See how the run (See how they run, Großbritannien/USA 2022)
Regie: Tom George
Drehbuch: Mark Chappel
London, 1953: im Theater wird der Regisseur von Agatha Christies Theaterstück „Die Mausefalle“ hinterhältig ermordet. Scotland-Yard-Inspector Stoppard (Sam Rockwell) und seine neue Assistentin, Constable Stalker (Saoirse Ronan), ermitteln.
TV-Premiere. Kurzweilige, witzige und bewusst traditionsbewusste Meta-Rätselkrimiunterhaltung mit einem gut aufgelegtem Ensemble und dem Wissen, dass alle die Regeln eines Rätselkrimis kennen.
mit Sam Rockwell, Saoirse Ronan, Adrien Brody, Ruth Wilson, David Oyelowo, Reece Shearsmith, Harris Dickinson, Charlie Cooper, Shirley Henderson, Lucian Msamati, Pippa Bennett-Warner, Pearl Chanda, Paul Chahidi, Sian Clifford, Jacob Fortune-Lloyd, Tim Key, Ania Marson
Die reichen Leichen – Ein Starnbergkrimi (Deutschland 2014)
Regie: Dominik Graf
Drehbuch: Sathyan Ramesh
Erster Arbeitstag für Polizeimeisteranwärterin Fink am Starnberger See und gleich gibt es eine Leiche, die aussieht wie der schon lange verstorbene König Ludwig II.
Heimatkrimi, Graf-Style. Das ist dann meilenweit von den üblichen „Soko Kitzbühel“-Erzeugnissen entfernt.
mit Annina Hellenthal, Andreas Giebel, Florian Stetter, Hannes Jaenicke, Ulrike C. Tscharre, Alicia von Rittberg, Martin Feifel, Eisi Gulp, Beatrice Richter, Saski Vester
Kann eine Künstliche Intelligenz einem Vater helfen, sein Kind vor dem Tod zu retten? Diese interessante Frage versucht Simon Jaquemet in seinem dritten Spielfilm „Electric Child“ zu beantworten.
Kurz nach der Geburt ihres Sohnes erfahren Sonny und seine Frau Akiko, dass ihr Kind an einer seltenen degenerativen Nervenkrankheit leidet und mit fast hundertprozentiger Sicherheit innerhalb eines Jahres sterben wird.
Der bereits überarbeitete Sonny flüchtet sich noch mehr in seine Arbeit. Der junge Computerwissenschaftler arbeitet an einem Forschungsprojekt, in dem es darum geht, zu erfahren, wie eine Künstliche Intelligenz in einer virtuellen Welt überlebt und sich entwickelt. Dafür verpassen sie der KI das Aussehen eines Jungen und setzen ihn auf einer virtuellen Insel aus. Sie beobachten ihn. Manchmal versuchen sie ihn zu bestimmten Handlungen zu animieren. Sie versorgen ihn auch mit Waffen; – was auf eine militärische Verwendung seiner Forschung hindeutet. Bei dieser irgendwie streng geheimen Arbeit in einem hoch gesicherten Computerlabor hat er die Idee, mit der KI einen Pakt abzuschließen und so seinen Sohn zu retten.
Bis dahin vergeht allerdings einiges an Filmzeit. Simon Jaquemet etabliert nämlich mehrere Erzählstränge in der realen und virtuellen Welt. Nach dem die KI und Sonny ihre geheime Vereinbarung getroffen haben, beginnt die Sache aus dem Ruder zu laufen.
Ein Science-Fiction-Film aus der Schweiz? Warum nicht.
Ein Science-Fiction-Film zu einem aktuellen Thema? Gerne. Schließlich besteht Science-Fiction nicht nur aus dem Erkunden fremder Planeten und dem Abwehren von Alien-Invasionen, sondern auch aus dem Nachdenken darüber, in welcher Welt wir leben und in welcher Welt wir leben wollen.
Außerdem kann man über das trendige Thema Künstliche Intelligenz auch mit einem überschaubarem bis niedrigem Budget vorzügliche Filme machen. Filme wie „Ex Machina“ oder „Her“ haben das in den vergangenen Jahren gezeigt. Man muss nur eine gute Idee haben und diese dann konsequent ausformulieren. Die Idee hat Jaquemet. Bei der Ausführung hapert es dann.
Sicher, es passiert viel in dem Film. Eigentlich passiert immer irgendetwas. Aber nichts davon ist interessant. Vieles ist einfach nur rätselhaft oder unglaubwürdig. Viel zu oft bricht Jaquemet einfach mitten in der Szene ab. Später wird es zwischen Sonnys Alleingang mit der Künstlichen Intelligenz und den ominös bleibenden Finanziers seiner Forschung und deren mutmaßlichen Handlangern zu einem in jeder Beziehung konfusem Pseudo-Actionfilmende kommen.
Mit Verve setzt Jaquemet eine gute Idee in den Sand.
P. S.: Schönes Plakat!
Electric Child (Schweiz/Deutschland/Niederlande/Philippinen 2024)
Regie: Simon Jaquemet
Drehbuch: Simon Jaquemet
mit Elliott Crosset Hove, Rila Fukushima, Sandra Guldberg Kampp, João Nunes Monteiro, Helen Schneider
Während ihr Vater nach dem Tod seiner Frau halbherzig versucht, das mit Erinnerungen an ein gemeinsames glückliches Leben vollgestopfte Einfamilienhaus zu verkaufen, sind seine Tochter Amber und sein Sohn Jack weitgehend sich selbst überlassen. Immerhin verarbeitet Amber ihre Trauer in Zeichnungen von Dämonen, Monstern und seltsamen Wesen.
Eines Tages fällt ihr Malbuch, in dem die Skizzen sind, in einen kleinen See, in dem etwas ist, das Dinge verändert. Der See kann kaputte Dinge reparieren (wie ein zerbrochenes Handy-Display), heilen, Tote und auch Zeichnungen zum Leben erwecken.
Also werden Ambers Zeichnungen lebendig. Ihre primitiv gezeichneten Monster beginnen, wie es sich für einen guten Monsterfilm gehört, die ländliche Gegend zu erobern. Menschen, denen sie begegnen, versetzen sie in Todesangst. Und manchmal noch mehr. Beherzt nehmen Amber und Jack den Kampf gegen die Monster auf, die immer wie bunte und fantasievolle Kinderzeichnungen aussehen. Sie wollen das Chaos, für das sie verantwortlich sind, rückgängig machen.
„Sketch“ ist ein gelungener Horrorfilm für Kinder mit einer begrüßenswerten Botschaft. Thematisch setzt Seth Worleys Film sich mit der Frage von Trauer und Verlust auseinander. Alle Mitglieder der Familie Wyatt gehen unterschiedlich mit dem Tod ihrer Mutter um. Es gibt einige Lacher. Und die Monster sind ziemlich erinnerungswürdig.
Sicher, für Erwachsene ist dann alles etwas zu einfach. Aber sie gehören auch nicht zum Zielpublikm von „Sketch“. Das sind vorpubertäre Kinder, die die Bücher von R. L. Stine verschlingen und noch zu jung für den Stephen-King-Lesemarathon sind und die diesen spannenden und gut gemachten Film ohne ihre Eltern ansehen sollten.
Insofern ist die FSK-12-Freigabe etwas unglücklich. Denn eigentlich richtet sich „Sketch“ an etwas jüngere Kinder, die eine wohlige Gänsehaut verspüren wollen.
Sketch (Sketch, USA 2025)
Regie: Seth Worley
Drehbuch: Seth Worley
mit Tony Hale, D’Arcy Carden, Bianca Belle, Kue Lawrence
Drehbuch: Scott Beck, Bryan Woods, Mark Heyman (nach einer Geschichte von Scott Beck und Bryan Woods)
LV: Stephen King: The Boogeyman, 1973 (Kurzgeschichte, Cavalier 1973) (Das Schreckgespenst) (später erschienen in dem Sammelband „Nightshift“, 1978 [Nachtschicht])
Nach dem Suizid eines Patienten richtet sich im Schrank des Kinderzimmers des Hauses von Dr. Harper der titelgebende „Boogeyman“ ein und ängstigt Harpers beiden Töchter. Harpers älteste Tochter will ihre kleine Schwester beschützen.
TV-Premiere. „The Boogeyman“ besteht aus vertrauten Elementen, die in der vertrauten Reihenfolge mit weitgehend vertrauten Schreckmomente (es geht doch nichts über plötzliche laute Geräusche und plötzlich auftauchende monströse Monsterfinger) präsentiert werden.
(übersetzt von Barbara Heidkamp, Harro Christensen, Michael Kubiak, Karin Balfer, Ulrike A. Pollay, Sabine Kuhn, Ingrid Herrmann, Wolfgang Hohlbein, Bernd Seligmann und Stefan Sturm)
Dieses Mal haben nicht die Menschen die Erde vernichtet, sondern eine Sonneneruption hinterließ in der östlichen Hemisphäre der Erde eine flächendeckende Zerstörung. Seitdem sieht das Gebiet wie die Kulisse für einen schlecht aussehenden „Mad Max“-Film aus. Mit der Vernichtung der Welt wurde gleichzeitig die Zivilisation auf den Zustand des Faustrechts zurückgeworfen. Ob auf der gesamten Welt oder nur in der östlichen Hemisphäre, ist unklar und für die zehn Jahre nach der Katastrophe spielende Filmgeschichte auch unwichtig.
In diesem Dystopia erhält der professionelle Schatzsucher Jake (Dave Bautista) von dem in England lebendem, selbsternannten König August (Samuel L. Jackson) einen neuen Auftrag. König August ist ein sich gebildet gebender Gangster mit Herrscherambitionen und einer ständig größer werdenden Kunstsammlung. Dieses Mal soll Jake in Frankreich die Mona Lisa finden. Bei der Suche soll ihm die Freiheitskämpferin Drea (Olga Kurylenko) helfen.
Gemeinsam suchen sie in Frankreich die an einem unbekannten Ort versteckte Mona Lisa. Dabei treffen sie auf allerlei finstere Gestalten zwischen rasenden Zombiekannibalen und einen alle umbringen lassenden Warlord, der sich in einem Zug durch die Landschaft bewegt.
„Afterburn“ von J. J. Perry ist ein simpelst gestrickter dystopischer Actionthriller voller Logiklöcher und Weltkrieg-II-Filmzitaten. Die todernst präsentierte Story ist nicht mehr als eine einfachste Schnitzeljagd. Die Dialoge banalst. Warlord Volkov (Kristofer Hivju), der Bösewicht des Films, und seine rechte Hand Gorynych (Daniel Bernhardt) taugen kaum als Bedrohung des Helden. Da helfen auch Hivjus charismatischer Bart und sein grummeliger Blick nicht. Die brutale Action in für den „Lost Places“-Fan fotogenen Locations ist bestenfalls zweckdienlich.
Das verzichtbare Ergebnis ist 08/15-Actionfilmfutter, bei dem immerhin die Stuntmen in verlassenen Kiesgruben und Fabrikruinen ihren Spaß hatten.
Die in jeder Beziehung deutlich bessere Unterhaltung für den Actionfilmfan gibt es im benachbarten Kinosaal mit „Nobody 2“.
J. J. Perry inszenierte als Regisseur „Day Shift“ und „The Killer’s Game“. Davor war er in etliche Filme als Stuntman und Second-Unit-Regisseur, u. a. „Fast & Furious 8“, „Fast & Furious 9“ und „Blue Beetle“ involviert.
Afterburn(Afterburn, USA 2025)
Regie: J. J. Perry
Drehbuch: Nimród Antal, Matt Johnson
LV: Scott Chitwood/Paul Ens: Afterburn, 2008 (Comic)
mit Dave Bautista, Olga Kurylenko, Samuel L. Jackson, Kristofer Hivju, Daniel Bernhardt
Lucy (Dakota Johnson) weiß alles über die Liebe. Die Mittdreißigerin ist ein Matchmaker. Sie hilft in New York Menschen, einen Partner zu finden. In den vergangenen Jahren hat sie schon neun Ehen vermittelt. In der noblen Heiratsvermittlungagentur ist sie damit die erfolgreichste Vermittlerin. Die Grundlage für perfekte Paare sind dabei die Zahlen – vor allem die Zahlen, die auf der Gehaltsabrechnung und dem Bankkonto stehen – und die Wünsche der Kunden. Sie sagen, wie alt der gewünschte Partner sein soll, wie er sein soll undsoweiter. Heiratsvermittlung ist für Lucy und die Firma ein Geschäft.
Deshalb weiß Lucy auch, dass sie und Harry (Pedro Pascal) nicht zueinander passen. Er ist im Szene-Jargon ein Einhorn. Er ist zu gut, um wahr zu sein. Bei ihm stimmt alles. Er ist vermögend, gebildet, höflich und sieht verdammt gut aus. Er könnte jede Frau haben. Aber er will Lucy, die ihr Glück nicht fassen kann, haben. Denn er ist aufgrund der Zahlen viel zu gut für sie.
Bei ihrer ersten großen Liebe stimmt dagegen – jedenfalls wenn sie auf die nackten Daten blickt – nichts. John (Chris Evans) ist ein ums Überleben kämpfender Schauspieler, der bei einer Catering-Firma als Bedienung arbeitet. Bei einem dieser Jobs begegnet er Lucy, die gerade mit Harry redet, und stellt ihr ungefragt ihr Lieblinsgetränk hin – und sie findet ihn wieder sehr sympathisch. Aber, wie gesagt, nach den Daten ist er eine Katastrophe. Er lebt immer noch in seiner Studenten-WG, fährt immer noch sein schrottreifes Auto, hat immer noch kein Geld auf dem Bankkonto und immer noch keinen Plan für sein weiteres Leben.
Zugegeben, das liest sich wie der Anfang der nächsten RomCom mit schönen Menschen in schöner Umgebung, vorhersehbaren Konflikten und ebenso vorhersehbarem Ende. Die Besetzung mit Dakota Johnson, die sich zwischen Pedro Pascal und Chris Evans entscheiden muss, und der Handlungsort, das saubere New York der vermögenden Menschen ohne drängende finanzielle Probleme, sprechen dafür.
Aber Celine Songs zweiter Spielfilm, nach „Past Lives – In einem anderen Leben“, ist eine RomCom ohne den zu lauten Lachanfällen reizenden komödiantischen Teil und auch ohne die Taschentuch-Kitsch-Romantik. Jedenfalls am Anfang. Denn bei Lucy geht es bei den von ihr angestifteten Ehen nicht um Liebe, sondern nur ums Geschäft. Sie bedient die Wünsche ihrer Kunden, die teilweise in kurzen Interview-Szenen ohne Umschweife geäußert werden. Sie suchen Menschen, die aus der gleichen Klasse kommen und ein ungefähr gleich hohes Einkommen haben. Aus seiner Sicht soll die Frau jünger, gerne deutlich jünger sein. Aus ihrer Sicht kann der Traummann auch etwas älter sein. Es geht immer um heterosexuelle Beziehungen. Die Kundschaft ist überwiegend weiß. Gemischtrassige Ehen sind für sie kein Thema. Dass die USA eine zutiefst rassistische Gesellschaft ist, zeigt sich auch in diesen Interviews. Es handelt sich um eine gesellschaftliches Milieu, das auch das Ensemble einer in Manhattan spielenden Komödie von Woody Allen sein könnte.
In „Was ist Liebe wert – Materialists“ schildert Song Lucys Leben und das Leben ihre Kunden distanziert, mit feiner Ironie und die großen Konfliktlinien in der US-Gesellschaft ignorierend. In den die Dreiecksgeschichte aufbrechenden Interview-Szenen deutet sie den Rassismus nur zwischen den Zeilen an. Das von allen angestrebte konservative Familienbild wird nicht weiter thematisiert.
Im Vordergrund spielt sich Lucys Suche nach ihrem Traumman auf der oberflächlichen Ebene von Aussehen und Vermögen ab. In dieser nur auf den Schein bedachten Welt ist Harry ein Traummann und John ein Loser. Am Ende gewinnt natürlich, den Regeln des Liebesfilms folgend, die wahre Liebe über dem schönen Schein.
Song erzählt ihre Bestandsaufnahme der Suche nach dem Traummann im 21. Jahrhundert im Kapitalismus mit milder Ironie langsam und kühl distanziert. Auch die Schauspieler agieren durchgehend so, als habe ihre Spielanweisung in dem Satz „kein Schauspiel erforderlich, sympathische Ausstrahlung genügt“ bestanden. „Was ist Liebe wert – Materialists“ ist eine romantische Anti-RomCom; – falls es so etwas überhaupt geben kann.
Was ist Liebe wert – Materialists (Materialists, USA 2025)
Hutch Mansell (Bob Odenkirk) ist etwas gestresst von seiner Arbeit. Das Abarbeiten seiner Schulden – 30 Millionen Dollar bei der russischen Mafia – erweist sich als schwieriger als erwartet, weil er bei den verschiedenen Aufträgen, vor allem den einfachen, die er zwischen spätem zweiten Frühstück und vorgezogenem Mittagessen erledigen kann, gegen wahre, von überall aufpoppende Killerhorden kämpfen muss. Außerdem verbringt er zu wenig Zeit mit seiner Familie.
Einige Tage in dem Touristenstädtchen Plummerville und dem dortigen Wild Bill’s Majestic Midway Wasserpark sollen das ändern. Den Park kennt und liebt er von Kindheitsurlauben mit seinem Vater und seinem Bruder. Die gesamte Familie – er, seine Frau, ihr 17-jähriger Sohn, ihre 12-jährige Tochter und sein Großvater – fährt hin. Als sie dort sind, ist Hutch etwas enttäuscht. Er hat die inzwischen ordentlich abgeranzte Anlage als viel größer und prächtiger in Erinnerung. Trotzdem wollen die Mansells einige schöne und friedlich-entspannte Tage verbringen.
Das geht schon am ersten Tag schief. Zuerst wird sein Sohn von den örtlichen Halbstarken angegriffen. Später wird seine Tochter von einem Sicherheitsbeamten grundlos geschlagen. In dem Moment verliert Hutch seine harmlose bürgerliche Fassade und seine in jeder anderen Situation gepflegte Selbstbeherrschung. Er erteilt den Jungs und dem unprofessionellem Sicherheitspersonal in der Spielhalle eine Lektion. Danach verbringen sie einige Stunden im Polizeirevier.
Dummerweise ist einer der Halbstarken, die Hutch verprügelte, der Sohn des Besitzers des Freizeitparks. Dieser ist darüber verärgert. Der mit dem Freizeitparkbesitzer in illegale Geschäfte verwickelte örtliche Polizeichef schickt einige Schläger los – und schon dreht sich die Eskalationsspirale bis hin zum furiosen Ende.
Dabei muss Hutch erfahren, dass die Stadt und der Vergnügungspark seit Ewigkeiten die Durchgangsstation für einen florierenden Drogenhandel sind. Geleitet wird die Gangsterbande von Lendina (Sharon Stone), deren Basic Instinct ihr sagt: Angriff ist die beste Verteidigung.
„Nobody 2“ ist der nächste Film aus dem Haus 87North (bzw. früher 87 Eleven Entertainment), der Firma von David Leitch und Kelly McCormick. Zusammen mit ihren Kumpels Chad Stahelski und Derek Kolstadt versorgen sie uns seit dem Erfolg von „John Wick“ zuverlässig mit Actionenfilmen, in denen die Stunts noch weitgehend handgemacht sind. So sind die Actionszenen bei allen Übertreibungen (von denen es viele gibt) sympathisch bodenständig. Zu den 87North-Filmen gehören, neben den „John Wick“-Filmen, „Nobody“ (2021), „Bullet Train“ (2022), „Violent Night“ (2022), „The Fall Guy“ (2025), „Love Hurts“ (2025) und damit dürfte klar sein, für welches Kino sie stehen.
Die von Derek Kolstadt für „Nobody 2“ erfundene und zusammen mit Aaron Rabin zu einem Drehbuch verarbeitete Geschichte ist reinster Pulp. Timo Tjahjanto („The Night comes for us“, „The Big Four“) inszenierte sie in seinem ersten englischsprachigem Film als Old-School-B-Movie-Galore mit einer ordentlicihen Portion Action und einer konstanten Mißachtung vor der körperlichen Unversehrtheit und dem Leben des Gegners. Folgerichtig wird im Finale des Actionfilms ein extra für den Film errichteter, ziemlich großer Freizeitpark mit seinen Attraktionen vor laufender Kamera vernichtet.
Diese sich selbst nicht todernst nehmende Comic-Action mit überschaubaren Mengen an zu sehendem Blut, nicht zählbaren Mengen an Körperverletzungen jeglicher Art, zahlreichen, oft auf absurde Weise ihren Tod findenden Bösewichter und knackigen One-Linern dürfte den Menschen gefallen, denen schon der erste Film mit Bob Odenkirk als Hutch Mansell gefiel.
„Nobody 2“ ist ein kurzweiliges Vergnügen, in dem alle Beteiligten die Vorhersehbarkeit und Absurdität der Geschichte zelebrieren. Und der Pulp-Fan sich über eine Pulp-Geschichte auf der großen Leinwand freuen kann.
Nobody 2 (Nobody 2, USA 2025)
Regie: Timo Tjahjanto
Drehbuch: Derek Kolstadt, Aaron Rabin (nach einer Geschichte von Derek Kolstadt, nach den Figuren von Derek Kolstadt)
mit Bob Odenkirk, Connie Nielsen, John Ortiz, Colin Hanks, RZA, Christopher Lloyd, Sharon Stone, Gage Munroe, Paisley Cadorath
Ein Glücksfall (Coup de Chance, Frankreich/USA/Großbritannien 2023)
Regie: Woody Allen
Drehbuch: Woody Allen
Nach einer Zufallsbegegnung mit einem alten Schulkameraden beginnt Fanny ihren Mann mit ihm zu betrügen. Aber ist sie auch bereit, ihr sorgenfreies Leben als Luxusfrau für einen armen Schriftsteller aufzugeben? Und was wird ihr besitzergreifender und skrupelloser Mann davon halten?
TV-Premiere. Der fünfzigste und bislang letzte Spielfilm von Woody Allen (und, ja, es könnte auch sein letzter Film und damit der Abschluss eines beeindruckenden Werkes sein) ist ein überraschend experimentierfreudiges Werk. So drehte er in Frankreich mit französischen Schauspielern auf französisch, mit sich frei bewegender Kamera und in langen, teils ziemlich komplizierten Szenen. .
Die Story ist eine Liebeserklärung an das französische Kino. Der Kriminalfall könnte direkt aus einem alten französischen Krimi, möglicherweise aus den fünfziger Jahren, stammen.
Die Krimikomödie ist, angesichts von Allens zuletzt arg durchwachsenen Arbeiten, ein überraschend gelungener Film.
In wenigen Tagen erscheint sein neuer Roman „Der Beweis meiner Unschuld“ (The Proof of My Innocence), eine während der kurzen Regierungszeit von Premierministerin Liz Truss spielende Mischung aus Cozy-Detektivgeschichte, College-Roman und autofiktionalem Roman, im Folio Verlag.
Ex-Boxer Bubi Kantmeier wird auf offener Straße erschossen. Der Boxer arbeitete für den Restaurantbesitzer Guido Tessari. Und weil Kommissar Schimanski mit Guido befreundet ist, ist der Fall für den Ruhrpottkommissar eine persönliche Angelegenheit. Vor allem nachdem Guido andeutet, dass er Probleme mit Schutzgelderpressern hat und Bubis Tod vielleicht eine Warnung war.
Das dürfte einer der ersten Krimis sein, in denen die Mafia im Ruhrpott agiert.
Aus der Erinnerung: ein guter Schimanski.
mit Götz George, Eberhard Feik, Chiem van Houweninge, Ulrich Matschoss, Wilfried Blasberg, Guido Gagliardi. Cornelia Glogger, Pietro Giardini
1987 entdecken Marianne und ihre Tochter auf dem Campingplatz eine Leiche. Während die Polizei ohne erkennbares Engagement versucht herauszufinden, wer der schon vor Ewigkeiten Verstorbene ist, ob er überhaupt ermordet wurde und, wenn ja, ob der Täter noch bestraft werden kann, hat der Leser von Marius Schmidts Comic „Aale und Gespenter“ schon einen Verdacht. Der Tote könnte Casimir oder Rimsky sein.
Die beiden Männer plünderten im Sommer 1947 das in der Lübecker Bucht liegende Wrack der „Cap Arcona“. Das Schiff wurde in den letzten Kriegstagen von der Royal Air Force bombardiert. An Bord waren über siebentausend KZ-Häftlinge. Die meisten der Häftlinge, Bewacher und Besatzungsmitglieder starben bei dem Schiffsuntergang, der zu den verlustreichsten Schiffsuntergängen gehört. Beim Untergang der Titanic starben etwas über eintausendfünfhundert Menschen.
Der 1947 im Nachkriegsdeutschland spielende Teil von Schmidts Geschichte ist der umfangreichere und auch interessantere Teil der Geschichte. Er zeigt in frei über die Seiten fließenden stimmungsvollen Aquarellzeichnungen und knappen Texten das Leben nach dem Krieg, wie sich die beiden Männer mit Schwarzmarktgeschäften über Wasser halten und alle versuchen, die jüngste Vergangenheit zu vergessen.
Nachdem Travis vier Jahre spurlos verschwunden war, kehrt er zurück. Sein achtjähriger Sohn Hunter ist inzwischen bei seinem Bruder in Los Angeles. Seine Frau Jane ist in Houston. Travis macht sich Hunter auf die Suche nach ihr.
In Cannes erhielt Wenders für „Paris, Texas“ die Goldene Palme. Auch an der Kinokasse war „Paris, Texas“, trotz seiner moralisch abstrusen Geschichte, ein Erfolg. In Deutschland sahen sich über eine Million Menschen den Film an.
Ry Cooder schrieb die spartanische Musik. Robby Müller fand die einprägsamen Americana-Bilder, in denen die USA ein Sehnsuchtsort ist und die Mutter-Kind-Zusammenführung von Travis, dem letzten Cowboy, der wortkarg seine Mission erledigt, als logisch erscheint.
Einer von Wim Wenders‘ schönsten und besten Filmen.
Anschließend, um 22.35 Uhr, zeigt Arte die brandneue Doku „Wim Wenders: Der ewig Suchende“ (Deutschland 2025) und um 23.30 Uhr „Nastassja Kinski – Geschichte einer Befreiung“ (Frankreich 2023).
mit Harry Dean Stanton, Natassja Kinski, Hunter Carson, Aurore Clement, Dean Stockwell, Bernhard Wicki
TV-Premiere. Sehr gelungenes Quasi-Biopic, das mit einer Begegnung des jungen Sammy Fabelman (aka Steven Spielberg) mit seinem Idol John Ford (David Lynch) endet – und eine wunderschöne Liebeserklärung an den Film und Hollywood.
Anschließend, um 23.20 Uhr, zeigt Pro7 Steven Spielbergs Blockbuster „Der weiße Hai“. Wer die Möglichkeit hat, den Horrorthriller im Kino zu sehen, sollte das tun.
mit Gabriel LaBelle, Michelle Williams, Paul Dano, Seth Rogen, Judd Hirsch, Mateo Zoryan Francis-DeFord, Chloe East, Julia Butters, Sam Rechner, Keeley Karsten, Oakes Fegley, David Lynch
Rififi (Du rififi chez les hommes, Frankreich 1954)
Regie: Jules Dassin
Drehbuch: René Wheeler, Jules Dassin, Auguste le Breton
LV: Auguste le Breton: Du rififi chez les hommes, 1953
Kaum draußen aus dem Gefängnis plant Toni zusammen mit seinen Freunden Jo und Mario den Einbruch in ein Juweliergeschäft. Der Einbruch gelingt. Dann kommt ihnen eine rivalisierende Bande auf die Spur.
Mit „Rififi“ begründete Dassin das Caper-Movie: ein Film, bei dem die Planung und Durchführung eines Einbruches mit Mittelpunkt steht. „Dassins Film wirkt ein wenig wie die Synthese aus seinen eigenen realistischen Kriminalfilmen aus Hollywood, das er der antikommunistischten Hexenjagden McCarthys wegen hatte verlassen müssen, und den französischen Filmen aus der Tradition des Poetischen Realismus. Dabei potenziert sich der Pessimismus so sehr wie die Stilisierung: In einer halbstündigen Sequenz, in der der technische Vorgang des Einbruchs gezeigt wird, gibt es weder Dialoge noch Musikuntermalung. Die technische Präzision, die fast ein wenig feierlich zelebriert wird und in der die Männer ganz offensichtlich ihre persönliche Erfüllung finden, mehr als in der Freude über die Beute, steht dabei im Gegensatz zu ihrem fast ein wenig melancholischen Wesen.“ (Georg Seeßlen: Kino der Angst, 1980)
Mit Jean Servais, Carl Möhner, Robert Manuel, Robert Hossein, Perlo Vita (Pseudonym von Dassin)
Mit seinem zwölfjährigem Sohn Esteban zieht Luis (Sergi López) von einem Rave zum nächsten. In Südmarokko suchen sie zwischen Bergen und Wüste nach seiner Tochter Mar. Sie verschwand vor mehreren Monaten bei einem dieser Wüstenraves; mehr oder weniger illegale Tanzveranstaltungen in der Wüste mit bewusstseinserweiternden Erfahrungen. Luis stolpert, mit einem Bild seiner Tochter in der Hand, über das Festivalgelände.
Von einer Gruppe Raver erfährt er von einem besonderen, selbstverständlich geheimen Rave irgendwo in der Wüste. Gemeinsam machen sie sich auf den Weg.
Regisseur Oliver Laxe sagt über seinen neuen Film „Sirat“, der diese Jahr in Cannes den Preis der Jury erhielt: „Der Film zerfällt im Laufe seiner Handlung.“
Er meint es positiv. Für mich beschreibt er allerdings ziemlich genau mein Problem mit dem Film. Der Anfang, wenn Luis seine Tochter sucht und dabei durch die aus Aussteigern bestehende Rave-Szene taumelt, ist stark. Wenn sie danach in ihren wüstentauglichen Wohnmobilen, deren beste Zeit schon vor Jahrzehnten war, musikalisch kongenial unterlegt, durch die Wüste donnern, sieht das nach Outtakes aus einem „Mad Max“-Film aus. Aber dann passiert auf einer schmalen Gebirgsstraße ein Unglück. „Sirat“ vergisst seine Prämisse – sie spielt einfach keine Rolle mehr – und auch das ‚Ereignis‘ wird vollkommen verdrängt. In diesem Moment verliert „Sirat“ seinen Plot zugunsten einem surreal-absurden Geflecht von sich wiederholenden „Mad Max“-Wüstenimpressionen und der Entdeckung eines Minenfeldes.
Dieser Bruch ungefähr in der Mitte des Films macht aus „Sitar“, trotz starker Prämisse, Schauspieler, Bilder und Sound, ein enttäuschendes Werk.
Das größte Problem ist dabei die Prämisse: ein Vater sucht sein verschwundenes Kind und setzt dafür seine gesamte bürgerliche Existenz aufs Spiel. Diese Prämisse verlangt nach einer Antwort. Diese Antwort kann auch, wie in Friedrich Dürrenmatts „Das Versprechen – Requiem auf den Kriminalroman“ (seiner düsteren Romanfassung von „Es geschah am hellichten Tag [Deutschland 1958]) oder David Finchers „Zodiac – Die Spur des Killers“ (USA 2007), sein, dass der Ermittler den Mörder nicht fängt. Trotzdem wird am Ende die Ausgangsfrage beantwortet und nicht in der Mitte der Geschichte zugunsten von etwas vollkommen anderem links liegen gelassen.
Hätte Laxe eine schwächere Prämisse gewählt, beispielsweise indem sein Protagonist einfach nach dem nächsten Rave sucht, hätte mir der Film deutlich besser gefallen. Diese Frage wird auch am Filmende beantwortet.
Sirat(Sirāt, Spanien/Frankreich 2025)
Regie: Oliver Laxe
Drehbuch: Santiago Fillol, Oliver Laxe
mit Sergi López, Brúno Nunez, Stefania Gadda, Joshua Liam Henderson, Tonin Janvier, Jade Oukid, Richard Bellamy
Auf dem Weg zu einem wichtigen Termin checkt der Magier Mr. K (Crispin Glover) in einem mondänem Nobelhotel ein. Schon die Rezeptionistin verhält sich seltsam. Noch seltsamer wird es in seinem Hotelzimmer. Unter seinem Bett ist ein alter Mann, in seinem Kleiderschrank das Zimmermädchen. Beide verlassen schweigend, in der gebotenen Eile das Zimmer.
Trotzdem will Herr K die Nacht in dem Zimmer verbringen und am nächsten Tag weiterreisen. Aber dann kann er das Hotel nicht verlassen. Während er versucht, den Ausgang zu finden und sich in einem kafkaesken Alptraum wähnt, denken die anderen, durchgehend sehr seltsamen Hotelgäste überhaupt nicht daran, das Hotel zu verlassen. Hier haben sie ja alles.
Tallulah H. Schwabs „Willkommen um zu bleiben“ ist eine kurzweilige Kafka-Variation im Grand Hotel mit einem schwachen Ende. Es ist eines dieser aus heiterem Himmel kommenden Enden zwischen ‚aus einem Alptraum erwachen‘ und ‚von Aliens entführt werden‘, die von Autoren ersonnen werden, wenn sie sich in eine Ecke hineingeschrieben haben und nicht mehr weiter wissen.
Bis dahin gibt es wundervoll skurille Figuren, klug eingestreute Anspielungen und absurde Episoden im Grand Hotel – und eine immer wieder durch die Gänge und Zimmer ziehende Blaskapelle.
P. S.: Schöner deutscher Titel. Gefällt mir besser als der doch arg beliebige Originaltitel.
Willkommen um zu bleiben(Mr. K, Norwegen/Belgien/Niederlande 2024)
Regie: Tallulah H. Schwab
Drehbuch: Tallulah H. Schwab
mit Crispin Glover, Sunnyi Melles, Fionnula Flanagan, Bjørn Sundquist, Dearbhla Molloy, Barbara Sarafian, Sam Louwyck
Beobachtender Dokumentarfilm, die nächste Runde. Und wieder gibt es dieses ärgerliche Missverhältnis zwischen dem, was der Film zeigt und welche, teils grundlegenden und für das Verständnis des Films wichtigen Informationen man sich aus dem Presseheft und anderen Quellen zusammensuchen muss. Dazu gehören in diesem Fall beispielsweise die Lage und Bedeutung der titelgebenden US-Militärstation Hollywood Gate und die Namen und Positionen der beiden Hauptpersonen. Im Presseheft steht, dass es Mawlawi Mansour, der neue Chef der afghanischen Luftwaffe, und Muhktar, ein ehemaliger Taliban-Kämpfer, der jetzt eine Karriere im Militär anstrebt, sind. Im Film muss man sich über die neunzig Filmminuten mühsam erschließen, wer wer ist und was seine Aufgabe ist. Ein in der fünfzehnten Filmminute neben einem unscharfen Porträtfoto eingeblendeter Name hilft nur wenig.
Auch über die Schwierigkeiten, mit denen Ibrahim Nash’at vor und während der Dreharbeiten kontrontiert war und über das Leben in Afghanistan unter den Taliban erfahrt man im Presseheft mehr als im Film. So durfte Nash’at, nachdem er Muhktar kennen lernte und sich anschließend nach oben bis zu Mawlawi Mansour durchfragte und deren Erlaubnis erhielt, in der Station Hollywood Gate filmen. Er durfte nicht alles filmen und die Drehgenehmigung konnte ihm jederzeit entzogen werden. Einheimische, die nicht zu den Taliban gehörten, wollten nicht mit ihm reden, weil sie ihn für einen Teil des Regimes hielten.
Ein Jahr lang, vom 31. August 2021, einen Tag nachdem die letzten US-Soldaten Afghanistan verließen, bis zum 31. August 2022 beobachtet Ibrahim Nash’at, wie Taliban in Kabul die US-Miltärbasis Hollywood Gate in Besitz nehmen. In diesen zwölf Monaten wird aus einer Miliz ein Militärregime. Seit 2021 steht Afghanistan im weltweiten Demokratieindex mit Abstand auf dem letzten Platz. Es gibt keine Meinungsfreiheit. Frauen werden unterdrückt (das wird auch in „Hollywoodgate“ gezeigt). Es gibt willkürliche Verhaftungen, Folter und extralegale Tötungen. Wie auch in anderen Diktaturen, zu denen Journalisten keinen Zugang haben.
So faszinierend der Blick in die Welt der Taliban ist, so unbefriedigend und damit auch ärgerlich ist der Film. Neunzig Minuten verfolgt Nash’at Männer, die durch die Gänge einer Militärstation gehen, mal schweigend, mal in ihren Bart kommentierend, was sie sehen, und wie sie an Flugzeugen herumschrauben. Das scheint ihnen besser zu gelingen als das Lösen einfacher Rechenaufgaben.
Der Erkenntnisgewinn ist gering. Schon mit einigen Interviews oder einem Kommentar, der grundlegende Informationen vermittelt hätte, hätte „Hollywoodgate“ ein über die nackte Bebilderung einiger Männer in einer Militärstation hinausgehender Dokumentarfilm werden können.
„Hollywoodgate“ hatte seine Premiere 2023 in Venedig. Er lief am 19. Juli 2024 in den USA an, war im Frühling in der Kategorie „Bester Dokumentarfilm“ für den Deutschen Filmpreis nominiert und läuft jetzt, vier Monate nach der Preisverleihung am 9. Mai 2025, im Kino an.
Hollywoodgate – Ein Jahr unter den Taliban (Hollywoodgate, Deutschland/USA 2023)
Regie: Ibrahim Nash’at
Drehbuch (Konzept): Shane Boris, Talal Derki, Ibrahim Nash’at
Die siebzehnjährige Suzume trifft einen geheimnisvollen jungen Mann und öffnet eine Tür in eine andere Dimension. Aus ihr könnte eine die Welt vernichtende Bedrohung kommen.
Gelungener, ziemlich komplexer Fantasy-Romantik-Anime, der nicht ganz die Qualität von Makoto Shinkais bekanntestem Werk „Your Name – Gestern, heute und für immer“ erreicht. Aber etwas schlechter als ein Meisterwerk ist immer noch verdammt gut.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 