Am 13. Dezember wird im winterlich verschneiten Prag im Garten einer Zwischenkriegsvilla eine Frauenleiche gefunden. Während Kriminalrat Marián Holina vom Dezernat für Tötungsdelikte noch rätselt, wer die Tote ist und wer sie vor einigen Tagen ermordete, haben wir Leser von Iva Procházkovás Kriminalroman „Die Spur der Kälte“ bereits eine ziemlich gute, sich später bestätigende Idee über ihre Identität. Es handelt sich um die 22-jährige Tran Chau Anh, eine Vietnamesin mit tschechischer Staatsbürgerschaft. Sie studierte Jura, lebte in einer Wohngemeinschaft und, obwohl ihre geschiedenen Eltern vermögend sind, arbeitete sie als Pflegeassistentin von Andrej und Tamara Knotek und kellnerte in einer ‚Oben-Unten-Ohne‘-Bar. Einer der Kunden des Lokals könnte sie ermordet haben.
Ein anderes, noch besseres Motiv ergibt sich aus ihrer Arbeit als Assistentin. Nach einem schweren Unfall, bei dem der Ingenieur Andrej sich am Kopf verletzte, wurde er wieder zum Kind, das mehr oder weniger ständig beaufsichtigt werden muss. Anh erledigt diese Aufgabe an einigen Stunden in der Woche. Inclusive, und ohne dass Tamara es erfährt, kleineren sexuellen Gefälligkeiten. Er gibt ihr immer wieder Geld. Und vergisst es anschließend. Neben Anh hilft die junge Physiotherapeutin Doubravka Andrej.
Es ist eines dieser Pflegenetzwerk, in dem viele Menschen viele intime Details aus dem Leben der anderen wissen. Beispielsweise, dass die Knoteks bei der letzten Ziehung des Eurojackpots den Hauptgewinn gewonnen haben. Dummerweise ist der Wettschein, der jetzt 45 Millionen Euro wert ist, unauffindbar.
Im folgenden konzentriert Procházková sich nicht auf die polizelichen Ermittlungen. Sie entfaltet ein ausuferndes Bild, in dem sie von den vielen Verdächtigen, ihrem noch größerem Umfeld und ihrem Leben nach der Entdeckung von Anhs Leiche erzählt. Der Leser, der versucht bei der Mördersuche mitzurätseln, wird dabei genötigt, immer mehr potentiell Verdächtige aus der Liste der möglichen Täter zu streichen. Vor allem, weil sie immer noch den Lottoschein suchen. Oder keine sichtbaren Wunden haben. Denn Anh wehrte sich.
„Die Spur der Kälte“ ist also kein Rätselkrimi. Er ist auch kein Polizeiroman, der sich auf die Arbeit der Polizei konzentriert. Er ist ein Mini-Mini-Gesellschaftsporträt, das den Fokus auf verschiedene Menschen lenkt, die von einem Mord betroffen sind und von denen einer der Mörder sein könnte. Procházková erzählt dies sehr kleinteilig in einem angenehm Tonfall, der sich an klassischen Erzähltugenden orientiert. Außerdem erfahren wir einiges über die kriminalliterarisch wenig erkundete tschechische Hauptstadt, die sich in diesem Fall und mit diesen Verdächtigen und ihren Problemen kaum von einer anderen westlichen Metropole unterscheidet. Besonders spannend ist das dann nicht. Die Auflösung, in der der Mörder uns in seinen Gedanken den Tathergang schildert, gerät eher unbeholfen.
Iva Procházková wurde 1953 in Olmütz, Tschechoslowakei, geboren. Sie lebte viele Jahre in Österreich und Deutschland. Seit 2001 lebt sie in Prag. Neben den Romanen für Erwachsene schrieb sie Drehbücher und Kinder- und Jugendbücher. Für diese erhielt sie, unter anderem, den Deutschen Jugendliteraturpreis, den Österreichischen Jugendbuchpreis und den Luchs des Jahres.
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Iva Procházková: Die Spur der Kälte – Ein neuer Fall von Kommisaar Holina
(übersetzt von Mirko Kraetsch)
braumüller, 2025
432 Seiten
22 Euro
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Originalausgabe
Dívky nalehko
Paseka, Prag 2016
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Außerdem von Iva Procházková erhältlich
Iva Procházková: Der Mann am Grund – Der erste Fall von Kommissar Holina
Wer war Xaver, der X. genannt wird? Sein bester Freund Erich will für einen Nachruf, den er ihren gemeinsamen Bekannten zuschicken will, die wichtigsten Stationen im Leben seines Freundes zusammentragen. Sie lernten sich in den Achtzigern in Zürich während des Studiums kennen. Erich studierte BWL. X. alles andere, nach Lust und Laune, abseits des Lehrplans. Danach trafen sie sich, teils mit langen Unterbrechungen, immer wieder. Vor zwei Monaten wurde X. Leiche neben der Straße zum Flughafen von Bissau, der Hauptstadt voun Guinea-Bissau gefunden. Wahrscheinlich wurde der 49-jährige ermordet.
Aber wie seriös ist Erichs Erinnerung an X.? In der ersten Hälfte von David Signers „Das Ende der Maskeraden“ porträtiert er X. als um die Welt reisenden Abenteurer, Freigeist, Schlawiner und Künstler. Er hatte überall Freunde und sicher war er auch in halbseidene und gefährliche Geschäfte verwickelt. In jedem Fall erlebte er in seinem kurzen Leben mehr als ein halbes Dutzend Pulp-Helden.
In der zweiten Hällfte von „Das Ende der Maskeraden“ beginnt Signer dann, den Ich-Erzähler und dessen Behauptung von der tiefen, durch keinerlei Neid oder schlechte Gefühle getrübten Freundschaft zu demontieren. Die Polizei ermittelt gegen ihn. X. erscheint in einem anderen, deutlich unvorteilhafteren Licht.
„Das Ende der Maskeraden“ ist eine schnell gelesene, spannende Geschichte, mehr Kurzroman oder Novelle als klassischer Roman, über Erinnerungen, Freundschaft und den Lügen, die wir uns über unser Leben erzählen. Nach knapp hundertfünfzig Seiten ist alles anders als es auf den ersten Blick erschien.
Mehr will ich nicht verraten über das Leben und den Tod von X..
Es sind kurze Geschichten, die Juoko Kawakami in seiner Manga-Kurzgeschichtenreihe „Furcht – Horrorgeschichten aus dem modernen Japan“ erzählt und zeichnete. Vor wenigen Tagen erschien der dritte Band. Er enthält auf unter zweihundert Seiten zwölf Kurzgeschichten, die einige Gemeinsamkeiten haben und vollkommen unabhängig voneinander gelesen werden können. Es sind, wie der Titel verrät, kurze Horrorgeschichten, die im heutigen Japan spielen. Trotzdem spielen sie immer wieder, für uns wenig bis nicht erkennbar, auf japanische Traditionen an. Das Wissen über diese Traditionen steigert dann das Lesevergnügen, aber für das Verständnis der meisten Geschichten (ein, zweimal dachte ich, dass ich die Pointe nicht verstehe, weil ich die angesprochene Riten, Sitten und Erzählungen nicht kenne) ist es egal. Sie sind universell verständlich.
Im Mittelpunkt der Geschichten steht das Leben im heutigen Japan, meistens mit Protagonisten zwischen Schule und Studium und ihren Problemen. Computer, Handys, die Wirkung von Influencern und das Leben in einer anonymen Großstadt stehen immer wieder im Zentrum der mal mehr, mal weniger übernatürlichen Geschichten.
In der ersten Geschichte bemerkt ein schönheitsversessener Junge plötzlich einen Pickel an seinem Hals und Haare an den Beinen. Was für einen normalen Jugendlichen höchstens ärgerlich wäre, ist für ihn eine Katastrophe. Das Ende ist – überraschend.
In anderen Geschichten geht es um den nächtlichen Besuch in einem leer stehendem Haus, das möglicherweise doch nicht so leer steht. Oder um den Betreiber von einem Okkult-TV-Kanal, der eine Veranstaltung einer Netzwerk-Marketing-Firma besucht – und sich irgendwann denkt, er hätte wohl doch besser eine weitere Geistervilla erkundet. Es geht um den Besuch bei den seltsamen Eltern des künftigen Gatten. In einer anderen Geschichte geht es um eine Hochzeit und die Planungen vor der Hochzeit. Eine andere Geschichte beschäftigt sich mit den körperlichen Veränderungen eines schmächtigen Jungen bei dem Training in einem Fitnessstudio. Einmal geht es um die moderne urbane Legende Ushigisan, die gerade im Netz trendet; ein anderes Mal um eine KI-Cosplayerin und einmal um eine Telefonzelle, die als Müllabladeplatz benutzt wird.
Auch der dritte „Furcht“-Sammelband ist eine schön schwarzhumorige Lektüre.
Der vierte Band ist für November angekündigt. Das klingt doch nach einem Weihnachtsgeschenk für den Horrorfan.
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Juoku Kawakami: Furcht – Horrorgeschichten aus dem modernen Japan – Band 3
396.960 Einwohner (da hat Bochum deutlich weniger und der Berliner Bezirk Pankow über zehntausend Einwohner mehr)
Größe der Insel: 103.000 Quadratkilometer
Bevölkerungsdiche: 4 Einwohner pro km² – oder, anders ausgedrückt: Island ist in Europa der am dünnsten besiedelte Staat
Die Verbrechensrate ist sehr niedrig. Im Durchschnitt werden auf der Insel zwei Morde pro Jahr verübt. Manchmal gibt es innerhalb eines Jahres keinen einzigen Mord. Nach Vergleichsrankings ist Island das sicherste Land der Welt.
Die Zahl der jährlich verübten Morde ist natürlich nur für Journalisten und Wissenschaftler interessant. Autoren fiktionaler Geschichten müssen sich, zum Glück für das verbrechensgierige Lesepublikum, nicht darum kümmern. Denn dann gäbe es in Island höchstens einen Krimiautor, der auch nur alle zwei Jahre einen Krimi veröffentlichen darf. Serienkiller wären, wegen der vielen von ihnen verübten Morde, tabu.
Satu Rämö kümmert sich, wie ihre isländischen Autorenkollegen, nicht um diese Zahlen. „Die Spur im Fjord“, ihr erster Roman mit ihrer Kriminalpolizistin Hildur Rúnarsdóttir, erschien 2022; die deutsche Übersetzung 2023. „Das Grab im Eis“ und „Der Schatten des Nordlichts“ folgten. In ihrem vierten und somit neuesten Roman „Hildur – Die Toten am Meer“ muss ihre Serienheldinn Hildur gleichzeitig mehrere Fälle aufklären. Harmlos sind die Einbrüche in leer stehende Ferienhäuser. Dazu kommen noch ungefähr ein halbes Dutzend Morde. Und ein alter Fall. Und der seltsame Tod eines Babys. Oh, und ein Mann stolpert mit einem blutverschmierten Gesicht von einem Touristenschiff.
Das sind viele Fälle, von denen am Ende auch einige, mehr oder weniger, miteinander zusammenhängen und, was quasi unvermeidbar bei den wenigen Inselbewohnern ist, die Kommissarin kennt einige der Verdächtigen gut. Ein Fall wird ihr sogar aus der Hand genommen. Die vier Menschen, die vor Jahrzehnten in der Erde vergraben wurden, wurden auf dem Hof von Hildurs Eltern vergraben. Ihre toten Eltern könnten etwas mit den Toten zu tun haben.
Wer die Toten sein könnten und warum sie dort vergraben wurden, wird in zahlreichen, in den Neunzigern spielenden Rückblenden, in denen es vor allem um das Leben von Hildurs Eltern geht, angedeutet.
Auf „Die Toten am Meer“ trifft die Kritik zu, die schon zu ihrem ersten Kriminalroman „Die Spur im Fjord“ geäußert wurde. Im Umkehrschluss heißt das: wem die vorherigen Hildur-Romane gefielen, dürfte auch der neueste Hildur-Roman gefallen.
Die Ermittlungen erfolgen hauptsächlich in der Form von Infodumps. Selten begleiten wir die Ermittler bei ihrer Arbeit. Oft erzählen sie sich gegenseitig, was sie ermittelten. Manchmal endet ein Kapitel mit einer für die Ermittlungen wichtigen Entdeckung. Später erzählt dann der eine Ermittler dem anderem, was er entdeckte und was er danach unternahm. Das ist nur mäßig spannend.
Es gibt zu viele Fälle, die sich dann gegenseitig im Weg stehen und teilweise über viele, sehr viele Seiten aus der Geschichte verschwinden. Der mögliche Mord an dem Baby verschwindet sogar vollkommen aus der Geschichte; oder er wurde in einem von mir überlesenem Halbsatz aufgeklärt. Die Rückblenden in das Leben von Hildurs Mutter Rakel (gleichzeitig der doch etwas in die Irre führende Originaltitel) haben mit den aktuellen Fällen nichts zu tun; – der Krimifan hofft natürlich auf einen Zusammenhang und sucht begierig in jeder Rückblende nach entsprechenden Hinweisen. Die für die Lösung nicht vollkommen unwichtigen Einbrüche werden zum ersten Mal wenige Seiten vor der Buchmitte erwähnt. Sowieso gelingt Rämö nie eine vernünftige Balance zwischen den verschiedenen, ungefähr gleich wichtigen Fällen und dem Privatleben der Hauptfiguren zu finden.
Und damit kämen wir zum letzten Punkt: Es gibt zu viele belanglose Informationen über das Privatleben von Hildur und ihrem Kollegen Jakob. Auch das ist nur mäßig spannend, aber die Zeiten von Columbo und anderen Ermittlern, über deren Privatleben wir nichts wissen (und das auch nie vermissten), sind vorbei. Zur Erinnerung: Columbo hat den Vornamen Lieutenant und es ist immer noch unklar, ob er wirklich verheiratet ist oder seine Frau nur aus ermittlungstaktischen Gründen gegenüber den Verdächtigen erwähnt.
Nachdem ich in meinen Besprechungen langsam die ungute Tendenz bemerke, Filmen vorzuwerfen, dass sie unlogisch und unrealistisch seien, kann ich jetzt mit Fug und Recht und großer Geste einen Tsunami an Empörung über Unlogik und Unrealismus entfachen. Oder einfach darauf hinweisen, dass es immer um Logik und Realismus innerhalb der Geschichte und der in ihr gesetzten Grenzen geht. Wenn in „Momo“ behauptet wird, dass es zigarrenrauchende Zeit stehlende graue Herren gibt, dann bin ich durchaus bereit zu akzeptieren, dass es diese Zeit-Diebe und die Zeit-Spar-Kasse gibt.
Michael Ende, der Erfinder von Jim Knopf und Erzähler der „unendlichen Geschichte“ erfand diese Männer und erzählte in dem 1973 erschienenem Kinderbuch „Momo oder Die seltsame Geschichte von den Zeit-Dieben und von dem Kind, das den Menschen die gestohlene Zeit zurückbrachte – Ein Märchen-Roman“ ihre Geschichte. Die Zeit-Diebe sind die Bösewichter. Die Heldin ist Momo, ein aus dem Nichts aufgetauchtes Waisenmädchen, das allein in einem Amphitheater lebt und gut zuhören kann. Sie hat Zeit und schenkt anderen Menschen ihre Zeit. Niemand hat viel Geld. Aber alle sind glücklich und zufrieden. In dieser Welt tauchen die Zeit-Diebe auf. Die grauen Herren bequatschen die Menschen, ihnen ihre Zeit zu geben. Sie würden sie später mit Zinsen zurückerhalten. Wenn die Menschen einmal in den Fängen der Zeit-Diebe sind, haben sie keine Zeit mehr. Immer mehr Menschen unterwerfen sich dem Regime der Zeit-Diebe.
Momo will ihre Freunde und alle Bewohner der Stadt retten. Die Menschen sollen wieder Zeit für sich und andere Menschen haben. Zusammen mit Meister Hora, dem im Nirgend-Haus lebendem Hüter der Zeit (der seinen ersten Auftritt ziemlich genau in der Buchmitte hat), und seiner Schildkröte Kassiopeia nimmt sie den Kampf auf.
Endes Buch wurde ein immer noch erhältlicher Bestseller und ist anscheinend für Viele eine wohlige Kindheitserinnerung. Ich hielt schon als Kind einen wohltuenden Abstand zu Fantasy-Geschichten und gehörte eindeutig zum Winnetou-Edgar-Wallace-James-Bond-Lager (als ob das realistische Geschichten sind). 1986 verfilmte Johannes Schaaf, mit Billigung des Autors den Roman. Ihm gefiel die Verfilmung von seinem Roman „Die unendliche Geschichte“ nicht.
Und jetzt verfilmte Christian Ditter wieder den Roman als internationale Produktion, die mit einer internationalen Besetzung und bekannten Namen auf einen internationalen Markt schielt. Alexa Goodall, eine zwölfjährige englische Schauspielerin in ihrer siebten Rolle, spielt Momo. Kim Bodnia spielt Beppo Straßenkehrer, Martin Freeman Meister Hora und Claes Bang den Anführer der grauen Herren, die im Film Greys heißen und nicht mehr nur aus Männern bestehen. Die Geschichte wurde an einigen weiteren Stellen modernisiert. Aber insgesamt halten die Macher sich an den Roman.
Das Ergebnis ist ein durchaus unterhaltsamer, CGI-lastiger Fantasyfilm für Kinder mit einem sympathischen Ensemble und einem wohligen Retro-Feeling. Die aus der Zeit gefallene Welt, in der „Momo“ spielt, erinnert an das aus Filmen bekannte Italien der fünfziger und sechziger Jahre, mit einigen Insignien der Gegenwart. Die Botschaft ist begrüßenswert und heute, zwischen gnadenloser Zeit-Optimierung im Beruf/Schule und in der Freizeit und sinnfreier Zeitvertrödelei vor dem Computer mit automatisch generierten Listen belangloser Posts, aktueller als damals.
Das Konzept der Zeit-Spar-Kasse und wie Momo die Zeit-Diebe besiegen kann ist, nun, etwas einfach. Sowieso ist der gesamte Film, jedenfalls für Erwachsene, etwas einfach geraten. Kinder dürften das anders sehen. Und für sie wurde der Film gemacht.
Mit neunzig Minuten hat Christian Ditters „Momo“ auch die richtige kindgerechte Länge.
Momo (Deutschland 2025)
Regie: Christian Ditter
Drehbuch: Christian Ditter
LV: Michael Ende, Momo, 1973
mit Alexa Goodall, Martin Freeman, Araloyin Oshunremi, Kim Bodnia, Claes Bang, Laura Haddock, Jennifer Amaka Pettersson, David Schütter, Skylar Blu Copeland, Maxwell Smith
Länge: 92 Minuten
FSK: ab 6 Jahre
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Die Vorlage (aktuell auch als Filmausgabe mit Fotos aus dem Film erhältlich)
Michael Ende: Momo oder Die seltsame Geschichte von den Zeit-Dieben und von dem Kind, das den Menschen die gestohlene Zeit zurückbrachte – Ein Märchen-Roman
1968 schrieb Philip K. Dick einen Science-Fiction-Roman, der heute längst vergessen wäre, wenn Ridley Scott den Roman nicht 1982 verfilmt hätte. Seine Verfilmung wurde schnell zu einem Kultfilm und Klassiker. Und der Grundstein für ein seitdem expandierendes Franchise mit bislang nur einer (überflüssigen) Filmfortsetzung, Computerspielen, Romanen und Comics, die sich an Scotts Film orientieren. Hauptautor der aktuell erscheinenden „Blade Runner“-Comics ist Mike Johnson.
Sein neuestes Werk ist die Miniserie „Blade Runner 2039“. „Luv“, der erste Sammelband, und „Upgrade“, der zweite Sammelband, sind kürzlich erschienen. Der dritte Band „Ash“ ist für den 16. Dezember angekündigt.
Vor zwanzig Jahren half die Replikantenjägerin Aahna „Ash“ Ashina dem Kind Cleo Selwyn und ihrer Replikanten-Ersatzmutter Isobel Selwyn bei ihrer Flucht auf den Kolonialplaneten Arcadia. Dort waren sie sicher vor Cleos Vater, dem Wirtschaftmagnaten Alexander Selwyn. Und dort sollten sie auch bleiben.
Aber jetzt ist Isobel verschwunden. Cleo glaubt, dass sie auf Befehl von Konzernchef Niander Wallace entführt wurde. Er hat die Tyrell Corporation, die für ihre Replikanten-Produktion bekannt war, übernommen und führt die Produktion mit neuen Modellen fort.
Cleo glaubt, dass die Entführer ihre Mutter zur Erde brachten. Sie folgt diesem Verdacht. Auf der Erde benötigt sie für die Suche Hilfe von Ash, die seit zehn Jahren untergetaucht ist.
Verfolgt werden sie von Luv. Sie gehört zu den neuen von Wallace erschaffenen Replikanten, die sich durch blinden Gehorsam auszeichnen. Sie ist ein Prototyp, der von der vom LAPD im Dienst erprobt wird, und die erste Blade-Runner-Replikantin. Sie soll Cleo finden. Wallace glaubt, dass sie den Schlüssel zur Fruchtbarkeit der Replikanten besitzt.
Die von Autor Mike Johnson, Zeichner Andrés Guinaldo und Kolorist Marco Lesko erfundene Geschichte spielt zwanzig Jahre nach Scotts Film. Die damalige Noir-Welt ist immer noch gut erkennbar. Aber mit einem Ausflug in das gefährliche, an einen Rural Noir erinnernde Hinterland und die noch gefährlichere Stadtruine San Francisco erweitern sie diese Welt klug. Ash vermutet, dass sie dort Isobel finden wird.
Johnson, Guinaldo und Lesko erzählen ihre Geschichte mit wenig Text, knackigen Actionszenen, einem prägnanten Ensemble verschiedener Figuren und zwischen mehreren Handlungssträngen wechselnd. So zeigen sie anfangs Luv bei der Arbeit, ehe die Suche nach Cleos Mutter wichtig wird und der Plan von Niander Wallace immer deutlicher wird.
Wie die Geschichte endet, erfahren wir Mitte Dezember.
Am Samstag ist es wieder so weit: in Deutschland, Österreich und der Schweiz werden in über 1200 Comicgeschäften und Bibliotheken dreißig Manga-Comics verteilt. Die Mangas des vierten Manga Day sind in elf verschiedenen Verlagen erschienen. Für die immer größer werdende Gruppe der Manga-Fans handelt es sich um vertraute und vertrauenswürdige Namen. altraverse, TOKYOPOP, Carlsen (Carlsen Manga! und Hayabusa), Egmont Manga, Crunchyroll, Manga Cult, TOPP, Panini, LOEWE Manga und, aus dem benachbarten Österreich, Manga JAM Session.
Zu den verteilten Mangas, die einen gelungenen Überblick über die gesamte Breite der sich oft in fantastische Welten begenden Mangas geben, gehören:
Hiromu Arakawa: Fullmetal Alchemist
Hiromu Arakawa: Das Band der Unterwelt
Hirofumi Yamada & David Füleki: Einfach Japanisch (von zwei deutschen Künstlern, die in ihrem Sachcomic die Neugier auf die japanische Sprache wecken wollen)
Jeronimo Cejudo: Ripper
Yuki Shiwasu: Echt jetzt, Tamon?!
Shinnosuke Kanazawa: Secret Life of Corprate Flowers
manus: Severed (ein schweizer Künstler)
Kohei Horikoshi: My Hero Academia
Hiroto Wada: Stitch und der Samurai (ja, Disneys blauer Alien, der vor einigen Tagen durch die Kinosäle stürmte)
Paru Itagaki: Sanda
Sui Ishida: Tokyo Ghoul Gigantik
Kumiko Saiki: Kageki Shojo!! Ouvertüre
Sekka Iwata & Yu Aoki; Magilumiere Inc.
Shinoa: There is no love wishing on a star
Kenta Shinohara: Witch Watch
Kent: Gaea-Tima
Yuki Suenada & Takamasa Moue: Akane-banashi
Samuel Sattin & Gurihiru: Unico erwacht
Fujimaki Tadatoshi: Kuroko’s Basketball
Shinya Umemura, Takumi Fukui & Azychica: Record of Ragnarok
1979 kam es im Kino zur ersten Begegnung zwischen einer unterbezahlten Mannschaft eines Frachtschiffs und einer außeridischen Lebensform, die furchteinflößend aussah und die Besatzungsmitglieder nacheinander dezimierte, bis Ellen Ripley den Alien in den luftleeren Weltraum und den damit verbundenen sicheren Tod beförderte.
„Alien“ hieß der Science-Fiction-Horrorfilm, der, so eine Hollywood-Legende, gegenüber den Produzenten mit dem Satz „’Der weiße Hai‘ im Weltraum“ gepitcht wurde. Der Film war ein Kassenhit und ist schon seit Ewigkeiten ein stilbildender Klassiker. Er beförderte mehrere Karrieren und war, wie wir heute wissen, die Initialzündung für ein immer noch expandierendes Franchise mit weiteren Kinofilmen, seit einigen Tagen auch einer Streaming-Serie, Videospielen, Hörspielen, Romanen und Comics
Zuletzt erschienen die Comics „Alien: Schwarz, Weiß & Blut“ und „What if…? Aliens“. Ersterer enthält mehrere eigenständige Geschichten von Begegnungen zwischen Xenomorphen, Facehuggern und Menschen; letzterer ist eine „Was wäre wenn…?“-Geschichte. In diesem Fall stellen sich Paul Reiser, Leon Reiser, Adam F. Goldberg, Hans Rodionoff und Brian Volk-Weiss die Frage, was wäre mit Carter Burke geschehen, wenn er in James Camerons „Aliens“ nicht gestorben wäre.
Burke (im Film gespielt von Paul Reiser) ist ein von dem Konzern Weyland-Yutani angestellter skrupelloser Mitarbeiter, der in „Aliens“ für den Konzern ein Alien beschaffen soll und von einem Xenomorph getötet wird. In dem Comic „What if…? Aliens“ überlebt er die Begegnung, schließt für sich und seine Familie einen lebenslangen Vertrag mit Weyland-Yutani, erledigt noch einen kleinen Auftrag für den Konzern und schmuggelt ein Xenomorphen-Ei auf die Erde.
35 Jahre später lebt er auf einem abgelegenem Asteroiden und organisiert aus einem Büro heraus den Abbau von Trimonit. Er hasst sein Leben und seinen Job. Seine Tochter baut in den Minen Trimonit ab und hasst ihn. Seine Frau liegt tot in einem Nebenzimmer. Aber er hat eine Idee, wie er sie wieder zum Leben erwecken kann. Das Ei eines Xenomorphen hat etwas damit zu tun.
Zwischen Bürosatire, Vater-Tochter-Drama und für Menschen normalerweise tödlich endenden Alien-Begegnungen schwankend findet „What if…? Aliens“ nie eine eigene Identität. Immerhin bestätigt Burke seinen Ruf als gewissenloser Opportunist, der hemmungslos jeden betrügt und den Preis als „Vater des Jahres“ nur bekommt, wenn er ihn für sich stiftet.
„Schwarz, Weiß & Blut“ ist da schon ein anderes Kaliber. Der großformatige Comic enthält den vierteiligen Comic „Utopia“ und acht kürzere Comics (geschrieben von Stephanie Phillips, Ryan Cady, Paul Jenkins, Stephanie Williams, Cody Ziglar, Steve Foxe, Bryan Hill und Pornsak Pichetshote, gezeichnet von Pete Pantazis, Devmalya Pramanik, Luigi Teruel, Jethro Morales, Claire Roe, Tommaso Bianchi, Chriscross und Partha Pratim). Alle Geschichten kommen mit den drei titelgebenden Farben und, manchmal, mit einer vierten Farbe (Grün) aus. Die Geschichten folgen alle (bei der Titelgeschichte mit einer interressanten Variation) dem gleichen Muster: auf einer einsam gelegenen Station taucht ein Xenomorph auf und tötet die Menschen. Auf die Dauer langweilt diese Formel, die endlos wiederholt werden kann. Weyland-Yutani bleibt der gesichtslose Konzern, der seine Mitarbeiter skrupellos sterben lässt. Mehr ist über die Welt, in der die „Alien“-Geschichten spielen, nicht bekannt. Und natürlich stellt sich irgendwann die Frage, wie oft Xenomorphe Menschen töten müssen, ehe die Menschheit beginnt, etwas dagegen zu unternehmen. Diese Frage stellte man sich in den ersten vier „Alien“-Filmen (mit „Ripley“ Sigourney Weaver) nicht. Aber nach der Vernichtung von mehreren Raumstationen, Raumschiffen, Forschungsstationen und Kolonien über einen längeren Zeitraum dann doch. Vor allem wenn sich mal wieder ein Mensch neugierig über ein Alien-Ei beugt.
Und so stellt sich, wie schon in den „Alien“-Kinofilmen (wobei „Alien: Romulus“ neugierig auf den nächsten „Alien“-Film machte), auch bei den Comics ein leichtes Gefühl von Ennui ein. Wir wissen einfach zu genau, was passieren wird und die erzählerischen Möglichkeit sind innerhalb dieses Formats arg begrenzt.
Die vierteilige Titelgeschichte „Utopia“ von Collin Kelly und Jackson Lanzig (Text) und Michael Dowling (Zeichnungen) ist insofern anders, weil hier ein sozialistisches Kollektiv in einem großen Schiff durch den Weltraum fliegt. In dem Schiff wollen sie eine andere Art des Zusammenlebens ausprobieren. Nach der Begegnung mit dem Xenomorph hat sich diese Utopie erledigt. Aber es ist noch nicht das Ende der Geschichte.
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Paul Reiser/Leon Reiser/Adam F. Goldberg/Hans Rodionoff/Brian Volk-Weiss/Guiu Vilanova: What if…? Aliens
Nach dem Auswärtsspiel einer College-Basketballmannschaft verschwindet eine der Spielerinnen. Und V. I. Warshawski, die die Mannschaft aus ihrem heimischen Chicago ins ländliche Kansas begleitete, hat ihren nächsten Fall. In Lawrence, Kansas, soll sie Sabrina Granev suchen. Überraschend schnell findet sie sie in einem einsam gelegenem Haus, das schon seit längeren der Ort für Drogenpartys ist.
Als Vic am nächsten Tag das Haus wieder betritt, findet sie im Keller die Leiche von Clarina Coffin – und schon ist sie mitten im Schlamassel. Denn die örtliche Polizei und ein FBI-Agent haben nichts besseres zu tun, als sie zur Verdächtigen an dem Leid der beiden Frauen zu machen.
Also nimmt Vic den Kampf gegen die Polizei, das FBI und die gut vernetzten örtlichen Verbrecher und Honoratioren auf. Sie glaubt, dass Coffin ermordet wurde. Ob das Motiv für den Mord an der alle nervenden Hobbyhistorikerin mit unklarer Vergangenheit in der Vergangenheit oder in der Gegenwart liegt, ist unklar. Also ob Coffin bei ihren Forschungen über die Zeit des Bürgerkriegs über etwas stolperte, das heute noch ein Grund für einen Mord sein könnte, oder ob sie vor jemand flüchtete und in Lancaster unter falschem Namen untertauchte oder ob es bei einem geplanten Bauprojekt mit einem verdächtig hohem geplanten Energiebedarf unsauber zugeht, weiß Vic in dem Moment noch nicht.
Aber Fans von Vic Warshawski wissen, dass sie, wie Jack Reacher, in dem Provinzort für Unruhe und die gerechte Bestrafung einiger Bösewichter sorgen wird.
„Wunder Punkt“ ist der 22. Warshawski-Kriminalroman und es ist ein typischer Warshawski-Hardboiled-Privatdetektivroman. Nur dass Vic dieses Mal, nachdem ihr vorheriger Fall in einer Katastrophe endete, an ihren Fähgikeiten als Ermittlerin zweifelt. Sie findet zwar sehr schnell die spurlos verschwundene Spielerin und, kurz darauf, eine Ermordete. Die Suche nach dem Mörder und den Hintergründen gestaltet sich dann als ein zähes Stochern im Nebel. Es gibt viele mehr oder weniger vielversprechende Ermittlungsansätze und Verdachtsmomente, aber keine wirklich heiße Spur.
Durch Vics Herumfragen und Herumstolpern auf verschiedenen Privatgrundstücken werden die durchgehend diffus bleibenden Bösewichter nervös und sie wollen Vic aus dem Weg schaffen. Auch die anderen Figuren bleiben weitgehend blass. Vic verfolgt viele Spuren, aber bis wenige Seiten vor dem Ende ist weigehend unklar, wer Coffin warum ermordete.
Das macht „Wunder Punkt“ zu einem schwächeren Warshawski-Fall.
Ihren ersten Auftritt hatte Vic Warshawski 1982 in „Indemnity Only“ (Schadenersatz).
Paretsyks Romane stehen in der Hardboiled-Tradition. Allerdings ist der von ihr erfundene Privatdetektiv eine Frau. Das war damals neu. Die nette Miss Marple und andere englische Ermittlerinnen in den gemütlichen Rätselkrimis lassen wir mal weg. Denn Vic ist das komplette Gegenteil. Sie ist genauso tough wie ihre männlichen Kollegen, wenn sie durch die dunklen Ecken von Chicago streift und sich immer wieder mit mächtigen Wirtschaftskriminellen anlegt, die jede Gesetztslücke schamlos gegenüber anderen Menschen, vor allem wenn sie über weniger Geld verfügen, und der vollkommen wehrlosen Umwelt ausnutzen. Seitdem folgten ihr und Kinsey Milhone, der von Sue Grafton erfundenen ebenso toughen Privatdetektivin, die fast zeitgleich ihren ersten Fall löste, zahlreiche weitere bei der Kritik und dem Publikum beliebte Ermittlerinnen.
1986 gründete Sara Paretsky mit anderen Autorinnen die Sisters of Crime. Ziel der Mörderischen Schwestern (so der Name der deutschen Sektion) ist es, auf Krimiautorinnen und ihre Werke aufmerksam zu machen, sie zu fördern und sich gegenseitig zu unterstützen.
Für ihre Romane und ihr Werk erhielt Paretsky in den vergangenen über vierzig Jahren zahlreiche Preise. Wichtig, um nicht eine lange Liste von Nominierungen und erhaltenen Preisen aufzuzählen, sind der 2011 auf der Bouchercon World Mystery Convention verliehene Anthony Lifetime Achievement Award. Ebenfalls seit 2011 ist sie Grand Master der Mystery Writers of Amerika und Vic Warshawski erhielt von der Private Eye Writers of America (PWA) den nur einige Male verliehenen Hammer für die beste Darstellung eines Privatdetektivs als Serienhelden.
Nachdem Paretsky früher bei Piper, Goldmann und Dumont verlegt wurde und einige ihrer Bücher nicht übersetzt wurden, hat sie seit 2018 im Ariadne Verlag ein neues Zuhause gefunden. „Wunder Punkt“ ist der sechste dort erschienene Warshawski-Roman.
Vielleicht werden in naher Zukunft ihre drei noch nicht übersetzten Warshawski-Krimis und der Einzelroman „Bleeding Kansas“ übersetzt und ihre älteren, nicht mehr erhältlichen Krimis neu aufgelegt. Bis dahin hilft nur der Gang in das nächste Antiquariat.
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Sara Paretsky: Wunder Punkt
(übersetzt von Else Laudan)
Ariadne/Argument Verlag, 2025
500 Seiten
25 Euro
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Originalausgabe
Pay Dirt
William Morrow/HarperCollins, 2024
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Die Lesetour mit Sara Paretsky und Else Laudan:
Mittwoch, 10. Sept. in Hamburg: Herbstlese Blankenese, Blankeneser Segelclub
(Buchhandlung Wassermann, Tickets hier & im Laden)
Donnerstag, 11. Sept. in Hamburg-Eimsbüttel
Buchladen Osterstraße (Tickets im Laden)
Freitag, 12. Sept. in Kassel-Wilhelmshöhe
Brencher Buchhandlung Wilhelmshöhe (Tickets im Laden)
Samstag, 13. Sept. in Berlin
im silent green Kulturquartier (Tickets hier)
Dienstag, 16. Sept. in München
Amerikahaus, veranstaltet von Kriminalbuchhandlung glatteis & Krimifestival München (Tickets hier)
Auch wer kein einziges Abenteuer von Arsène Lupin gelesen hat oder keinen der Filme mit ihm als Helden, wie aktuell die Netflix-Serie “Lupin” mit Omar Sy als Lupin, gesehen hat, kennt Arsène Lupin und weiß, was er tut. Er ist ein Einbrecher, ein Dieb, der mit seinen Helfern spektakuläre Coups durchführt. Oft kündigt er seine Raubzüge vorher an – und führt sie, trotz Überwachung, zum angekündigten Zeitpunkt durch. Er genießt das Leben. Er taucht unter verschiedenen Namen, Masken und Verkleidungen auf. Das war zu seinen Lebzeiten – die erste Lupin-Geschichte „L’Arrestation d’Arsène Lupin“ erschien am 15. Juli 1905 im Magazin „Je sais tout“ – deutlich einfacher als heute. Damals konnte mit einfachen Verkleidungen, wie einem falschen Bart, einer anderen Frisur oder anderer Kleidung, die eigene Identität gut verschleiert werden. Schließlich gab es vor hundertzwanzig Jahren vor allem höchst unzuverlässige Beschreibungen und Zeichnungen von Personen. Die Fotografie steckte noch in ihren Kinderschuhen.
Die ersten neun Lupin-Geschichten erschienen ursprünglich zwischen Juli 1905 und Mai 1907 in „Je sais tout“. Schon im Juni 1907 wurden sie in dem Sammelband „Arsène Lupin, der Gentleman-Gauner“ veröffentlicht. Die erste deutsche Übersetzung des Buches erschien 1913. Weil die Lupin-Geschichten beim Lesepublikum gut ankommen, schreibt Maurice Leblanc bis zu seinem Tod 1941 vor allem Lupin-Geschichten. Diese sind – erstaunlicherweise – immer noch nicht vollständig ins Deutsche übersetzt.
Neben den etwas früher erschienenen, bei uns unbekannteren Geschichten von E. W. Hornung über den Einbrecher A. J. Raffles ist Arsène Lupin der erste Profieinbrecher als Held mehrerer Geschichten. Er war nicht der letzte beim Publikum beliegte Gentleman-Gauner.
Die in „Arsène Lupin, der Gentleman-Gauner“ versammelten Kurzgeschichten hängen sehr locker miteinander zusammen und können als eigenständige Episoden einer TV-Serie gesehen werden. In der ersten Geschichte wird Lupin, nach einer aufregenden Überfahrt in einem Transatlantikdampfer, im Hafen von New York durch Oberinspektor Ganimard verhaftet.
In den folgenden Geschichten erzählt Leblanc, wie Lupin aus dem Gefängnis ausbricht (wobe er schon während seiner Haft der Öffentlichkeit und den Wärtern den Eindruck vermittelt, dass er das Gefängnis jederzeit verlassen kann), wie er verschiedene, gerne auch vorher angekündigten Einbrüche in die Häuser vermögender Menschen durchführt und Herlock Sholmes begegnet. Leblanc wählte diesen Namen, weil Sir Arthur Conan Doyle nicht einverstanden mit einer Verwendung von Sherlock Holmes war. Weil in den Lupin-Geschichten der Meisterdetektiv von der Insel unmöglich gegen den charmanten Gentleman-Gauner gewinnen, ist das durchaus verständlich.
Wie Lupin seine Coups durchführt, ist aus heutiger Sicht und weil es sich immer um Kurzgeschichten handelt. meistens sehr offensichtlich. Aber der Franzose macht es mit Stil, Charme, gewaltfrei, einem Bewusstsein für die schönen Dinge des Lebens und immer mit dem Blick auf das Publikum, das unterhalten werden möchte, wenn er die Reichen ausraubt.
„Arsène Lupin, der Gentleman-Gauner“ besteht aus neun flott und vergnüglich zu lesenden Kurzgeschichten, die Erinnerungen an eine vergangene Zeit wecken.
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Maurice Leblanc: Arsène Lupin, der Gentleman-Gauner
(übersetzt von Felix Meyer)
Anaconda, 2025
256 Seiten
7,95 Euro
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Originalausgabe
Arsène Lupin – gentleman-cambrioleur
Verlag Pierre Lafitte et Cie, Paris 1907
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Bereits erschienen in anderen Übersetzungen bei anderen Verlagen.
Die Prämisse von Jonathan Coes neuestem Roman versteht man am besten als einen Versuch, mit einem Satz die Geschichte zu erfassen und so dem potentiellem Leser eine Idee von der Geschichte zu geben ohne dabei die Pointe (nein, nicht wer der Mörder ist) zu verraten. Also: in „Der Beweis meiner Unschuld“ wird der linke Journalist Christopher Swann in dem teilweise Anfang des 18. Jahrhunderts gebautem Luxushotel Wetherby Hall in den malerischen Cotswolds in einem verschlossenem Zimmer ermordet. Er besuchte eine British-TrueCon-Konferenz. Er wollte über diese von Extrem-Trumpisten unterstützte Versammlung Rechtskonservativer kritisch und analytisch die Hintergründe ausleuchtend, berichten. Die kurz vor ihrer Pensionierung stehende Detective Inspector Prudence Freeborne beginnt zu ermitteln. Schnell hat sie eine erkleckliche Liste Verdächtiger, die alle ein Motiv haben und den Mord hätten verübten können.
Das ist der Plot eines typischen Rätselkrimis.
Aber Jonathan Coe ist – erstens – kein Krimiautor, sondern ein Belletristikautor und Satiriker, und – zweitens – ist dieser Rätselkrimiplot nur eine Strukturierungshilfe für einen Roman, der ein schlaues Spiel mit verschiedenen Bedeutungsebenen und dem Befolgen und Ironisieren von Regeln und Konventionen innerhalb bestimmter Genres ist.
Der knapp vierhundertseitige Meta-Metaroman besteht aus einem Prolog, der eine groß angelegte Einführung in die Geschichte ist, drei Teilen, zu denen ich gleich kommen werde, und einem kurzen, die vorherigen Teile erklärenden und interpretierenden Epilog.
Der erste Teil – „Mord in Wetherby Pond – Ein Cosy-Krimi“ ist ein traditioneller Rätselkrimi, in dem das spätere Opfer am Konferenzort seinen potentiellen Mördern begegnet und eine Ermittlerin, die ganz traditionell ermittelt, indem sie die Verdächtigen befragt, Spuren auswertet und einen Geheimgang zum Tatort entdeckt.
Der zweite Teil – „Die Schattenkammer – Eine Dark-Academia-Geschichte“ ist ein Universitätsroman, der sich zu einem breit angelegtem Verschwörungs- oder Okkult-Thriller entwickeln könnte. Dieser von Brian Collier erzählte, uh, autobiographische Roman spielt in Cambridge in den frühen achtziger Jahren. Dort begegnen sich Swann und die anderen Teilnehmer an der TrueCon-Konferenz. Sie waren damals von Margaret Thatcher begeisterte Studierende. Seitdem versuchten sie in verschiedenen Positionen die Politik zu beeinflussen. Die meisten wurden dabei von sehr konservativ zu ultra-konservativ.
Dieser Teil liefert einen möglichen Erklärungsansatz für den Mord an Christopher Swann. Schließlich begegneten sich das Opfer und die möglichen Täter während der Tagung in dem Luxushotel und, vierzig Jahre früher, an der Universität.
Der dritte Teil – „P./R. – Revival – Ein autofiktionaler Essay“ bedient dann das Genre der Autofiktion, die in diesem Fall offensichtlich schon beim Erzählen gebrochen wird, weil dieser autofiktionale Roman von Phyl und Rash, die wir aus dem Prolog kennen, erzählt wird. Manchmal erzählt Phyl, manchmal Rash und manchmal erzählen Beide von ihrer Suche nach dem Mörder. Phyl jobbt nach ihrem Universitätsstudium auf dem Flughafen in einer Fast-Food-Kette und lebt wieder bei ihren Eltern. Christopher Swanns gleichaltrige Tochter Rash (kurz für Rashida) besucht sie im Prolog. In dem Moment liest Phyl zunehmend interessiert Swanns politischen Essays und sie versteht sich gut mit Rash. In „P./R.“ erzählen sie auch von Ereignissen, bei denen sie nicht dabei waren. Sie erzählen sie dann so, als ob sie dabei gewesen wären.
Dieser dritte Teil führt dann die Ermittlungen aus einer anderen Perspektive fort. Schließlich haben Phyl und Rash bei ihren Ermittlungen kaum Berührungspunkt mit DI Freebornes Ermittlungen.
Das liest sich jetzt wahrscheinlich etwas chaotisch, aber die Geschichte bleibt immer verständlich. Und weil wir wissen wollen, wer der Mörder ist, bleibt es durchgehend spannend. Zugegeben, es ist nicht die Pageturner-Spannung, die einem eine schlaflose Nacht bereitet, weil man unbedingt wissen will, wer der Mörder ist. Es ist eher die gemütliche Agatha-Christie-Rätselkrimispannung, in der eine Mördersuche ein intellektuelles Puzzle ist – und wir wissen, dass jede Abschweifung nur ein weiteres Puzzlestück zur Enttarnung des Mörders ist.
Dieses Spiel erhält durch seine präzise Verortung in der nur wenige Tage währenden Regierung von Premierministerin Liz Truss, dem feuchten Traum der Britsh-TruCon-Teilnehmer, und dem Tod von Königin Elisabeth II eine weitere Bedeutungs- und Interpretationsebene. Ihr merkt schon: „Der Beweis meiner Unschuld“ ist ein Buch, das sich gut für ein Universitätsseminar eignet.
Nach der Lektüre ist klar, das das wirklich Interessante an Coes satirischem Kriminalroman nicht der gut kontruierte Kriminalfall, sondern die gesamte Konstruktion des Romans ist. Nacheinander bedient der 1961 geborene Cambridge-Absolvent Coe verschiedene literarische Formen, imitiert sie gelungen, macht sich (etwas) über sie lustig, rechnet mit der britischen konservativen Politik der vergangenen 40+ Jahre ab und trägt dabei, nachdem er im ersten Teil viele falsche Fährten auslegte, im zweiten und dritten Teil immer wieder Mosaiksteinchen zur Lösung des Falles zusammen. Das ist ein großes Vergnügen für den literarisch gebildeten und politisch interessierten Leser.
Aber auch wer einfach nur einen guten Rätselkrimi lesen will, wird sich bis zur überraschenden Auflösung gut amüsieren.
Eine gute Idee kann gerne mehrmals verwendet werden. Schließlich protestiert niemand gegen die nächste Shakespeare-Aufführung und Verfilmung mit dem Hinweis, dass das Stück bereits präsentiert wurde.
Darum spricht auch nichts gegen eine neue Verfilmung von Warren Adlers „The War of the Roses“, das in Deutschland zuerst als „Der Rosenkrieg“ erschien und jetzt, in einer neuen Übersetzung, als „Die Rosenschlacht“ veröffentlicht wurde.
Adler erzählt schwarzhumorig und unerbittlich an der Eskalationsschraube drehend den Scheidungskrieg des Ehepaares Rose. Als sie sich kennen lernen, ist es Liebe auf den ersten Blick. Sie heiraten. Er macht als Anwalt Karriere. Sie zieht die Kinder groß und richtet das Haus ein. Zwanzig Jahre nach ihrer ersten Begegnung wird Jonathan in ein Krankenhaus eingeliefert. Er vermutet, er habe einen Herzinfarkt und liege im Sterben. Es ist nur ein harmloser Zwerchfellbruch. In dem Moment – auf Seite 49 in der aktuellen deutschen Ausgabe des Buches – erkennt Barbara, dass sie ihren Mann nicht mehr liebt und künftig ohne ihn leben will. Sie will die Scheidung und das Haus. Er will ebenfalls das Haus.
Auf den folgenden Seiten des 270-seitigen Romans erzählt Adler, wie sie mit immer drastischeren Mitteln um das Haus kämpfen und dabei physisch und psychisch immer mehr verfallen.
1990 verfilmte Danny DeVito die Geschichte mit Michael Douglas und Kathleen Turner in den Hauptrollen. „Der Rosenkrieg“ ist eine hundsgemeine schwarze Komödie mit einer ordentlichen Portion Slapstick. Der Film war ein Hit und ist heute ein Klassiker.
Jetzt verfilmte Jay Roach („Bombshell“), nach einem Drehbuch von Tony McNamara („The Favourite“, „Poor Things“), die Geschichte wieder. Benedict Cumberbatch und Olivia Coleman übernahmen die Hauptrollen. Die Geschichte wurde selbstverständlich aktualisiert. Auch wenn in dem Roman und der ersten Verfilmung kaum erkennbar ist, wann die Geschichte spielt, macht es einen Unterschied, ob die Geschichte 1981 (Roman), 1990 (erste Verfilmung) oder 2025 (die aktuelle Verfilmung) spielt. Die Zeit, die Gesetze und die Ansichten über Scheidung und die Rolle der Frau änderten sich; – obwohl sie in dem konservativen, vermögendem Milieu, in dem Geschichte spielt, eher gleich blieben. Die Geschichte spielt immer in den USA, aber sie könnte, mit kleinsten Veränderungen, genauso gut in einem anderen Land spielen. Solange der Kern der Geschichte – der eskalierende Krieg der Roses gegeneinander – erhalten bleibt, ist es der Rosenkrieg.
Auch in Jay Roachs Film fetzten sich die Roses. Bis es dazu kommt vergeht allerdings viel Filmzeit. Und auch dann ändert sich nichts an den grundsätzlichen Problemen dieser Komödie. Denn Roach trifft so viele falsche Entscheidungen bei den Figuren und der Story, die aus einem angekündigtem Krieg ein laues Lüftchen machen.
Das beginnt schon bei der ersten Begegnung von Jonathan und Barbara (so heißen sie im Roman) bzw. von Oliver und Barbara (so heißen sie in DeVitos Film) bzw. von Theo und Ivy (so heißen sie in Roachs Film).
Bei Warren Adler und Danny DeVito ist die erste Begegnung der Beiden bei einer Auktion. Sie bieten gegeneinander um den selben Gegenstand und verlieben sich sofort ineinander. DeVito zeigt außerdem vom ersten Moment, dass es später Probleme in ihrer Beziehung geben wird.
Bereits in diesem Moment präsentieren Adler und DeVito das künftige Traumpaar als äußerst wettbewerbsorientierte Menschen, die, wenn sie eine Sache haben wollen, nur sehr schwer bis überhaupt nicht nachgehen können. Entsprechend schwer fallen ihnen, weil sie dann ja verlieren, Kompromisse. Wie schwer, zeigt dann die Geschichte ihrer Scheidung.
Roach führt sie dagegen mit einem Gespräch bei einer Paartherapeutin ein. Sie sollen zehn Dinge nennen, die sie bei dem anderen schätzen. Es wird eine Liste von Beleidigungen; wobei Theo die letzten Beleidigungen von Ivy zustimmend lachend als ziemlich witzig bezeichnet. Als die Therapeutin meint, sie könne nichts tun und eine Trennung empfiehlt, wenden die Roses sich spontan gegen sie und drohen, sie zu verklagen. Vor der Praxis der Therapeutin klatschen sie sich ab. Die Botschaft ist klar: die beiden gehören zusammen.
Dann zeigt Roach, wie sie sich kennen lernen. Er ist Architekt (bei Adler und DeVito ist er ein Anwalt). Mit seinen Kollegen ißt er in einem noblen Restaurant. Gelangweilt von den Gesprächen seiner Kollegen geht Theo in die Küche. Dort trifft er die von ihrer Arbeit gelangweilte Ivy. Es ist Liebe auf den ersten Blick. In dieser Szene nimmt Roach den unbedingten Willen der Figuren, um jeden Preis zu gewinnen, aus der Geschichte. Schließlich konkurrieren sie nicht um die selbe Sache. Aber sie sind sich einig, dass ihre Talente von ihren Chefs nicht geschätzt werden.
Beide Szenen schwächen die Grundidee der ursprünglichen Geschichte.
Das setzt sich durch den gesamten Film fort bis zur letzten Szene. Diese hat nichts von der Eindeutigkeit und Schärfe des Buchendes oder des in Details anderen Endes von DeVitos Film.
Das zweite große Problem des Films ist, dass der titelgebende Rosenkrieg in Roachs Film erst im dritten Akt wirklich beginnt. Weil der Film in dem Moment fast vorüber ist, muss er atemberaubend schnell eskalieren.
Bis dahin plätschert die Geschichte vor sich hin. Ungefähr zwanzig Beziehungsjahre, in denen die beiden Kinder erwachsen werden und die unterschiedlichen Karrieren von Theo, der mit seinen Architekturprojekten keinen Erfolg hat, und Ivy, die mit ihrem Restaurant erfolgreich ist, werden in epischer Breite geschildert. Kleinere Verstimmungen zwischen den beiden Eheleuten werden gezeigt, aber sie könnten auch immer wieder als kleine Unaufmerksamkeiten oder Neckereien oder halt die üblichen Streitereien, die es in jeder Ehe gibt, betrachtet werden. Schließlich verstehen sich die Roses verdammt gut, lieben, schätzen und helfen sich auch. So übernimmt der von zu Hause aus arbeitende Architekt Theo klaglos die Erziehung der Kinder, während Ivy ihr expandierendes Restaurant führt. Später ermöglicht sie ihm den Bau seines Traumhauses. Das ist die Geschichte einer Ehe.
Im Roman und in DeVitos Film beginnt der Scheidungskrieg, ohne ein langes Vorspiel, ziemlich früh in der Geschichte. Beide Male nimmt er den größten Teil der Geschichte ein. Beide Male haben die Erzähler viel kreative Energie auf das Eskalieren des Konflikts verwendet.
Roachs Rosenkrieg verplempert seine Zeit mit der nicht so wahnsinnig interessanten, weitgehend vollkommen austauschbaren Vorgeschichte und handelt den Krieg in einer Randnotiz mit offenem Ende ab.
Die vielen auf dem Filmplakat abgebildeten bekannten Schauspieler haben in dieser Ehegeschichte nur kurze, weitgehend folgenlose Auftritte.
Insgesamt ist „Die Rosenschlacht“ eine Komödie voller verpasster Möglichkeiten. Da können Benedict Cumberbatch und Olivia Colman nichts retten.
Die Rosenschlacht (The Roses, USA 2025
Regie: Jay Roach
Drehbuch: Tony McNamara
LV: Warren Adler: The War of the Roses, 1981 (Der Rosenkrieg, Die Rosenschlacht)
mit Benedict Cumberbatch, Olivia Colman, Andy Samberg, Allison Janney, Belinda Bromilow, Ncuti Gatwa, Sunita Mani, Zoë Chao, Jamie Demetriou, Kate McKinnon
Ein Cover für die Jerome-Charyn-Fans (Ja, auch du da hinten in der Ecke bist gemeint!): Vor wenigen Tagen erschien im Suhrkamp Verlag die deutsche Erstausgabe von seinem neuesten Roman „Ravage & Son“. Der Verlag bewirbt den Kriminalroman als „Das literarische Gegenstück zu Martin Scorseses ‚Gangs of New York’“.
Charyns Noir spielt einige Jahrzehnte nach Scoreses Film zwischen 1883 und 1919 in New York, genauer gesagt in Manhattan. Dort arbeitet Ben Ravage als Detektiv bei der Kehillah, einer Privatpolizei reicher jüdischer Geschäftsleute. Sie soll der Polizei beim Kampf gegen das Verbrechen an der Lower East Side helfen. Zu diesen Verbrechern gehört ein halb verrückter Bösewicht, der Prostituierte angreift.
Popmatters meinte über den historischen Roman: „Eine Mischung aus Jekyll und Hyde, Noir und Krimi – und ein Klassiker von Geburt an.“
In den USA sind bereits zwei weitere Romane von Charyn angekündigt: ein intimes Porträt der Opernsängerin Maria Callas und ein Jugendroman über einen Teenager in den fünfziger Jahren in New York City, der sich zwischen einem Leben als Verbrecher und einem Leben als Künstler entscheiden muss.
Wer gerade in Balkonien urlaubt und „Das Kanu des Manitu“ ignorieren möchte, kann mit den beiden Neuauflagen von „Sturz in die Tiefe“ und „Erster Adler“ in die Ferne und in die Vergangenheit schweifen. Denn das Amerika, das Tony Hillerman beschreibt, gibt es nicht mehr.
Schon zu seinen Lebzeiten – Hillerman starb 2008 – verschwanden immer mehr Traditionen und Riten der Navajo, die er in seinen Kriminalromane mit den Navajo-Polizisten Joe Leaphorn und Jim Chee präzise wie ein Ethnologe beschrieb. Diese Kultur ist ein wichtiger Bestandteil im Leben seiner beiden Ermittler und, was noch wichtiger ist, untrennbar mit den Fällen verbunden.
In „Sturz in die Tiefe“ (ursprünglich als „Tod am heiligen Berg“ veröffentlicht) könnte der verwitwete und seit kurzem pensionerte Joe Leaphorn seinen Ruhestand genießen. Als am Ship Rock, einem heiligen Berg der Navajos, die Leiche eines Kletterers gefunden wird, erinnert er sich an einen alten Fall und mischt sich in den neuen Fall von Jim Chee ein.
Leaphorn vermutet, dass es sichbei dem Skelett um den vor elf Jahren verschwundenen Hal Breedlove, Extremkletterer und Erbe einer reichen Rancherfamilie, handelt. Er glaubt, dass Breedlove ermordet wurde. Und damit stellen sich einige drängende Fragen: Wer begleitete Breedlove? Warum hat sein Mitkletterer den Unfall nicht gemeldet? Und wer hat ein Interesse an Breedloves Tod?
In „Erster Adler“ (ursprünglich als „Die Spur des Adlers“ veröffentlicht) wird im Hopi-Reservat ein Navajo-Polizist erschlagen. Der mutmaßliche Täter ist ein Hopi, der illegal Adler fängt. Trotz überzeugender Beweise beteuert er seine Unschuld. Chee und Leaphorn (jaja, die goldene Zeit des Ruhestand mit zu viel Zeit) glauben ihm. Aber wer ist dann warum der Mörder?
In seinen achtzehn, im Original zwischen 1970 und 2006 erschienenen Leaphorn/Chee-Kriminalromanen schrieb Tony Hillerman gegen das Verschwinden der Navajo-Traditionen an. In den 36 Jahren wurde er zum Chronisten dieses Wandels. Als Vehikel für die ausführliche Beschreibung der Kultur, Traditionen und Riten wählte er den Kriminalroman, erfand vertrackte Fälle (auch wenn sie dieses Mal einfacher geraten sind) und glaubwürdige Figuren. Die beiden Ermittler und ihre Frauen altern, entwickeln und verändern sich über die Romane. Das gilt vor allem für Jim Chee, der in den ersten Büchern am Beginn seiner Karriere als Polizist steht. In „Sturz in die Tiefe“, dem zwölften Leaphorn/Chee-Krimi, und „Erster Adler“, dem dreizehnten Leaphorn/Chee-Krimi „Erster Adler“ sind sie dann ein schon seit einigen einigen Büchern ein gut eingespieltes Team.
Trotzdem kann jeder Roman unabhängig von den anderen gelesen werden und sie können eigentlich auch in jeder beliebigen Reihenfolge gelesen werden. Solange sie gelesen werden.
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Tony Hillerman: Sturz in die Tiefe
(übersetzt von Klaus Fröba, nach dem Original durchgesehen und überarbeitet von Andreas Heckmann)
Unionsverlag, 2025
288 Seiten
14 Euro
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Deutsche Erstausgabe
Tod am heiligen Berg
Rowohlt Verlag, 1998
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Originalausgabe
The Fallen Man
HarperCollins Publishers, New York 1996
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Tony Hillerman: Erster Adler
(übersetzt von Fried Eickhoff, nach dem Original durchgesehen und überarbeitet von Veronika Straaß-Lieckfeld)
1987 entdecken Marianne und ihre Tochter auf dem Campingplatz eine Leiche. Während die Polizei ohne erkennbares Engagement versucht herauszufinden, wer der schon vor Ewigkeiten Verstorbene ist, ob er überhaupt ermordet wurde und, wenn ja, ob der Täter noch bestraft werden kann, hat der Leser von Marius Schmidts Comic „Aale und Gespenter“ schon einen Verdacht. Der Tote könnte Casimir oder Rimsky sein.
Die beiden Männer plünderten im Sommer 1947 das in der Lübecker Bucht liegende Wrack der „Cap Arcona“. Das Schiff wurde in den letzten Kriegstagen von der Royal Air Force bombardiert. An Bord waren über siebentausend KZ-Häftlinge. Die meisten der Häftlinge, Bewacher und Besatzungsmitglieder starben bei dem Schiffsuntergang, der zu den verlustreichsten Schiffsuntergängen gehört. Beim Untergang der Titanic starben etwas über eintausendfünfhundert Menschen.
Der 1947 im Nachkriegsdeutschland spielende Teil von Schmidts Geschichte ist der umfangreichere und auch interessantere Teil der Geschichte. Er zeigt in frei über die Seiten fließenden stimmungsvollen Aquarellzeichnungen und knappen Texten das Leben nach dem Krieg, wie sich die beiden Männer mit Schwarzmarktgeschäften über Wasser halten und alle versuchen, die jüngste Vergangenheit zu vergessen.
Letztes Jahr habe ich bereits zwei Songcomics besprochen. Aber der Ventil Verlag hat noch mehr Songcomics veröffentlicht, die abgefeiert werden können.
Zuerst muss wahrscheinlich erklärt werden, was ein „Songcomic“ ist. Das ist ganz einfach: es ist ein Comic, der einen Song illustriert und dabei den Text des Liedes übernimmt. Aus Lyrics werden Sprechblasen. Das geschieht mal näher, mal weniger nah an dem Song, aber es ist immer ein Vergnügen.
Die Auswahl der Songs erfolgt mal indem die Songs von einem markanten Album der Band genommen werden, mal indem einige ihrer bekannten Songs genommen werden. Jeder Zeichner illustriert einen Song. Das sichert eine stilistische Vielfalt. Dazu gibt es kurze Kommentare der Musiker zu den Songs und der Zeichner erklärt, was er mit dem Song verbindet.
Am Ende steht ein schönes Buch, das sich vor allem an die Fans der Band richtet. Die können dann die Schallplatte/CD aus dem Regal ziehen oder die Playlist anklicken.
In „Thank you for a lovely day“ werden die „The Go-Betweens“-Songs „Karen“, „Lee Remick“, „Right Here“, „The Clarke Sister“, „Bye Bye Pride“, „Love Goes on“, „Quiet Heaart“, „Streets of Your Town“, „German Farmhouse“, „Too Much of One Thing“ und „Here Comes a City“ von Philip Waechter, Katharina Kuhlenkampff, Matthias Lehmann, Bim Eriksson, Christopher Tauber, Noah van Sciver, Ulf K., Klaus Cornfield, Oska Wald, Luka Lenzin/Leif Gütschow und Sarah Lippett illustriert. In diesem Songcomics-Band sind alle Texte auf Englisch.
In „Monarchie und Alltag“ werden die „Fehlfarben“-Songs „Hier und jetzt“, „Grauschleier“, „Das sind Geschichten“, „All that heaven allows“, „Gottseidank nicht in England“, „Militürk“, „Apokalypse“, „Ein Jahr (Es geht voran)“, „Angst“, „Das war vor Jahren“ und „Paul ist tot“ – also die gesamte legendäre „Monarchie und Alltag“-LP – von Frank Witzel, 18 metzger, Anke Kuhl, Anna Sommer, Minou Zaribaf, Ricaletto, Karolina Chyzewska, Nicolas Mahler, Tine Fetz, Andreas Michalke und Markus Färber illustriert.
In „Ab dafür“ werden die „Trio“-Songs „Los Paul“, „Broken Hearts for you and me“, „Sabine, Sabine, Sabine“, „Danger is“, „Da Da Da ich lieb dich nicht du liebst mich nicht aha aha aha“ (ihr Überklassiker), „Kummer“, „Anna – lassmichrein lassmichraus“, „Bye Bye“, „Herz ist Trumpf“ und „Out in the streets“ von Jan Soeken, Klaus Cornfield, Helena Baumeister, Nadine Redlich, Dominik Wendland, Nicolas Mahler, Mawil/Gregor Hinz, Jul Gordon, Amelie Persson und Sandra Rummler illustriert.
In „Schwule Mädchen Sondereinheit“ werden die „Fettes Brot“-Songs „Jein“, „Amsterdam“, „Schwule Mädchen“, „Emanuela“, „Falsche Entscheidung“, „Klaus & Klaus & Klaus“, „Bettina, zieh dir bitte etwas an“, „Silberfische in meinem Bett“, „Echo“, und „An Tagen wie diesen“ von Kati Rickenbach, Kathrin Klinger, Noëlle Kröger, Jens Cornils, Tobi Dahmen, Wiebke Bolduan, Hamed Eshrat, Helena Baumeister, Josephine Mark und Büke Schwarz illustriert.
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Gunther Buskies/Jonas Engelmann (Hrsg.): Thank you for a lovely day – 11 The Go-Betweens Songcomics
Ventil, 2023
128 Seiten
25 Euro
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Gunther Buskies/Jonas Engelmann (Hrsg.): Monarchie und Alltag – Ein Fehlfarben-Songcomic
Ventil, 2022
128 Seiten
25 Euro
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Gunther Buskies/Jonas Engelmann (Hrsg.): Ab dafür – 10 Trio-Songcomics
Der wichtige und auch interessanteste Punkt bei „Im Jugendarrest“ sind nicht die Bilder und die nicht vorhandene Story, sondern die Entstehungsgeschichte und die so gewährten Einblicke. Illustratorin Patricia Thoma traf sich über mit Insassen der Jugendarrestanstalt Berlin-Brandenburg. Sie erzählten ihr von ihrem Alltag im Gefängnis, ihrer Familie, ihren Freunden und ihren Plänen für die Zukunft. Gemeinsam erarbeiteten sie daraus diesen Comic, der ihre Erzählungen illustriert – und ihnen ein Gesicht verleiht. Denn diese Jungs, von denen wir nur die Vornamen erfahren, entsprechen, trotz schwerwiegender Verfehlungen, die zu ihrer Inhaftierung führten, nicht dem von Medien und bestimmten Politikern gezeichneten Bild des verbrecherischen, migrantischen Jugendlichen.
Sie sind eher Kinder, um die sich bislang niemand richtig kümmerte und die in der Haft die letzte und ironischerweise auch die erste Chance auf ein anderen Leben haben. Denn in der Haft hat ihr Leben erstmals eine feste Struktur. Sie erhalten die Chance, etwas von einem anderen möglichen Leben zu erfahren.
Empfehlenswert!
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Patricia Thoma und Jugendliche in der Jugendarrestanstalt Berlin-Brandenburg: Im Jugendarrest
Die Hardcover-Ausgabe (rechts) ist schon seit einigen Jahren erhältlich. Die Taschenbuch-Ausgabe (links) von Denise Minas drittem Alex-Morrow-Krimi erschien erst jetzt.
Kurz vor Weihnachten spaziert ein Maskierter mit einer AK-47 in eine Glasgower Postfiliale und richtet, als ein älterer Mann gegen seine Anweisungen verstößt, ein Massaker an. Anscheinend hat Brendan Lyons den maskierten Mann erkannt. Aber woher? Und warum hat er ihn angesprochen? Die Ermittlungen von Detective Sergeant Alex Morrow und ihrem Kollegen, Detective Constable Harris, ergeben keine heiße Spur. Lyons scheint nur ein honoriger Gewerkschaftler und Arbeiter gewesen zu sein. Der Zeuge Martin Pavel verfügt zwar über eine nebulöse Biographie, aber mit dem Täter und dem Opfer hat der junge Mann offensichtlich nichts zu tun.
Zur gleichen Zeit beschuldigt die lokale Tageszeitung den verheirateten Politiker Kenny Gallagher einer sexuellen Affäre mit einer jüngeren Angestellten der Partei. Obwohl die Anschuldigen stimmen und er in den vergangenen Jahren mehrere Affären hatte, verklagt er die Zeitung. Er hofft, so seine Ehe und seine politische Karriere zu retten.
Wenige Stunden nach dem Überfall auf die Postfiliale nehmen Morrows Kollegen Tasmin Leonard und Wilder eine prallvoll mit Geldscheinen gefüllte Ikea-Tasche mit, die ihnen ein sich auffällig unschuldig gebender Rauschgiftkurier bei einer Kontrolle anbietet. Kurz darauf werden sie mit Fotos von ihrer Tat erpresst.
Aus diesen Handlungssträngen entwirft Denise Mina, die Queen of Tartan Noir, in ihrem dritten von fünf Alex-Morrow-Kriminalromanen ein dichtes Geflecht unterschiedlicher Abhängigkeiten. Für die Aufklärung des Falles und ein sauberes Ende, wie man es aus traditionellen Krimis kennt, interessiert Mina sich nicht. Sie entwirft das Porträt einer zutiefst korrupten Stadt, in der alle mit allen verflochten sind.
Als die Hardcover-Ausgabe vor fünf Jahren erschien, stand „Götter und Tiere“ mehrere Monate auf der monatlichen Krimibestenliste und auf dem dritten Platz der aus den monatlichen Bestenlisten zusammengestellten Krimijahresbestenliste. Der Polizeikrimi erhielt den Deutschen Krimipreis. Außerdem gewann der Noir 2013 den renommierten Theakstons Old Peculier Crime Novel of the Year Award.
„Götter und Tiere“ ist absolut lesenswert, wenn man einen guten Noir lesen möchte.
Nach „Das Spiel“ und „Doctor Sleeps Erwachen“ legt Mike Flanagan mit „The Life of Chuck“ seine dritte Stephen-King-Verfilmung vor. Es handelt sich um eine Verfilmung der Kurzgeschichte „Chucks Leben“. Sie gehört zu Kings wenigen Nicht-Horrorgeschichten, die dann, wie „Die Verurteilten“ und „Stand by me“, die Vorlage für sehr schöne und beim Publikum sehr beliebte Filme wurden. Das könnte in diesem Fall wieder passieren.
Dabei beginnt „The Life of Chuck“ wie ein schräger Katastrophenfilm.
Während die Welt gerade kollabiert, tauchen in Kalifornien plötzlich überall Reklametafeln auf, auf denen einem gewissen Chuck Krantz für 39 wunderbare Jahre gedankt wird. Zugegeben, dieser Krantz (Tom Hiddleston) sieht in seinem Anzug, der zu einem Bankbeamten oder einem Buchhalter passt, gut aus und er hat ein leicht verkniffenes pseudofreundliches Werbelächeln. Aber offensichtlich wirbt er nicht als austauschbares Modell für irgendein Produkt, sondern er ist diese Person, der gedankt wird – und die niemand kennt. Etwas später ist dieser Chuck Krantz im Radio, in der Luft und als Standbild auf jedem Bildschirm. Er breitet sich wie ein Virus aus.
Marty Anderson (Chiwetel Ejiofor), ein Lehrer, der später keine Rolle mehr spielen wird, fragt sich, während er nach dem Unterricht durch zerstörte Stadt fährt, wer dieser Chuck Krantz sei und wer ihm warum dankt.
In seinem neuen Film „The Life of Chuck“ beantwortet Mike Flanagan diese Frage. Dabei bewegt er sich, wie Stephen King in seiner dem Film zugrunde liegenden Kurzgeschichte, von der Gegenwart immer weiter zurück in die Vergangenheit; sozusagen vom Tod zur Geburt. In kleinen Episoden erfahren wir immer mehr über Chucks Leben, der im Film von Tom Hiddleston, Jacob Tremblay, Benjamin Pajak und Cody Flanagan gespielt wird. Dabei folgt Flanagan nicht stringent rückwärts Chucks Leben. Er schweift immer wieder ab, erzählt aus dem Leben anderer Figuren oder legt eine Pause ein.
So ist ein Höhepunkt eine lange improvisierte Tanznummer in der in der Nähe des Strandes liegenden Einkaufsstraße. Schlagzeugerin Taylor Franck (Taylor Gordon aka The Pocket Queen) trommelt. Menschen versammeln sich. Auch Chuck (Tom Hiddleston), der in seinem Anzug und mit seiner Aktentasche eindeutig auf dem Weg ins Büro ist, bleibt stehen. Irgendwann beginnt er zur Musik zu tanzen, lädt die ihm unbekannte Buchhändlerin Janice Halliday (Annalise Basso) zum Tanz ein und die Schlagzeugerin reagiert auf die beiden Tänzer, die wiederum auf sie reagieren. Es ist eine lange Szene, die als Musical-Nummer die Handlung bestenfalls minimal vorantreibt, und die dennoch noch länger hätte sein können.
Auch später – also wenn Chuck jünger ist – tanzt er gerne und Mike Flanagan zeigt das ausführlich. Sein Film ist eine Abfolge von verschiedene Genres bedienenden Kurzfilmen, die zusammen ein Porträt von Chuck und seiner Welt ergeben. Auch wenn Chuck nicht jede Person kennt, die in dieser Welt lebt und wir teilweise mehr über die Menschen wissen, denen Chuck begegnet als Chuck.
Aus diesen impressionistischen Stimmungsbildern aus einem überaus normalen Leben ergibt sich ein angenehm vor sich hin mäandernder, zutiefst menschenfreundlicher und optimistisch stimmender Film.
„The Life of Chuck“ ist der perfekte Film für einen lauschigen Sommerabend; gerne in einem Open-Air-Kino.
The Life of Chuck(The Life of Chuck, USA 2024)
Regie: Mike Flanagan
Drehbuch: Mike Flanagan
LV: Stephen King: The Life of Chuck, 2020 (Chucks Leben [Kurzgeschichte], enthalten in „If it bleeds“, 2020 [Blutige Nachrichten])
mit Tom Hiddleston, Jacob Tremblay, Benjamin Pajak, Cody Flanagan, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, David Dastmalchian, Matthew Lillard, Carl Lumbly, Taylor Gordon, Annalise Basso, Mia Sara, Mark Hamill, Kate Siegel, Carl Sagan, Nick Offerman (Erzähler, im Original)
Länge: 111 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Die Vorlage
„Chucks Leben“ ist eine der vier in „Blutige Nachrichten“ enthaltenen Geschichten
Stephen King: Blutige Nachrichten
(übersetzt von Bernhard Kleinschmidt)
Heyne, 2021
576 Seiten
11,99 Euro (Taschenbuch)
24 Euro (Hardcover)
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Deutsche Erstausgabe
Heyne, 2020
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Originalausgabe
If it bleeds
Scribner, New York, 2020
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Außerdem: der neue Roman von Stephen King
Privatermittlerin Holly Gibney (bekannt aus „Mr. Mercedes“, „Finderlohn“, „Mind Control“, „Der Outsider“, „Holly“ und einer Geschichte in „Blutige Nachrichten“) muss sich um zwei zeitintensive Fälle kümmern. Sie arbeitet als Personenschützerin für eine Feministin, auf die zahlreiche Anschläge verübt werden. Gleichzeitig soll sie die Durchführung einer Mordserie verhindern. Der Täter kündigte in einem anonymen Schreiben an, wahllos 13 unschuldige und einen schuldigen Menschen umzubringen und so den Tod eines Unschuldigen zu rächen. Er sieht diesen Wahnsinn als einen Akt der Sühne.
Stephen King setzt in seinem Nachwort die Erwartungen so niedrig, dass man schnell zu einem „deutlich besser als erwartet“-Lob kommen kann. King schreibt: „Jetzt bin ich endlich zufrieden damit. Beziehungsweise – ich will aufrichtig sein – zufrieden genug. Es wird nie ganz so, wie ich es mir erhoffte, aber es kommt ein Punkt, wo man loslassen muss.“
Die Kritiker sind jedenfalls größtenteils zufrieden mit Kings neuestem Roman.
Zwölf Jahre nach dem äußerst blutigen Ende der Superhelden – – Hm, hier muss ich eine Erklärung einschieben. Denn nicht jeder weiß, dass Autor Garth Ennis und Zeichner Darick Robertson 2006 ihre Superheldenserie „The Boys“ starteten. In dieser Comicserie sind Superhelden ein von der Industrie gepushtes Produkt, mit dem sie viel Geld verdienen. Die Superhelden haben zwar einige Superkräfte, aber im Kern sind sie unverantwortliche Teenager, die durch ihre Selbstüberschätzung und Inkompetenz immer wieder Katastrophen verursachen oder befördern. Die Werbeabteilung des multinationalen Konzerns Vought-American, denen die Superhelden gehören, präsentiert dann heroische Geschichten für ihre Taten. Verantwortung für ihre Taten müssen sie nicht übernehmen. Hier kommen Billy Butcher und seine „Boys“ ins Spiel. Sie sind eine von der CIA gegründete klandestine Einheit, die die Superhelden immer wieder in ihre Schranken verweist. Der Einsatz übermäßiger Gewalt ist okay. Neuester Zugang im Team ist Hughie Campbell. Seine von ihm über alles geliebte Freundin wurde von einem durch die Straße rasenden Superhelden zerstückelt. Während Hughie noch versucht, seinen Verlust zu verarbeiten, bietet ihm Butcher eine Mitarbeit bei den Boys und die damit verbundene Möglichkeit, den Tod seiner Freundin zu rächen, an.
In den folgenden insgesamt zweiundsiebzig regulären Serienheften und achtzehn ergänzenden Sonderheften, die von Oktober 2006 bis November 2012 bei Wildstorm und, ab dem siebten Heft, bei Dynamite Entertainment erschienen, erzählen Ennis und Robertson in oft expliziten Bildern und Worten, eine überaus gewalttätige und in jeder denkbaren Beziehung expliziten Serie von diesem Kampf.
Als Amazon Prime Video am 26. Juli 2019 die erste Staffel ihrer auf den Comics basierenden Streamingserie „The Boys“ veröffentlichte, schrieb Garth Ennis so etwas wie einen ausführlichen, acht Hefte umfassenden Epilog. Russ Braun zeichnete die auf mehreren Zeitebenen spielende Geschichte, die zwölf Jahren nach dem Ende der Superhelden spielt (nachzulesen in dem „The Boys“-Sammelband „Vergeltung hat ihren Preis“).
Hughie lebt mit seiner neuen großen Liebe ‚Starlight‘ Annie January (als er sie kennen lernte, wusste er nicht, dass sie eine Superhelden-Novizin war) ein ruhiges und friedliches Leben in Schottland in seinem Geburtsort Auchterladie. Eines Tages erhält er ein Paket mit dem Tagebuch von Billy Butcher. Er beginnt es zu lesen.
„Liebe Becky“ ist für die Fans der Serie ein gelungener Epilog, der einige echte und vermeintliche Lücken ausfüllt und der zeigt, wie sehr Hughie immer noch von den damaligen Ereignissen traumatisiert ist.
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Garth Ennis/Russ Braun: The Boys – Liebe Becky (Band 7)
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 