Drehbuch: Andrew Kevin Walker (nach einer Filmgeschichte von Kevin Yagher und Andrew Kevin Walker)
LV (Inspiration): Washington Irving: The Legend of Sleepy Hollow, 1820 (Die Sage von der schläfrigen Schlucht)
1799 soll Constable Ichabod Crane, ein Rationalist vor dem Herrn, in einem kleinen Dorf in der Nähe von New York mehrere Morde aufklären. Die Einheimischen behaupten, die Morde wurden von einem kopflosen Reiter begangen.
Schöner Horrorfilm von Tim Burton.
Hier zwei zeitgenössische Kritiken:
„Die perfekte Mischung aus haarsträubendem Grauen und schwarzem Humor, eine bis ins Detail perfektionistische Umsetzung und eine sichere Hand bei der Führung eines herausragenden Darstellerensembles machen aus ‚Sleepy Hollow‘ eine der ausgereiftesten Regiearbeiten Tim Burtons.“ (Steffen Heinke, Filmecho-Filmwoche)
„ein freudianisches Disneyland erschüttert vom Grand Guignol“ (Mariam Lau, Die Welt)
Die Musik ist von Danny Elfman; Kameramann war Emmanuel Lubezki.
mit Johnny Depp, Christina Ricci, Miranda Richardson, Michael Gambon, Casper Van Diem, Jeffrey Jones, Christopher Lee
Drehbuch: James Whittaker, Howard Sackler, Frank P. Rosenberg
LV: David Lavallee: Event 100, 1971
60 Meilen vor Cape Cod havariert ein Atom-U-Boot. Wasser dringt ein und das U-Boot droht in einen Unterwasser-Canyon abzurutschen. Ein Wettlauf gegen die Zeit beginnt.
Ein starbesetzter Unterwasserkatastrophenfilm, der mir als Teenager gut gefiel und den ich mir mal wieder ansehen könnte.
Obwohl die Kritiken eher mau sind: „Ohne Interesse für die psychologische Situation der eingeschlossenen Menschen vordergründig inszenierter Katastrophen-Film, der nicht mehr als die schulbuchmäßige Demonstration eines aufwendigen Rettungssystems der Marine bietet.“ (Lexikon des internationalen Films)
„Ein an Langeweile grenzender, vorhersehbarer und fürchterlich konstruierter Katastrophenfilm (…) wurde für die Universal zu einem saftigen Verlustgeschäft.“ (TV Spielfilm: Das große Filmlexikon)
Jerry Fielding schrieb die Musik.
mit Charlton Heston, Stacy Keach, David Carradine, Ned Beatty, Ronny Coc, Stephen McHatti, Michael O’Keefe, Christopher Reeve
„Renegades – Mission of Honor“ ist der mehr oder weniger neue Film aus Luc Bessons Filmfabrik und, wie man es von ihm gewohnt ist, hat er am Drehbuch mitgeschrieben. Die Regie übernahm dieses Mal „Storm Hunters“- und „Final Destination 5“-Regisseur Steven Quale. Die Geschichte ist, wie man es von Besson gewohnt ist, eine sattsam bekannte Geschichte, die er mit viel Action und Humor einfach noch einmal präsentiert und sich dabei nicht sonderlich um Originalität und Plausibilität bemüht. Denn sonst müsste man in diesem Fall überlegen, warum die Nazis 1944 einen Goldschatz und wertvolle Gemälde aus Deutschland nach Jugoslawien befördern. Die Fahrt der Deutschen endet in einem Dorf in der Nähe von Sarajewo. Dort wird der Staudamm gesprengt und das Dorf befindet sich fortan auf dem Grund eines Sees. Die Goldbarren ebenso.
1995 werden fünf Navy Seals nach einem in Sarajewo etwas aus dem Ruder gelaufenem Einsatz vom Dienst suspendiert. Anstatt ihren Auftrag still und heimlich zu erledigen, verballerten sie etliche Magazine und zerstörten mit einem geklauten Panzer, den sie auch als U-Boot benutzten, die kriegsversehrte Stadt weiter.
Während ihrer freien Tage erzählt ihnen die Einheimische Lara von dem Schatz, der seit einem halben Jahrhundert auf dem Boden des Sees liegt und der beim Wiederaufbau des Landes eine entscheidende Rolle spielen könnte.
Die Navy-Seals Matt, Stanton, Ben, Jackson und Duffy wollen ihr helfen und anschließend die Beute fifty-fifty teilen.
Das ist ein Unterschied zu den bekannten Vorbildern von „Renegades – Mission of Honor“. In „Stoßtrupp Gold“ (Kelly’s Heroes, USA 1970) und „Die Glorreichen“ (Les Morfalous, Frankreich/Tunesien 1983) wollten die Soldaten die Goldbarren für sich. Ein weiterer Unterschied ist, dass diese prominent besetzten Filme vom Anfang bis zum Ende Action und Humor haben. „Renegades – Mission of Honor“ hat Action nur am Anfang und danach in homöopathischen Dosen. Humor ist ebenfalls dünn gesät. Da helfen auch nicht die wenigen, kurzen Auftritte von J. K. Simmons als cholerischen Vorgesetzten mit dem Herzen auf dem rechten Fleck. Er poltert zunächst pflichtgemäß und lobt seine Jungs anschließend. Immerhin stimmt das Ergebnis des Einsatzes.
„Renegades – Mission of Honor“ ist nicht das versprochene wirklichkeitsferne Actionfeuerwerk, sondern ein ziemlicher Langweiler, der nie auch nur versucht, sein Potential auszuschöpfen.
Da war „Das A-Team“ unterhaltsamer.
Gedreht wurde „Renegades – Mission of Honor“ bereits im Frühjahr 2015 im Studio Babelsberg, Belgien, Malta und Kroatien und danach mehrmals angekündigt. Letztendlich hatte der Film am 31. August 2017 in Taiwan seine Premiere. In Frankreich soll er am 29. August starten.
Renegades – Mission of Honor (Renegades, Frankreich/Deutschland 2017)
Regie: Steven Quale
Drehbuch: Richard Wenk, Luc Besson
mit J. K. Simmons, Sullivan Stapleton, Clemens Schick, Sylvia Hoeks, Charlie Bewley, Joshua Henry, Diarmaid Murtagh, Dimitri Leonidas, Ewen Bremner
Mein Dad war der gut aussehende Quarterback, der die scharfe Jahrgangsbeste geheiratet hat. Und nein, die Highschool war nicht der Höhepunkt ihres Lebens.
Ich habe eine Schwester, die ich sogar mag. Ich sage ihr das natürlich nicht. Und letztes Jahr, nach 200 Folgen von einer Kochshow, hat sie beschlossen, dass sie Köchin werden will. Das heißt, wir sind jetzt alle ihre Testpersonen.
Und dann sind da meine Freunde.
Zwei von ihnen kenne ich praktisch seit Anbeginn der Zeit. Oder wenigstens seit dem Kindergarten.
Eine kenne ich erst seit ein paar Monaten, aber ich habe das Gefühl, ich kenne sie schon ewig.
Wir machen alles, was Freunde so tun. Wir trinken viel Iced Coffee, sehen uns schlechte Neunzigerjahre-Filme an und träumen im Waffle House vom College und stopfen uns mit Kohlenhydraten voll.
Und wir stehen immer zueinander.
Also, wie gesagt, ich bin genau wie du. Ich habe ein völlig normales Leben.
Nur dass ich ein riesiges Geheimnis habe.
(Simons erste Worte in „Love, Simon“, Voice Over)
Ich gehöre nicht zum Zielpublikum von „Love, Simon“ und ich würde meinen erwachsenen Freunden zum Thema andere Bücher und Filme empfehlen, wie „Call me by your Name“.
Aber mit diesem Buch und Film würde das Zielpublikum von „Love, Simon“ wahrscheinlich wenig anfangen können. Denn „Love, Simon“ ist ein Coming-of-Age-Film für Schüler. Der Film erzählt eine typische, an einer US-Highschool spielende Coming-of-Age-Geschichte. Mit einem kleinen Unterschied, der aus dem Film dann etwas Besonderes macht. Der titelgebende Simon ist schwul. Und das ist innerhalb des Genres ein großer Schritt hin zur Realität. Denn Simon ist der gut aussehende Protagonist und er hat mit seiner Homosexualität keine Probleme. Auch wenn er sich, wegen der offensichtlichen, damit verbundenen Probleme, noch nicht öffentlich zu seine sexuellen Orientierung bekannt hat. Im Film gibt es eine schöne Szene viel über unseren Umgang mit Sexualität verrät. Simon fragt sich, warum nicht jeder sich outen müsste und wie es wäre, wenn die Eltern beim Bekenntnis zur Heterosexualität peinlich berührt, entsetzt und schockiert wären.
Simon sucht noch, wie man es aus unzähligen Highschool-Filmen, Romantic Comedies und Schnulzen kennt, die richtige Person für das erste Mal, die die große Liebe und die Frau (den Mann? den Partner?) fürs Leben. Und bis es zum ersten Kuss kommt, muss unser Held einige Abenteuer bestehen.
Greg Berlanti erzählt in seinem, auf Becky Albertallis Jugendbuch-Bestseller basierendem Film diese Geschichte. Mit schönen Menschen in einer schönen Gegend in schönen Bildern, die auch in einer Nicholas-Sparks-Schnulze nicht negativ auffallen würden.
Eines Abends entdeckt Simon im Internet einen Text von „Blue“, der wie er Schüler an der Creekwood High in Shady Creek, einem Vorort von Atlanta, Georgia ist und der ebenfalls schwul ist. Simon legt sich das Pseudonym „Jacques“ zu und sie beginnen sich emsig online auszutauschen. Ohne ihre wahre Identität zu kennen. Simon, ein wahrer Frauenschwarm, fragt sich, wer von den Jungs an der Schule Blue ist.
Sein Leben wird noch komplizierter, als er sich nach einer auf dem Schulcomputer geschriebenen Nachricht an Blue nicht abmeldet. Sein Schulfreund und Klassenclown aus Verzweiflung Martin entdeckt Simons Geheimnis. Weil Martin in Simons Freundin Abby verliebt ist und sie nichts von ihm wissen will, erpresst er Simon. Er soll ihn mit ihr verkuppeln.
Von der Story her ist „Love, Simon“ ein typischer, kitschiger Coming-of-Age-Film über die erste Liebe, garniert mit einigen typischen Schulproblemen, verständnisvollen Eltern und Lehrern und gut aussehenden, höflichen Teenagern. Und etwas Humor der netten Art.
Aber dieses Mal spielt die sattsam bekannte Geschichte über die Suche nach der großen Liebe sich nicht zwischen einem Jungen und einem Mädchen ab. Es geht auch nicht um einen schüchternen Jungen, der sich in die Klassenschönheit (und, ja, das kann verraten werden, Blue ist ein gut aussehender Junge) verliebt, sondern es geht um einen Jungen, der einen anderen Jungen sucht, in den er aufgrund seiner E-Mails verliebt ist und dessen Identität er nicht kennt.
Damit erzählt „Love, Simon“, soweit ich den Überblick habe, zum ersten Mal, in einer Mainstream-Highschool-Komödie eine schwule Coming-of-Age-Geschichte. Und in diesem Genre gehört Berlantis Film zu den gelungenen Vertretern. Wegen Simons im Film bis zu seinem Zwangsouting gegenüber seinem Umfeld lange verschwiegener Homosexualität, haben viele Dialoge eine doppelte Bedeutung. So ist auch das Musical „Cabaret“, das Simon und seine Freunde für eine Schulaufführung proben, bewusst ausgewählt.
Besonders subtil ist das nicht. Aber „Love, Simon“ ist auch nicht der Film für den Cineasten, der endlich einmal eine schwule Liebesgeschichte sehen will, sondern für Jugendliche, die endlich einmal eine schwule Liebesgeschichte sehen sollen – und die ihnen bei der Akzeptanz ihrer Sexualität und ihrem Outing helfen kann. Denn Simon ist ein ganz normaler Junge. Es ist auch ein Aufruf zur Toleranz. Verpackt in eine konventionellen Geschichte mit einem Protagonisten, den niemand von der Bettkante stoßen würde. Wie man so sagt.
Und so ist der Film für die Menschheit noch nicht einmal ein kleiner Schritt (ich sage nur „Call me by your Name“), aber ein großer für das Mainstream-Coming-of-Age-Genre.
Der mit dem Deutschen Jugendbuchpreis ausgezeichnete Roman ist allerdings deutlich schwächer als die Verfilmung. Das Buch liest sich mit seinen dürftigen Beschreibungen wie ein Roman zum Film, der einfach nur das Drehbuch nacherzählt und dabei auf jegliche literarische Schnörkel und vertiefende, die Erzählgeschwindigkeit hemmende Beschreibungen verzichtet.
Im Gegensatz zum Film beginnt Albertalli mit der Erpressung von Martin. Damit setzt sie eine vollkommen andere Spannungskurve als der Film, in dem Simon am Anfang auf der schulischen Klatschseite creeksecrets auf den Text seines Seelenverwandten stößt. Im Film geht es daher von der ersten Minute an um die Frage, wie Simon mit seiner Sexualität und seinen Gefühlen umgeht. Im Buch muss er sich dagegen zuerst einmal um eine Erpressung kümmern. Und während der Film ständig, bei jedem Blick, jedem Satz, jedem Gespräch um die Frage kreist, welcher Mitschüler Blue ist, wird dieser Spannungsmoment von Albertalli fast gänzlich ignoriert. Deshalb sind alle Dialoge im Film wesentlich doppeldeutiger als im Buch. So gibt es im Film eine Szene, in der Simon und seine Freundin (früher hätte man sie Sandkastenliebe genannt) darüber reden, wen sie lieben und dabei, ohne dass sie es bemerken, aneinander vorbeireden. So proben die Schüler im Buch das Theaterstück „Oliver!“, basierend auf Charles Dickens‘ „Oliver Twist“. Im Film proben sie für die Schulaufführung das im Berlin in den frühen dreißiger Jahren spielende Musical „Cabaret“, das dann, auf mehreren Ebenen, Simons Geschichte spiegelt.
Love, Simon (Love, Simon, USA 2018)
Regie: Greg Berlanti
Drehbuch: Isaac Aptaker, Elizabeth Berger
LV: Becky Albertalli: Simon vs. the Homo Sapiens Agenda, 2015 (Nur drei Worte; Love, Simon)
mit Nick Robinson, Katherine Langford, Alexandra Shipp, Jorge Lendeborg Jr., Logan Miller, Miles Heizer, Kerynan Lonsdale, Josh Duhamel, Jennifer Garner, Tony Hale, Natasha Rothwell
Länge: 110 Minuten
FSK: ab 0 Jahre
(Trivia: In den USA: Rated PG-13 for thematic elements, sexual references, language and teen partying)
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Die Vorlage
Zum Filmstart erschien eine Filmausgabe, die ihren Namen wirklich verdient. Denn der Verlag spendierte nicht nur ein neues Cover, sondern auch einen 8-seitigen Bildteil, einen Ausschnitt aus dem Drehbuch und ein sehr kritikloses Gespräch zwischen Becky Albertalli, Simon-Darsteller Nick Robinson und Regisseur Greg Berlanti.
The Zero Theorem – Das Leben passiert jedem (The Zero Theorem, Großbritannien/Rumänien 2013)
Regie: Terry Gilliam
Drehbuch: Pat Rushin
Qohen Leth soll das Zero Theorem, die Formel für den Sinn des Lebens knacken, und er wartet auf einen wichtigen Anruf.
Optisch brillante, inhaltlich leere Dystopie von Terry Gilliam, die in der Tradition seiner Meisterwerke „Brazil“ und „12 Monkeys“ steht, ohne deren Qualität zu erreichen.
Men & Chicken (Mænd & høns, Dänemark/Deutschland 2014)
Regie: Anders Thomas Jensen
Drehbuch: Anders Thomas Jensen
Um ihren Vater, den Genetiker Evelio Thanatos, kennen zu lernen, fahren die Halbbrüder Elias und Gabriel auf die Insel Ork. Das von ihm betriebene Sanatorium ist eine Bruchbude. Ihre dort lebenden Halbbrüder sind bekloppt und wollen Elias und Gabriel nicht zu ihrem Vater lassen.
Ein ziemlicher Klamauk, gedreht in den Beelitz-Heilstätten bei Potsdam.
mit Mads Mikkelsen, David Dencik, Nikolaj Lie Kaas, Søren Malling, Nicolas Bro, Ole Thestrup, Bodil Jørgensen, Kirsten Lehfeldt, Lisbeth Dahl, Rikke Louise Andersson
Todesfalle Highlands (A lonely place to die, Großbritannien 2011)
Regie: Julian Gilbey
Drehbuch: Julian Gilbey, Will Gilbey
Bei einer Klettertour durch die schottische Highlands entdecken fünf Wanderer in einem Erdversteck ein gefangen gehaltenes serbisches Mädchen. Sie wollen ihr helfen.
Auf dem Fantasy-Filmfest gezeigter Survival-Thriller. Bei der Kritik kam der harte, in Schottland gedrehte Thriller gut an.
„Spannender, dicht inszenierter und vorzüglich fotografierter Thriller, der nie seine glaubwürdigen Charaktere aus den Augen verliert.“ (Lexikon des internationalen Films)
Der Film ist FSK-18. D. h. es wird wahrscheinlich eine um zwei Minuten gekürzte Fassung gezeigt.
mt Melissa George, Ed Speleers, Eamon Walker, Sean Harris, Alec Newman, Karl Roden, Kate Magowan
auch bekannt als „A lonely place to die – Todesfalle Highlands“ (DVD-Titel)
Eva warnt den verlobten Waliser Flegel und mit seinem Debüt zum Erfolgsautor avancierten Tyvian, sich nicht mit ihr einzulassen. Er tut es trotzdem.
Drama von Joseph Losey, das vom Produzenten letztendlich um ein Drittel gekürzt wurde. Es existieren verschiedene Fassungen zwischen Loseys Schnitt (155 Minuten, anscheinend verschollen), eine von ihm auf Verlangen des Produzenten hergestellte kürzere Fassung (135 Minuten), eine US-Fassung (115 Minuten), eine britische Fassung (111 Minuten), eine deutsche Fassung (107 Minuten, die dürfte heute Abend laufen) und eine französische Fassung (100 Minuten).
„der unerhörte Stilwille einerseits und die objektive Unmöglichkeit, ihn so vollständig einzulösen, dass er im Resultat nicht mehr als Anstrengung zu erkennen wäre, haben ‚Eva‘ letztlich zu einem eher manieristischen Torso werden lassen. (…) Bei aller Kritik und Selbstkritik Loseys bleibt ‚Eva‘ ein zwar überornamentierter, aber thematisch interessanter Ewway über Liebesbeziehungen und Geldbeziehungen.“ (Peter W. Jansen/Wolfram Schütte: Joseph Losey, 1977)
mit Jeanne Moreau, Stanley Baker, Giorgio Albertazzi, Virna Lisi, Peggy Guggenheim, Vittorio De Sica, Joseph Losey
Catch me if you can (Catch me if you can, USA 2002)
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: Jeff Nathanson
LV: Frank Abagnale (mit Stan Redding): Catch me if you can: The Amazing True Story of the Youngest and Most Daring Con Man in the History of Fun and Profit, 1980 (Mein Leben auf der Flucht, Catch me if you can)
Spielberg erzählt kurzweilig die wahre Geschichte des Hochstaplers Frank Abagnale. Der Film „ist eine swingende, schwerelose Krimikomödie, die durch Tempo, Charme und Verspieltheit überzeugt.“ (Berliner Zeitung, 30. Januar 2003)
Mit Leonardo DiCaprio, Tom Hanks, Christopher Walken, Martin Sheen, Nathalie Baye, James Brolin, Jennifer Garner
Herzlichen Glückwunsch zum Geburtstag, Klaus Maria Brandauer! (Der war am 22. Juni. Aber da lief kein Brandauer-Film im TV.)
RTL II, 20.15
Jenseits von Afrika (Out of Africa, USA 1983)
Regie: Sydney Pollack
Drehbuch: Kurt Luedtke
LV: Isak Denisen (aka Karen Blixen): Out of Afrika; Shadows on Grass; Letters from Africa; Judith Thurman: Isak Denisen – The Life of a Storyteller; Errol Trzebinski: Silence will speak
Mit sieben Oscars (u. a. Bester Film, Beste Regie, Bestes Drehbuch), an der Kinokasse enorm erfolgreiche, vor Ort gedrehte Edelschmonzette über Karen Blixen, die zwischen 1913 und 1931 in Kenia lebte, mit dem ehebrechendem, geschäftsunfähigen Bror von Blixen-Fineckel verheiratet war, deshalb dessen Kaffeeplantage managte und in den Großwildjäger Denys Finch Hatton verliebt war.
mit Meryl Streep, Robert Redford, Klaus Maria Brandauer, Michael Kitchen, Malick Bowens
Eines Tages taucht bei dem bürgerlichen, kinderlosen Ehepaar André (Christian Clavier) und Laurence Prioux (Catherine Frot) ein junger Mann auf, der behauptet ihr Sohn zu sein. Weil André und Laurence seit Ewigkeiten verheiratet sind, kann die Behauptung von Patrick (Sébastien Thiéry) unmöglich stimmen. Trotzdem schließt Laurence den tauben, naiven, in einem Heim aufgewachsenen Patrick in ihr Herz. Er wird für sie schnell zu dem Kind, das sie niemals hatte. Der überängstliche und zur Hysterie neigende André würde den Eindringling, der ein Betrüger sein muss, am liebsten sofort aus ihrem Haus werfen.
Die französische Komödie „Nicht ohne Eltern“ basiert auf einem erfolgreichen Theaterstück von Sébastien Thiéry, der auch einer der beiden Drehbuchautoren, Co-Regisseur und Hauptdarsteller ist. Für den Film wurde das Stück dann anscheinend kräftig geändert. Trotzdem kann es seinen Ursprung als klamaukige Boulevardkomödie nicht verleugnen. Die funktioniert im Theater immer dann am besten, wenn alle hektisch durcheinander rennen und brüllen und, ausgehend von einer unglaubwürdigen Prämisse, idiotischer Irrtum auf dümmlichen Irrtum folgt, bis der sprichwörtliche Gordische Knoten eine einfach zu lösende Aufgabe ist. Im Theater, wo es eine direkte Kommunikation zwischen den Schauspielern und dem Publikum gibt und auch improvisiert werden kann, funktioniert das gut.
Im Film nicht unbedingt und manchmal, wie in „Nicht ohne Eltern“, funktioniert nichts. „Monsieur Claude und seine Töchter“ Christian Clavier versucht sich als ständig über Gebühr erregter Kleinbürger als Louis-de-Funès-Abbild. Mit dem Ergebnis, dass man sich den verstorbenen de Funès für diesen Film wünscht. Geholfen hätte es allerdings kaum. Die Geschichte ist einfach zu unglaubwürdig, um auch nur eine Zehntelsekunde für auch nur irgendwie plausibel gehalten zu werden. Die Charaktere sind reine Klischees. Die Witze stammen aus der Mottenkiste des Boulevardtheaters, die man irgendwo in den fünfziger Jahren stehen gelassen hat. Heute sind sie nicht mehr witzig.
Und dazwischen gibt es mehrere banale Pop-Songs, die über Gebühr ausgespielt werden.
„Nicht ohne Eltern“ ist ein Klamauk ohne einen einzigen Lacher.
Nicht ohne Eltern (Momo, Frankreich 2017)
Regie: Vincent Lobelle, Sébastien Thiéry
Drehbuch: Sébastien Thiéry, Pascale Arbillot (nach dem Theaterstück von Sébastien Thiéry)
mit Christian Clavier, Catherine Frot, Sébastien Thiéry, Pascale Arbillot, Hervé Pierre
Zerrissene Umarmungen (Spanien 2009, Regie: Pedro Almodóvar)
Drehbuch: Pedro Almodóvar
Die Erinnerungen eines erblindeten Drehbuchautoren an eine nicht fertig gestellte Komödie, seine große Liebe und einen für sie tödlichen Autounfall dienen Almodóvar als Ausgangspunkt für einen Film im Film im Film – und wir Zuschauer sind nie verwirrt, sondern verzaubert, wenn flugs und zitatreich die Zeitebenen und Genres gewechselt werden.
Für das „Lexikon des internationalen Films“ gehört „Zerrissene Umarmungen“ „zum Anrührendsten und Schönsten, was das europäische Kino aktuell zu bieten hat“.
mit Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Rubén Ochandiano, Tamar Novas
2008 war Bryan Bertinos Horrorfilm „The Strangers“ über ein Paar, das von drei maskierten Personen terrorisiert und ermordet wird, ein Überraschungserfolg, der auch ganz gute Kritiken erhielt.
Seitdem wurde über eine Fortsetzung gesprochen und jetzt, nachdem schon niemand mehr ernsthaft damit rechnete, startet sie als „The Strangers: Opfernacht“ in unseren Kinos. Wieder geht es um eine Gruppe Menschen, die von Maskierten terrorisiert werden.
Dieses Mal ist es eine Familie, die auf der Fahrt zur neuen Schule ihrer renitenten Tochter eine Nacht in dem Ferienressort ihres Onkels verbringen wollen. Es ist einsam gelegen und so großflächig angelegt, dass man neben jeden Trailer ein, zwei Fußballfelder legen könnte. Es ist auch gerade die Zeit des Jahres, in der keine anderen Gäste dort sind. Deshalb liegt, als sie mitten in der Nacht eintreffen, im Empfangsgebäude des Ressorts ihr Schlüssel auf dem Tisch. Die vierköpfige Familie zieht, ohne mit ihrer Verwandtschaft gesprochen zu haben, in ihr Haus ein.
Kurz darauf klopft es an ihre Tür. Ein Mädchen fragt, ob Tamara zu Hause sei. Sie schicken sie weg. Kurz darauf klopft es wieder und eine Gruppe Maskierter beginnt sie zu jagen und zu ermorden.
So wie man es aus „The Strangers“ kennt. Aber in „The Strangers: Opfernacht“ ist alles größer geraten. Anstatt einem Liebespaar und ihrem später hinzugekommenem und schnell erschossenen Freund (was die maximale Zahl der Opfer auf drei begrenzt), steht dieses Mal eine typische amerikanische Familie mit Vater, Mutter, Tochter und Sohn im Mittelpunkt des Abschlachtens nach Schema F.
Es wird also munter und viel öfter als in „The Strangers“, der fast ausschließlich in einem Haus spielte, durch die Nacht gestolpert, geschrien, gerannt und gestorben. Mal mehr, aber öfter nicht besonders einfallsreich. Schließlich ist „The Strangers: Opfernacht“ mit den 80er-Jahre-Popsongs auch eine Hommage an den damaligen Slasher-Film und die, nun, haushaltsüblichen Mordinstrumente. Und, auch das kennt man aus unzähligen Horrorfilmen, manche Opfer haben ein erstaunlich langes Leben. Die Täter sowieso. Dabei ist die Bedrohung – wieder ein Mann mit einer hässlichen, groben Stoffmaske und zwei Frauen (Mädchen?) mit ihren Porzellanmasken – wieder, aufgrund ihrer Masken und ihres Schweigens, ziemlich bedrohlich. Aber wer vor dem Filmstart nicht einen Blick auf das Kinoplakat geworfen hat und eine Parallelität zwischen den drei maskierten Gestalten auf dem Plakat und der Zahl der maskierten Gestalten im Film vermutet, wird erstaunt feststellen, dass es Regisseur Johannes Roberts („The other Side of the Door“, „47 Meters Down“) während des gesamten Films nicht gelingt, zu zeigen, gegen wie viele Menschen die All-American-Mittelstandsfamilie sich wehren müssen.
Die Motive der Bösewichter sind hier noch kryptischer als im ersten Film, den man nicht gesehen haben muss, um die vollkommen eigenständige Fortsetzung zu verstehen. Im Gegensatz zu anderen Horrorfilmen, in denen die Mythologie von Film zu Film zunehmend ausgebaut wird, wird sie hier ausgelöscht. Es bleibt nur noch ein nichts erklärender Satz übrig. Auch die Inszenierung bietet keinen Subtext mehr an. Damit reiht sich einfach nur ein Mord(versuch) an den nächsten. Ohne Sinn und Verstand, aber mit großer Langeweile.
Verglichen mit neueren Horrorfilmen wie „Der Babadook“, „Get Out“, „A quiet Place“ und „Hereditary“ (gut, da hatte ich einige Probleme), über die man noch lange nach dem Abspann diskutieren konnte, ist „The Strangers: Opfernacht“ nur eine ambitionslose Zwischenmahlzeit für den anspruchslosen Horrorfan. Da helfen auch nicht die atmosphärischen Nachtaufnahmen und der Soundtrack.
The Strangers: Opfernacht(The Strangers: Prey at Night, USA 2018)
Regie: Johannes Roberts
Drehbuch: Bryan Bertino, Ben Ketai
mit Christina Hendricks, Martin Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman, Emma Bellomy, Lea Enslin, Damian Maffei
LV: James Ellroy: Watchman/The night Watchman (Originalgeschichte)
Die Story klingt nach einem typischen Ellroy – oder dem typischen Cop-Thriller der Marke „Korrupter Cop sitzt in der Scheiße; entdeckt, (Überraschung!) dass die Polizei korrupt ist und stellt sich auf die Seite der Guten“. Denken Sie nur an die Ellroy-Verfilmung „Dark Blue“ (für die Ayer das Drehbuch schrieb), ersetzen Kurt Russell durch Keanu Reeves, lassen den Rookie Scott Speedman weg und wir haben den nächsten düsteren, bleihaltigen LA-Copthriller.
Ellroys Story ist eine nicht veröffentlichte Originalgeschichte und sollte bereits vor Jahren als „Watchman“ oder auch „The night Watchman“ verfilmt werden. David Fincher, Spike Lee und Oliver Stone waren als Regisseure im Gespräch. Für den Film wurde Ellroys Drehbuch dann von mehreren Autoren (zwei schafften es in die Credits, aber Ayer soll und John Ridley hat vor Jahren an dem Drehbuch gearbeitet) bearbeitet.
Mit Keanu Reeves, Forest Whitaker, Hugh Laurie, Chris Evans, Martha Higareda, Cedric the Entertainer, Amaury Nolasco
LV: Klaus Mann: Mephisto, 1936 (erste Veröffentlichung in Deutschland 1966, dann bis 1981 verboten, in der DDR seit 1956 erhältlich)
Hendrik Höfgen ist ein erfolgssüchtiger Schauspieler. Deshalb schmeichelt sich bei den Nazis ein.
Mit dem Oscar als bester ausländischer Film ausgezeichnetes Psychogramm, das auf dem lange verbotenen Roman „Mephisto“ von Klaus Mann basiert. Denn Mann porträtierte, nicht sehr vorteilhaft, Gustaf Gründgens, den er Hendrik Höfgen nannte.
„Mit Hilfe der beiden hervorragenden Charakterdarsteller Rolf Hoppe und Klaus Maria Brandauer gelang Szabó ein glutvoller, nicht überlauter Film, kühl in den Emotionen, doch auch voll glanzvoller, reißerischer Rhythmik in der Bewegung der Szenen, in denen sich die Schauspieler und die Schausteller des Dritten Reichs ihre Auftritte liefern.“ (Heiko R. Blum/Sigrid Schmitt: Klaus Maria Brandauer, 1996)
„Es ist ein Film, der durch die exemplarische Studie eines exemplarischen Charakters ein wahrhaftiges, ein beklemmendes Bild einer Zeit schafft, die Probleme aufgeworfen hat, die fortdauern – [der Ungar] Szabó weiß, wovon sein Film handelt. (…) Mit dem ‚Mephisto‘ ist ihm sein Meisterwerk gelungen.“ (Fischer Film Almanach 1982)
Am Freitag wird Klaus Maria Brandauer 75. Heute zeigt der RBB den Film, mit dem er seinen Durchbruch als Filmschauspieler hatte. Danach war er in „Sag niemals nie“ der Gegenspieler von James Bond und auch in Hollywood war er „Jenseits von Afrika“ gut beschäftigt. Danach kehrte er wieder, auch als Regisseur, sehr erfolgreich zum Theater zurück. In den vergangenen über zwanzig Jahren spielte er nur in wenigen Filmen mit.
mit Klaus Maria Brandauer, Krystyna Janda, Rolf Hoppe, Karin Boyd
„Melodram, Psycho-Thriller, Groschenheft-Tragödie – der Film ist all das und all das nicht schlecht; vor allem aber hat es der Zuschauer hier mit einem filmisch raffniert umgesetzten erzählerischen Puzzle zu tun, dessen unzählgen Schlenkern und Wendungen zu folgen großen Spaß macht.“ (Robert Fischer, epd Film 5/1984)
Andere Kritiker gingen erheblich ungnädiger mit dem mit vier Césars ausgezeichneten Publikumserfolg (jedenfalls in Frankreich) um. Aber keiner vergaß, auf die Hauptdarstellerin hinzuweisen.
Mit Isabelle Adjani, Alain Souchon, Michel Galabru
Ein schönes Mädchen wie ich (Une belle fille comme moi, Frankreich 1972)
Regie: Francois Truffaut
Drehbuch: Francois Truffaut, Jean-Loup Dabadie
LV: Henry Farrell: Such a gorgeous kid like me, 1967
Alle Männer verlieben sich in die junge Camille Bliss. Aber nicht alle überleben die Begegnung mit der Schönheit.
Selten gezeigte burleske Komödie von Francois Truffaut. In „Ein schönes Mädchen wie ich“ fischt Truffaut, der ja einige grandiose Krimis inszenierte, in den Gewässern von Claude Chabrol, ohne jemals wirklich zu überzeugen. Der Film ist bestenfalls ein Sommerspaß, der plakativ die bürgerlichen Wertvorstellungen auf den Kopf stellt, die Selbstbilder der Männer (ein Haufen dummer, eitler, impotenter Gockel, für die niemand auch nur einen Funken Mitleid empfinden kann) als Selbstbetrug entlarvt und eine unschuldige Mörderin zur Sympathieträgerin macht.
mit Bernadette Lafont, Claude Brasseur, Charles Denner, Guy Marchand, André Dussolier, Philippe Léotard, Anne Kreis
In einem leeren Pariser Apartment treffen sich ein älterer Amerikaner und eine junge Französin. Sie geben sich ihren sexuellen Trieben hin und öffnen dem anderen ihre Seele.
Damals war’s ein Skandalfilm, bei dem besonders die aus heutiger Sicht sehr harmlosen Sexszenen provozierten. Heute ist es ein immer noch in jeder Beziehung beeindruckender Film über sexuelle Obsessionen und existentielle Verzweiflung. Halt ein zeitloser Klassiker und einer der Brando-Filme, die man gesehen haben muss.
Michael Althen schlug in „Marlon Brando“ (Bertz Verlag, 2004) in seiner Besprechung von „Der letzte Tango in Paris“ die Brücke zu „Die Träumer“: „Zwei Menschen begeben sich in die camera obscura eines unmöblierten Pariser Appartements, um herauszufinden, ob es ein Leben jenseits von Geschichte und Geschichten geben kann, ob man alles abstreifen und sich neu erfinden kann. Und so wie dieser Film ein Schlag ins Gesicht jener Jahre war, ist es auch The Dreamers (Die Träumer, 2003), mit dem Bertolucci unlängst jene Jahre Revue passieren ließ. Die Wahrheit, von der diese Filme erzählen, ist aber, dass im Scheitern womöglich der ganze Zweck des Lebens liegt. Brando mag sich für den Einzigen gehalten haben, der in seiner Biographie gefangen ist – dabei ist er nur ein Mensch wie du und ich.“
Tele 5 zeigt den Film als Teil seiner skandalös gelungenen Skandalfilm-Reihe, die heute mit „Wenn der Postmann zweimal klingelt“ (um 20.15 Uhr) und „Idioten“ (um 01.20 Uhr) skandalös lang ist.
Mit Marlon Brando, Maria Schneider, Jean-Pierre Léaud, Massimo Girotti, Catherine Breillat
Live Flesh – Mit Haut und Haar (Carne Trémula, Spanien/Frankreich 1997)
Regie: Pedro Almodóvar
Drehbuch: Pedro Almodóvar, Ray Loriga, Jorge Guerricaechevarria
LV: Ruth Rendell: Live Flesh, 1986 (In blinder Panik)
Sechs Jahre nachdem Victor einen Polizisten zum Krüppel schoss, kreuzen sich wieder ihre Wege.
Ein typischer Almodóvar-Film. „Almodóvar pendelt in überraschenden Wendungen geschickt zwischen Pathos und Ironie, ohne völlig in den schrillen Erzählton früherer Werke zu kippen.“ (Zoom 8/98)
mit Liberto Rabal, Javier Bardem, Francesca Neri, Angela Molina
„Hereditary – Das Vermächtnis“, der Debütfilm von Ari Aster, gehört zu den Horrorfilmen, die schon von der ersten Minute an erkennbar höhere Ambitionen haben, als der üblicher Slasher-Jumpscare-Found-Footage-Horrorfilm für Teenager, in denen Sex die Vorstufe für Tod ist.
Asters Film beginnt mit einer Beerdigung, die wie unzählige andere Beerdigungen ist: eine Ansammlung trauernder Menschen, die sich teilweise zum ersten und letzten Mal sehen. Die Verstorbene ist Annie Grahams Mutter. Über sie erfahren wir während des Films wenig, außer dass sie eine dominante Person war. So dominant, dass Annie (Toni Collette) zu Lebzeiten nichts mehr mit ihr zu tun haben wollte und sich jetzt förmlich zum Trauern zwingen muss. Trotzdem will sie später, während einer Séance, Kontakt zu ihr aufnehmen – und man muss keine Myriaden von Horrorfilmen gesehen haben, um zu wissen, wie das ausgeht. In dem Moment bewegt sich Annies Familie – ihre beiden Kinder Peter (Alex Wolff), kurz vor dem Erwachsenwerden, und seine noch vor der Pubertät stehende, einzelgängerische Schwester Charlie (Milly Shapiro) und ihr Mann Steve (Gabriel Byrne in einer Nebenrolle) – bereits wie traumatisiert durch den Film und das einsam gelegene große Haus der Grahams.
In dem Haus arbeitet Annie als Künstlerin. Sie baut Modellwelten mit Miniaturfiguren. Dabei sind ihre Landschaften keine Fantasielandschaften, sondern fotorealistische Darstellungen von Ereignissen aus ihrem Leben. Oft geht es um das Sterben und den Tod von Menschen, zu denen sie eine enge Beziehung hatte. Wie ihrer Mutter.
Aster lässt schon in den ersten Filmminuten die Grenze zwischen der Realität und den Miniaturlandschaften verschwimmen. Bereits in diesem Moment bewegen die Grahams sich in ihrem Haus wie in einem Puppenhaus, das zu einer Bühne umfunktioniert wurde und sie zu Marionetten macht. Die Inszenierung unterstreicht diesen Effekt durchgehend. Die Kamera ist oft so unnatürlich positioniert, dass die Zimmer im Grahamschen Haus immer wie ein sorgfältig arrangierter Teil einer Theaterbühne aussehen. Es wird selten geschnitten und die Szenen dauern meisten länger, als man es gewohnt ist. Manchmal quälend lang. Und dabei geht es nicht um Bilder von herausquellenden Gedärmen, sondern um Bilder von Gesichtern, die etwas sehen. All das trägt, neben dem Spiel der Schauspieler, zur irrealen Feel-Bad-Atmosphäre bei.
Die Themen die Aster dabei anspricht – Trauer, Schuld und Schuldgefühle in einer unangenehm verkorksten Familie – steigern das. Denn die Familie Graham will über ihre Geheimnisse nicht sprechen.
Mit zunehmender Laufzeit wird allerdings auch ein erzählerischer Stillstand deutlich. Anstatt sich für einen Charakter zu entscheiden und dann dessen Geschichte zu erzählen, mutiert „Heriditary“ zu einem Best-of des Okkult-Horrors. Jeder Charakter darf sich mit dem Dämon seiner Wahl herumschlagen. Wie diese Bedrohungen miteinander zusammenhängen und welcher Dämon der fieseste ist, bleibt unklar. Und nach zwei Stunden gibt es eine kryptische Erklärung, die doch aus ziemlich heiterem Himmel kommt.
So ist „Heriditary“ ein Horrorfillm für Menschen, die auch etwas Nachdenken wollen, inszeniert von einem Regisseur, der seine Vorbilder genau studiert hat und sie jetzt mit einem beträchtlichen Gestaltungswillen innerhalb einer Familienaufstellung verarbeitet. Es ist allerdings auch ein Feel-Bad-Film, der im Vergleich zu anderen aktuellen und hochgelobten Horrorfilmen nicht so packend ist, wie er sein könnte.
Und, ja, ich habe um den Plot herumgeschrieben und keine anderen Filme genannt, um keine Hinweise auf den Verlauf und das Ende der Geschichte zu geben. Die entwickelt sich nämlich an mehreren Stellen konträr zu allen Erwartungen.
Darüber können wir dann zum DVD-Start sprechen.
Hereditary – Das Vermächtnis (Hereditary, USA 2018)
Regie: Ari Aster
Drehbuch: Ari Aster
mit Toniy Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 