Ungefähr jetzt ist die galaktische „Berlinale“-Weltpremiere von Lars Kraumes neuem Film „Das schweigsame Klassenzimmer“ über eine DDR-Schulklasse, die im November 1956 mit einer Schweigeminute auf die Niederschlagung des Ungarn-Aufstandes reagierte. Ihre Lehrer und deren Vorgesetzten reagierten emport.
(Herrje, meine Lehrer wären froh gewesen, wenn wir mal geschwiegen hätten.)
Der Film läuft am 1. März an und dann erscheint auch meine Besprechung (musste bei der Pressevorführung ein Schweigelübde unterzeichnen, das ich bis dahin mönchisch einhalte).
Davor startet schon die Kinotour, deren Termine ich nicht marktschreierisch, sondern schweigsam verkünde:
LV: Dietrich Garstka: Das schweigende Klassenzimmer, 2006
mit Leonard Scheicher, Tom Gramenz, Lena Klenke, Jonas Dassler, Isaiah Michalski, Ronald Zehrfeld, Jördis Triebel, Florian Lukas, Burghart Klaußner, Michael Gwisdek
Länge: 111 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Und der Ullstein-Verlag spendierte der Sachbuchvorlage einen schicken neuen Umschlag
Irgendwann während des Films fragte ich mich, was eigentlich aus der Getty-Familie und ihrem Vermögen wurde. Dabei war J. Paul Getty (15. Dezember 1892 – 6. Juni 1976) einmal der reichste lebende Amerikaner und wahrscheinlich auch der reichste Mensch auf der Erde. Er war ein Öl-Tycoon und Geizkragen vor dem Herrn. Die Entführung seines sechzehnjährigen Enkels Paul Getty (bzw. genaugenommen John Paul Getty III) am 10. Juli 1973 in Rom ging um die Welt. Es war in einer Zeit als Entführungen zum Geschäft von Terrorgruppen und Verbrecherbanden gehörten, eine der wenigen Geiselnahmen, über die noch Jahre danach gesprochen wurde.
Die Gründe dafür sind offensichtlich: das Opfer, seine Familie und der Verlauf der Geiselnahme. Denn J. Paul Getty weigerte sich, das geforderte Lösegeld von 17 Millionen Dollar zu zahlen. Zuerst weil er vermutete, dass sein Enkel gar nicht entführt wurde, später weil dann alle seine Enkel entführt würden und er dafür bezahlen müsste. Nach zähen Verhandlungen, begleited von einer großen Medienöffentlichkeit, und der Zahlung eines wesentlich geringeren Lösegelds von etwa drei Millionen Dollar kam Paul Getty am 15. Dezember 1973 frei. Davor – und das ist die schlimmste Szene des Films – wurde ihm sein rechtes Ohr abgeschnitten.
In seinem neuen Film „Alles Geld der Welt“ konzentriert Ridley Scott sich, nach einem Drehbuch von David Scarpa („Die letzte Festung“, „Der Tag, an dem die Erde stillstand“), auf diese Geiselnahme ohne sie erzählerisch in den Griff zu bekommen. Weil er sich nie entscheiden kann, aus welcher Perspektive er seine Geschichte erzählen möchte, verheddert er sich schnell zwischen seinen verschiedenen Erzählsträngen. Er mäandert zwischen den Geschichten von J. Paul Getty, Paul Getty, Gail Harris, Fletcher Chace, Cinquata und der normalen Polizeiarbeit hin und her, ohne dass sich ein Hauptplot herausschält, an dem sich alle anderen Plots als Nebengeschichten orientieren könnten. Es ist auch nie klar, was Scott erzählen will. Soll „Alles Geld der Welt“ eine Meditation über Geld und Reichtum, ein Entführungsthriller, eine Familiengeschichte oder die Geschichte einer Person sein? Denn jede Person und jeder Erzählstrang könnte fast mühelos fast vollständig aus dem Film herausgeschnitten werden, ohne dass man beim restlichen Film viel verändern müsste.
Als Ensemblestück funktioniert „Alles Geld der Welt“ auch nicht. Ein gelungenes Ensemblestück hat ebenfalls einen zentralen Charakter und ein Thema, um das alle Plots und Szenen kreisen.
Scott beginnt seinen Film mit Paul Getty (Charlie Plummer). Er wird in Rom entführt und nach Kalabrien gebracht. Er ist sogar über eine große Strecke des Films der Voice-Over-Erzähler. Aber irgendwann in der Mitte des Films verstummt er.
Bis dahin hat er uns viel über den finanziellen Aufstieg seines Großvaters, die Beziehung seiner Eltern Gail Harris (Michelle Williams) und John Paul Getty II (Andrew Buchan) zu ihm und ihre desaströse Beziehung erzählt. Einiges davon ist später für die Filmgeschichte wichtig. Viele Informationen sind allerdings nur belanglose Hintergrundinformationen, die Christopher Plummer die Gelegenheit geben, an verschiedenen Orten jüngere Version von J. Paul Getty zu spielen.
1973 lebt J. Paul Getty schon seit Jahren auf seinem Landsitz Sutton Place. Dort besucht ihn Gail Harris. Sie, inzwischen geschieden, hat nicht das geforderte Lösegeld. Aber J. Paul Getty könnte das Lösegeld für seinen Lieblingsenkel mühelos bezahlen. Er lehnt ab und beauftragt seinen Sicherheitsberater, den ehemaligen CIA-Agenten Fletcher Chace (Mark Wahlberg), sich um die Entführung zu kümmern. Chace soll seinen Enkel möglichst billig, am besten ohne dass er einen Cent bezahlen muss, befreien.
Chace böte sich, wie man es von einer klassischen Privatdetektivgeschichte kennt, als Erzähler und Führer durch die seltsame Welt der Gettys zwischen unermesslichem Reichtum und emotionaler Kälte an. Aber über weite Strecken des Films lungert Chace einfach nur in dem Film herum, ohne etwas zur Handlung beizutragen. Er muss uns auch nicht die Geschichte von Gettys Vermögen erzählen. Das hat der entführte Paul Getty bereits erledigt.
Während Chace in und um Rom herum falsche Spuren verfolgt, freundet Paul Getty sich mit einem seiner Entführer an. Cinquanta (Romain Duris) versucht ihm dann auch zu helfen, während die anderen Entführer Paul Getty an höherrangige ‚Ndrangheta-Mitglieder verkaufen (Yep, Entführung war damals ein Geschäft). Die sehen Paul Getty nur als Investition, die bei Bedarf abgeschrieben werden kann.
Das alles plätschert, durchaus gut gespielt und immer wieder mit interessanten Szenen, über zwei Stunden vor sich hin, ohne dass jemals das Potential der Geschichte in irgendeine Richtung auch nur halbwegs ausgelotet wird. Denn dafür hätten Autor Scarpa und Regisseur Scott Entscheidungen treffen müssen.
„Alles Geld der Welt“ ist – und das muss spätestens am Ende der Besprechung erwähnt werden – der Film, der Monate nach den Dreharbeiten, sechs Wochen vor dem Kinostart im Dezember, während die Werbemaschne schon auf Hochtouren lief, einen Darsteller ersetzte. Eine Verschiebung des Starttermins kam in dem Moment nicht in Frage. Schließlich sollte „Alles Geld der Welt“ bei der gerade anlaufenden Preisverleihungssaison einige Preise erhalten und von dem Rummel um die Nominierungen und Verleihungen profitieren. Bis jetzt gab es neun Nominierungen. Fünf, davon eine Oscar-Nominierung, für Christopher Plummer. Zwei für Ridley Scott. Außerdem ist, und das ist der zweite wichtige Grund, der gegen eine Verschiebung des Starttermins sprach, für Ende März der Start der zehnteiligen FX-Serie „Trust“ von Danny Boyle angekündigt. Sie erzählt ebenfalls die Geschichte der Getty-Entführung.
Der ersetzte Schauspieler ist Kevin Spacy. Er spielte J. Paul Getty. Als Vorwürfe gegen ihn wegen fortgesetzter sexueller Belästigung öffentlich wurden, wurden die Dreharbeiten für die letzte Staffel der erfolgreichen Netflix-Serie „House of Cards“ gestoppt. Die Macher entschlossen sich, die Staffel ohne ihn zu beenden und schrieben neue Drehbücher.
Ridley Scott veranlasste für seinen Film einen teuren Nachdreh mit Christopher Plummer als J. Paul Getty. Plummer war auch seine ursprüngliche Wunschbesetzung. Mit ihm und Gail-Harris-Darstellerin Michelle Williams und Fletcher-Chace-Darsteller Mark Wahlberg wurden die Spacey-Szenen mit Plummer innerhalb weniger Tage neu gedreht und in den Film hineingeschnitten. Der Grund für diesen radikalen und nicht unumstrittenen Schritt war, dass Scott eine objektive Betrachtung des Films wollte. Es sollte nicht über Kevin Spacey, sondern über den Film geschrieben werden. Es sollte nicht zu einem Backlash kommen, der, befeuert durch Boykott-Aufrufe, den finanziellen Erfolg des Films gefährdet.
Boykott-Aufrufe gab es nicht, aber ein finanzieller Erfolg wurde „Alles Geld der Welt“ bis jetzt auch nicht.
Alles Geld der Welt (All the Money in the World, USA 2017)
Regie: Ridley Scott
Drehbuch: David Scarpa
LV: John Pearson: All the Money in the World; Painfully Rich, 1995 (Alles Geld der Welt)
mit Michelle Williams, Christopher Plummer, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Duris, Andrew Buchan, Timothy Hutton, Stacy Martin, Giuseppe Bonifati, Charlie Shotwell
Länge: 133 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Buchhinweis
Pünktlich zum Kinostart erschien bei HarperCollins die deutsche Ausgabe von John Pearsons Biographie über Jean Paul Getty, der seinen erste Vornamen normalerweise auf „J.“ abkürzte, auf Deutsch. Die Entführung, die im Mittelpunkt des Films steht, macht mit vierzig Seiten nur einen kleinen Teil der umfangreichen Biographie über Jean Paul Getty und seine Familie, die vom Pech verfolgte ‚Getty-Dynastie‘, aus, die nach seinem Tod wenig bis nichts von seinem Vermögen erhielt. Sein gesamtes persönliches Vermögen ging, ohne irgendeine Bedingung, an das J. Paul Getty Museum in Malibu. Das von seinem persönlichem Vermögen sauber in einem Trust getrennte Vermögen ging dann, Jahre nach seinem Tod, an einige seiner Nachkommen.
Wenn man sich die Seiten über die Entführung durchliest, hätte man Gettys Entführung auch als Schwarze Komödie oder Satire über Unfähigkeit auf verschiedenen Ebenen verfilmen können. So war Chace „wahrscheinlich jedoch der schlechteste Botschafter, den der alte Mann sich hätte aussuchen können“. Er war „ein ziemlicher Verschwörungstheoretiker“, der kein Italienisch sprach und mit den Entführen spanisch reden wollte. Die postalische Zustellung des abgeschnittenen Ohrs dauerte drei Wochen. Und die Carabinieri hätten „den Fall nicht einmal dann (…) lösen können, wenn Paul von Donald Duck gefangen gehalten worden wäre“.
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John Pearson: Alles Geld der Welt
(übersetzt von Claudia Heuer)
HarperCollins, 2018
432 Seiten
14,99 Euro
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Ursprünglich erschien Pearsons Buch 1995 bei Macmillan als „All the Money in the World“. 2017 erschien bei William Collins unter dem Titel „Painfully Rich“ eine erweiterte Neuausgabe.
Für die deutsche Ausgabe wurde die aktuellste Ausgabe mit einer vierseitigen Nachschrift von John Pearson zur Neuausgabe zum Filmstart genommen.
Nach mehreren mehr oder weniger (meistens mehr) gescheiterten Kinoadaptionen scheint der Punisher jetzt als Serie seine Heimat bei Netflix gefunden. Jedenfalls bestellte Netflix im Dezember, einen Monat nach der Premiere, eine zweite Staffel.
Dabei ist die wahre Heimat und Herkunft des gnadenlosen Verbrechensbekämpfers Frank Castle, genannt The Punisher, der Comic. Seinen ersten Auftritt hatte er 1974 in „The Amazing Spider-Man #129“. Der Punisher ist Frank Castle, ein Kriegsveteran, der sich nach der Ermordung seiner Familie zu einem eiskalten Rächer wurde. Er bekämpft, meistens in New York, das Verbrechen, indem er die Verbrecher tötet. Gegen ihn ist „Ein Mann sieht rot“ Paul Kersey ein Weichei. Kersey hatte als Paul Benjamin seinen ersten Auftritt 1972 in einem Roman von Brian Garfield, der 1974 von Michael Winner mit Charles Bronson verfilmt wurde.
Wichtig für die Geschichte des Punisher waren die ab 2000 von Autor Garth Ennis und Zeichner Steve Dillon erzählten Geschichten. Panini Comics veröffentlichte jetzt, wegen der Netflix-Serie, den ersten von Ennis geschriebenen Punisher-Auftritt „Frank ist zurück“ wieder. Der Sammelband enthält die zwölfteilige, zwischen April 2000 und März 2001 erschienene Miniserie.
In dieser Geschichte kehrt Castle zurück nach New York und er bekämpft ab der ersten Seite die Mafia mit einer Mordrate, die ungefähr einem Toten pro Seite entspricht. Im Fokus von Castles Aufmerksamkeit ist die Verbrecherbande von Ma Gnucci. Nachdem Castle sie (yep, der Clan wird von einer Frau angeführt) in einem Eisbärenkäfig liegen ließ, ist sie extrem verärgert. Denn sie überlebte den Angriff der Bären, verlor allerdings ihre Arme und Beine. Nachdem ihre Männer den Punisher nicht besiegen können, engagiert sie den Russen, eine unkaputtbare Kampfmaschine aus der Sowjetunion, die ganze Bürgerkriege allein entscheiden kann.
Zur gleichen Zeit nehmen sich in New York mehrere Männer die Taten des Punishers zum Vorbild. Auch sie wollen mit tödlicher Gewalt für Gerechtigkeit sorgen. Es sind Hector Redondo, der Heilige. Er ist ein Priester, der nach der Beichte immer wieder, im Affekt, seine besonders sündigen Gemeindemitglieder erschlägt. Gerne mit einer Axt.
Elite sorgt in seinem Yuppie-Stadviertel für Ordnung, was besonders für nicht-weiße Drogendealer ein tödliches Problem ist.
Mr. Payback will dagegen, dass die Manager multinationaler Konzerne endlich für ihre Taten bezahlen.
Sie wollen gerne zusammen mit dem Punisher das Verbrechen bekämpfen, während die beiden NYPD-Cops Martin Soap (der Loser der Abteilung) und Molly von Richthofen (die auf das Abstellgleis geschobene sexy Ausgabe des harten Cops) sich um ihn und die Gnucci-Familie kümmern sollen.
Auch wenn es in der zweiten Hälfte der Geschichte einige Längen gibt – hier zeigt sich, dass Ennis die Geschichte auf zwölf Hefte strecken musste, anstatt ein, höchstens zwei Hefte früher aufzuhören – ist „Frank ist zurück“ eine gelungene „Punisher“-Geschichte, die alles hat, was „Punisher“-Fans lieben. Und mit dem Ennis‘ schwarzem Humor und dem Ansprechen moralischer Fragen – immerhin muss Castle hier auch gegen Nachahmer kämpfen – sogar noch etwas mehr.
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In „Wilde Bestien“ erzählt Becky Cloonan ihre mit „Operation Condor“ begonnene „Punisher“-Geschichte zu Ende.
Condor ist der Name einer Verbrecherorganisation, die mit der Droge EMC normalen Menschen übermenschliche Kräfte verleiht. Jedenfalls für eine kurze Zeit. Am Ende von „Operation Condor“ hat Castle der Organisation einen tödlichen Schlag versetzt, indem er die unter der Anstalt Exeter Asylum liegende Drogenproduktionsstätte vernichtete. Dadurch ging Olafs Plan, mit der Hilfe des nichtsahnenden Frank Castle, durch den Punisher seine Rivalen bei Condor loszuwerden und zur rechten Hand des Chefs der Verbrecherorganisation aufzusteigen, auf. Dass Castle bei dem Kampf im Exeter Asylum starb und beerdigt wurde, war da nur das I-Tüpfelchen.
Aber selbstverständlich ist Frank Castle nicht gestorben. Er kehrt von den Toten zurück, trifft eine sehr wehrhafte Einsiedlerin und macht weiterhin Jagd auf Condor und Olaf.
Diese Rückkehr von den Toten geht in „Wilde Bestien“ natürlich nicht ohne ein Übermaß an Gewalt auf beiden Seiten ab, während der Plot sich übe viele Seiten kaum vorwärtsbewegt. Eher erscheint es, als vertrödele Becky Cloonan mit viel Action die Zeit bis hin zum Finale, bei dem es auch zur (wahrscheinlich) finalen Konfrontation zwischen Olaf und Castle kommt. Cloonan, die zwischen Mai 2016 und Oktober 2017 insgesamt siebzehn Punisher-Hefte schrieb, beendet hiermit eine zwölfteilige Miniserie mit einem unbefriedigendem Finale. Nach all der überbordenden Gewalt erscheint ein seitenlanger Faustkampf zwischen Castle und Olaf dann doch etwas wenig.
Davon abgesehen wird „Wilde Bestien“ als das letzte Werk von Steve Dillon in die Geschichte eingehen. Er starb mit 54 Jahren überraschend am 22. Oktober 2016.
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Garth Ennis/Steve Dillon: The Punisher: Frank ist zurück
(übersetzt von Jörg Fassbender)
Panini Comics, 2017
280 Seiten
24,99 Euro
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Originalausgabe
The Punisher # 1 – 12
Marvel, 2000/2001
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Becky Cloonan/Steve Dillon/Matt Horak/Laura Braga: The Punisher: Wilde Bestien
Samuel Hoenig hat Asperger. Deshalb hat er es mit dem zwischenmenschlichen Kontakt nicht so. Aber er kann sich in Probleme vertiefen und dank seiner kleinen Agentur „Fragen Beantworten“ in Piscataway, New Jersey, auch etwas Geld verdienen.
Seine neue Kundin, Sheila McInerney, will wissen wer der Mann ist, der behauptet, ihr Ehemann zu sein. Denn sie kann sich nicht daran erinnern, Oliver ‚Ollie‘ Lewis geheiratet zu haben.
Als kurz darauf Lewis‘ Leiche in Hoenigs Büro liegt, will Hoenig wissen, wer Lewis ermordete.
Bei der Täterjagd helfen ihm seine Sekretärin, Janet Washburn, die alle seine Ticks klaglos erträgt, und seine Mutter, die ihm die normale Welt erklärt und das Abendessen kocht.
Diese Konstellation von genialem Ermittler und nicht so genialen Gehilfen erinnert natürlich an die erfolgreiche TV-Serie „Monk“ mit dem genialen, an einer extremen Zwangsstörung leidendem Ermittler Adrian Monk, der für die Polizei von San Francisco immer wieder Fälle übernimmt. Begeitet wird er zunächst von Sharona Fleming, später von Natalie Teeger. Im Fahrwasser von „Monk“ entstanden in den letzten Jahren zahlreiche Serien, in denen ebenfalls ein genialer Ermittler mit mehr oder weniger vielen Schrullen und Psychosen Fälle aufklärt. Das historische Vorbild ist natürlich das Gespann Sherlock Holmes/Dr. Watson, das seit einigen Jahren ebenfalls wieder sehr erfolgreich ermittelt. Normalerweise werden die Fälle von dem normalbegabten Helfer des genialen Detektivs erzählt.
Das macht Jeff Cohen anders. Bei ihm erzählt Hoenig die Geschichte und er weist immer wieder auf sein Asperger-Syndrom hin. Immer wieder erklärt er, wie wichtig für ihn Regeln sind, wie wenig er den Kontakt zu schmutzigen Dingen (also ungefähr alles, was wir ständig anfassen) mag, wie gut sein Gedächtnis (eine gute Sache bei Telefonnummern) und seine Beobachtungsgabe ist und wie rätselhaft für ihn Gesichtsausdrücke und Redewendungen sind. Kurz: Hoenig ist wie Adrian Monk, nur nicht so extrem zwangsgestört.
Der Fall selbst ist ein konventioneller Rätselkrimi mit vielen Verdächtigen und Identitäten. Denn der ermordete Lewis hat mehrere Scheidungen hinter sich und er verdient sein Geld, indem er älteren Herrschaften Geldanlagen empfiehlt. Diese sind letztendlich ein riesiger Betrug sind, weil er das Geld nicht gewinnbringend anlegt, sondern für andere Dinge benutzt.
Trotz der vielen Mordverdächtigen war für mich schon kurz nach der Buchmitte (um genau zu sein: auf Seite 211) mit dem Bericht des Gerichtsmediziners klar, wer warum den Mord verübte. Es war in dem Moment natürlich nur eine letztendlich zutreffende Vermutung, die ich unter der Bedingung hatte, dass es nur einen Oliver Lewis gibt und er der Tote ist.
Am Ende des Romans blieb für mich allerdings eine wichtige Frage unbeantworet (Warum wurde die Leiche von Lewis in Hoenigs Büro gelegt?) und das Bedauern, dass die Enttarnung des Mörders doch sehr kryptisch, fast schon lieblos präsentiert wird. Da hätte ich gerne eine dieser langen Erklärungen gehabt, in denen der geniale Ermittler allen Beteiligten, Verdächtigen und dem Mörder genau erzählt, wie alles ablief.
So ist „Eine Leiche auf Abwegen“ nur ein vergnüglicher Krimi für Zwischendurch. Flott zu lesen, mäßig witzig und unterhaltsam, ohne einen mit tiefsinnigen Problemen zu belasten.
Hinweis: Im Original erschienen die Hoenig-Romane auch unter Jeffrey Cohens Pseudonym E. J. Copperman, oft mit seinem richtigen Namen auf dem Cover.
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Jeff Cohen: Eine Leiche auf Abwegen
(übersetzt von Bernd Stratthaus)
Blanvalet, 2018
384 Seiten
9,99 Euro
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Originalausgabe
The Question of the unfamiliar Husband (An Asperger’s Mystery)
Midnight Ink, Woodbury, 2015
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Immer noch erhältlich: Der erste Auftritt von Samuel Hoenig
Es gibt nur einen Grund, warum „Bordertown: Der Puppenmeister“ aus dem Finnischen ins Deutsche übersetzt wurde: der immer noch anhaltende Erfolg skandinavischer Kriminalromane (und -filme), der schon in den vergangenen Jahren dazu führte, dass jeder, der zehn Finger hat, einen Krimi schreibt und jeder skandinavische Baum wahrscheinlich schon zweimal gefällt wurde. Denn unter fünf-/sechshundert Seiten wird im Scandic Noir kein Mord, inklusive aller Familien- und Weltprobleme, gelöst.
Nun, in puncto Länge fällt „Bordertown: Der Puppenmeister“ mit knapp dreihundert, spärlich gefüllten Seiten aus dem bekannten Muster. Der Grund für diese Kürze ist ziemlich banal: „Bordertown: Der Puppenmeister“ ist ein Roman zum Film und J. M. Ilves (ein Pseudonym zweier finnischer Autoren) erzählt einfach die Geschichte des ersten Falls der TV-Serie „Bordertown“ (bzw., im Original, „Sorjonen“) nach.
Im Mittelpunkt steht Kommissar Kari Sorjonen. Er ist ein sozial gehemmter, genialer Ermittler mit einer Frau (die gerade, so hofft er, ihre Krebserkrankung überstanden hat) und einer kurz vor dem Schulabschluss stehender Tochter. Einer seiner Ticks ist, dass er keine Leichen sehen kann. Trotzdem denkt er nicht daran, sich in eine andere Abteilung versetzen zu lassen. Stattdessen lässt er sich mit seiner Familie von Helsinki nach Lappeenranta, dem Geburtsort seiner Frau, versetzen. Lappeenranta liegt an der finnisch-russischen Grenze in der tiefsten Provinz und die wenigen Bewohner sollten eine Garantie für eine entsprechend niedrige Mordrate sein.
Gleich nach seinem Dienstantritt wird im See die Leiche einer jungen Frau gefunden. Sie starb, wie die Ermittlungen ergeben, an einer Überdosis Methitural und wurde vorher zu Sexspielen gezwungen. Ein zweites Mädchen ist verschwunden und, weil J. M. Ilves mehrere Handlungsstränge parallel erzählt, wissen wir von Anfang an, dass Katia von Esa Kuparinen, einem gutherzigen Autohändler, der für sie und die anderen russischen Mädchen der Fahrer war, von dem Tatort weggebracht wurde. Er will ihr irgendwie gegen die Organisatoren des grenzüberschreitenden Sexgeschäftes helfen. Aber schnell wird er von einem der Verbrecher ermordet.
Zur gleichen Zeit begibt sich Katias Mutter Lena Jaakkola, eine schlagkräftige FSB-Agentin, auf die Suche nach ihrer Tochter. Dabei geht sie, wie es ihrer Persönlichkeit entspricht, nicht zimperlich vor.
Bei seinen Ermittlungen bemerkt Sorjonen schnell eine Verbindung zwischen den verschiedenen Verbrechen und der Karelia-Gilde, einem Zusammenschluss wichtiger Persönlichkeit der Stadt.
Dass die Geschichte weitgehend überraschungsfrei in den bekannten Bahnen verläuft, ist nicht das größte Problem des Romans, der einfach ein schlechter Roman zum Film ist. Anstatt die Filmgeschichte, also das Drehbuch, sprachlich angemessen nachzuerzählen und immer wieder zu vertiefen, wurde hier einfach das Drehbuch heruntergetippt. Mit der irrwitzigen Entscheidung, zwischen erster und dritter Person und zwischen Präsens und Präteritum zu wechseln. Die Kapitel mit Sorjonen werden in der Ersten Person Singular im Präsens erzählt. Das kann funktionieren, aber es ist schwer in der Gegenwartsform flüssig zu formulieren und, was noch wichtiger ist, diese grammatikalische Zeitform ist konträr zu Sorjonens Charakter. Die ebenfalls kurzen Kapitel, die die Geschichte der Verbrecher und von Lena Jaakkola erzählen, sind ganz normal und wie es für Romane immer noch üblich ist, im Präteritum geschrieben.
Dieser ständige Wechsel zwischen Gegenwarts- und Vergangenheitsform (die ich eindeutig vorziehe) und die doch sehr funktionale Sprache lenken den Blick immer wieder auf die Schwächen des Plots. Der liest sich wie ein Best of Scandic Noir. Da ist alles drin, was einen schon seit Ewigkeiten an den skandinavischen Krimis nervt. Nur die überbordende Gesellschaftskritik fehlt weitgehend.
Für die Lösung des Falles, der durchgehend den TV-Serienkonventionen gehorcht, sind dann die eingangs pompös eingeführten besonderen Fähigkeiten des Helden vollkommen überflüssig. Tipps und ganz normale altmodische Polizeiarbeit, die wirklich jeder Polizist beherrscht, tun es.
Dabei – und das sollte jeder Krimiautor wissen – gibt es eine Verbindung zwischen Fall und Ermittler. Ein guter Autor schreibt für den Ermittler den Fall, der seine besonderen Fähigkeiten erfordert. Das war schon bei Sherlock Holmes so. Columbo und Monk sind jüngere Beispiele. Bei Monk schrieb Lee Goldberg, unabhängig von der TV-Serie, fünfzehn Romane, in denen Adrian Monk in jedem Fall mit seinen Phobien konfrontiert wurde und er die Fälle nur aufgrund seiner Ängste, seines Verhaltens und seiner Beobachtungs- und Kombinationsgabe aufklären konnte und musste. Denn für ihn ist ein Verbrechen eine Störung des universalen Gleichgewichts.
In „Bordertown: Der Puppenmeister“ ist das photographische Gedächtnis des Ermittlers Sorjonen ein reiner für die Handlung und Aufklärung des Falles verzichtbarer Gimmick. Das gleiche gilt für seine enorme Abneigung gegen den Anblick und Geruch von Toten. Ein normaler Polizist würde sich, bevor er dienstunfähig geschrieben wird, in eine andere Abteilung versetzen lassen. Sorjonen geht zum nächsten Tatort.
Diese Besprechung enthält Spoiler – und dass ich das bei einem James-Bond-Roman schreiben kann, zeigt schon, wie ungewöhnlich „Der Mann von Barbarossa“ ist.
James Bond und sein Vorgensetzer M rätseln, was wirklich hinter der Kooperationsbitte steckt. Denn sie ergibt keinen Sinn. Da entführt eine geheimnisvolle Terrororganisation, die sich Waage der Gerechtigkeit nennt, in den USA einen Rentner, der ein untergetauchter Kriegsverbrecher sein soll, und erpresst die russische Regierung. Sie soll den Mann vor ein Gericht stellen. Zunächst noch ohne eine konkrete Drohung. Danach bittet das KGB seine ehemaligen Erzfeinde, die westlichen Geheimdienste, um tatkräftige Mithilfe beim Kampf gegen die Terrorgruppe. Es soll ein Team aus britischen, israelischen, französischen und, selbstverständlich, russischen Agenten gebildet werden, das in Russland, unter russischer Leitung, die Terroristen findet.
Nur: warum können die Russen das nicht auch ohne fremde Hilfe erledigen? Und: warum haben die Terroristen den falschen Mann entführt? Was wollen sie wirklich? Wer sind die Hintermänner dieser Waage der Gerechtigkeit, die in den vergangenen Jahren unter dem Radar der Geheimdienste als eine Art freischaffende, organisatorisch hochgradig verzweigte Söldnertruppe für verschiedene Terrorgruppen arbeitete?
Das sind nur einige der Fragen, die James Bond hat, als er in das frühere ‚Reich des Bösen‘ aufbricht.
Kurz nach dem Eintreffen von Bond und den anderen westlchen Geheimagenten in Russland, beginnt die Waage der Gerechtigkeit, weil ihre Forderung nicht erfüllt wird, hochrangige Mitarbeiter des russischen Militärs und des Geheimdienstes zu ermorden. KGB-Offizier Boris Stepakow, der die westlichen Geheimdienste um Hilfe bat und die Operation leitet, glaubt, dass die Terrorgruppe gute Verbindungen in die obersten Ränge des russischen politischen Systems hat.
John Gardner, der zwischen 1981 und 1996 sechzehn James-Bond-Romane (inklusive zweier Filmromane) schrieb, hält „Der Mann von Barbarossa“ für seinen besten Bond-Roman.
Jetzt, nachdem der Roman erstmals ins Deutsche übersetzt wurde, kann man prüfen, ob Gardners Ansicht stimmt. Denn bei den Bond-Fans ist sein elfter Bond-Roman nicht so beliebt. Immerhin spielt Gardner hier mit der bekannten Bond-Formel und es ist eher ein George-Smiley- als ein James-Bond-Roman, der sehr nah an der damaligen politischen Wirklichkeit ist. Die Geschichte des im Original 1991 veröffentlichten Romans spielt wenige Tage vor der im Roman öfter erwähnten und für das Finale wichtigen Irak-Invasion, die am 16. Januar 1991 startete. Damals begann eine von den USA angeführte und durch eine UN-Resolution legitimierte Koalition mit Kampfhandlungen zur Befreiung Kuwaits. Irak hatte das Land wenige Monate vorher besetzt. Dieser Krieg ist bekannt als Zweiter Golfkrieg oder Erster Irakkrieg.
Die Geheimdienste versuchten damals mit der neuen Situation umzugehen und ihrer Rolle nach dem Kalten Krieg zu finden. Gleichzeitig überlegten die Regierungen, ob man Geheimdienste in der künftigen friedlichen Welt überhaupt noch benötigt. Und selbstverständlich wusste damals noch niemand, wie sich die ehemaligen Ostblockländer weiter entwickeln würden. Würde aus der 1990 gegründeten Russischen Föderation eine Demokratie, eine Marktwirtschaft, eine Diktatur, eine Militärdiktatur oder ein riesengroßes, weltbedrohendes Chaos entstehen? Gardner legt sich zwar nicht fest, aber Herkunft und Motiv des Bösewichts, sind dann doch erstaunlich nahe an der heutigen Realität. Im Roman will ein KGB-Offizier eine Situation herbeiführen, die es ihm ermöglicht, zum Staatschef zu werden.
Am Romanende sagt M zu Bond über den Bösewicht: „Der Mann hatte eine Überzeugung. Er hatte einem System gedient, an das er fest glaubte. Er sah, wie es zerfiel, und er hatte bereits große Macht. Sie haben recht, und ich kann nur davon ausgehen, dass es noch Tausende wie ihn gibt. Gläubige. Eine solche Überzeugung verschwindet nicht einfach über Nacht. Wahrscheinlich wird es noch andere geben. Das hier ist noch nicht ausgestanden.“
Dieser Bösewicht hat, und das erklärt die Entführung des alten Mannes am Romananfang, eine zu diesem Zeitpunkt nur ihm bekannte verwandschaftliche Beziehung zu dem entführten Kriegsverbrecher. Dieser titelgebende ‚Mann von Barbarossa‘ ist ein Ukrainer, der sich 1941 in der Frühphase des Unternehmens Barbarossa der SS ergeben hatte, den Nazis bei ihren Verbrechen half, zum Stellvertreter eines SS-Unterscharführers wurde und unter dem ebenfalls historisch verbürgten SS-Kommandanten Franz Reichsleitner im Vernichtungslager Sobibór diente. Nach dem Krieg tauchte Josif Woronzow unter.
Vor diesem zeitgeschichtlichen Hintergrund entfaltet Gardner eine Geschichte, die sich über viele Rückblenden und Berichte von in das Geschehen involvierter Personen entfaltet, während James Bond ihnen zuhört. So vergeht viel Lesezeit, bis James Bond in Russland ist und erstmals Mitgliedern der Terrorgruppe begegnet und er bei einem von den Terroristen organisierten Schauprozess als Kameramann arbeiten muss, ohne dass es in der gewohnten Menge zu Bond-typischer Action und Liebesabenteuern kommt.
Diese von Gardner gewählte Struktur führt dazu, dass „Der Mann von Barbarossa“ kein typischer James-Bond-Roman ist. Es ist aber ein guter Roman, der sich durchgängig wie ein James-Bond-Roman liest. Das konnte man ja von den letzten James-Bond-Romanen, die von verschiedenen Autoren geschrieben wurden, nicht immer behaupten. Und es ist, was ein großer Teil des Lesevergnügens ist, ein Roman, der heute eine Zeitkapsel aus der Vergangenheit ist, als weltpolitische Veränderungen auch ein ganzes Genre vor die Sinnfrage stellten.
Der Titel „Horror-Kultfilme“ ist ein durchaus verständlicher Etikettenschwindel. Denn in dem von Angela Fabris, Jörg Helbig und Arno Rußegger herausgegebenen Sammelband sind nicht unbedingt Horror-Kultfilme versammelt. Außerdem beschwört der Titel sofort die Diskussion herauf, was ein Kultfilm ist und damit auch die Diskussion, warum so viele Kultfilme nicht besprochen werden (zum Beispiel George A. Romeros „Die Nacht der lebenden Toten“ [Night of the Living Dead]) und warum in dem Sammelband bei den zahlreichen „Dracula“- und „Frankenstein“-Filmen ausgerechnet Francis Ford Coppolas „Bram Stoker’s Dracula“ und Mel Brooks „Young Frankenstein“ einer eingehenden Analyse unterzogen werden.
Analyse ist das Stichwort. Denn „Horror-Kultfilme“ ist die Dokumentation einer unlängst vom „Arbeitskreis Visuelle Kultur“ organisierte Ringvorlesung an der Alpen-Adria-Universität Klagenfurt.
Eine solche Vorlesungsreihe ist immer ein Kompromiss zwischen dem Gewünschten und dem Machbaren. An Referenten und Themen. Und aus unterschiedlichen analytischen Perspektiven.
Das hat am Ende immer etwas von einer Wundertüte, die, neben den schon erwähnten Aufsätzen (Susanne Bach über „Bram Stoker’s Dracula“, Arno Rußegger über „Young Frankenstein“), gefüllt ist mit Ausführungen über den Giallo – Marcus Stiglegger über Dario Argentos „Susperia“, Angela Fabris über Dario Argentos „Profondo Rosso“ (und seine intertextuellen Bezüge zu Mario Bavas Filmen) -, Musik im zeitgenössischen Horrorfilm (Frank Hentschel; – nach meiner Meinung ist die Musik meistens viel zu laut; Hentschel geht es wissenschaftlicher und kleinteiliger mit interessanten Ergebnissen an), den US-amerikanischen Tierhorrorfilm (Michael Fuchs über „Jurassic Park“, „Mimic“ und „Shark Night“; eine ziemlich seltsame Auswahl), den ‚drastischen Horrorfilm‘, verstanden als den Horrorfilm, in dem das Grauen, der Terror, aus heiterem Himmel und grundlos in unseren Alltag, unsere heile Welt, hereinbricht (Benjamin Moldenhauer über Filme wie und vor allem den stilbildenden „The Texas Chainsaw Massacre“) und, hier schlägt die Universität gnadenlos zu, Meta-Horror. Jörg Helbig beschäftigt sich mit der fast unbekannten, prominent besetzten Hammer-Hommage und Horrorkomödie „House of the long shadows“ (Das Haus der langen Schatten, Großbritannien 1983) und Sabrina Gärtner mit Jessica Hausners „Hotel“ (gleichzeitig das Titelbild des Sammelbandes).
Auch Coppolas Dracula-Film und Brooks Frankenstein-Komödie passen in dieses Raster, weil sie als Horrorfilme bereits eine distanzierte, analytische Haltung zum Genre haben, die dann von den Wissenschaftlern analysiert wird, die ebenfalls die Tradition und Formen des Genres kennen, die beispielsweise Mel Brooks in seinem Film zitiert und variiert.
Insgesamt ist „Horror-Kultfilme“ ein lesenswerter und informativer Sammelband für Horror- und Filmfans, die kritisch-distanziert gerne etwas tiefer in die Welt eines vor allem bei Jugendlichen populären Genres einsteigen wollen.
Alles beginnt an einem sonnigen Samstagnachmittag im Oktober 1993. Keisuke Shimamura, Geschäftsführer und einziger Angestellter einer kleinen, abgeranzten Bar und allein lebender Alkoholiker, verbringt den Nachmittag, wie immer, im Shinjuku Chuo-keon. Einem Park im Stadtteil Shinjuku in Tokio. Als eine Bombe explodiert, hilft er spontan einigen Verletzten und haut ab, bevor Polizei und Sanitäter eintreffen. Denn vor über zwanzig Jahren, im April 1971, war Shimamura schon einmal in einen terroristischen Anschlag verwickelt. Danach tauchte er unter.
Kurz nachdem er den Tatort verlassen hat, fällt ihm ein, dass er seine Whiskyflasche mit seinen Fingerabdrücken dort vergessen hat. Damit ist klar, dass die Polizei ihn wieder ganz oben auf ihre Fahndungsliste setzen wird. Vor allem weil, wie er durch die Nachrichten erfährt, bei dem Anschlag Yuko Endo und Makoto Kuwano starben. Mit ihnen war er in den späten sechziger Jahren in revolutionär-studentische und terroristische Umtriebe verwickelt.
Shimamura beschließt auf eigene Faust, den Bombenleger zu suchen, der mit seinem Anschlag fast zwanzig Menschen ermordete und fast Fünfzig verletzte. Bei seiner Suche helfen ihm Toko Matsushita, die Tochter von Yuko Endo, und Shiro Asai, ein Ex-Polizist und gebildeter Yakuza. Und, weil Shimamura notgedrungen im Milieu der für Normalsterbliche unsichtbaren Obdachlosen untertaucht, die Obdachlosen, die teilweise ebenfalls über eine beträchtliche Bildung verfügen.
Iori Fujiwara (1948 – 2007) schrieb den Roman „Der Sonnenschirm des Terroristen“, der jetzt erstmals auf Deutsch veröffentlicht wurde, um mit den Buchverkäufen und Preisgeldern Spielschulden zu tilgen. So heißt es und in jedem Fall ist es eine gute Geschichte. Fujiwaras Krimi gewann nämlich mehrere Preise, unter anderem 1995 den Edogawa-Rampo-Preis vom Verband der japanischen Krimi-Autoren. Das japanische Fernsehen verfilmte den Krimi. Und, wie ein Blick auf die aktuelle Krimibestenliste oder in den Perlentaucher zeigt, kommt der spannende Thriller auch bei den hiesigen Kritikern gut an. Immerhin hat „Der Sonnenschirm des Terroristen“ alles, was man von einem Thriller erwartet, inclusive einem Einblick in eine fremde Welt. Denn japanische Krimis werden kaum übersetzt und über die dortige Studentenbewegung wissen die meisten Leser wohl auch wenig.
Diese Vergangenheit verknüpft Fujiwara mit der damaligen Gegenwart (der Roman spielt 1993 und wurde erstmals 1995 veröffentlicht) zu einem dichten Geflecht, in dem es um Terrorismus, Politik, Yakuza, Halbweltgeschäfte, globalen legalen und illegalen Handel, das Leben der Obdachlosen, persönliche Verwicklungen und Beziehungen geht. Weil die Schicksale aller in die Handlung involvierten Personen schon seit Ewigkeiten auf die eine oder andere Art, mehr oder weniger gewollt, miteinander verknüpft sind, fügt sich am Ende alles zu einem Bild zusammen, das dann mehr mit der Fiktion als der Realität zu tun hat.
„Der Sonnenschirm des Terroristen“ ist ein leicht trashiger Pulp-Thriller, dessen Ende mich an Sergio Leones Gangsterepos „Es war einmal in Amerika“ erinnerte. Jedenfalls soweit ich mich noch an Leones Opus erinnere. Davon abgesehen ist ein cineastisches Meisterwerk, bei allen Unterschieden, nicht die schlechteste Referenz für einen Verschwörungsthriller, der in der US-amerikanischen Hardboiled-Tradition steht, ein, zwei Dinge über Japan erzählt und verdammt spannend unterhält. Denn selbstverständlich ging die Bombe nicht zufällig hoch, als Shimamura gerade seine Nachmittagsration Alkohol genoss.
Paris, Hauptstadt von Frankreich, 2,2 Millionen Einwohner, eine multikulturelle Stadt mit langer Geschichte und einige werden in „Paris Noir“ erzählt. Krimifans, die sich viel im angloamerikanischen Raum tummeln, werden sich jetzt, mehr oder weniger dunkel, an eine Reihe von Anthologien erinnern, die Akashic Books in den vergangenen Jahren veröffentlichte und deren Konzept so einfach, wie überzeugend war: bekannte Autoren schreiben exclusive Kurzgeschichten über eine Stadt, die sie gut kennen, in der sie meistens auch Leben und, das ist jetzt die Aufgabe des Herausgebers, die Geschichten spielen in verschiedenen Stadtteilen und ergeben ein ungewöhnliches Porträt der Stadt. In den vergangenen Jahren erschienen Bücher über Atlanta, Baltimore, Boston (mehrere), Bronx, Brooklyn, Manhattan, Queens, Staten Island (bei New York ging man gleich in die Stadtteile), Chicago, Detroit und, außerhalb der USA, Brüssel, Dublin, Helsinki, London und, weil immer nur Städte und Landschaften auf die Dauer langweilig sind, gibt es auch „Prison Noir“; – wobei ein Gefängnis ja auch ein Ort ist. Allerdings ein Ort, den man nicht freiwillig besucht.
Für „Paris Noir“ übernahm Aurélien Massons, der von 2005 bis 2017 Herausgeber der Série Noire in der Éditions Gallimard war, vor zehn Jahren die Aufgabe, einen etwas anderen Paris-Reiseführer zu erstellen. Die Reiseführer zu den verschiedenen, eher untouristischen Orten sind etablierte Noir-Autoren (die öfters auch ins Deutsche übersetzt wurden) und jüngere Autoren, wie dem damals noch unbekannten Jérôme Leroy. Inzwischen ist er durch seinen Krimi „Der Block“ und seine Co-Autorenschaft für „Das ist unser Land!“ (die DVD erschien Ende 2017) auch bei uns bekannt. Die anderen Autoren sind die auch in Deutschland, jedenfalls bei Fans des französischen Kriminalromans, bekannten Chantal Pelletier, Jean-Bernard Pouy, Didier Daeninckx, Patrick Pécherot, DOA, Salim Bachi, Marc Villard und, mangels Übersetzungen, unbekannten Dominique Mainard, Hervé Prudon, Laurent Martin und Christophe Mercier.
Die zwölf Geschichten geben einen Einblick in die Vielfalt des französischen Noir. Es gibt natürlich, zum Glück nur einmal, den normalen Rätselkrimi im Kurzgeschichtenformat. Aber auch Geheimagentengeschichten, Geschichten über Jugendliche aus den Banlieus, verquere Liebesgeschichten und Geschichten über kleine und große Verbrecher. Oft etwas nostalgisch angehaucht, als ob man sich in einem Maigret-Roman oder einem klassischen französischen Kriminalfilm befindet. Immer wieder wird in den Geschichten locker die Form und Perspektive gewechselt, es gibt Anspielungen und ein fast schon exzessives Namedropping, das literarisch und cineastisch versierte Leser begeistert.
„Paris Noir“ ist eine äußerst abwechslungsreiche Sammlung von spannenden Kurzgeschichten, die den Duft von Paris verströmen und neugierig auf die anderen Geschichten der Autoren machen. In einigen Fällen dürfte das nächste Antiquariat helfen können.
Als nächste Bände sind für das Frühjahr „Berlin Noir“ (mit Geschichten von Rob Alef, Max Annas, Zoe Beck und Ulrich Woelk) und den Herbst „USA Noir“ (mit Geschichten von Jerome Charyn, Michael Connelly, Lee Child, Jefferey Deaver, Dennis Lehane, Joyce Carol Oates und Don Winslow) angekündigt.
Aurélien Massons: Paris Noir
(übersetzt von Zoe Beck, Karen Gerwig, Jan Karsten und Martin Spiess)
North Dakota ist fast ein Nachbarstaat von Wyoming, wo Craig Johnsons Longmire-Kriminalromane spielen. Der Bundesstaat ist etwas kleiner und dichter bevölkert als Wyoming. Verglichen mit Deutschland ist auch dieser US-Staat eine riesige, menschenleere Gegend. Aber dank Fargo – dem Spielfilm oder der TV-Serie, weniger wegen der real existierenden Stadt (mit 120.000 Einwohnern die größte Stadt des Landes [Herrje, sogar das kleine Saarbrücken hat mit knapp 180.000 Einwohnern mehr Einwohner.]) – ist North Dakota wesentlich bekannter als Wyoming.
In der Gegend um Fargo im Sommer 1970 spielt Marcie Rendons Romandebüt „Am roten Fluss“. Damals hatte Fargo nur 53.000 Einwohner. In North Dakota lebten etwas über 630.000 Menschen.
Der titelgebende Red-River-Fluss (bzw. genaugenommen Red River of the North) markiert die Grenze zwischen Norddakota und Minnesota. Und während es für die Einwohner egal ist, in welchem Staat im Weizengürtel der USA sie gerade sind, ist es für die Polizei bei Ermittlungen nicht egal. Auch wenn Rendon in ihrem Roman nur einen nur allzu alltäglichen Fall mit einem ebenso banalen Motiv schildert. Es ist ein Fall, der damals wahrscheinlich nur deshalb in der Regionalzeitung erwähnt wurde, weil die Zeitungsseiten gefüllt werden müssen.
An einem Tag im August wird auf einem Stoppelfeld ein ermordeter Landarbeiter gefunden. Er wurde erstochen. Die neunzehnjährige Renee Blackbear, genannt Cash, fährt, nachdem sie von dem Fund der Leiche im Radio gehört hat, zum Tatort. Sie hatte, wie öfters, ein Gefühl, dass sie dorthin fahren sollte (Nebenbei bemerkt: solche Gefühle und Visionen sind ein guter Short Cut um alle möglichen Zufälle flott zu erklären.). Ihr väterlicher Freund, Sheriff Wheaton, bittet sie, der Frau des Toten die Nachricht zu überbringen. Weil der Tote aus der Red-Lake-Reservation stammt, hat das FBI den Fall übernommen. Aber Wheaton würde den Fall gerne vor den FBI-Agenten aufklären und Cash kann ihm dabei helfen. Denn sie ist selbst Indianerin. Außerdem wurde sie als Kind von ihrer Mutter getrennt. Die war Alkoholikerin und konnte deshalb, nach Ansicht der Fürsorge, Cash nicht erziehen. Cash erlebte danach, wie unzählige andere Indianerkinder, eine Odyssee durch zahllose Pflegefamilien. Wheaton half ihr in dieser Zeit immer wieder.
Cash beginnt sich auch in den Bars von Halstad umzuhören. Schnell trifft sie auf die Mörder von ‚Tony O‘ Day Dodge. Dummerweise kann sie sie in der Nacht nicht erkennen. Sie werden aber auf sie aufmerksam und schießen auf sie. Cash kann entkommen. Aber die Mörder wissen jetzt, dass jemand sie identifizieren kann.
Der Kriminalfall, verstanden als die Suche und Überführung der Täter, ist für Marcie Rendon, Stammesangehörige der in Minnesota lebenden Anishinabe White Earth Nation und Stückeschreiberin, nur der Vorwand, um über das ärmliche Leben am Red River um 1970 zu erzählen. Ein durchgehendes, nicht mit dem Mordmotiv verknüpftes Thema ist dabei der Umgang der weißen Mehrheitsgesellschaft mit Kindern von Indianern, die von ihren Eltern getrennt und in Pflegefamilien gegeben oder in spezielle Internate, die Indian Boarding Schools, gesteckt wurden. Dort sollten ihnen die traditionellen Lebensweisen aberzogen werden zugunsten einer Assimilierung an westliche Normen und das Christentum.
Rendons Krimi ist, wie Craig Johnsons „Longmire: Bittere Wahrheiten“, untrennbar mit dem Handlungsort und den dort lebenden Menschen verbunden. Und, wie Johnson, hat sie mit Cash und Sheriff Wheaton ein äußerst sympathisches Ermittlergespann erfunden, das gerne noch einige weitere Fälle lösen kann.
Zeitung tragen die vier Paper Girls schon lange nicht mehr aus. Das taten sie nur auf den ersten Seiten der von Brian K. Vaughan geschriebenen und Cliff Chiang gezeichneten, mit mehreren Eisner Awards ausgezeichneten Comicserie, von der jetzt der dritte Sammelband erschienen ist. Er enthält die Hefte 11 bis 15 und erzählt wieder eine in sich abgeschlossene, nun, Episode.
Alles begann an Halloween 1988, als die Mädchen Tiffany, Erin, MacKenzie und KJ beim morgendlichen Austragen der Tageszeitung im Keller eines Hauses ein unbekanntes Flugobjekt (das aussieht, wie ein Fünfziger-Jahre-SF-Film-Ufo) entdecken und viele Aliens in der Vorstadt auftauchen. Durch einen Falz springen sie in das Jahr 2016, treffen die ältere Erin Tieng und am Ende des zweiten „Paper Girl“-Sammelbandes springen sie wieder in eine andere Zeit. Sie landen in einer urwaldähnlichen Region. Aber zunächst wissen sie nicht, ob sie – denn Zeitreisen funktionieren in die Vergangenheit und die Zukunft – in der Vergangenheit oder der Zukunft gelandet sind.
Sie sind 11.706 v. Chr. gelandet und nach einer kurzen Atempause wieder in höchster Gefahr. Neben den hungrigen Urviechern treffen sie auf sehr unfreundliche Ureinwohner und die Zeitreisende Dr. Qanta Braunstein, Projektleiterin bei AppleX, die eigentlich nur beobachten soll.
Auch der dritte „Paper Girls“-Sammelband enthält eine flott erzählte, an einem Ort spielende Geschichte. Dieses Mal werden verschiedene in den ersten beiden Bänden eingeführte Handlungsstränge nicht fortgeführt.
Und weil „Paper Girls“ auf keine bestimmte Zahl von Heften festgelegt ist, können die Abenteuer der Paper Girls noch ewig weitergehen. Bis jetzt halte ich das für eine gute Sache.
Mit Geschichten wie „Wanted“ und „Kick-Ass“ wurde Mark Millar bekannt und, egal wie sehr sie einem gefallen, sind es Geschichten für pubertierende Jungs. Inzwischen ist Millar in zweiter Ehe verheiratet, hat zwei Kinder und darf bald seinen fünfzigsten Geburtstag feiern (Ähem, nachträglich: Alles Gute zum Geburtstag, der am 24. Dezember war). Wie das Perspektiven verändert, sieht man in seinen neuen Werken „Reborn“ und „Empress“.
Doch beginnen wir unseren kleinen Überblick über seine neu auf Deutsch erschienenen, durchgehend lesenswerten Werke mit einem Frühwerk. Als vierter Band der „Mark Millar Collection“ erschien „Genosse Superman“. Wie man bei dem Titel schon vermuten kann, handelt es sich um keine gewöhnliche Superman-Geschichte. Aber wer hätte das, ehrlich gesagt, bei Millar erwartet? Schließlich verbindet er immer wieder eine bekannte Geschichte mit einem besonderen Twist. Bei „Kick-Ass“ erzählt er, zum Beispiel, eine typische Superhelden-Origin-Geschichte. Nur ist sein Held kein Superheld, sondern ein ganz normaler, verweichlichter, unsportlicher Nerd, der ohne die Hilfe von Hit-Girl keine zwei Minuten überleben würde. Sie ist ein Mädchen, das reihenweise Männer tötet.
In „Genosse Superman“ ist es die Idee, dass Superman nicht in den USA, sondern in der UdSSR landete, die die bekannte Superman-Geschichte radikal verändert. In der Ukraine wuchs er auf einer Kolchose auf. Danach setzte er seine Kräfte für den Ostblock ein und das verändert den Lauf der gesamten Nachkriegsgeschichte.
Für den freien, kapitalistischen Westen sucht Lex Luthor nach einem Weg, um Superman zu besiegen. Immerhin ist er eine Bedrohung für die USA, ihren Lebensstil und die von ihr forcierte Ideologie.
Mark Millars Superman-Geschichte, sozusagen eine Alternativwelt-Geschichte zu einer erfundenen Geschichte, erschien im Original erstmals 2003.
Im Rahmen der Mark Millar Collection ist sie jetzt mit zahlreichen Zeichnungen aus den Skizzenbüchern der Zeichner Dave Johnson und Kilian Plunkett wieder veröffentlicht worden.
Fast, aber wirklich nur fast, schließt „Huck – Held wieder Willen“ daran an. Im Mittelpunkt steht Huck. Er lebt in einem kleinen Dorf in den USA ein einfaches, glückliches Leben als Tankwart. Seine Nachbarn mögen ihn. Das Findelkind mag sie. Er hilft ihnen. Auch mit seinen Superkräften, die die Dorfbewohner klaglos akzeptieren. Denn jeden Tag vollbringt er, in schönster Pfadfindertradition, eine gute Tat.
Als die kürzlich zugezogene Diane von seinen Fähigkeiten erfährt, erzählt sie es der Presse. Selbstverständlich belagern die Medien das Dorf. Auch Hucks Bruder meldet sich. Gemeinsam machen sie sich auf den Weg, ihre Mutter zu suchen – und das Geheimnis ihrer Herkunft aufzudecken.
Die untergegangene Sowjetunion spielt eine Rolle dabei und die Lösung erinnerte mich an die Prämisse der TV-Science-Fiction-Serie „Dark Angel“ (Kennt die noch jemand? Außerdem sollte ich sie mir mal zu Ende ansehen und die Romane von Max Allan Collins lesen.).
„Huck“, zusammen mit Rafael Albuquerque (American Vampire) geschrieben und im Original 2015/2016 erschienen, bewegt sich noch in dem altbekannten Millar-Kosmos.
Die danach erschienenen Folgewerke „Empress“ und „Reborn“ unterscheiden sich deutlich von „Huck“. Nicht nur weil beide Male Frauen die Protagonistinnen sind (das ist bei Millar ja nicht ungewöhnlich), sondern weil die eine Frau eine Mutter und die andere eine alte, gerade verstorbene Frau ist. Und das ist bei Millar, dessen Protagonisten normalerweise junge Kindsköpfe sind, schon sehr ungewöhnlich. Spontan fallen mir nur „Old Man Logan“ und seine „Flash Gordon“-Liebeserklärung „Starlight“ ein. In dieser, im Original 2014 erschienen Geschichte ist der Protagonist ein Großvater, der als junger Air-Force-Pilot einen weit, weit entfernten Planeten von einem Diktator befreite und jetzt wieder in diese Welt zurückkehren muss.
„Empress“ spielt in einer Fantasy-Welt, die an die alten „Flash Gordon“-Serials erinnert und vom ersten bis zum letzten Panel eine waschechte Space-Opera ist.
Weil Königin Emporia für ihre Kinder ein glückliches Leben will, flüchtet sie vor ihrem Mann, dem diktatorischen König Morax, auf einen fremden Planeten.
Morax schickt wutentbrannt seine Schergen hinter ihr her und schon beginnt ein munteres Planetenhopping von einem gefährlichen Planeten zum nächsten.
Und mehr zu verraten, würde wirklich den Spaß bei dieser flotten Space Opera verderben.
In „Reborn“ stirbt die 78-jährige Bonnie Black im Krankenhaus. Mit ihrem Tod (jedenfalls vermuten wir das in dem Moment) betritt sie, wie „Alice im Wunderland“, eine andere, eine fantastische Welt, in der sie viele alte Bekannte aus ihrer Vergangenheit trifft, wie ihren Vater, ihre Katze Frosty (jetzt General Frost und sehr stinkig) und ihre frühere beste Freundin, die jetzt die Elfenkönigin ist. Teilweise haben ihre alten Bekannte, Freunde und Verwandten in Adystria ihre Gestalt geändert.
Von ihrem Vater wird Bonnie als die große Hoffnung für diese Welt angesehen. Aber bevor sie gegen die Bösen in die Schlacht zieht, möchte sie ihren vor vierzehn Jahren verstorbenen Ehemann finden. Zusammen mit ihrem Vater und ihrem Hund Roy-Boy (inzwischen ein Pudel von der Größe eines Pferdes) machen sie sich auf die Suche nach ihm. In einer Welt, die aus einem Fantasy-Spektakel oder eben „Alice im Wunderland“ stammen könnte und Bonnies wildes Abenteuer eine Fantasie, ein Traum, sein könnte.
„Empress“ und „Reborn“ haben alles, was man von einer Mark-Millar-Geschichte erwartet. Nur dass es dieses Mal etwas mehr Altersweisheit als gewohnt gibt.
Mark Millar/Dave Johnson/Kilian Plunkett: Genosse Superman (Mark Millar Collection 4)
(übersetzt von Christian Heiss)
Panini, 2017
172 Seiten
24, 99 Euro
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Originalausgabe
Superman: Red Son # 1 – 3
DC Comics, 2003
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Mark Millar/Rafael Albuquerque/Dave McCaig: Huck – Held wider Willen
Walt Longmire ist seit Ewigkeiten Sheriff in Absaroka County, Wyoming; einem fast menschenleeren Landstrich in den USA. Wyoming ist der bevölkerungsärmste Bundesstaat der USA. Mit 585.000 Einwohnern hat er sogar weniger Einwohner als Washington, D. C., oder, anders gesagt, weniger Einwohner als zwei x-beliebige Berliner Bezirke. Bei der Fläche sieht es anders aus. Mit 253.596 km² ist Wyoming zwar kleiner als Deutschland (357.376 km²), aber deutlich größer als jedes Bundesland. Da verbringt Longmire schon halbe Arbeitstage in seinem Auto auf der Fahrt zu verschiedenen Befragungen und Tatorten.
Eines Tages im Spätherbst wird Cody Pritchard erschossen aufgefunden. Ob es ein unglücklicher Jagdunfall oder ein Mord war, ist zunächst noch unklar.
Aber Pritchard war vor zwei Jahren einer der Vergewaltiger von Melissa Little Bird, einem Cheyenne-Mädchen aus dem benachbarten Indianer-Reservat. Bei der Gerichtsverhandlung wurden Pritchard und seine Schulfreunde Jacob und George Esper und Bryan Keller zu geringen Strafen verurteilt. Longmire, seine Kollegen und sein Kindergartenfreund Henry Standing Bear (ein Indianer mit guten Verbindungen zu seinen Stammesbrüdern) glauben daher, dass Pritchard ermordet wurde, um Melissas Vergewaltigung zu vergelten. Als auch der zweite der damaligen Täter durch einen Schuss aus großer Entfernung stirbt, versuchen sie, weitere Morde zu verhindern. Dabei kann der Täter jeder sein, der über ein bestimmtes Gewehr verfügt und ein guter Schütze ist. In Absaroka County grenzt das die Zahl der Verdächtigen kaum ein.
Craig Johnsons Kriminalroman „Longmire: Bittere Wahrheiten“ war vor über zwölf Jahren in den USA der Auftakt zu seiner Longmire-Serie, die es auch auf die New York Times-Bestsellerliste schaffte, zahlreiche Preise erhielt (u. a. The Wyoming Historical Association Book of the Year und Western Writers of America Book of the Year) und die Grundlage für die ebenfalls erfolgreiche TV-Serie „Longmire“ war. Im Juni 2012 zeigte A & E die erste Folge. Es war ein Erfolg. Später wanderte die Serie zu Netflix und im November 2017 veröffentlichte Netflix die sechste und finale Staffel.
In Deutschland wurde die Serie ab Januar 2014 auf dem Nischensender RTL Nitro vor entsprechend wenigen Zuschauern gezeigt. Später erschien die erste Staffel auch in Deutschland auf DVD.
Trotzdem weist der Festa Verlag, wo jetzt „Bittere Wahrheiten“ erschien, auf die TV-Serie hin. Und das ist für die breite Masse auch nicht die schlechteste Werbung.
Krimifans dürften im ersten Moment an Robert B. Parkers Jesse-Stone-Romane über die Abenteuer eines Kleinstadt-Cops in Paradise, Massachusetts, in der Sichtweite von Boston oder James Lee Burkes Dave-Robicheaux-Romane über die Abenteuer eines Kleinstadt-Cops in New Iberia, Louisiana, denken. Wegen der Dicke des Longmire-Romans und des ländlichen Schauplatzes wahrscheinlich eher an die Robicheaux-Romane. Und so ganz falsch liegen sie damit nicht, obwohl die Romane von Tony Hillerman über die Indianerpolizisten Joe Leaphorn und Jim Chee die treffendere Referenz sind.
Hillerman schrieb zwischen 1970 und 2006 achtzehn Krimis, in denen er die Abenteuer der beiden Ermittler erzählte, die in Arizona im Navajo-Reservat Kriminalfälle lösen. Immer verwandte er einen großen Teil der Geschichte auf das Schildern indianischer Traditionen und wie sich das Leben der Indianer im Reservat veränderte. Beides ist untrennbar mit den Fällen verbunden. Über die Jahre zeigte sich auch, wie sehr Traditionen immer mehr vergessen wurden.
Craig Johnson knüpft hier an Hillerman an. Sein Protagonist, der Ich-Erzähler Walt Longmire, ist ein äußerst normaler Mann. Vietnamveteran, seit drei Jahren allein lebender Witwer, mit einer Tochter, die inzwischen außerhalb Wyomings als Anwältin arbeitet, respektiert und ohne diese besonderen Eigenschaften und Marotten, die in anderen Krimis die Ermittler interessant machen sollen. Auch der Fall ist alltäglich. Entsprechend überschaubar, auch weil in dem County so wenige Menschen leben, ist die Zahl der Verdächtigen.
Im Zentrum des Romans steht die Beschreibung des Lebens in Absaroka County. Der alltäglichen Polizeiarbeit. Der Menschen, die sich alle kennen. Und, gerade im Indianerreservat, dem dortigen Leben, in dem die indianischen Traditionen zwar noch lebendig sind, aber, wie man schon in Hillermans Romanen lesen konnte, immer unwichtiger werden.
„Bittere Wahrheiten“ ist ein insgesamt spannender, mit viel Lokalkolorit gewürzter Roman, der allerdings auch unter seiner epischen Länge von fünfhundert Seiten leidet. Entsprechend zäh schleppen sich die Ermittlungen in den Mordfällen immer wieder hin, während wir noch etwas über die Polizeiarbeit, den Alltag in Absaroka County und die Landschaft und ihre Bewohner erfahren. Da wünscht man sich einige Seiten weniger. Es muss ja nicht gleich die Kürze eines Hillerman-Romans haben, der seine Geschichten auf normalerweise zweihundert bis zweihundertfünfzig Seiten erzählte.
Für Mai hat Festa den zweiten Longmire-Roman „Einsamer Tod“ angekündigt. Im Juli soll dann der dritte Longmire-Roman „Gute Taten rächen sich“ erscheinen. Und weil Craig Johnson eifrig weitere Longmire-Romane schreibt, ist für ausreichend Nachschub gesorgt.
Als „Fieber in Casablanca“ 1983 in Frankreich erschien, war die Kolonialzeit noch viel gegenwärtiger. Heute empfiehlt sich wahrscheinlich ein erklärendes Nachwort, das leider in der vom Autor überarbeiteten Neuausgabe von „Fieber in Casablanca“ fehlt.
In dem Roman erzählt Tito Topin, selbst gebürtiger, seit 1966 in Frankreich lebender Marokkaner, von einigen aufregenden Stunden in Casablanca im Juli 1955. Kurz vor der Unabhängigkeit war Casablanca eine Metropole mit einem pulsierenden Kultur- und Nachtleben. So schildert es jedenfalls Topin, der damals als Anfang-Zwanzigjähriger dort lebte.
Eines Nachts vergewaltigt der Möchtegern-Playboy Georges Bellanger die fast neunzehnjährige Spanierin Ginette ‚Gin‘ Garcia. Sie landet schwerverletzt im Krankenhaus.
Für die Polizei ist schnell klar, wer für die Tat verantwortlich sein soll. Immerhin befiehlt der Zivilgouverneur Commissaire Guglielmi, wie er zu ermitteln hat: „Stellen Sie die junge Frau wie ein Model der Tugend hin. Machen Sie eine Jungfrau, ja, eine Heilige aus ihr! Und, selbstredend, finden Sie mir einen oder mehrere Schuldige unter den Drecksarabern, am besten unter den Einwohnern der Siedlung Embarek. (…) Ich will einen Schuldigen! Wen auch immer, Hauptsache Araber! Da wird kein Europäer rein verwickelt.“
Entsprechend unobjektiv gestalten sich die Ermittlungen der Polizei. Währenddessen lässt Georges Mutter, Dr. Bellanger, Gin in ihr Krankenhaus verlegen.
Gins Freund Manu sucht auf eigene Faust den Täter und weil das alles in den letzten Tagen vor der Unabhängigkeit spielt, lässt die Kolonialmacht Frankreich noch einmal ihre Muskeln spielen.
„Fieber in Casablanca“ ist ein flotter Noir, in dem vor allem das Chaos regiert. Topin erzählt das in mehreren Erzählsträngen, die sich schnell abwechseln und die Handlung, auch dank der knappen, lakonischen, mit schwarzem Humor gewürzten Sprache unerbittlich zu ihrem explosiven Ende treiben.
Casablanca erscheint als Moloch in dem Korruption und Rassenhass Alltag sind. Gleichzeitig gibt es ein lebhaftes Nachtleben und in den Kinos laufen anscheinend nur die damals angesagten Filmklassiker.
Die Charaktere selbst bleiben eher blass. Auf knapp zweihundert mit Handlunge gefüllten Seiten ist eben wenig Zeit für psychologische Vertiefungen. In den eilig vorangetriebenen Szenen aus dem Chaos einer Strafverfolgung entsteht ein ziemliches unschönes Bild der letzten Tage einer Kolonialmacht. Sie sucht nicht den wahren Täter, sondern den gerade passenden Täter. Das erinnert dann schon fast an die Ermittlungen der deutschen Polizei bei den NSU-Morden. Folter ist akzeptiert, solange sie nicht zu laut ist. Denn: „Wir verhören sie nicht, damit sie reden, wir verhören sie, um ihnen zu zeigen, wer hier das Sagen hat!…Und das geht sehr gut ohne Lärm.“ Und eine Vergewaltigung an einer Europäerin dient als Vorwand für einen Feldzug gegen Araber. Das wäre dann schon fast wieder brennend aktuell, wenn Topin eine Analyse der damaligen Zustände gewollt hätte. Die gibt es zwar auch. Als Nebenprodukt einer bitterbösen Beschreibung eines Kessels kurz vor der Explosion.
Topins Roman wurde mit dem „Prix Mystère de la Critique“ ausgezeichnet.
Für seine anderen Romane, die teilweise auch ins Deutsche übersetzt wurden, erhielt er weitere Preise. Außerdem erfand Topin die langlebige TV-Krimiserie „Navarro“.
Gerda Wendt lebt im Altersheim. Während die Tage im täglichen Trott vergehen, die Kräfte und das Gedächtnis nachlassen, erinnert sich die 84-jährige an ihr Leben. Es war ein Leben, das nie für Schlagzeilen taugte oder die Welt veränderte. Aber es ist ihr Leben, das auch die Veränderungen in der Bundesrepublik reflektiert. Nebenbei. Denn Gerda gehörte niemals zu den 68ern. Das war die Generation nach ihr. Sie kümmerte sich nie um Politik. Stattdessen war sie schon in der Schule gut in Mathematik, studiert Physik, erhält sofort eine Anstellung als Assistentin, verliebt sich in Peter, soll nach ihrer Promotion 1974 in Cambridge einen Vortrag halten, schlägt für Peter ein lukratives Angebot aus, heiratet Peter, erwischt ihn beim Seitensprung, lässt sich scheiden und arbeitet wieder an der Universität. Als Privatdozentin, die niemals die große Karriere machen wird, die sie einige Jahre früher vielleicht hätte machen können.
Aber lebte sie ein falsches Leben? Verpasste sie Chancen, die sie später bedauert?
Für die Buchausgabe von „Der Sommer ihres Lebens“ überarbeiteten und erweiterten Romanautor Thomas von Steinaecker und die Eisner-nominierte Zeichnerin Barbara Yelin, die fast Gerdas Enkelkinder sein könnten, die ursprünglich in dem Online-Magazin „Hundertvierzehn“ des S. Fischer Verlags erschienene Geschichte, in der Gegenwart und Vergangenheit immer wieder nahtlos ineinander übergehen. Oft in einem Panel. Yelin zeigt in diesen Aquarellen unaufdringlich, wie gegenwärtig Erinnerungen sind. In wenigen Panels verdeutlichen sie den Lebens- und Arbeitsrhythmus eines Altersheimes, während Gerda sich an einige Momente ihres Lebens erinnert. Auch diese Erinnerungen verdichten sie auf wenige, entscheidende Momente, in denen immer wieder die gesellschaftlichen Veränderungen, die sie miterlebte, durchschimmern.
So gelingt es ihnen, auf knapp achtzig Seiten ein ganzes Leben zu erzählen, ohne jemals eine luftige Leichtigkeit zu verlieren.
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Thomas von Steinaecker/Barbara Yelin: Der Sommer ihres Lebens
Jugendfrei ist „Crossed“ nicht. Und auch nicht, trotz des großen Erfolgs von „The Walking Dead“, tauglich für eine Verfilmung. Das hat mehrere Gründe.
In der von Robert Kirkman geschriebenen Zombieserie „The Walking Dead“ begleitet man mehrere Charaktere über einen langen Zeitraum und die Geschichte entwickelt sich kontinuierlich weiter. In inzwischen 28 auf Deutsch erschienenen Sammelbänden und in einer TV-Serie, deren achte Staffel gerade im US-TV läuft. Da ist ein Einstieg in die Familiengeschichte bei irgendeinem Sammelband oder irgendeiner TV-Episode schwierig.
Bei „Crossed“ kann man dagegen mit irgendeinem „Crossed“-Sammelband beginnen. Jeder Sammelband enthält eine abgeschlossene „Crossed“-Geschichte. Niemals hat man das Gefühl, dass man die neue Geschichte nur versteht, wenn man auch die älteren Geschichten gelesen hat. Man muss auch nicht den nächsten Sammelband kaufen, um zu erfahren, wie es mit den Helden weitergeht. Denn die nächste „Crossed“-Geschichte wird von einem anderen Autor geschrieben. Mit anderen Charakteren. Aktuell ist bei uns der 18. „Crossed“-Sammelband erschienen.
Garth Ennis, der Erfinder dieser Endzeitwelt, stieg nämlich nach seiner ersten Geschichte aus der Serie aus. Später kehrte er wieder zurück. Aber das ändert nichts daran, dass seitdem andere Autoren mit von ihnen erfundenen Charakteren Geschichten schreiben, die in der von Ennis erfundenen Welt spielen.
Und gegenüber „Crossed“ erscheint „The Walking Dead“ wie eine nette Familienserie. Bereits in den „Crossed“-Comics gibt es so viel Sex und Gore, dass der Panini Verlag auf jedes „Crossed“-Buch den Hinweis „Empfohlen ab 18 Jahren!“ druckt. Die von Ennis erfundenen Untoten sind sexgierige und mordlüsterne Bestien, die ungehemmt ihren Trieben nachgehen. Sie haben ein Kreuz im Gesicht und werden deshalb „Gefirmte“ genannt. Eine Verfilmung, die der Vorlage gerecht werden will, dürfte da schnell die Grenze von „ab 18 Jahre“ zu indiziert überschreiten.
In dem aktuellen 18. „Crossed“-Sammelband „Homo Tortor“ erzählen Autor Kieron Gillen und Zeichner Rafael Ortiz die Geschichte von Washington. Der Student kann nach der Apokalypse einige Männer überzeugen, ihn zu Professor Nelson zu begleiten. Der Forscher hat vor der Apokalypse behauptet, dass bereits vor 75.000 Jahren Gefirmte auf der Welt waren. Washington erhofft sich von dem Forscher eine Erklärung für das damalige Überleben der Menschheit, die vielleicht auch zum jetzigen Überleben der Menschheit führen kann. Außerdem ist seine große Liebe Amy inzwischen mit dem Professor liiert.
In diese Geschichte ist die Geschichte von Löwe eingeflochten. Er lebte vor 75.000 Jahren im Nilbecken. Mit seinen Gefährten wird er wird er von Barbaren gefangen genommen, die anscheinend eine frühe Form der Gefirmten sind. Professor Nelson nannte sie „Homo Tortor“.
„Homo Tortor“ (Crossed Band 18 – Badlands 11) ist eine weitere spannende Geschichte aus dem „Crossed“-Universum.
Parallel dazu erschien der erste Band der „Crossed Monster Edition“. Er enthält die ersten beiden „Crossed“-Geschichten.
In „Crossed“ erzählen Autor Garth Ennis und Zeichner Jacen Burrows von einer Gruppe Überlebender, die sich quer durch die USA auf den gefahrvollen Weg nach Kanada machen. Denn dort soll es sicherer sein.
Am Ende der zehnteiligen Miniserie, die ab 2008 erstmals erschien, wollte Ennis keine weiteren „Crossed“-Geschichten schreiben. Aber er erkannte das Potential der von ihm geschaffenen Welt für weitere Geschichten. Also erlaubte er anderen Autoren, in dieser Welt Geschichten zu erzählen.
In der zweiten, einzeln nicht mehr erhältlichen „Crossed“-Geschichte „Familienbande“, geschrieben von David Lapham und gezeichnet von Javier Barreno, geht es dann direkt in das amerikanische Hinterland nach North Carolina. Dort lebt die Großfamilie Pratt auf einer Farm. Seine achtzehnjährige Tochter Adaline begehrt gegen den Familientyrannen, der auch ihre jüngere Schwester vergewaltigt, auf. Aber als die Gefirmten die Farm angreifen und überrennen, müssen sie auf ihrer Flucht in den Süden zusammenhalten. Nur – und diese Frage stellt jede „Crossed“-Geschichte: wer sind ihre schlimmsten Gegner? Die Gefirmten oder andere Menschen?
Kieron Gillen/Rafael Ortiz: Crossed Band 18 – Bandlands 11: Homo Tortor
(übersetzt von Bluna Williams)
Panini, 2017
148 Seiten
19,99 Euro
–
Originalausgabe
Crossed: Badlands 75 – 80
Avatar Press, 2017
–
Crossed – Monster Edition
Panini, 2017
420 Seiten
29,99 Euro
–
enthält
Garth Ennis/Jacen Burrows: Crossed
(übersetzt von Bluna Williams)
Panini, 2012
–
Originalausgabe
Crossed # 0 – 9
Avatar Press, 2008/2009/2010
–
David Lapham/Javier Barreno: Crossed Band 2: Familienbande
Als der Heyne Verlag 2005 Tom Franklins Debütroman „Die Gefürchteten“ (Hell at the Breech, 2003) veröffentlichte, hätte der Verlag gleich danach Franklins zweiten Roman veröffentlichen können. Zum Beispiel in der Hardcore-Reihe.
Aber er tat es nicht und jetzt ist „Smonk“ bei pulp master erschienen. Es geht um „die skabrösen Abenteuer von E. O. Smonk & der Hure Evavangeline im Clarke County, Alabama zu Beginn des letzten Jahrhunderts“. So der altertümlich längliche Untertitel von „Smonk oder Stadt der Witwen“.
Der Rest ist dann überhaupt nicht altertümlich. Eugene Oregon Smonk ist ein einäugiger, schießwütiger Farmer, Tyrann und, vielleicht, die Ausgeburt des Teufels. Jedenfalls ist er das Schlimmste, was dem kleinen, gottverlassenen Dorf Old Texas zustoßen konnte. Eine Gerichtsverhandlung gegen ihn beendet er schnell, indem er die halbe Dorfbevölkerung ermordet und den Tatort verlässt. Ein sehr kleiner, mäßig motivierter Lynchmob nimmt die Verfolgung auf.
Währenddessen hurt die fünfzehnjährige Evavangeline quer durch den Wilden Westen. In Shreveport stürmt während des Geschlechtsverkehrs eine Gruppe christlicher Deputys das Hotelzimmer. Sie kann durch einen Sprung aus dem Zimmer entwichen, aber weil die Deputys sie für einen Mann halten, beginnen sie sie quer durch das Land zu verfolgen. Denn Sex unter Männern ist noch viel sündhafter als Sex mit einer Frau. Auf ihrer Flucht trifft Evavangeline auf einen Jungen aus Old Texas, der Smonks Mordorgie für seine Flucht aus dem Kaff benutzen möchte, und eine Schar Kinder, die sie beschützen soll.
Nach einigen Umwegen und vielen Rückblenden, reiten alle Beteiligten in Richtung Old Texas.
„Smonk“ ist ein wahrhaft wilder Ritt, über den Tom Franklin sagt: „Das Schreiben war wie Masturbieren – es fühlt sich großartig an, aber gleichzeitig fühlt man sich schuldig – es war zu gewalttätig, es war zu schräg, es wurde zu viel gefurzt und es gab zu viel Sex.“
Die Rohfassung entstand in zehn Tagen. An den nächsten zehn Tagen fügte Franklin zwanzig Seiten pro Tag hinzu. Die Überarbeitungen dauerten dann anderthalb Jahre, ohne die Wucht der ersten Fassung in geordnete Bahnen zu lenken.
Immer noch ist Franklins unbändiger Spaß beim Erzählen spürbar, immer noch springt die Geschichte zwischen Gegenwart und Vergangenheit und immer noch ist sie in erster Linie eine endlose Aneinanderreihung von grotesken Situationen, garniert mit vielen Morden und Samenergüssen. Das erinnert dann an Free Jazz in seiner freiesten Form. Und auch in „Smonk“ ist für den Verursacher die unmittelbare Äußerungen seiner Gedanken und Gefühle, ohne auf irgendwelche irgendwie einschränkenden Regeln achten zu müssen, befreiender und spannender als für den Rezipienten. Jedenfalls stellte sich bei mir beim Lesen von „Smonk“ ziemlich schnell ein Gefühl gepflegter Langeweile ein. In der Geschichte gibt es keine Entwicklung und kein Ziel, sondern nur noch einen Mord, noch einen Samenerguss und noch eine Geschmacklosigkeit.
Franklins dritter, mit dem Gold Dagger ausgezeichneter Roman „Krumme Type, Krumme Type“ (Crooked Letter, Crooked Letter, 2010) erscheint demnächst bei pulp master und weil er in Baden-Württemberg zur Schullektüre erhoben wurde (natürlich in der Originalausgabe), dürfte die Übersetzung bald erscheinen.
Vor zwei Jahren erlebte Fred Dewilde eine Nacht, die er bis zu seinem Tod nicht vergessen wird. Er besuchte am 13. November 2015 das Konzert der Garagenrockband „Eagles of Death Metal“ in Paris im Bataclan. In „Bataclan – Wie ich überlebte“ erzählt er seine Erlebnisse in dieser Nacht und wie er danach damit umging. Denn in dieser Nacht schlugen Islamisten gleichzeitig an mehreren Orten in Paris brutal zu. In der Konzerthalle ermordeten französischstämmige Islamisten mit Kalaschnikow-Sturmgewehren und Handgranaten neunzig Konzertbesucher. Viele der 1500 Konzertbesucher wurden teilweise schwer verletzt.
Dewilde, ein auf medizinische Illustrationen spezialisierter Grafiker und verheirateter Vater mehrerer Kinder, teilt sein Erinnerungsbuch, in dem er die Ereignisse der Nacht künstlerisch verarbeitet in zwei Hälften. In der ersten, kürzeren Hälfte erzählt er als SW-Comic seine Erlebnisse in der Nacht. In der zweiten Hälfte schreibt er darüber, was er nach der Nacht fühlte, welche (Schuld)gefühle er hatte und wie er versuchte, das Erlebte zu verarbeiten. Wie er sich auf nichts konzentrieren konnte, wie er krank geschrieben wurde, von seiner Psychotherapie und wie er als Therapie begann, seine Erlebnisse aufzuzeichnen. Er sagt, warum er die Täter als die vier apokalyptischen Reiter als Skelette zeichnete: „Sie waren bereits gestorben, hatten jede Verbindung zum Leben, zu anderen Menschen verloren.“ Er erzählt auch vom Zusammengehörigkeitsgefühl der Überlebenden, von seiner Kindheit in einem Problemviertel, seiner Frau und seiner dreieinhalbjährigen Tochter. Am Ende meint er: „Ich habe gesehen, was der Hass anrichtet. Deshalb bitte ich euch: Lasst uns einmal wenigstens schlauer sein…lasst uns dieses Mal das Leben wählen.“
Auch wenn wahrscheinlich jeder, der Sidney Lumets regelmäßig im Fernsehen laufende Agatha-Christie-Verfilmung „Mord im Orient-Express“ gesehen hat, die Lösung kennt: sie wird in dieser Besprechung über den Roman und die bisherigen Verfilmungen verraten. Meine Besprechung der Neuverfilmung von und mit Kenneth Branagh als Hercule Poirot gibt es zum Kinostart am 9. November. .
Der Roman
1934 veröffentlichte Agatha Christie ihren neunten Roman mit dem belgischen Privatdetektiv Hercule Poirot. Besondere Kennzeichen: seine Hinweise auf seine „kleinen grauen Zellen“ und sein liebevoll gepflegter Schnurrbart. Inspiriert war „Mord im Orientexpress“ von der damals weltweit Aufsehen erregenden Entführung und Ermordung des Babys von Charles Lindbergh. Diese damals noch nicht aufgeklärte Tat ist dann auch die Grundlage für das Mordmotiv.
Der Fall selbst bewegt sich in den etablierten Rätselkrimipfaden.
Hercule Poirot reist mit dem Orientexpress von Istanbul nach Calais. In Jugoslawien bleibt der Zug in einer Schneewehe stecken. Samuel Edward Ratchett, der Drohbriefe erhielt und Poirot als seinen Beschützer engagieren wollte, liegt ermordet in seinem Erster-Klasse-Abteil. Er wurde mit zwölf Messerstichen, die anscheinend von mehreren Personen stammen, ermordet. Das geöffnete Abteilfenster ist eine falsche Fährte. Denn es gibt keine vom Zug wegführenden Fußspuren im Schnee. Schwieriger zu entschlüsseln sind andere Spuren: der im Nebenabteil, das der Mörder anscheinend für seine Flucht benutzte, gefundene Knopf von einer Uniform von einem Schlafwagenschaffner, das Taschentuch mit dem Monogramm „H“, die von Poirot in der Mordnacht gesehene Frau im roten Kimono und die Frage nach der Tatzeit. Zwar zeigt die zerbrochene Uhr des Toten mit 01.15 Uhr eine eindeutige Uhr- und Tatzeit an, aber schon vorher antwortete ein Mann in Ratchetts Abteil auf die nach einem Geräusch gestellte Frage des Schlafwagenschaffners, dass alles in Ordnung sei. Allerdings antwortete er auf französisch und der tote US-Bürger Ratchett spricht keine Fremdsprachen. Sagt sein Sekretär.
Es gibt also genug Hinweise und falsche Fährten, die Poirot in den kommenden Stunden, bis der Zug weiterfahren kann, entschlüsseln muss. Er beginnt die zwölf Passagiere der ersten Klasse zu befragen. In schönster Rätselkrimitradition muss sich der Mörder unter ihnen befinden.
Neben „Alibi“ (The Murder of Roger Ackroyd, 1926), einem anderen Hercule-Poirot-Krimi, in dem sie die Erwartungen des Publikums nach dem Mörder auf den Kopf stellte, und dem Theaterstück „Die Mausefalle“ (The Mousetrap, 1952), das eine ähnliche, den Erwartungen widersprechende Lösung hat, präsentiert sie in „Mord im Orientexpress“ alle Verdächtigen, also alle Zugpassagiere, als den Mörder. Ratchett, eigentlich Cassetti, hat vor einigen Jahren John Armstrongs Baby entführt und getötet. Cassetti wurde angeklagt und wegen eines Formfehlers nicht verurteilt. Die Passagiere des Schlafwagens waren mit Armstrong als Verwandte, Angestellte und Freunde verbunden und, nachdem Ratchett freigesprochen wurde, beschlossen sie, Selbstjustiz zu üben. Was sie, nach präziser Planung, in der Mordnacht taten. Weil mit Poirot ein nicht eingeplanter Gast in dem Zugabteil mitreiste, legten sie außerdem zahlreiche falsche Fährten.
Am Ende präsentiert Poirot den versammelten Verdächtigen diese Lösung und eine andere, in der ein unbekannter, flüchtiger Täter Ratchett ermordete. Die Täter geben ihre Tat zu und der ebenfalls im Zug mitreisende Direktor der Zuggesellschaft, Monsieur Bouc, und der Arzt Dr. Constantine entscheiden sich dafür, der Polizei zu erzählen, dass Ratchett von einem flüchtigen Einzeltäter ermordet wurde.
Diese Lösung (also dass Ratchett gleichzeitig von zwölf Menschen ermordet wurde) ist zwar überraschend, aber auch nicht besonders logisch. So soll das Mordopfer keinen der Mitreisenden erkannt haben.
Wie die Täter, die sich teilweise vorher nicht kannten, sich kennen lernten und wie sie sich zu dieser Tat verabredeten, wird nicht erwähnt. Auch nicht, wie sie sich überzeugten, gemeinsam einen kaltblütigen Mord auszuführen. Wer über diese Punkte auch nur kurz nachdenkt, wird ernsthafte Probleme mit der von Agatha Christie präsentierten Lösung haben.
Der offensichtliche Konflikt zwischen einer moralisch vielleicht gerechtfertigter Selbstjustiz und der Herrschaft des Gesetzes (inklusive einem rechtsstaatlichen Gerichtsverfahren) wird in dem Roman nicht weiter thematisiert. Schließlich steht in einem Rätselkrimi die Tätersuche als intellektuelles Puzzlespiel im Vordergrund. Mit der Illusion, dass man als Leser den Täter ebenfalls enttarnen kann, weil der Autor alle Fakten präsentiert. Sogar wenn man die Lösung kennt, wird man nur wenige Hinweise auf die richtige Lösung finden. Im Klassischen Rätselkrimi, wie ihn Agatha Christie erfand, geht es sogar nur um die Tätersuche. Oder in Poirots Worten: „Es gibt für diesen Mord zwei mögliche Lösungen. Ich werde Ihnen beide vorstellen, und dann mögen Monsieur Bouc und Dr. Constantine entscheiden, welche von ihnen die richtige ist.“
Der Roman ist in einer heute altertümlichen Sprache geschrieben und die gut vierzig Seiten bis zur Entdeckung der Leiche sind ziemlich spannungsfrei.
Ziemlich witzig sind, jedenfalls aus heutiger Sicht, die schamlos vorgetragenen, jeder Grundlage entbehrenden Urteile über verschiedene Völker. Sie sind einfach eine Ansammlung absurder Vorurteile.
Die Verfilmungen
Seit seiner Veröffentlichung wurde der Roman mehrmals verfilmt. Bei uns sind die beiden Spielfilme (die zweite Spielfilm-Verfilmung startet am Donnerstag) und spielfilmlangen TV-Filme bekannt.
Am bekanntesten ist die Verfilmung von Sidney Lumet. Er sperrte 1974 ein Dutzend Stars in den Zug ein und bei den Verhören von Hercule Poirot hatte jeder seinen großen Auftritt. Das Rezept war so erfolgreich, dass danach, mit Peter Ustinov als Poirot, „Tod auf dem Nil“ und „Das Böse unter der Sonne“ entstanden. Der dritte Ustinov/Poirot Kinofilm „Rendezvous mit einer Leiche“ hatte dann weniger Stars und war auch weniger erfolgreich. Davor spielte Ustinov den Detektiv auch in drei TV-Filmen. Nach dem gleichen Rezept entstand damals, mit Angela Lansbury als Miss Marple, „Mord im Spiegel“.
Lumets Verfilmung ist heute immer noch vergnügliches, aus der Zeit gefallenes, in einer Parallelwelt spielendes Starkino, bei dem jeder Schauspieler in mondäner Kulisse mindestens einmal groß aufspielen darf.
Carl Schenkel verlegte 2001 in seiner erschreckend spannungsfrei inszenierten Verfilmung die Geschichte in die Gegenwart, was man vor allem an einem Handy und einem Laptop erkennt.
Am Ende, wenn Poirot erklärt, dass er der Polizei die Version von dem flüchtigen Täter erzählen wird, zeigt sich ein großes Problem. Damals, als Christie den Roman schrieb, war eine solche Erklärung möglich. Heute, in Zeiten von CSI, ist eine solche Erklärung nicht mehr glaubwürdig. Sie würde allen Spuren widersprechen.
Neun Jahre später inszenierte Philip Martin im Rahmen der langlebigen TV-Serie „Agatha Christie’s Poirot“ mit David Suchet als Hercule Poirot, eine weitere Version des Romans. Wie alle Suchet/Poirot-Filme spielt sie in den Dreißigern. Bei Christie-Fans sind die siebzig TV-Filme mit Suchet sehr beliebt sind.
In diesem Fall wird die Lösung sehr früh präsentiert und Poirot hadert danach länger mit der Frage, welche Lösung er der Polizei präsentieren soll. Es entsteht sogar das Gefühl, dass die Täter jetzt ihn als unliebsamen Zeugen ermorden könnten.
Am Ende bleibt offen, welche Lösung er der Polizei erzählt. Der Zuschauer muss sich entscheiden.
Martins Verfilmung ist deutlich gelungener als Schenkels misslungene Verfilmung. Und Poirots Zweifel wenn er der Polizei als Mörder präsentieren soll, führen zu einigen noirischen Kameraeinstellungen, die das Gefühl vermitteln, dass Poirot wirklich in Lebensgefahr schwebt und bald von den Ratchetts Mördern, die zu einem mordlüsternen Mob werden, umgebracht werden könnte. Das ist, weil in einem Rätselkrimi der Detektiv nach der Enttarnung keine Angst vor irgendwelchen Aktionen des Mörders haben muss, eine interessante Variante, die nur bedingt funktioniert. Auch weil Hercule Poirot danach keine weiteren Fälle lösen könnte.
Beide TV-Filme stehen im Schatten von Lumets Verfilmung.
Und am 9. November kommt Kenneth Branaghs Verfilmung in unsere Kinos. Allein schon von der hochkarätigen Besetzung knüpft er an Lumets Verfilmung an.
In den einschlägigen Foren wird bis dahin emsig über Hercule Poirots Bart diskutiert. Wie auch bei Albert Finney, Alfred Molina und David Suchet darüber diskutiert wurde.
Ich persönlich halte Branaghs Poirot-Bart für eine monströse Geschmacksverirrung.
Agatha Christie: Mord im Orientexpress
(übersetzt von Otto Bayer)
Atlantik Verlag, 2017
256 Seiten
10 Euro
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Originalausgabe
Murder on the Orient Express
HarperCollins, London, 1934
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Die erste deutsche Übersetzung erschien 1934 als „Die Frau im Kimono“; später „Der rote Kimono“. Elisabeth van Bebber war die Übersetzerin.
Die aktuelle Übersetzung erschien erstmals 2002 im S. Fischer Verlag. Sie müsste, auch wenn es im Impressum nicht gesagt wird, identisch mit Otto Bayers 1999 im Scherz Verlag erschienener Übersetzung sein.
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Die Verfilmungen
Der bekannte Kinofilm
Mord im Orient-Express (Murder on the Orient Express, Großbritannien 1974)
Regie: Sidney Lumet
Drehbuch: Paul Dehn, Anthony Shaffer (ungenannt)
mit Albert Finney, Lauren Bacall, Martin Balsam, Ingrid Bergman, Jacqueline Bisset, Jean-Pierre Cassel, Sean Connery, Sir John Gielgud, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Michael York, Richard Widmark, Wendy Hiller, Colin Blakely
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Die unbekannte TV-Verfilmung
Mord im Orient-Express (Murder on the Orient-Express, USA 2001
Regie: Carl Schenkel
Drehbuch: Stephen Harrigan
mit Alfred Molina, Meredith Baxter, Leslie Caron, Peter Strauss, Fritz Wepper, Kai Wiesinger, Amira Casar, Nicolas Chagrin, Tasha de Vasconcelos, David Hunt, Adam James, Dylan Smith, Natasha Wightman
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Die TV-Verfilmung im Rahmen der Serie „Agatha Cristie’s Poirot“
Agatha Christie’s Poirot: Mord im Orient-Express (Agatha Christie’s Poirot: Murder on the Orient Express, Großbritannien 2010)
Regie: Philip Martin
Drehbuch: Stewart Harcourt
mit David Suchet, Toby Jones, David Morrissey, Jessica Chastain, Barbara Hershey, Susanne Lothar, Tristan Shepherd, Sam Crane, Brian J. Smith, Stewart Scudamore, Serge Hazanavicius, Eileen Atkins, Denis Ménochet, Hugh Bonneville, Marie-Josée Croze, Stanley Weber, Elena Satine, Joseph Mawle, Samuel West
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Polyband veröffentlichte diese Verfilmung jetzt als Einzel-DVD „Poirot – Mord im Orient-Express“
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Die Neuverfilmung (Kritik gibt es zum Filmstart am 9. November 2017)
Mord im Orientexpress (Murder on the Orient Express, USA 2017)
Regie: Kenneth Branagh
Drehbuch: Michael Green
mit Kenneth Branagh, Daisy Ridley, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Penélope Cruz, Judi Dench, Willem Dafoe, Josh Gad, Lucy Boynton, Marwan Kenzari, Olivia Colman, Miranda Raison, Derek Jacobi, Tom Bateman
Wenige Monate nach dem Krieg in einer gottverlassenen Gegend irgendwo in Frankreich. Am Rand von Frankreich, dort, wo die Einheimischen seit Jahrhunderten unter sich sind und Neuankömmlinge misstrauisch beäugen und es für Durchreisende nichts gibt, was auch nur den kleinsten Umweg oder Rast rechtfertigt, wird eines Abends Brodeck, als er die Dorfgaststätte betritt, aufgefordert, einen Bericht zu schreiben. Denn er war als einziger bei dem Ereignis nicht dabei. Sein Bericht soll objektiv sein, nichts verschweigen und sie, die Täter, entlasten.
Brodeck macht sich, die Machtverhältnisse kennend, an die Arbeit. Er ist selbst ein Zugezogener, der im Krieg in einem Lager war. Auch wenn Manu Larcenet es in seiner bedrückenden, auf Philippe Claudels Roman basierender Graphic Novel „Brodecks Bericht“ nicht ausdrücklich erwähnt, verraten die an mittelalterliche Stiche erinnernden atmosphärischen SW-Panels sofort, dass Brodeck in einem Konzentrationslager war.
Diese Wortkargheit ist die große Stärke von Larcenets Graphic Novel: wie in einem Stummfilm verraten die Bilder alles über die düstere, bedrohliche und gottverlassene Welt, in der Brodeck und die Dorfbewohner leben. Die Dialoge sind, das zeigen schon die ersten Seiten, nur noch knappe Ergänzungen zu den Panels. Zum Beispiel wenn Brodeck die Dorfgaststätte betritt und nicht auf eine fröhlich feiernde Versammlung, sondern einen bedrohlich schweigenden Mob, der nicht über seine Tat reden will, trifft. In diesem Moment weiß Brodeck, was passiert ist und er kann sich auch schon denken, warum der Fremde ermordet wurde.
Brodeck schreibt in seinem vom Dorfvorsteher geforderten Bericht auch über seine Erlebnisse im Lager und wie er dorthin kam. Er schreibt über sein Leben auf einem Einsiedlerhof mit seiner Frau und Tochter. Er erzählt auch die Vorgeschichte der Tat. Denn der von ihnen ermordete Fremde kam zu ihnen, hörte sich um und porträtierte sie in Bildern, die ihr wahres Wesen enthüllten. Aber wer lässt sich schon gerne einen Spiegel vorhalten?
Manu Larcenet schrieb und zeichnete auch die stilistisch vollkommen anders aussehenden, ebenfalls bei Reprodukt erschienen Werke „Blast“ und „Der alltägliche Kampf“.
Seine neuestes Werk „Brodecks Bericht“ ist ein bildgewaltiger Noir über eine verschworene Gemeinschaft, die ihre Verbrechen verschweigt und von Brodeck nur eine schriftliche Rechtfertigung für ihren Mord haben will.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 