Zünftige Truckeraction von Sam Peckinpah mit einer hauchdünnen Story (Sheriff Wallace verfolgt Trucker Rubber Duck nach einer Kneipenschlägerei quer durch das Land. Immer mehr Trucker schließen sich Rubber Duck an. Die Polizei rüstet hemmungslos gegen die Gesetzlosen auf.) und vielen Autostunts.
Die Dreharbeiten waren ziemlich chaotisch, die alten Peckinpah-Fans enttäuscht, viele Jüngere (auch ich) wurden durch „Convoy“ zum Peckinpah-Fan und an der Kinokasse war der Film auch erfolgreich.
„Fraglos ist dies Peckinpahs lässigster, nettester und harmlosester Film.“ (Ulrich von Berg: Sam Peckinpah – Ein Outlaw in Hollywood, 1987)
„ action-betontes Popcornkino (…) ein weniger bedeutender Film Peckinpahs“ (Mike Siegel: Passion & Poetry – Sam Peckinpah in Pictures, 2003)
mit Kris Kristofferson, Ali MacGraw, Ernest Borgnine, Burt Young, Madge Sinclair, Seymour Cassel
„Leonora im Morgenlicht“ reiht sich ein in eine Reihe neuerer ‚Biopics‘, die alle einige ärgerliche Gemeinsamkeiten haben und weil ich gleich auf diese Gemeinsamkeiten eingehe, bin ich vielleicht etwas ungerecht gegenüber „Leonora im Morgenlicht“.
Vor einigen Jahren war es ein beliebter Vorwurf gegen Biopics, dass sie nur ein verfilmter Wikipedia-Artikel seien. Brav und chronologisch wurde das Leben des Porträtierten von der Wiege bis zur Bahre nachgezeichnet. Das Ergebnis war meistens ziemlich langweilig. Deutlich gelungener waren Biopics, die sich, wie „Selma“, auf einen Aspekt oder einen wichtigen Moment im Leben des Porträtierten konzentrieren.
Jetzt gibt es zwei neue Trends. Der eine und sehr begrüßenswerte Trend ist, dass es auch Biopics über vergessene Personen gibt. Meistens handelt es sich dabei um Frauen, deren Leistungen bislang nicht wirklich gewürdigt wurden oder deren Leistungen in Vergessenheit gerieten. Diese Biographien können einen vollkommen neuen Blick auf die Geschichte eröffnen.
Der andere Trend ist, dass in dem Film ein mehr oder weniger langer Abschnitt im Leben des Porträtierten gezeigt wird, in dem er noch nicht bekannt war. Seine spätere Berühmheit ist in dem Moment noch nicht einmal ein spinnerter Traum. So schildert „Saint-Exupéry“ Antoine de Saint-Exupérys Suche nach seinem besten Freund, der bei einem eigentlich unmögliche Flug über die Anden spurlos verschwindet. Das ist eine spannende Geschichte, die als Abenteuerfilm mit anderen Namen genausogut funktionieren würde. Schließlich spielt die Geschichte Jahre bevor Saint-Exupery „Der kleine Prinz“ schrieb.
Oder „Niki de Saint Phalle“ und eben jetzt „Leonora im Morgenlicht“. Beide Künstlerbiopics enden vor ihrem Durchbruch und noch bevor sie ihre bekanntesten Werke schufen. In beiden Biopics wird das Werk der Künstlerin nicht gezeigt und es wird auch nichts über ihre künstlerische Vision gesagt. Ihre Ideen und ihr Werk bleiben eine Leerstelle. Im Abspann wird dann in wenigen Worten darauf hingewiesen, dass XYZ später eine wichtige Künstlerin wurde.
Beide Male, schließlich sind Niki de Saint Phalle und Leonora Carrington keine unbekannten Künstlerinnen, sollte es sicher zu einer Neubetrachtung ihres Lebens und ihrer Leistungen kommen. Beide Male scheitert der Film. Nicht grandios, sondern erbärmlich.
Diese Ignoranz gegenüber ihrem Werk wiederholt dann, mit einer kleinen Änderung, nur altbekannte Vorurteile über das künstlerische Schaffen von Frauen.
Früher – und dafür müssen wir gar nicht so weit in die Vergangenheit zurückblicken – wurde, so die allgemein akzeptierte Erzählung, große Kunst von Männern gemacht. Frauen waren bestenfalls ihre Musen. Wenn sie sich dann doch künstlerisch betätigten, schufen sie bestenfalls Werke minderer Qualität, die von einem Kunstkritiker getrost ignoriert werden konnten. Und Frauen waren hysterisch, frigide, wahnsinnig, verrückt und immer kurz vor einer Einweisung in ein Irrenhaus. Sie waren schön anzusehendes Beiwerk.
Dieses Bild reflektiert die gesellschaftlichen Verhältnisse, in denen Frauen nur als Teil des Mannes existieren durften. Über die Qualität der Arbeiten der Künstlerinnen sagt es nichts aus.
In den neueren Filmen soll es eine Neubetrachtung geben. Die porträtierte Frau soll vom Objekt zum Subjekt werden. Ihre Leistungen sollen anerkannt werden. Das ist die lobenswerte Absicht. In den jüngst entstandenen Biopics werden dann die alten Muster einfach wiederholt.
Früher war die Frau hysterisch und wurde in eine psychiatrische Klinik eingewiesen und nach dem damaligen Stand der Wissenschaft behandelt. Mit ihren Werken musste man sich nicht beschäftigen, weil sie nicht zurechnungsfähig war.
Heute ist, wie „Niki de Saint Phalle“ und „Leonora im Morgenlicht“ zeigen, die Frau hysterisch und wird in eine psychiatrische Klinik eingewiesen. Ihre Werke, die wir nicht sehen, sind, so behauptet der Film, gut, weil sie in einer Klinik war und eine Frau ist.
Früher waren ihre Werke schlecht, weil sie eine Verrückte war; heute sind ihre Werke gut, weil sie eine Verrückte war. Über ihre Werke wird damals und heute nicht geredet. Heute ist diese Missachtung des Werkes der Künstlerin allerdings schmerzhafter als früher. Denn jetzt wollen die Regisseurinnen (in diesem Fall sind es fast ausschließlich Frauen) die Leistungen einer Geschlechtsgenossin feiern. Und sie tun es dann nicht.
Immer wieder – Margarethe von Trottas desaströses Drama „Ingeborg Bachmann – Reise in die Wüste“ oder Charlène Faviers „Oxana“ (das Biopic über die Femen-Gründerin/Künstlerin Oxana Schatschko läuft nächste Woche an) müssen hier ebenfalls erwähnt werden – wird die porträtierte Frau auf das Hysterische und ihr Aussehen reduziert.
Neben der Missachtung des Werkes der Surrealistin Leonora Carrington (1917 – 2011), das inzwischenn zu Höchstpreisen verkauft wird, hat das von Thor Klein und Lena Vurma geschriebene und inszenierte Biopic „Leonora im Morgenlicht“ mit weiteren Problemen zu kämpfen. Sie erzählen Leonora Carringtons Leben sehr elliptisch. Ein Zusammenhang zwischen den einzelnen Szenen und warum diese Episoden für Carringtons Leben und Werk wichtig sind, ist kaum bis überhaupt nicht erkennbar. Die lahmen Dialoge erschöpfen sich in nebulösen Andeutungen. So wird mehrmals gesagt, sie habe schlimmes erlebt, aber es wird niemals deutlich gesagt, welche schlimmen Erlebnisse genau gemeint sind. Hintergrundgeräusche, auch bei einer Künstlerparty in einer Pariser Wohnung, sind fast nie zu hören. Das verleiht dem gesamten Film eine unnatürlich-künstliche Atmosphäre. Dass Dialoge oft ohne Schnitt aufgenommen wurden, ist nicht schlecht. Aber die gewählten Blickwinkel und was im Bild fokussiert wurde, irritieren immer wieder. Dazu kommen eine vollkommen unvermittelt kommende Sexszene von Carrington mit ihrem Liebhaber Max Ernst und, kurz darauf, eine ebenso unvermittelte und überflüssige Nacktszene von ihr auf dem Dach eines Bauernhofs. Beide Male darf die sich erfolgreich um maximale Ausdruckslosigkeit bemühende Carrington-Darstellerin Olivia Vinall ihren wohlproportionierten Körper zeigen. Beide Male ist es vollkommen unwichtig für die zwischen 1938 und den frühen fünfziger Jahren, zwischen Paris, Südfrankreich, Spanien (mit einem Klinikaufenthalt) und an verschiedenen Orten in Mexiko spielende Filmgeschichte.
„Leonora im Morgenlicht“ ist kein verfilmter Wikipedia-Artikel. Aber es ist eine gute Idee, vor oder nach dem Film den Wikipedia-Artikel über Leonora Carrington zu lesen. Dann werden einige Episoden verständlicher, man begreift ihre künstlerische Leistung und erfährt, dass sie nicht nur eine Malerin war. Danach kann man weiterklicken zu den Texten über den Surrealismus.
Leonora im Morgenlicht (Deutschland/Mexiko/Großbritannien/Rumänien 2025)
Regie: Thor Klein, Lena Vurma
Drehbuch: Thor Klein, Lena Vurma
LV: Elena Poniatowska: Leonora, 2011 (Frau des Windes)
mit Olivia Vinall, Alexander Scheer, István Téglás, Ryan Gage, Cassandra Ciangherotti, Luis Gerardo Méndez, Wren Stembridge
Länge: 103 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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internationaler Titel: Leonora in the morning light
Außerdem: Arte präsentiert die Doku „Leonora Carrington – Fantastische Surrealistin“ (USA 2017, Regie: Teresa Griffiths):
Leonora Carrington lebte und arbeitete im Paris der Surrealisten an der Seite von Künstlern wie Max Ernst, André Breton und Pablo Picasso – und starb dennoch als weitgehend Unbekannte in Mexiko-Stadt. Die Dokumentation folgt dem bemerkenswerten Lebensweg der Künstlerin entlang ihres ungewöhnlichen und bewegenden Werks, das in jüngster Zeit Millionen-Dollar-Preise erzielt.
Ihre Bilder sind voller märchenhafter Figuren, tierischen Mischwesen und mystischen Szenen – die britisch-mexikanische Künstlerin Leonora Carrington schuf in ihrem umfangreichen Werk eine traumhaft-poetische Gegenwelt.
Carrington war eine weibliche Ikone des Surrealismus und mischte mit ihrer Extravaganz und ihrem provokanten Stil die männlich dominierte Künstlerbewegung im Paris der 1930er Jahre auf. 1937 zog sie mit ihrem Geliebten, dem deutschen Maler Max Ernst, nach Saint-Martin-d’Ardèche, doch der Zweite Weltkrieg sowie eine schwere Nervenkrise brachte das Paar auseinander und zwang Leonora Carrington zur Emigration.
1942 verließ Carrington Europa in Richtung New York, ein Jahr später zog sie nach Mexiko-Stadt, wo sie den ungarischen Fotojournalisten Chiki Weisz heiratete und ihr künstlerisches Schaffen und ihre fantasievollen Ausdrucksformen weitertrieb. Bis ins hohe Alter hinein arbeitete sie rastlos an zahlreichen Skulpturen, Zeichnungen und Gemälden, die in den großen Museen der Welt zu sehen sind. Nebenbei schrieb sie Erzählungen, Romane und Theaterstücke von hoher dichterischer Kompetenz.
In einer reichen Mischung aus animierten Gemälden, kunstvoll gestalteten Tableaus, Archivmaterialien, Zitaten aus ihren literarischen Texten und Interviews mit Experten, Weggefährten und Familienmitgliedern erkundet die Dokumentation das Leben und Werk einer der wichtigsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, deren poetischer Wagemut bis heute Zeichen setzt.
Die BBC-Koproduktion wurde 2018 als „Best Arts Documentary“ mit dem renommierten John Grierson Award ausgezeichnet.
Im Moment wird in Großbritannien, ausgehend von einer ausführlichen Reportage im „Observer“, über den Wahrheitsgehalt von „Der Salzpfad“ gestritten. Dabei geht es mehr um Raynor Winns Sachbuch-Bestseller als um Marianne Elliotts darauf basierendem Film.
Buch und Film erzählen, wie Raynor (Gillian Anderson) und Moth Winn (Jason Isaacs), nach dem Verlust ihres Hauses, sich auf eine über tausend Kilometer lange Wanderung entlang der Küste Südenglands begeben. Sie wollen den South West Coast Path von seinem Startpunkt in Minehead, Somerset, entlang der Küste von Devon und Cornwall bis nach Poole Harbour, Dorset, abwandern. Sie haben keine Erfahrung mit längeren Wanderungen. Ihre Ausrüstung probieren sie zum ersten Mal auf der Wanderung aus. Als Führer haben sie ein zerfleddertes Wanderbuch. Außerdem ist Moth krank. Er hat
Kortikobasale Degeneration (CBD), eine unheilbare, seltene neurodegenerative Erkrankung des Nervensystems. Anstrengende Wanderungen können sie rapide verschlimmern.
Elliotts Film gehört in das erfolgreiche, inhärent zur Banalität neigende Genre der Wandererfilme, in denen der Protagonist sich auf eine lange Wanderung durch fotogene Landschaften begibt und zu sich selbst findet. Gerne greifen die Filme auf Bestseller zurück. So ist schon ein Grundpublikum vorhanden. Den Rest besorgt die Zuarbeit verschiedener Touristenbüros, die dann wiederum mit dem Film werben können. Es sind Feelgood-Filme für ein älteres Publikum, das anderen Menschen zusehen will, wie sie Bilanz über ihr bisheriges Leben ziehen und sich dabei nach dem Sinn des Lebens fragen.
Schon beim Ansehen des Films waren für mich zwei Punkte seltsam, die auch von Chloe Hadjimatheou in ihrer „Observer“-Reportage (erste Reaktionen) aufgegriffen wurden. Nämlich der rapide Abstieg des Ehepaares von anscheinend durchaus vermögenden Unternehmern zu Obdachlosen, weil sie schlecht beraten, betrogen und zu Unrecht verurteilt wurden, und die wundersame Heilung von Moth durch die Wanderung. Sicher, Ärzte können sich irren (wobei sich bei ihm viele Ärzte über viele Jahre geirrt haben müssen) und es gibt wundersame Genesungen. Trotzdem ist es etwas seltsam und ziemlich gefährlich, jeden ärztlichen Rat zu ignorieren und mit dem Beginn der Wanderung auf die verschriebenen Tabletten (jaja, nicht immer sind Tabletten gut) zu verzichten.
Hadjimatheou schreibt, dass die Winns vor ihrer Wanderung in halbseidene, möglicherweise eindeutig betrügerische Finanzgeschäfte verwickelt waren. Sie hatten Schulden und besaßen in Frankreich eine schon seit Ewigkeiten baufällige Bruchbude. Unabhängig von persönlicher Schuld und Unschuld waren sie nicht so unschuldig und arm, wie sie in ihrem Buch und damit verbundenen öffentlichen Auftritten suggerieren. Im Film wird diese Geschichte als Hintergrundgeschichte in Rückblenden nur kurz angerissen.
Die für die Reportage von ihr befragten Ärzte bezweifeln, dass Moth CBD hat. Ihnen sei kein Fall bekannt, in dem an CBD erkrankte Menschen so lange und so schmerz- und symptomfrei lebten. Normalerweise würden sie nach der Diagnose innerhalb weniger Jahre sterben.
Wenn wir „Der Salzpfad“, unabhängig vom Wahrheitsgehalt der Geschichte, einfach als weiteren Beitrag zum Wandererfilmgenre betrachten, dann punktet er mit seinen Landschaftsaufnahmen, den guten Schauspielern, vor allem natürlichn den Hauptdarstellern Gillian Anderson und Jason Isaacs, und dem erwartbar ruhigem Erzähltempo. So schaffen die Winns am ersten Tag ihrer Wanderung gerade vier (!) Kilometer. Es passiert immer etwas, sie begegnen mehr oder weniger netten Einheimischen, suchen dringend einen Ort für die Notdurft und lernen, dass sie ihr Zelt an bestimmten Orten nicht aufbauen sollten. Das ist alles, trotz der Beschwernisse einer langen Wanderung, ziemlich nett, beschaulich und nicht wirklich zum Nachdenken anregend.
Der Salzpfad(The Salt Path, Großbritannien 2024)
Regie: Marianne Elliott
Drehbuch: Rebecca Lenkiewicz
LV: Raynor Winn: The Salt Path, 2018 (Der Salzpfad)
mit Gillian Anderson, Jason Isaacs, James Lance, Hermione Norris
LV: Jennie Rooney: Red Joan, 2013 (Geheimnis eines Lebens)
Im Mai 2000 wird die 87-jährige Joan Stanley verhaftet. Sie soll ab dem Zweiten Weltkriegs für die Sowjetunion spioniert haben.
Von einem wahren Fall inspiriertes Agentendrama, das Theaterregisseur Trevor Nunn in Rückblenden erzählt. Angesichts des Potentials der Geschichte und der Schauspieler eine enttäuschende Angelegenheit. Wobei die Romanvorlage auch nicht spannender ist.
LV: Edgar Wallace: The frightened lady, The case of the frightened lady, The mystery of the frightened lady, Criminal at large, 1932 (Der Würger, Das indische Tuch)
Die liebe Verwandtschaft soll nach dem Tod von Lord Lebanon und vor der Testamentseröffnung einige Tage gemeinsam im Schloss verbringen. Dummerweise geht ein Mörder um, der die potentiellen Erben, dem 10-kleine-Negerlein-Prinzip gehorchend, der Reihe nach mit dem titelgebenden indischen Tuch tötet.
Das übliche: einige Gags, viele Tote und eine eher blöde Schlusspointe.
Mit Heinz Drache, Corny Collins, Klaus Kinski, Hans Nielsen, Gisela Uhlen, Hans Nielsen, Elisabeth Flickenschildt, Eddi Arent, Siegfried Schürenberg, Hans Clarin, Ady Berber
LV.: Edgar Wallace: The dark eyes of London, The croakers, 1924 (Die toten Augen von London)
Inspektor Holts sucht den Mörder mehrerer reicher Senioren. Seine Ermittlungen führen ihn in das Blindenheim des undurchsichtigen Reverend Dearborn.
Alfred Vohrers Einstand bei der Wallace-Reihe wurde damals von 3,4 Millionen Menschen im Kino gesehen. Er drehte „den ersten und einzigen ´Brutal-Wallace´, einen Horror-Schocker von unglaublicher Intensität und Spannung. Nie wieder gab es in einem Wallace-Krimi eine derartige Häufung ausgefallenster Sadismen, die aber Vohrer und Drehbuchautor Trygve Larsen so klug dem gesamten Handlungsablauf unterordneten, dass nie der Verdacht von Brutalität um ihrer selbst willen aufkommt. Trotzdem atmet der Zuschauer auf, wenn der Spuk zu Ende ist und die Verbrecher zur Strecke gebracht sind…Der Film ist ein Horror-Klassiker, was sich bis heute allerdings noch nicht herumgesprochen hat.“ (Florian Pauer: Die Edgar Wallace-Filme). Puh.
Etwas weniger euphorisch: „ein ausgezeichneter Film des Wallace-Debütanten Vohrer, der fortan am stärksten die Serie beeinflussen sollte.“ (Joachim Kramp: Hallo – Hier spricht Edgar Wallace!“)
Die kommenden Tagen erfreut 3sat, immer um 20.15 Uhr, den Edgar-Wallace-Fan mit „Das indische Tuch“ (am Mittwoch, den 16. Juli) und „Der Zinker“ (am Donnerstag, den 17. Juli),
Mit Joachim Fuchsberger, Karin Baal, Dieter Borsche, Eddi Arent, Klaus Kinski, Wolfgang Lukschy, Ann Savo, Harry Wüstenhagen, Ady Berber
Der Spion, der aus der Kälte kam (The Spy who came in from the Cold, Großbritannien 1965)
Regie: Martin Ritt
Drehbuch: Paul Dehn, Guy Trosper
LV: John le Carré: The spy who came in from the cold, 1963 (Der Spion, der aus der Kälte kam)
Der britische Geheimdienstler Leamas wechselt zum Schein die Seiten – und gerät in Teufels Küche.
Realistischer, kritischer, kalter Agententhriller über die Suche nach Doppelagenten und Überläufern. Mit le Carrés Buch (ein Welterfolg) und der gelungenen Verfilmung wandelte sich das heroische Bild des Spions zu eines sehr gewöhnlichem. Denn überall sind Spione „eine schmutzige Prozession von hohlen Narren und Verrätern. Ja, auch von Schwulen, Sadisten und Trinkern, von Leuten, die Räuber und Gendarm spielen, im ihrem erbärmlichen Leben etwas Reiz zu geben.“ (John le Carré: Der Spion, der aus der Kälte kam).
Mit Richard Burton, Oskar Werner, Claire Bloom, Peter van Eyck, Rupert Davies, Sam Wanamaker, Cyril Cusack, Bernard Lee
Drehbuch: Friedrich Dürrenmatt, Hans Jacoby, Ladislao Vajda
LV: Friedrich Dürrenmatt: Das Versprechen – Requiem auf den Kriminalroman, 1957
Kommissar Matthäi sucht den Mörder eines neunjährigen Mädchens.
Allseits bekannter Krimiklassiker mit Heinz Rühmann, Gert Fröbe und Siegfried Lowitz. Auch das Ausland war von dem Film begeistert: „Unter der hervorragenden Regie von Ladislao Vajda wird die Handlung pausenlos in einem unbarmherzigen und beklemmenden Tempo gesteigert und ist getragen von einem Dialog, der vor Gescheitheit blitzt und nur gelegentlich durch die, dem Dichter eigene, Melancholie gebremst wird.“ (Aufbau, New York, 1960)
Dürrenmatt war mit dem Ende des Filmes unzufrieden. Sein „Buch zum Film“ hat daher ein pessimistisches Ende
Während RTL II die James-Bond-Parodie „Austin Powers“ zeigt, beginnt Vox mit der Präsentation der echten James-Bond-Filme, beginnend mit
Vox, 20.15
JAMES BOND: 007 jagt Dr. No (Dr. No, Großbritannien 1962)
Regie: Terence Young
Drehbuch: Richard Maibaum, Johanna Harwood, Berkely Mather
LV: Ian Fleming: Dr. No, 1958 (007 James Bond jagt Dr. No)
Auf Jamaica soll James Bond herausfinden, wer zwei Mitarbeiter des Secret Service umbrachte. Er stößt schnell auf Dr. No.
Der allererste Bond, mit Sean Connery, Ursula „Bikini“ Andress, Joseph Wiseman – damals noch nah am Buch und ziemlich hart. „Dr. No“ ist nicht nur aus nostalgischen Gründen sehenswert.
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Die Vorlage (in der aktuell erhältlichen deutschen Ausgabe)
„Melodram, Psycho-Thriller, Groschenheft-Tragödie – der Film ist all das und all das nicht schlecht; vor allem aber hat es der Zuschauer hier mit einem filmisch raffniert umgesetzten erzählerischen Puzzle zu tun, dessen unzählgen Schlenkern und Wendungen zu folgen großen Spaß macht.“ (Robert Fischer, epd Film 5/1984)
Andere Kritiker gingen erheblich ungnädiger mit dem mit vier Césars ausgezeichneten Publikumserfolg (jedenfalls in Frankreich) um. Aber keiner vergaß, auf die Hauptdarstellerin hinzuweisen.
Mit Isabelle Adjani, Alain Souchon, Michel Galabru, Suzanne Flon, Jenny Clève, Maria Machado, Evelyne Didi, Jean Gaven, François Cluzet, Manuel Gélin, Roger Carel
Nach einem Blick auf sein Bankkonto nimmt Herb McGwyer (Tom Basden) die ungewöhnlich gut dotierte Einladung von Charles (Tim Key) an, auf Wallis Island ein Konzert mit seinen alten Songs zu bestreiten. Erst auf der kleinen, einsam gelegenen Insel mit einem Strand als Schiffsanlegestelle dämmert ihm, dass er nicht vor Menschenmassen, sondern nur vor Charles spielen soll. Außerdem soll er wieder mit seiner früheren Partnerin Nell Mortimer (Carey Mulligan) zusammen singen. Denn der zweifacher Lotto-Gewinner und immer noch trauernde Witwer ist ihr größter Fan und eine Reunion des Indie-Folk-Duos McGwyer-Mortimer ist sein größter Traum. Auch wenn die Reunion nur aus einem Konzert für ihn besteht.
„The Ballad of Wallis Island“ ist ein Feelgood-Film mit Musik. Warmherzig, witzig, durchaus kurzweilig, aber auch arg vorhersehbar erzählt James Griffiths die Geschichte. Im Mittelpunkt stehen dabei zwei nur vom Alter erwachsene Männer, die lieber weiter in der Vergangenheit leben würden. Gespielt werden sie von den Komikern Tim Key und Tom Basden, die auch das Drehbuch schrieben und dafür ihren Kurzfilm „The One and Only Herb McGwyer Plays Wallis Island“ von 2007 auf Spielfilmlänge ausbauten.
The Ballad of Wallis Island (The Ballad of Wallis Island, Großbritannien 2024)
Regie: James Griffiths
Drehbuch: Tim Key, Tom Basden (basierend auf ihrem Kurzfilm „The One and Only Herb McGwyer Plays Wallis Island“ [2007])
mit Tim Key, Tom Basden, Carey Mulligan, Sian Clifford, Akemnji Ndifornyen
Lassen wir die ganze Vorgeschichte mit Neu- und Fehlstarts, Reboots und wasauchimmer weg. Es gibt, nach Christoper Reeve, Brandon Routh und Henry Cavill einen neuen Kino-Superman. David Corenswet heißt er und bislang trat er als Schauspieler primär in TV-Serien und Nebenrollen auf. In seiner Filmographie stehen „The Politician“, „Hollywood“, „We own the City“, Pearl“ und „Twisters“.
James Gunn inszenierte nach seinem Drehbuch die Geschichte, die auf die sattsam bekannte Origin Story verzichtet und gleich mitten im Geschehen beginnt. Genaugenommen beginnt sie drei Sekunden nachdem Superman in einem Kampf zum ersten Mal besiegt wird. In seiner im Eis liegenden Festung der Einsamkeit lässt er sich zusammen flicken. Danach geht es in die nächste Runde gegen die von Lex Luthor (Nicholas Hoult) gesteuerte Kampfmaschine. Der unglaublich reiche Unternehmer will Superman unbedingt töten. Gleichzeitig engagiert er sich in Osteuropa. Dort hat gerade ein von ihm militärisch unterstützter Staat seinen Nachbarn überfallen. Zu seinem Ärger griff Superman auf der Seite des überfallenen Landes in den Konflikt ein und drängte die Invasoren für den Moment zurück.
Um diesen im Zentrum stehenden Konflikt gruppiert Gunn weitere kleinere Konflikte, in die eine fast schon unüberschaubare Zahl von Superhelden und Superbösewichtern involviert sind. Unter anderem treten ‚Green Lantern‘ Guy Gardner (Nathan Fillion mit einer schon jetzt legendär verunglückten Frisur), Mister Terrific (Edi Gathegi), Hawkgirl (Isabela Merced), Metamorpho (Anthony Carrigan), ‚The Engineer‘ Angela Spica (Maria Gabriela de Faría) und Eve Teschmacher (Sara Sampaio) auf. Ihnen allen gibt Gunn einprägsame Auftritte.
Dieses Mal hat Superman mit dem Hund Krypto einen Begleiter, der ihm in der einen Sekunde rettet, danach abschlabbert und eine Sekunde später beißt. Er ist ein immer als CGI-Hund erkennbarer Comic Relief, der für einige Lacher sorgt. Das reale Vorbild für Krypto war ein von James Gunn adoptierter Hund, der sich ähnlich psychotisch verhielt.
Und natürlich muss Superman in Metropolis auch als harmloser ‚Daily Planet‘-Journalist Clark Kent auftreten und sich mit seiner großen Liebe Lois Lane (Rachel Brosnahan), wie in einer Screwball-Comedy, zoffen. Sie, und anscheinend halb Metropolis, weiß, dass Kent Superman ist.
Gunn, der Regisseur der drei „Guardians of the Galaxy“-Filmen und von „The Suicide Squad“, inszeniert dies gewohnt humorvoll, pointensicher, brutal und mit einigen überraschenden Wendungen und Enthüllungen. Dabei behält er immer den Überblick über seine im Gedächtnis bleibenden Figuren, die realen und fantastischen Orte (wie das Taschenuniversum) und die verschiedenen Handlungsstränge. Das hat ziemlich genau die Qualität, die man von dem Regisseur von „The Suicide Squad“ erwarten kann: schnörkellose, angenehm respektlose Superheldenunterhaltung von einem Nerd für andere Nerds und das breite Publikum.
Interessant wird sein „Superman“ durch seinen Blick auf den von dem Planeten Krypton kommenden einzigen Überlebenden dieses Planeten.
Er beraubt Superman des weltentrückt-vergeistlichten Pathos, das er in früheren Filmen hatte. Und er trennt die Figur Superman von dem Bild, das er für die Menschheit verkörperte. Superman war in der Vergangenheit nicht nur der an das Gute glaubende Kämpfer für eine bessere Welt und Beschützer der Menschheit, sondern auch die Verkörperung des Bildes das USA von sich hat.
Er repräsentiert in „Superman“ nicht mehr das Land, in dem er lebt, sondern nur noch sich selbst. Oder die ganze Welt, die zu einem friedlichen Ort werden soll.
Diese Trennung verändert auch die anderen Figuren in Supermans Welt und die Strukturen der Welt. Lex Luthor ist nicht mehr der größenwahnsinnige Milliardär und Comic-Bösewicht, der irgendetwas in den USA zerstören will, sondern ein auch in der Rüstungsindustrie, dem Betrieb von Gefängnissen und militärischer und möglicherweise ziviler Forschung aktiver Unternehmer, der die Menschheit vor Gefahren retten will. Eine dieser Gefahren ist Superman, ein aus dem Weltraum kommender, unbesiegbarer, mit Superkräften ausgestatteter, selbsternannter Heilsbringer. Er ist sozusagen die Verkörperung von Gottes Sohn, die behauptet, den Menschen helfen zu wollen. Aber stimmt das? Luthor arbeitet bei der Umsetzung seiner Ziele mit der US-amerikanischen Regierung zusammen.
Und schon drängt sich – auch wenn das von den Machern bei den Dreharbeiten so nicht geplant sein konnte – eine politische Lesart des Films auf, die erstaunlich präzise die aktuelle Situation in den USA beschreibt.
James Gunn zeigt Bilder, die aus den Nachrichten stammen könnten. So wird Superman, als er sich freiwillig stellt, von Polizisten brutal auf den Boden gepresst. Später kommt er in ein Gefängnis, das von Lex Luthor im Auftrag der Regierung geführt wird. Nach außen ist es ein drakonisch geführtes militärisches Zeltlager abseits der Zivilisation. Nach innen ist es ein Verlies. Aus dem Verlies sollen die mehr oder weniger illegal gehaltenen Gefangenen niemals wieder entkommen.
In den realen Nachrichten wird in den Trump-USA gegen Ausländer gehetzt, Razzien von vermummten, schwerbewaffneten ICE-Agenten durchgeführt, über Kasernierungen an möglichst ungastlichen und abgelegenen Orten nachgedacht und Abschiebungen ohne ein reguläres Gerichtsverfahren in andere Länder durchgeführt. In dieser Politik sind Grausamkeit und Menschenverachtung kein individuelles Versagen, sondern Absicht und Ziel der Maßnahme. Die Zusammenarbeit zwischen dem Staat und davon profitierenden Unternehmen ist folgerichtig. Von all den Milliardären, die sich in Trumps Umfeld befinden, ist Elon Musk die schillerndste Figur. Sie wirkt wie eine realweltliche Version von Lex Luthor.
Die gegen das Völkerrecht verstoßende Besetzung eines Landes ist dann nicht mehr ein in einem filmischen Nirgendwo stattfindender Konflikt, sondern ein erstaunlich präziser Kommentar zum Ukraine-Krieg und den unterschiedlichen Interessen an dem Kriegsgebiet. Wenig überraschend heizt Luthor den Konflikt mit seinen Waffen an. Es gibt wertvolle Rohstoffe im Kriegsgebiet, die er haben möchte.
In dem Film bleibt es bei der Zustandsbeschreibung. Eine politische Analyse und damit verbundene Lösungsvorschläge gibt es nicht. Die von Gunn vorgeschlagene Lösung bleibt im Rahmen des Superheldenkinos: Superman und weitere Metawesen (vulgo Superhelden) sorgen künftig für Recht und Ordnung. Für die Realität ist das natürlich keine Lösung.
Insgesamt ist James Gunns „Superman“ eine sehr interessante Neuinterpretation von Superman. Er wirft Ballast weg. Es gibt Humor, Anspielungen auf andere Superhelden-Comics und -Filme, einige überraschende Wendungen und reichlich Action.
P. S.: Es gibt nach dem Abspann eine witzige, für diesen oder den nächsten Film nicht essenzielle Szene.
Superman (Superman, USA 2025)
Regie: James Gunn
Drehbuch: James Gunn (basierend auf der von Jerry Siegel und Joe Shuster erfundenen Figur)
mit David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Nathan Fillion, Edi Gathegi, Isabela Merced, Anthony Carrigan, Maria Gabriela de Faría, Skyler Gisondo, Wendell Pierce, Mikaela Hoover, Beck Bennett, Sara Sampaio, Alan Tudyk, Bradley Cooper, Michael Rooker, Pom Klementieff, Pruitt Taylor Vince, Neva Howell, Frank Grillo, Jake Tapper, John Cena (teils nur Cameos oder weniger)
LV: Antony Johnston/Sam Hart: The Coldest City, 2012 (The Coldest City)
Berlin, 1989, vor dem Fall der Mauer: ein britischer Geheimagent wird getötet. Er hatte eine Liste bei sich, die nicht in die falschen Hände fallen darf. Der MI6 schickt seine beste Agentin los. Kurz darauf prügelt Agentin Lorraine Broughton (Charlize Theron) sich durch das feindiche Gelände.
Action- und wendungsreicher, in Berlin spielender Agententhriller, der viel zu stylish für Berlin ist.
mit Charlize Theron, James McAvoy, John Goodman, Til Schweiger, Eddie Marsan, Sofia Boutella, Toby Jones, Roland Møller, Bill Skarsgård, Barbara Sukowa
Orca, der Killerwal(Orca – The Killer Whale, USA 1977)
Regie: Michael Anderson
Drehbuch: Luciano Vicenzoni, Sergio Donati
Neues aus der Tierwelt: Ein Walfänger tötet ein schwangeres Orca-Weibchen. Ihr Mann schwört Rache. Und schon kann das Duell zwischen Mann und Orca beginnen.
„Orca, der Killerwal“ ist eines der zahllosen Plagiate von Steven Spielbergs Kassenknüller „Der weiße Hai“, das damals in den Kinos lief und anschließend vergessen wurde. Der von Dino de Laurentis produzierte und von Ennio Morricone musikalisch untermalte Monsterfilm gehört zu den wenigen Ausnahmen, die heute noch etwas bekannter sind.
Ein anderer ist Joe Dantes ungleich gelungenerer „Piranhas“.
mit Richard Harris, Charlotte Rampling, Will Sampson, Bo Derek, Keenan Wynn, Robert Caradine, Scott Walker, Peter Hooten
Drehbuch: Pierre Granier-Deferre, Dominique Roulet
LV: Andrew Coburn: Widow’s Walk, 1984
Vor dem Beginn der umsatzträchtigen Saison werden in einem kleinen Badeort am Atlantik mehrere Männer angespült, die durch einem Schuss ins Ohr ermordet wurden. Ein Trio junger, in einer Villa an der Küste lebender Frauen gerät in den Fokus von Inspector Molinat. Sind sie die Mörderinnen – oder halten sie ihn zum Narren? Außerdem muss Molinat sich mit einem jungen Kollegen herumschlagen, der sich zu sehr für seine Vergangenheit in dem Badeort interessiert.
Selten gezeigter französicher Krimi, der schwarzhumorig vergnüglich seine Geschichte entfaltet. Ein Sommerkrimi
mit Philippe Noiret, Guy Marchand, Elizabeth Bourgine, Anne Roussel, Gabrielle Lazure, Marie Trintignant, Stefania Sandrelli, Andréa Ferréol, Laura Betti, Suzanne Flon
Superman – Special Edition (Superman, Großbritannien 1978)
Regie: Richard Donner
Drehbuch: Mario Puzo, David Newman, Leslie Newman, Robert Benton (nach einer Geschichte von Mario Puzo, basierend auf der von Jerry Siegel und Joe Shuster erfundenen Figur)
Bevor am Donnerstag James Gunns Version von „Superman“ im Kino anläuft, gibt es eine Gelegenheit, eine frühere, an der Kinokasse enorm erfolgreiche Version des Mannes aus von einem anderen Planeten anzusehen.
Donner erzählt in einem tonal chaotischen, mit Stars und Spezialeffekten auf maximalen Effekt getrimmtem Superheldenfilm die inzwischen wohl allgemein sattsam bekannte Origin Story von ‚Superman‘ Clark Kent und seinen ersten Tagen als Reporter beim „Daily Planet“ .
Der Film wurde ein Hit. Der unbekannte Christopher Reeve war danach ein Star und zeitlebens als Schauspieler nur für diese Rolle bekannt. Drei Fortsetzungen mit ihm als Superman wurden gedreht.
Aus heutiger Sicht ist „Superman“ die Blaupause für aktuelle Superheldenfilme; minus CGI.
Der Director’s Cut ist knapp acht Minuten länger als die Kinofassung.
Anschließend, um 22.50 Uhr, zeigt Tele 5 „Superman II – Allein gegen alle“ (Großbritannien 1980). Teile der Fortsetzung entstanden beim Dreh von „Superman“.
mit Christopher Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman, Jackie Cooper, Ned Beatty, Marlon Brando, Glenn Ford, Phyllis Thaxter, Terence Stamp, Jack O’Halloran, Maria Schell, Susannah York, Sarah Douglas, Valerie Perrine, Larry Hagman, Jeff East
Drehbuch: Scott Beck, Bryan Woods, Mark Heyman (nach einer Geschichte von Scott Beck und Bryan Woods)
LV: Stephen King: The Boogeyman, 1973 (Kurzgeschichte, Cavalier 1973) (Das Schreckgespenst) (später erschienen in dem Sammelband „Nightshift“, 1978 [Nachtschicht])
Nach dem Suizid eines Patienten richtet sich im Schrank des Kinderzimmers des Hauses von Dr. Harper der titelgebende „Boogeyman“ ein und ängstigt Harpers beiden Töchter. Harpers älteste Tochter will ihre kleine Schwester beschützen.
TV-Premiere. „The Boogeyman“ besteht aus vertrauten Elementen, die in der vertrauten Reihenfolge mit weitgehend vertrauten Schreckmomente (es geht doch nichts über plötzliche laute Geräusche und plötzlich auftauchende monströse Monsterfinger) präsentiert werden.
(übersetzt von Barbara Heidkamp, Harro Christensen, Michael Kubiak, Karin Balfer, Ulrike A. Pollay, Sabine Kuhn, Ingrid Herrmann, Wolfgang Hohlbein, Bernd Seligmann und Stefan Sturm)
Nachdem Damian John Harper zuletzt mit dem Fantasyfilm „Woodwalkers“ eine kommerziell erfolgreiche Adaption einer erfolgreichen Jugendbuchserie über ein Internat, in dem Jugendliche mit besonderen Fähigkeiten unterrichtet werden, einen Film für Kinder und Jugendliche inszenierte, schien sein neuer, bereits vor „Woodwalkers“ gedrehter Film „Frisch“ eine Rückkehr zu seinen sozialkritischen Wurzeln zu sein. Immerhin geht es um eine Milieugeschichte.
Als der 24-jährige Kai erfährt, dass sein drei Jahre älterer Bruder Mirko früher als erwartet aus dem Gefängnis kommt, hat er eine Panikattacke. Denn die 10.000 Euro, die er für ihn aufbewahren sollte, hat er fast vollständig ausgegeben für seine Frau und glücklose Pferdewetten.
Mirko ist der sprichwörtliche gewalttätige Proll mit der kurzen Lunte. Er will das Geld sofort haben und er wird keine Erklärung akzeptieren. Kai weiß, dass er das Geld sofort beschaffen muss. Irgendwie.
Eine sozialkritische Erdung erhält „Frisch“, weil die im Ruhrgebiet spielende Geschichte im proletarischen Arbeitermilieu spielt. Kai arbeitet in einer Schlachterei. Eine Perspektive auf einen besseren Job hat der mit Ayse verheiratete Vater einer vierjährigen Tochter nicht. Aber zurück in sein früheres Leben als Partner von seinem großen Bruder bei illegalen Geschäften und als Kleinkrimineller will er nicht. Geld und Bildung sind Fremdworte in den abgeranzten Wohnungen und Kneipen, in denen er seit seiner Geburt verkehrt. Harper könnte jetzt, wie in seinen vorherigen Filmen für Erwachsene („Los Ángeles“, „In the Middle of the River“), eine düstere Milieugeschichte erzählen.
Aber dieses Mall will Harper kein Sozialdrama inszenieren. Dafür werden die Lebensumstände von Kai, seine Arbeit in der Schlachterei und sein Umfeld viel zu holzschnittartig und oberflächlich geschildert. Die Arbeit im Schlachthof ist nur pittoreske Kulisse.
Der Rest geht, bewusst stilisiert und in einer künstlichen Welt spielend, die keine direkte Verbindung zu enem realen Ort hat, in Richtung eines prolligen deutschem Gangsterfilms im Fahrwasser von „Bang Boom Bang“. Aber während „Bang Boom Bang“ vor über 25 Jahren noch einen prolligen Ruhrpott-Charme hatte, ist in Harpers Gangsterfilm einfach alles nur gewollt und falsch. Und auch niemals witzig.
Dazu gibt es Ralf Richter (yep, „Bang Boom Bang“) als alles pädagogisch erklärenden Erzähler, Karl-May-Indianerromantik im TV für die Blutsbrüder Kai und Mirko und viel Country-Musik, weil das im Ruhrpott wohl der aktuell letzte Schrei ist.
Das ist dann so uninteressant aus der Zeit gefallen, wie es sich anhört.
Frisch(Deutschland 2024)
Regie: Damian John Harper
Drehbuch: Damian John Harper
LV: Mark McNay: Fresh, 2008 (Frisch)
mit Louis Hofmann, Franz Pätzold, Sascha Geršak, Canan Kir, Pinar Erincin, Božidar Kocevski, Zejhun Demirov, Ralf Richter (nur Stimme, bzw. genaugenommen „Innerer Monolog“)
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 