“), diese Konflikte schärfer.

Ansonsten verändert er einige Schauplätze, Choreographien und lässt den Drogisten Doc jetzt von einer Frau spielen. Rita Moreno übernahm diese wichtige Rolle. In der Originalversion spielte sie Anita.

Insgesamt ist Spielbergs „West Side Story“ eine äußerst werkgetreue und gelungene Neuinterpretation; – jedenfalls für Musical-Fans, die sich auf die epische Laufzeit von 157 Minuten freuen. Das Original ist mit 151 Minuten etwas kürzer.

West Side Story (West Side Story, USA 2021)

Regie: Steven Spielberg

Drehbuch: Tony Kushner

LV: Arthur Laurents, Leonard Bernstein, Stephen Sondheim, Jerome Robbin: West Side Story, 1957

mit Rachel Zegler, Ansel Elgort, Ariana DeBose, David Alvarez, Mike Faist, Brian d’Arcy James, Iris Menas, Corey Stoll, Josh Andrés Rivera, Rita Moreno

Länge: 157 Minuten

FSK: ab 12 Jahre

Hinweise

Moviepilot über „West Side Story“

Metacritic über „West Side Story“

Rotten Tomatoes über „West Side Story“

Wikipedia über „West Side Story“ (deutsch, englisch)

Meine Besprechung von Steven Spielbergs “Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels” (Indiana Jones and the kingdom of the skull, USA 2008)

Meine Besprechung von Steven Spielbergs “Gefährten” (War Horse, USA 2011)

Meine Besprechung von Steven Spielbergs “Lincoln” (Lincoln, USA 2012)

Meine Besprechung von Steven Spielbergs „Bridge of Spies – Der Unterhändler“ (Bridge of Spies, USA 2015)

Meine Besprechung von Steven Spielbergs „BFG – Big Friendly Giant (The BFG, USA 2016)

Meine Besprechung von Steven Spielbergs „Die Verlegerin“ (The Post, USA 2017)

Meine Besprechung von Steven Spielbergs „Ready Player One“ (Ready Player One, USA 2018)

Steven Spielberg in der Kriminalakte