There will be Blood (There will be Blood, USA 2007)
Regie: Paul Thomas Anderson
Drehbuch: Paul Thomas Anderson
LV: Upton Sinclair: Oil!, 1927 (Öl!)
Porträt von Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis), einem kapitalistisch-egoistischem, Menschen verachtenden und rein instrumentell behandelnden Ölsucher, der zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts in Kalifornien ein Vermögen macht. Sein Gegenspieler ist der ebenso ehrgeizige evangelikale Prediger Eli Sunday (Paul Dano). Mit großen Showveranstaltungen sammelt er Gläubige um sich. Und mit Plainview kooperiert er, um seine Gemeinde (und damit sich selbst) zu mästen.
Bildgewaltiges Drama, das in jeder Sekunde auf maximale Überwältigung zielt. Und vom Wesen der amerikanischen Kultur erzählt.
Mit Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O’Connor, Ciarán Hinds, Dillon Freasier, Elizabeth Barrett
Die kürzeste Kritik zum vierten „Bad Boys“-Film geht so: wenn dir der vorherige Film gefiel, wird dir auch „Bad Boys: Ride or Die“ gefallen.
Und das waren vor vier Jahren, während der Coronavirus-Pandemie, ziemlich viele Menschen. In Deutschland war er mit 1,8 Millionen Zuschauern der erfolgreichste Film des Jahres. In den USA sah es genauso aus. Weltweit war die Actionkomödie mit einem Umsatz von 426,5 Millionen US-Dollar, hinter drei asiatischen Filmen (es war ein ungewöhnliches Jahr), der vierterfolgreichste Film des Jahres. Und es war der an der Kinokasse und bei der Kritik der erfolgreichste „Bad Boys“-Film. Das Publikum liebte sie durchgehend.
Da war eine Fortsetzung unvermeidlich und dieses Mal ging es auch schneller als zwischen dem zweiten und dritten Filmabenteuer mit den in Miami ermittelnden Drogenfahndern Mike Lowrey (Will Smith) und Miles Burnett (Martin Lawrence). Sie sind Schwarz, haben ein loses Mundwerk und sind seit über dreißig Jahren Partner. Der eine ist ein glücklicher Familienvater. Der andere ein überzeugter Single. Jedenfalls bis jetzt. Denn Lowrey heiratet am Filmanfang.
In ihrem vierten Leinwandeinsatz wird ihr ehemaliger, in „Bad Boys for Life“ erschossener Vorgesetzter Captain Howard (dieses Mal als Geist dabei) verdächtigt, für die Kartelle gearbeitet zu haben. Die titelgebenden „Bad Boys“ Lowrey und Burnett glauben es nicht. Sie wollen seine Unschuld beweisen und geraten dabei in Teufels Küche. Denn die wahren Täter und Hintermänner, die gestandene Krimigucker ohne große Mühe schnell enttarnen, wehren sich mit allen Mitteln. Sie scheinen über jeden Schritt der beiden Drogenfahnder informiert zu sein.
Erzählt wird das in der bewährten Buddy-Cop-Mischung aus Humor, dummen Sprüchen und exzessiver Gewalt. Die Zerstörungsorgie wird, auch das ist keine Neuigkeit, in hektischen Schnitten erzählt. Es ist fast nie möglich, die Action zu verfolgen. Und wenn dann einmal in einer Actionszene länger nicht geschnitten wird, bewegt die Kamera sich so hektisch, dass auch dann das Geschehen kaum verfolgt werden kann. Dass das anders geht, haben in den letzten Jahren vor allem die „John Wick“-Filme gezeigt. Auch ein Blick auf die „James Bond“- oder „Mission: Impossible“-Filme zeigt, dass Action anders inszeniert werden kann.
Oder auf den ersten „Bad Boys“-Film. Den hat Michael Bay zwar auch schon hektisch im Sekundentakt geschnitten.
Aber ihm gelangen in seinem Spielfilmdebüt einige ikonische Bilder und im Gedächtnis bleibende Actionszenen. Das kann von Adil & Bilalls zweitem „Bad Boys“-Film nicht gesagt werden. Bei ihnen verschwimmt alles in einem monotonem Schnittgewitter. Das ist keine überkandidelte Rocksinfonie, sondern der Rhythmus-Track für ein Hip-Hop-Stück, bei dem die anderen Instrumente und der Gesang fehlen.
Der Humor besteht vor allem aus den endlosen, redundanten Streitereien zwischen Lowrey und Burnett. Sie zanken sich wie ein altes Ehepaar auf Autopilot. Und Burnett wird hier zum absoluten Trottel degradiert.
Die Story ist, wie erwartbar, nicht der Rede wert. Sie dient nur als Perlenschnur, an der Action und Witze aneinandergereiht werden.
In „Bad Boys: Ride or Die“ werden die bekannten Zutaten, mit vielen aus den vorherigen Filmen bekannten und einigen neuen, weitgehend vollkommen austauschbaren Figuren, einfach noch einmal präsentiert. Ohne nennenswerte Variationen und Engagement. Das ist mehr Autopilot als Innovation; – also ziemlich genau das, was ich erwartete und was die Fans der vorherigen, vor allem des vorherigen Films wollen.
Bad Boys: Ride or Die(Bad Boys: Ride or Die, USA 2024)
Regie: Adil & Bilall (aka Adil El Arbi und Bilall Fallah)
Drehbuch: Chris Bremner, Will Beall (basierend auf von George Gallo erfundenen Figuren)
mit Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig, Paola Núñez, Eric Dane, Ioan Gruffudd, Jacob Scipio, Melanie Liburd, Tasha Smith, Tiffany Haddish, Joe Pantoliano, John Salley, DJ Khaled, Rhea Seehorn, Dennis McDonald, Michael Bay (Cameo)
„Im Stil der Pulp Fiction, der Groschenromane und B-Pictures aus den 30er und 40er Jahren, komprimiert Quentin Tarantino eine Handvoll Typen und Storys zu einem hochtourigen Film noir (…) Ein ausgezeichnetes Darsteller-Ensemble, eine intelligente Inszenierung und ein gutes Timung durch flotte Schnitte tragen dazu bei, dass Blutorgien mit Slapstick und bitterer Zynismus mit leichter Ironie so raffiniert ineinander übergehen oder aufeinander folgen, dass die Brüche und Übergänge nicht stören.“ (Fischer Film Almanach 1995)
Tarantino erzählt von zwei Profikillern, die zuerst Glück und dann Pech bei ihrer Arbeit haben, einem Boxer, der entgegen der Absprache einen Boxkampf gewinnt und sich dann wegen einer Uhr in Lebensgefahr begibt, einem Gangsterpärchen, das ein Schnellrestaurant überfällt, einem Killer, der die Frau seines Chefs ausführen soll und in Teufels Küche gerät, einer Gangsterbraut, die eine Überdosis nimmt, einem Killer, der zum Christ wird und von einem Tanzwettbewerb.
Kurz: wir haben mit einem Haufen unsympathischer Leute eine verdammt gute Zeit.
Der Kassenknüller erhielt zahlreiche Preise, aber für Krimifans zählt natürlich nur der gewonnene Edgar.
Aufgrund der Uhrzeit könnte eine gekürzte Fassung des FSK-16-Films gezeigt werden.
Mit Tim Roth, Harvey Keitel, Uma Thurman, Amanda Plummer, John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Rosanna Arquette, Ving Rhames, Eric Stoltz, Christoper Walken, Quentin Tarantino, Steve Buscemi
Wissenswertes über Erlangen: dort wird jedes Jahr beim Internationalen Comic-Salon in mehreren Kategorien der wichtigste deutsche Comicpreis, der Max-und-Moritz-Preis, vergeben.
Dieses Jahr gewann Tobias Aeschbacher mit „Der Letzte löscht das Licht“ den Preis für das beste deutschsprachige Comic-Debüt. Es handelt sich um eine Kriminalgeschichte in der Quentin-Tarantino-Tradition. Wir erinnern uns: Nach seinen beiden ersten Filmen „Reservoir Dogs“ und „Pulp Fiction“ und dem Drehbuch für „True Romance“ wollte jeder so wie Tarantino erzählen. Es kam zu einer Schwemme von Filmen und Büchern, die Gewalt mit coolen Sprüchen verbanden. Manchmal gut, meistens nicht gut.
Auch bei Aeschbacher sind die Verbrecher extrem redselig, der Respekt vor dem Leben und der körperlichen Unversehrtheit nicht vorhanden und eine Situation gerät schnell und mit grotesken Folgen außer Kontrolle. Es ist, als ob bei einem „Was ist das Schlimmste, das passieren kann?“-Spiel immer die schlimmste Option gezogen würde.
Eric, der Kopf eines Gangstertrios will unbedingt einen Koffer und eine Vase, die ihm gestohlen wurden, wieder haben. Geklaut wurde die Vase mit dem für Eric wertvollen Inhalt von einem jungen Pärchen, das mit Überfällen sein Einkommen bestreitet. Sie wohnen in einem heruntergekommenem Mietshaus. In ihm fällt, wie Aeschbacher in seinem Comic zeigt, regelmäßig der Strom aus und in jedem der sechs Apartment gibt es in der Geschichte mindestens eine Begegnung mit dem Tod. Die erste ist in dem Apartment, in dem das Gaunerpärchen wohnt. Weil sie die Vase, die Eric unbedingt wieder haben will, bereits an eine Nachbarin weitergegeben hat, und jemand von oben durch die Decke auf sie schießt, gibt es in dem Mietshaus den ersten Schusswechsel und die ersten Toten.
Danach besucht Eric die anderen Wohnungen und begegnet den Mietern. Diese sind unter anderem ein Auftragskiller und seine Katze, ein illegal Cannabis anbauendes Kifferpaar und ein älteres Ehepaar, das einen Doppel-Suizid begehen will. Normalerweise endet jeder Besuch, teils auf groteske Weise, mit Verletzungen und Toten.
Davor gibt es lange zwischen Pseudo-Coolness und bratzender Dummheit oszillierende Mono- und Dialoge. Im Gegensatz zu Aeschbachers Figuren erscheinen Tarantinos Figuren wie große Schweiger und tiefsinnige Denker. Dazwischen gibt es alle paar Seiten eruptiv ausbrechende tödliche Gewalt. Denn – die Geschichte spielt in der Schweiz – in fast jedem Schrank liegt eine Schusswaffe.
„Der Letzte löscht das Licht“ ist ein okayes Werk in der Tarantino-Tradition.
Der Panther wird gehetzt (Classe tous risques, Frankreich/Italien 1960)
Regie: Claude Sautet
Drehbuch: José Giovanni, Claude Sautet, Pascal Jardin
LV: José Giovanni: Classe tous risques, 1958 (Das Ende vor Augen)
Gangster Abel Davos kehrt aus seinem italienischen Versteck nach Frankreich zurück. Seine alten Freunde wollen nichts mehr von ihm wissen. Nur der Einzelgänger Eric Stark hält zu ihm.
Tolles Unterweltdrama über die letzten Tage eines Gangsters. Jean-Pierre Melville war begeistert. „Für mich bedeutete dieser Film einen Wendepunkt in meiner Karriere, rein gefühlsmäßig zählt er sehr viel. Er gehört zu jenen Filmen, die ich liebe. Aber das ist ganz persönlich.“ (Lino Ventura)
Damals fand die kirchliche Filmkritik keine lobenden Worte: „Was soll eigentlich der Film? Eine spannende Handlung hat er nicht zu bieten…Dann wird zu unserer berechtigten Empörung das Leben eines Verbrechers ganz unverfroren als Beruf hingestellt. In der gleichen Weise wird die Freundestreue hier so erstaunlich gewürdigt, dass man beinahe vergisst, dass hier Menschen durch Gewaltverbrechen aneinander gebunden sind. Die Kinder des Panthers sind schließlich noch der Gipfel der Unverfrorenheit, denn sie dienen nur dem Zweck, den eiskalten Mörder außerberuflich zum rührenden Familienvater zu verklären.“ (Evangelischer Filmbeobachter)
LV: Victor Hugo: Les Misérables, 1862 (Die Elenden)
Genaugenommen handelt es sich nicht um eine TV-Premiere, weil der fast dreistündige Film bereits schon mindestens einmal im deutschen Fernsehen lief (laut OFDb am 9. Oktober 1999 um 06.05 Uhr auf RTL II [kein Kommentar]). Aber er ist hier vollkommen unbekannt, obwohl Claude Lelouch („Ein Mann und eine Frau“) die Regie führte und das Drehbuch schrieb, Jean-Paul Belmondo die Hauptrolle spielt (und er dabei in drei Rollen brilliert), die Vorlage Victor Hugos „Les Misérables“, ein vielfach verfilmter Nationalklassiker, ist, der Film in Frankreich in der Startwoche auf dem ersten Platz stand, er von Kritikern gelobt wurde und den Golden Globe als bester fremdsprachiger Film erhielt.
Bemerkenswert bei Lelouchs Adaption von Hugos Roman, der die Geschichte des ehemaligen Sträflings Jean Valjean erzählt, der nach seiner Haft in der Gesellschaft aufsteigt, aber immer Angst davor hat, dass jemand von seiner Haft erfährt, sind die Freiheiten, die Lelouch sich nimmt. Er verlegt die Geschichte in die erste Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts und er lässt die Geschichte auf mehreren Zeitebenen spielen, unter anderem während der Nazi-Zeit.
mit Jean-Paul Belmondo, Michel Boujenah, Alessandra Martines, Salomé Lelouch, Annie Girardot, Philippe Léotard, Robert Hossein
auch ‚bekannt‘ als „Les Misérables“
Wiederholung: Sonntag, 9. Juni, 11.25 Uhr
Hinweise
Arte über den Film (nach der Ausstrahlung in der Mediathek neben anderen Filmen von Claude Lelouch)
Leonardo DiCaprio spielt einen Spion, der sich in die Gehirne von anderen Menschen einloggt. Jetzt soll er allerdings nichts ausspionieren, sondern eine schädliche Idee in das Gehirn seines Opfers implantieren.
Die Kritiker waren begeistert von “Batman“ Christopher Nolans Mindfuck. Die Zuschauer ebenso. Die Kinobetreiber zählten strahlend die verkauften Eintrittskarten. Denn „Inception“ ist ein inzwischen seltenes Beispiel für Blockbusterkino, bei dem man sein Gehirn nicht an der Kinokasse abgeben muss.
mit Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Ken Watanabe, Cillian Murphy, Tom Berenger, Marion Cotillard, Pete Postlethwaite, Michael Caine, Lukas Haas
Die High School haben sie überstanden und jetzt wollen die fünf Schulfreunde zum letzten Mal die Freiheit genießen, bevor, so sagen sie am Filmanfang vollkommen unironisch, der Ernst des Lebens beginne. In einem alten Transporter wollen sie von ihrem Heimatdorf Wiley, Oregon, zum Pazifik fahren. Es handelt sich dabei um eine Strecke von 513 Meilen, was nach US-amerikanischen Maßstäben ein Katzensprung ist. Für dem Ausflug müssen sie noch nicht einmal ihren Heimatstaat verlassen. Trotzdem ist dieser Kurztrip für sie ein großes Abenteuer und möglicherweise das letzte Mal, dass sie als Clique über einen längeren Zeitraum zusammen sind.
Die Ross Brothers Bill und Turner schildern in ihrem neuesten Independent-Film „Gasoline Rainbow“ diese Fahrt indem sie Fotos, Handy-Aufnahmen und professionelle Aufnahmen munter und mit vielen Schnitten zu einem in sich geschlossenem Werk machen. Auch wenn die wackeligen Handyaufnahmen am Anfang nerven, überzeugt dieser Teil des Films. Die Story schwächelt dagegen.
In dem Road-Movie bewegen sich die fünf Jugendlichen, drei Jungen und zwei Mädchen, meistens von einer Party zur nächsten Party, die sich kaum von der vorherigen Party unterscheidet. Auf ihrem Weg treffen sie einige Partygäste öfter. Die Begegnungen erschöpfen sich dann vor allem im gemeinsamen Tanzen und Konsum aller möglichen legalen und illegalen Drogen.
Nur aufgrund der zurückgelegten Entfernungen zwischen den Party-Orten unterscheidet sich das Party-Hopping der Reisenden von einem hiesigen Party-Hopping, bei dem an einem Samstagabend von Kneipe zu Kneipe, Party zu Party, getrunken wird.
Dabei entsteht ein ziemlich deprimierendes Bild der USA. Es gibt, abseits fotogener Sonnenuntergänge, keinen Mythos USA mehr. Die fünf Jugendlichen suchen auch nicht, wie die beiden Motorradfahrer in „Easy Rider“, danach. Sie wollen nur möglichst schnell und ohne erkennbaren Widerstand einen Job bekommen. Für sie ist der Kurztrip zur Party am Ende der Welt das letzte große Abenteuer. Und dabei sind sie noch zu jung um in Oregon legal Bier zu trinken, Bars zu besuchen oder Zigaretten zu kaufen. Dafür müssten sie 21 Jahre alt sein. Mehr Anpassung an die Gesellschaft und deren Ideale gibt es wohl nicht.
Im Film erfahren wir arg wenig über die fünf Jugendlichen. Sie werden von Laienschauspielern gespielt, die hier ihre erste Filmrolle hatten. Die Ross Brothers gaben ihnen kein ausgearbeitet Drehbuch, sondern nur Notizen, die die Grundlage für Improvisationen bildeten. Auch nach gut zwei Stunden kennen wir nicht ihre Namen und können sie nicht voneinander unterscheiden. Sie sind ganz normale Jugendliche ohne besondere Eigenschaften, Interessen, Fähigkeiten – und mit einem für Teenager erstaunlich altmodischem Musikgeschmack. So singen sie im Van „Yellow Submarine“ und „Don’t worry, be happy“, hören Ice Cube und Guns N‘ Roses.
Während in „Easy Rider“ die beiden Motorradfahrer auf ihrer Fahrt durch die USA, musikalisch begleitet von einigen Songs, die zu Klassikern wurden, nach der Seele Amerikas suchten und von einem anderen Amerika träumten, suchen die Reisenden in „Gasoline Rainbow“ nur nach dem nächsten Bier; – was dann auch eine Aussage über das heutige Amerika ist.
Gasolne Rainbow(Gasoline Rainbow, USA 2023)
Regie: Bill Ross IV, Turner Ross (aka The Ross Brothers)
Drehbuch: Bill Ross IV, Turner Ross
mit Makai Garza, Micah Bunch, Nichole Dukes, Nathaly Garcia, Tony Aburto
LV: Elmore Leonard: The Switch, 1978 (Wer hat nun wen auf’s Kreuz gelegt?)
1978 hoffen die Ganoven Ordell Robbie and Louis Gara (yep, die in „Rum Punch“/“Jackie Brown“ wieder dabei sind), mit der Entführung der Frau eines Immobilienhais an das große Geld zu kommen. Dummerweise will der Geschäftsmann seine Frau nicht wieder haben. Und die will sich das nicht gefallen lassen.
Okaye Verfilmung eines alten Elmore-Leonard-Romans, der trotz guter Besetzung bei uns nur auf DVD erschien.
„Dank guter Darsteller und flotter Inszenierung wird aus dem etwas abgegriffenen Komödienstoff halbwegs passable Unterhaltung.“ (Lexikon des internationalen Films).
Frühere Verfilmungspläne wurden wegen einer zu großen Ähnlichkeit zur erfolgreichen Komödie „Die unglaubliche Entführung der verrückten Mrs. Stone“ (USA 1986) gecancelt.
mit Jennifer Aniston, Yasiin Bey (aka Mos Def), Isla Fisher, Will Forte, Mark Boone Junior, Tim Robbins, John Hawkes, Kevin Corrigan
Ein Drehbuchautor sagte einmal, dass es in der Geschichte über die Alien-Invasion und die Jugendlichen, die gegen die Außerirdischen kämpfen, um seine Beziehung zu seiner Frau gehe. Aber kein Hollywood-Produzent hätte einen teuren Spielfilm über zwei weinerliche Fünfzigjährige finanziert. Über verliebte Jugendliche, Aliens und eine zerstörte Kleinstadt schon. Er sagte auch, dass niemand, der sich den Film ansieht, diesen Hintergrund – also die Sache mit seiner Bezeihung zu seiner Frau – auch nur ahne. Und das gut so. Jedenfalls wenn es um Unterhaltungsfilme geht, die sich an ein breites Publikum richten. Da kann das Wissen um die persönlichen Hintergründe und die Inspiration für das Drehbuch interessant sein, aber es ist letztendlich unwichtig für den daraus entstandenen Film, der als eigenständiges Werk funktionieren muss.
Bei „The End we start from“ ist das anders. Hier ist eine bestimmte Interpretation so offensichtlich, dass sie nicht wirklich ignoriert werden kann. Und, je nachdem, ob man sich auf das Geschehen auf der Leinwand oder auf die Interpretation konzentriert, ist der Film schlechter oder besser.
Im Mittelpunkt steht eine von Jodie Comer gespielte Frau, die auch in den Credits nur „Woman“ (bzw. „Frau“) heißt. Sie ist hochschwanger, glücklich verheiratet und lebt mitten in London in einem kleinen Einfamilienhaus. So weit, so normal.
Aber ein ständiger Regen führt zu Überschwemmungen in der Stadt und dem ganzen Land. Dieser Regen führt zu einem Zusammenbruch der britischen Gesellschaft. Auch nachdem es aufhört zu regnen, kehrt die Gesellschaft nicht schnell zur Normalität zurück, sondern sie begibt sich in die Welt der Apokalypse-Dystopien, in denen die Menschen sich in kleinen Gruppen zusammenrotten und gegenseitig umbringen. Faustrecht eben.
Nach der Geburt fahren die Frau und ihr Mann zuerst zu seinen Eltern, die etwas abgelegen auf dem Land leben. Als die Eltern des Mannes bei der Suche nach Nahrung getötet werden, begeben sich die Frau und ihr Mann auf eine Reise durch das Land. Zuerst zusammen, später getrennt und ohne eine Möglichkeit miteinander in Kontakt zu treten. Handy können nicht aufgeladen werden, das Internet und das Telefonnetz funktionieren nicht mehr; jedenfalls vermute ich das, weil sie es nicht benutzen.
Sie findet in einem Lager des Militärs, das mit Waffengewalt gegen Angriffe von Außen geschützt wird, ein Bett. Vor dem Lager trennen sie sich und er verschwindet in den Wäldern. Fortan taucht er nur noch in ihren Erinnerungen und in Visionen auf, in denen er tatenlos in der Landschaft herumsteht.
Weil ihr das Leben in dem Lager nicht gefällt, begibt sie sich mit einer anderen Frau auf den Weg zu anderen Gruppen, die anders organisiert sein sollen.
Vom Plot her ist „The End we start from“ eine typische Dystopie, die wie an einer Perlenkette ein Dystopie-Klischee an das nächste reiht. Nur dass hier eine Frau mit einem nur wenige Wochen altem Baby durch die postapokalyptische, sehr sumpfige Landschaft wandert. Das ist gut gemacht, aber in seiner Vorhersehbarkeit auch elend langweilig. Viel zu einfallslos werden die bekannten Stationen einer dystopischen Reisegeschichte abgehakt. Da helfen auch die atmosphärischen Bilder und die guten Schauspieler nicht.
Die Apokalypse selbst und warum Überschwemmungen eine Gesellschaft vollkommen zusammenbrechen lassen, wird nicht weiter erklärt. Das muss einfach so hingenommen werden.
Wenn man die Geschichte allerdings als eine leicht zu entschlüsselnde Metapher auf die Gefühle einer Frau während und nach ihrer Schwangerschaft sieht, dann ist das etwas anders. Dann ist das Dystopie-Gewand eine interessante Visualisierung ihrer Gefühle. Die Frau wandert allein durch eine feindliche Welt. Ihr Mann zieht sich schnell aus der gemeinsamen Kindererziehung zurück. Verschiedene Menschen geben ihr Ratschläge. Es ist ein einziger Alptraum, den sie allein durchleiden muss. Und den nur sie für sich beenden kann. Erst danach kann aus dem „ich“ ein „wir“ werden.
Diese Interpretation macht aus „The End we start from“ und seinem Ende, das, wie der Titel verrät, ein Anfang ist, einen deutlich interessanteren Film.
P. S.: Jodie Comers nächster Film startet bereits am 20. Juni. In Jeff Nichols‘ „The Bikeriders“ hat sie eine der Hauptrollen. Meine Besprechung des in den sechziger Jahren spielenden Biker-Dramas gibt es zum Kinostart.
The End we start from (The End we start from, Großbritannien 2024)
Regie: Mahalia Belo
Drehbuch: Alice Birch
LV: Megan Hunter: The End we start from, 2017 (Vom Ende an)
mit Jodie Comer, Joel Fry, Katherine Waterston, Gina McKee, Nina Sosanya, Mark Strong, Sophie Duval, Benedict Cumberbatch
Wenn in Archiven gestöbert wird, tauchen manchmal unbekannte, aber ausgezeichnete Aufnahmen auf (ich sage nur John Coltrane) oder gern von allen Beteiligten vergessenes (wie dieses „Star Wars Holiday Special“ von 1978), oder der Mitschnitt einer katastrophal aus dem Ruder gelaufenen Talkshow. Jedenfalls wird das am Anfang von „Late Night with the Devil“ gesagt.
Es geht um die 1977er Halloween-Show von „Night Owls with Jack Delroy“. Jack Delroy war damals ein Late-Night-Host, dessen Show mit Quotenproblemen zu kämpfen hat; was eine freundliche Umschreibung für „der Sender überlegt, ob er die Show aus dem Programm streicht“ ist. Außerdem ist Delroy immer noch in Trauer über den erst einen Monat zurückliegenden qualvollen Tod seiner Frau. Die Halloween-Show soll die Wende bringen. Dafür sind, passend zum Sendeabend, dem allgemeinen Interesse an Okkultem, Übernatürlichem und, nach den Kinohits „Der Exorzist“ und „Das Omen“, vom Teufel besessenen Kindern, Gäste eingeladen, die etwas zu dem Thema des Abends sagen können. Es sind ein Hellseher, ein junges, von einem Dämon besessenes Mädchen, ihre Vertrauensperson, die einen Bestseller über diesen Fall schrieb, und ein den gesamten Hokuspokus ablehnender Experte für Paranormales.
Ziemlich schnell wird der geplante Ablauf von unvorhergesehenen Ereignissen gestört. Möglicherweise ist der Teufel als nicht eingeladener Gast dabei. Oder es handelt sich nur um einen weiteren Fall von kollektivem Wahn, der dieses mal allerdings von Kameras aufgezeichnet wird.
Mit „Late Night with the Devil“ haben die australischen Brüder Cameron und Colin Cairnes einen Found-Footage-Horrorfilm gedreht, der am Ende seine Prämisse verrät. Das führt zu einem ziemlich durchgedrehtem Finale und ermöglicht es ihnen, einige der vorher im Film geschehenen Ereignisse und Motive des Gastgebers und der Talkshow-Gäste zu erklären. Ob man diese Entscheidung jetzt gut oder schlecht findet, ist Geschmacksache. Mich störte sie nicht. Im Gegentei: sie gefiel mir und befriedigte mich mehr als das alles offen lassende Ende von „The Blair Witch Project“, der Mutter aller Found-Footage-Horrorfilme.
Bis zum Finale erfreut der Horrorfilm der Cairnes-Brüder mit seiner gelungenen Rekonstruktion einer Late-Night-Show aus den siebziger Jahren und dem ebenso gelungenem Spiel mit, vor allem, 70er-Jahre-Horrorklischees und dem damaligen kollektiven Wahn vor teuflischen Besessenheiten. Das liegt an dem guten Drehbuch, der souveränen Regie, den unbekannten, aber guten Schauspielern (David Dastmalchian, der den Gastgeber Jack Delroy spielt, ist der bekannteste Name im Ensemble und auch ihn dürften nur die Menschen kennen, die sich in Blockbustern für jeden Nebendarsteller interessieren), der die 70er Jahre heraufbeschwörenden Ausstattung und der benutzten Technik. Die Cairnes-Brüder entschlossen sich, einfach die in damaligen Talkshows übliche Technik zu verwenden und die Schauspieler spielen zu lassen. In einer Live-Talkshow gibt es ja auch keine Schnitte, sondern nur Werbepausen, in denen hektisch das Make-Up des Moderators erneuert wird, Absprachen getroffen werden und, nach Bedarf, auf- und umgeräumt wird.
Schon jetzt ist „Late Night with the Devil“ einer der besten Horrorfilme des Jahres. Das Regieduo beschreibt ihn zutreffend als „unsere alptraumhafte Ode an die Talkshows und Horrorfilme der 70er Jahre“.
Late Night with the Devil(Late Night with the Devil, Australien/USA/Vereinigte Arabische Emirate 2023)
Regie: Cameron Cairnes, Colin Cairnes
Drehbuch: Cameron Cairnes, Colin Cairnes
mit David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Ingrid Torelli, Rhys Auteri, Georgina Haig, Josh Quong Tart, Michael Ironside (Erzähler)
Ein Becken voller Männer(Le grand bain, Frankreich 2018)
Regie: Gilles Lellouche
Drehbuch: Gilles Lellouche, Ahmed Mamidi, Julien Lamroschini
Der dauerkrankgeschriebene antriebslose Bertrand schließt sich einer Gruppe vor sich hin dilettierender Synchronschwimmer an. Das ändert sich, als sie an der Weltmeisterschaft teilnehmen wollen.
TV-Premiere. Bekannte Geschichte, anderes Land. In der französischen Variante von „Männer im Wasser“ und „Swimming with Men“ (oder, wenn wir das Wasser verlassen, „Ganz oder gar nicht“) wird die flott erzählte Geschichte mit einer Top-Besetzung mehr dramatisch und melancholisch als witzig durchgespielt.
Niemand mochte das Mordopfer. Entsprechend groß ist die Zahl der Verdächtigen, die den über siebzigjährigen Hotelbesitzer Roger Béliot getötet haben könnten. Ganz oben auf der Liste der Verdächtigen stehen die drei Frauen, mit denen das Opfer in festen Beziehungen lebte. Die Hauptverdächtige ist seine erste Ehefrau Francoise, eine fast zwanzig Jahre jüngere Französin. Sie trennten sich schon vor Ewigkeiten. Aber jetzt will sie die Hälfte seines Vermögens. Sie wurde sofort nach dem Mord verhaftet und sitzt in Maputo im Gefängnis. Béliots zweite Ehefrau ist ebenfalls deutlich jünger als er. Fatouma ist Mosambikanerin und die Tochter eines mächtigen Stammesfürsten. Sie lernten sich während ihres Studiums auf der Handelshochschule kennen. Er unterrichtete dort. Sie sind schon seit längerem getrennt. Zuletzt war Béliot mit der mehrere Jahrzehnte jüngeren Lucrecia zusammen. Sie erwartet ein Kind von ihm. Und das sind nur die Verdächtigen aus Béliots Privatleben.
Während die Polizei mit Francoise als Täterin hochzufrieden ist, zweifelt Aurel Timescu an ihrer Täterschaft. Aurel ist seit einigen Monaten als Konsul in Mosambik. Der Mittfünfziger hat im diplomatischen Dienst keine große Karriere mehr vor sich. Ehrlich gesagt hat er eine solche Bilderbuchkarriere auch nie angestrebt. Inzwischen ist er unkündbar und wird an die entlegensten Orte geschickt. Dort bemüht er sich, möglichst wenig zu arbeiten. Bis es einen Mordfall gibt, der sein Interesse weckt.
„Der Tote im Pool“ ist der zweite von bis jetzt fünf Rätselkrimis mit Aurel Timescu, die Jean-Christophe Rufin seit 2018 in Frankreich veröffentlichte. Auf Deutsch sind bis jetzt die ersten beiden Bände erschienen. Mit 208 Seiten ist „Der Tote im Pool“ angenehm kurz. Der Krimi verschwendet keine Zeit mit länglichen Nebengeschichten. Er konzentriert sich ausschließlich auf den Mordfall und die Suche nach dem Täter. Diese süffig geschriebene Tätersuche mit humoristischem Unterton findet vor exotischer Kulisse statt und besitzt ein ordentliches Retro-Flair. Das erinnert dann mehr an einen Kolonialkrimi, in dem weiße Europäer in den Kolonien unter der tropischen Hitze litten, liebten und mordeten, als an einen aktuellen Krimi, in denen es Klimaanlagen, Computer und Mobiltelefone gibt.
Der von Rufin erfundene Konsul Aurel Timescu lehnt ein solches Mobiltelefon für sich ab. Er möchte für seinen Vorgesetzten möglichst schwer erreichbar sein. Er ist ein Ermittler mit offensiv vorgetragener Arbeitsunlust, liebevoll gepflegter Misantrophie, exzessivem Weinkonsum, nächtlichen Arbeitsstunden und einer Liebe zum Jazz. Er entspricht dabei von seiner Persönlichkeit und seinem Verhalten weniger einem heute lebendem Mittfünziger, sondern einem Mann aus den fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts, der sich bestimmt gut mit Monsieur Claude versteht. Aurel ist ein von Rufin voller Sympathie beschriebenes, tapfer Widerstand leistendes Relikt aus einer anderen Zeit.
So ist „Der Tote im Pool“ vielleicht etwas aus der Zeit gefallen. Aber das ändert nichts am Lesevergnügen. Rufins zweiter Aurel-Timescu-Krimi ist genau der richtige Krimi für einen langen Tag am Pool.
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Jean-Christophe Rufin: Der Tote im Pool – Ein Fall für den Konsul
Gloria Mundi – Rückkehr nach Marseille (Gloria Mundi, Frankreich/Italien 2019)
Regie: Robert Guédiguian
Drehbuch: Serge Valletti, Robert Guédiguian
Glorias Geburt ist ein freudiges, die Familie zusammenführendes Ereignis. Aber es ist nur eine kurze Unterbrechung von den Alltagssorgen, die die in Marseille lebende Arbeiterfamilie hat. Und dann taucht auch noch, nach zwanzig Jahren im Gefängnis, Daniel wieder auf. Er möchte seiner Familie helfen.
TV-Premiere. Gekonnt und etwas spröde zwischen Analyse, Sozialdrama und, am Ende, Feelgood-Movie schwankendes Drama.
Vielleicht beginne ich meine Kritik von Radu Judes neuem Film „Erwarte nicht zu viel vom Ende der Welt“ mit einer Erklärung des Regisseurs über seinen Film:
„‚Do Not Expect Too Much From The End Of The World‘ (the title quotes an aphorism by Stanislaw Jerzy Lec) is a fragmentary film (part comedy-part road-movie, part montage film-part camera based film) about work, exploitation, death and the new gig economy.
At the same time, it is a film dealing with the difficult problem of image production. All these
are at the surface level, as they say – but the film only has this one level, it is a film of surfaces, a film with no depth.
And it is a film which, in its structure and mise-en-scene, is even more amateurish than my last films.“
Das ist zutreffend, erklärt einiges und beugt gegen Kritik vor. Ihm Eindimensionalität vorzuwerfen, wenn er eindimensional sein will, ist wie einem Punksong vorzuwerfen, keine von einem Sinfonieorchester filigran gespielte Oper zu sein. Oder einem Woody-Allen-Film die Abwesenheit von Action und CGI vorzuwerfen.
Und trotzdem bleibt ein ungemütliches Gefühl. Jude bezieht keine eindeutige Position. Er zeigt nur, präsentiert Positionen, stellt sie gegeneinander, dekonstruiert sie und seine episodische Filmgeschichte. Er überlässt dem Zuschauer die Entscheidung, auf welcher Seite sein Film steht und was sein knapp dreistündiger Rundumschlag gegen den Kapitalismus und Rumänien genau sagen will und bewirken möchte.
Die schwarzhumorige Satire besteht aus zwei Teilen. Im ersten Teil „Angela: Konversation mit einem Film von 1981“ zeigt Jude einen Tag aus dem Leben von Angela. Die Produktionsassistentin fährt durch Bukarest. Sie soll mit verschiedenen Menschen, die als Betroffene in einem Video über Sicherheit am Arbeitsplatz auftreten könnten, Vorgespräche führen. Sie zeichnet die Gespräche auf. Wer dann in dem Video auftritt, wird später entschieden. Zwischen diesen Gesprächen trifft sie auch andere Menschen, wie Uwe Boll (als er selbst), der gerade in der rumänischen Hauptstadt seinen neuen Film dreht. Und sie macht in jeder freien Minute als Bobiță TikTok-Videos. Bobiță ist ein glatzköpfiger Mann, der Andrew Tate vergöttert und ungefiltert hasserfüllte, rechtsradikale, reaktionäre und chauvinistische Tiraden über Frauen und die Gesellschaft herauskotzt. Die TikTok-Videos sind eine Triebabfuhr, die gleichzeitig ein Aufruf zum Hass sind. Der von ihr benutzte Filter ist schon auf den ersten Blick auffallend schlecht und enthüllt später immer wieder ihre wahre Identität. Ihre Follower scheint das nicht zu stören.
In diesen, mit zwei Stunden längerem Teil der Schwarzen Komödie schneidet Jude Bilder aus Lucian Bratus „Angela merge mai departe“ (Rumänien 1981). In dem Spielfilm fährt die Taxifahrerin Angela durch Bukarest. Dorina Lazar, die damals die Taxifahrerin spielte, spielt jetzt die Mutter eines nach einem Arbeitsunfall im Rollstuhl sitzenden Mannes. Dieser Mann wird letztendlich für das Video über Sicherheit am Arbeitsplatz ausgewählt.
Der zweite Teil „Ovidiu (Rohmaterial)“ zeigt dann die Dreharbeiten für das Video. In einer vierzig Minuten langen statischen Einstellung, die nur den Verunglückten mit seiner Familie zeigt, zeigt Jude, wie die Geschichte des Mannes für die Aufnahme geändert wird. Denn einiges möchten die Auftraggeber für das Video so nicht hören. Sie sind nämlich auch für den Arbeitsunfall mitverantwortlich und prozessieren gerade über die Höhe der Entschädigung.
Mit 163 Minuten ist Radu Judes neuer Film, nach seinem Berlinale-Gewinner „Bad Luck Banging or Loony Porn“, länger als nötig. Er lässt Angela ewig durch das anscheinend riesige Bukarest fahren. Er lässt sie mehr Videos als nötig drehen. Der erste Teil von „Erwarte nicht zu viel vom Ende der Welt“ ist eine Situationsbeschreibung, die einfach auf alles einschlägt, was gerade in Rumänien und der Welt aktuell ist. Wie ein kleines Kind schlägt er wild um sich und versucht dabei möglichst viele Menschen zu verärgern, zu verstören und alle zu irritieren. Auf welcher Seite Jude bei seinem Rundumschlag steht, bleibt unklar. Er scheint alle seine Figuren zu verachten und genussvoll in die Pfanne zu hauen. So schleimt sich seine Protagonistin Angela, die gerne Regisseurin wäre, zuerst bei Uwe Boll ein, dreht ein Bobiță-Video mit ihm und sagt in der nächsten Szene zu einer Freundin, dass Boll ein Idiot sei. Da kann sich dann jeder heraussuchen, was ihm gefällt.
Der zweite Teil, in dem Video für mehr Arbeitssicherheit gedreht wird, und dabei auf jede Formulierung des Geschädigten geachtet wird, ist dann fokussierter.
Insgesamt hinterlässt Judes atemlose Mischung aus Schwarze Komödie und Satire einen zwiespältigen Eindruck.
Erwarte nicht zu viel vom Ende der Welt(Nu astepta prea mult de la sfârsitul lumii, Rumänien/Luxemburg/Frankreich/Kroatien 2023)
Regie: Radu Jude
Drehbuch: Radu Jude
mit Ilinca Manolache, Ovidiu Pîrsan, Nina Hoss, Dorina Lazar, László Miske, Uwe Boll
Mit Musik geht bei ‚Baby‘ nicht alles besser. Bei geht alles nur mit Musik. Zum Beispiel wenn er als Fluchtwagenfahrer einigen Gangstern bei der Flucht vor der Polizei hilft. Als er sich verliebt, will er aus dem Verbrecherleben aussteigen. Davor soll er noch bei dem berühmten letzten großen Überfall mitmachen.
Harter Gangsterthriller mit einer Portion Humor und so viel gut ausgewählter Musik, dass er sich mühelos zum Gangster-Musical qualifiziert. Und ich meine das lobend!
mit Ansel Elgort, Kevin Spacey, Lily James, Jon Hamm, Jamie Foxx, Eiza González, Jon Bernthal, Micah Howard, Morse Diggs, CJ Jones, Sky Ferreira, Lance Palmer, Flea, Lanny Joon, Big Boi, Killer Mike, Paul Williams, Jon Spencer, Walter Hill
Innerhalb eines Tages sollen Christian Alvart (Drehbuchautor, Regisseur, Produzent und Kameramann), Gizem Emre (Schauspielerin), Guido Reinhardt (Produzent) und Mira Thiel (Regisseurin) ein Manifest für den Umgang der Filmbranche mit Künstlicher Intelligenz erstellen. Einige Expert*innen, – Sven Bliedung von der Heide (Geschäftsführer eines Studios für volumetrische Erfassung), Thomas Kornmaier (Experte für KI-Storytelling), Dr. Oliver Scherenberg (Rechtsanwalt und Experte für Urheberrecht) und Prof. Dr. Sarah Spiekermann (Wirtschaftsinformatikerin und Expertin für digitale Ethik) -. geben mehr oder weniger erkenntnisfördernden Input. Collien Ulmen-Fernades gibt alle paar Minuten penetrant den Erklärbar, der auch immer wieder zusammenfasst, was gerade gesagt wurde. So füllt sich die Sendezeit, während es kaum neue Erkenntnisse gibt.
Am Ende des Tages hat die vierköpfige Selbsthilfegruppe kein Manifest, aber einige Stichworte, aus denen sie in den folgenden Tagen einen Text formulierte, der eine Grundlage für weitere Diskussionen sein soll (und den ich gerade im Internet nicht finde).
Um nicht falsch verstanden zu werden: Diese Diskussion ist wichtig und notwendig. Und eine gut recherchierte Reportage kann bei der Meinungsbildung helfen. „Das KI-Manifest“ ist nicht diese Reportage.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 