Green Book – Eine besondere Freundschaft(Green Book, USA 2018)
Regie: Peter Farrelly
Drehbuch: Peter Farrelly, Nick Vallelonga, Brian Currie
Gut gemachtes, auf einer wahren Geschichte basierendes Feelgood-Movie über die sich während einer Konzerttour durch die Südstaaten in den frühen sechziger Jahren entwickelnde Freundschaft zwischen dem Konzertpianisten Don Shirley (Mahershala Ali) und seinem für diese Tournee engagiertem Fahrer und Rausschmeißer Tony ‚The Lip‘ Vallelonga (Viggo Mortensen).
Der allgemeine Jubel über den Film, die zahlreichen Preise, unter anderem der Oscar als bester Film des Jahres (Spike Lee hatte mit seinem Wutausbruch, dass jeder andere nominierte Film den Oscar mehr verdient hätte als „Green Book“, vollkommen recht), können nicht über die doch ziemlich altbackene Ideologe des Films (der weiße Mann als Retter des Schwarzen und mit etwas gutem Willen kann der Rassissmus besiegt werden) hinwegtäuschen. „Green Book“ ist halt perfektes Hollywood-Wohlfühlkino.
Petra Volpes neuer Film beginnt mit dem Beginn der Spätschicht in einem Schweizer Krankenhaus. Und er endet ungefähr acht Stunden später mit dem Ende der Schicht. Dazwischen erzählt Volpe („Die göttliche Ordnung“), strikt chronologisch, mit minimalen Verdichtungen und Dramatisierungen, was in dieser einen Schicht passiert.
Im Mittelpunkt steht die von Leonie Benesch famos gespielte Pflegefachkraft Floria. Nach der Krankmeldung einer Kollegin ist sie mit einer zweiten Fachkraft und einer Erstsemester-Studentin für 26 Patienten verantwortlich. Diese bilden das gesamte Patientenspektrum ab von leicht bis schwer, teils im Sterben liegenden Pflegebedürftigen. Einige sind freundlich, einige fordernd. Einige haben Allergien, andere nicht. Floria muss immer darauf aufpassen, dass sie ihnen die richtigen Medikamente gibt und, egal wie stressig es gerade ist, freundlich und geduldig sein.
Es ist eine ganz normale Schicht ohne besondere Vorkommnisse.
Diese Konzentration auf eine Schicht ist der Vor- und Nachteil des Dramas. So kann Petra Volpe in die Tiefe gehen und einen guten Eindruck von der Arbeit vermitteln. Das macht sie letztendlich mit den Mitteln des Direct Cinema. Die Kamera verfolgt Floria durch die hellen Gänge des Krankenhauses. Sie beobachtet in oft in langen Szenen das Geschehen. Sie verzichtet weitgehend auf Dramatisierungen. Es gibt kein Voice-Over und keine Erklärdialoge. Es gibt nur die Dokumentation der Arbeit. Und diese fängt sie präzise ein. Einige Rollen wurden von Laien und Pflegefachkräften übernommen. Die Macher und die Schauspieler informierten sich vor dem Dreh über die Arbeit auf einer Krankenstation. Hauptdarstellerin Leonie Benesch absolvierte ein Praktikum im Kantonsspital Liestal. Diese Vorbereitung und die Anwesenheit von Fachpersonen beim Dreh führen dazu, dass die Abläufe, die Bewegungen und auch der Tonfall bei Patientengesprächen stimmen.
Fehlen tut allerdings der für Außenstehende nonchalante und verstörende Umgang mit intimen Details und der im Pflegeteam und mit den Patienten vorhandene Humor, ohne den die Arbeit nicht leistbar wäre.
Der Nachteil der von Volpe gewählten Herangehensweise ist, wenn man es denn überhaupt als Nachteil sieht, dass „Heldin“ keine Analyse des Gesundheitssystems, seiner Probleme und möglicher Lösungen ist. Volpe erzählt auch keine Geschichte im klassischen Sinn. Dafür bleibt alles zu sehr im Episodischen einer Schicht. Sie zeigt auch nichts, was nicht auch im Rahmen eines Dokumentarfilms gezeigt werden könnte.
P. S.: Ich habe den sehenswerten Film in der hochdeutschen Synchronisation gesehen. Bei dieser Fassung störte mich der durchgehend klinisch reine Ton und das lehrbuchhafte Hochdeutsch, das immer etwas abgekoppelt von den Geschnissen auf der Leinwand ist. Die Originalfassung scheint – so mein Eindruck vom Trailer – in dieser Hinsicht, obwohl auch hier viel Hochdeutsch gesprochen wird, stimmiger und natürlicher zu sein. Wer also zwischen beiden Fassungen wählen kann, sollte sich unbedingt die Originalfassung ansehen.
Ein Prophet (Un Prophète, Frankreich/Italien 2009)
Regie: Jacques Audiard
Drehbuch: Jacques Audiard, Thomas Bidegain
Ein Bildungsroman der anderen Art: der 19-jährige Malik kommt in den Knast und lernt dort alles, was er für das Leben braucht. Dummerweise macht ihn nichts davon zu einem wertvollen Mitglied der Gesellschaft.
In Cannes erhielt „Ein Prophet“ den Großen Preis der Jury, bei den Cesars und den Étoiles d’Or (dem Preis der französischen Filmjournalisten) räumte er ab, er war den Oscar und Golden Globe als bester ausländischer Film nominiert, die Kritiker feiern den Film ab, Knackis (von denen etliche bei der Produktion beteiligt waren) loben die Authentizität des Films, es wurde über den Zustand und die Lebensbedingungen in den Knästen diskutiert und über 1,5 Millionen Franzosen lösten ein Kinoticket. In Deutschland war das Knastdrama nicht so erfolgreich.
mit Tahra Rahim, Nils Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb
Lange hat es gedauert, bis Megan Abbott nach Deutschland kam. In den USA erschien 2005 ihr erster Roman. „Die a little“ war als bestes Debüt für den Anthony, den Barry und den Edgar-Preis nominiert. Seitdem erschienen zehn weitere Romane, die für zahlreichen prestigeträchtige Krimipreise nominiert waren. Ihre Noirs erhielten unter anderem den Edgar, Barry, Anthony und ITW Thriller Award.
In Deutschland gab es in der Zeit nur eine Übersetzung. „Das Ende der Unschuld“ (The End of Everything, 2011) erschien 2012 bei Kiepenheuer & Witsch. Danach ließ der deutsche Buchmarkt Megan Abbott links liegen. Bis pulp master 2023 „Aus der Balance“, 2024 „Wage es nur!“ und, vor wenigen Wochen, „Hüte dich vor der Frau“ veröffentlichte. Alle landeten auf der Krimibestenliste. „Aus der Balance“ steht auf dem zweiten Platz der aus den monatlichen Listen entstandenen Jahresbestenliste 2023. „Wage es nur!“ steht auf dem zweiten Platz der Jahresbestenliste 2024. Bei pulp master ist mit „Queenpin“ bereits ein weiterer von ihr geschriebener Noir angekündigt. Der 2007 erschienene Roman erhielt den Edgar und den Barry Award als Best Paperback Original.
In ihrem neuesten Roman „Hüte dich vor der Frau“ (Beware the Woman, 2023) besucht die in der dreizehnten Woche schwangere Jacy, gleichzeitig die 32-jährige Ich-Erzählerin der Geschichte, mit ihrem Freund Jed dessen im ländlichen Michigan lebenden Vater. Der verwitwete Dr. Ash lebt, abgesehen von der ständig anwesenden Haushälterin Mrs. Brandt zurückgezogen in einem großen Blockhaus im Wald.
Als es Probleme bei Jacys Schwangerschaft gibt, Dr. Ash und mit ihm befreundete Ärzte sich immer wieder über ihren Wünsche hinwegsetzen, er anscheinend ihre Krankenakte kennt, sie Gerüchte über Jeds verstorbene Mutter hört und Jed sich mit früheren Bekannten trifft und ihr anscheinend einiges über die Treffen und seine Vergangenheit verschweigt, wird sie misstrauisch. Es kann aber auch sein, dass Jacy im Rahmen ihrer Schwangerschaft Wahnvorstellungen hat.
Im Mittelpunkt von „Aus der Balance“ (The Turnout, 2021) stehen die Geschwister Dara und Marie, Daras Ehemann Charlie und die von ihnen geführte und von ihrer Mutter 1986 gegründete Ballettschule Durant. Die drei leben auch in dem im Stadtzentrum gelegenem Ziegelbau. Die Schule läuft ganz gut. Die Aufführung vom Nussknacker ist jedes Jahr der von den Schülern und ihren Eltern heißersehnte Höhepunkt des Programms der Schule.
Gerade während die Proben und der damit verknüpfte Auswahlprozess unter den Schülern beginnen sollen, bricht in der Schule ein Brand aus. Weil die Feuerwehr das Feuer schnell löscht, beschränkt sich das Unglück auf den kleinsten Saal des Hauses.
Bauunternehmer Derek Girard schlägt ihnen vor, neben der Sanierung gleichzeitig einige weitere Arbeiten zu erledigen. Das Angebot klingt gut. Die von ihm eingeleiteten Arbeiten scheinen einen immer größeren Umfang anzunehmen und immer mehr an dem Gebäude zu zerstören.
Zur gleichen Zeit verführt er Maria. Diese Beziehung bringt das fragile Gleichgewicht in der Ballettschule weiter aus der Balance.
„Wage es nur!“ (Dare me, 2012) spielt an der Schule. Die sechzehnjährige Addy Hanlon ist eine Cheerleaderin. Gemeinsam mit ihrer über sie bestimmenden Freundin Beth Cassidy dominieren sie das schulische Team der Cheerleader. Sie sind als Cheerleaderinnen vor allem dazu da, gut auszusehen und bei Spielen ihre Mannschaft anzufeuern.
Als ein neuer Coach kommt, ändert sich das. Colette French fordert sie zu höheren sportlichen Leistungen heraus. Gleichzeitig baut die verheiratete Mutter ein vertrauensvolles Verhältnis zu ihren Schülerinnen auf und beginnt eine Affäre mit einem Kollegen. Addy und Beth erwischen sie beim Sex im Lehrerzimmer.
„Hüte dich vor der Frau“ erinnert vom Plot natürlich sofort an Daphne du Mauriers „Rebecca“ (und Alfred Hitchcocks Verfilmung) und Ira Levins „Rosemaries Baby“ (legendär verfilmt von Roman Polanski). Nach der Lektüre des Klappentextes ist von der ersten Seite des Buches an die Frage nicht, ob Jeds Familie ein Geheimnis hat, sondern was das Geheimnis der Familie ist und ob Jacy die Geschichte überlebt. Inzwischen garantiert ja auch die Wahl einer Ich-Erzählerin nicht mehr das Überleben der Erzählerin.
„Aus der Balance“ ist eine an einer Ballettschule spielende Geschichte über zwei Schwestern, deren Beziehung und ökonomische Existenz durch die Ankunft eines Mannes, der wie eine unsympathische Inkarnation des Teufels wirkt, aus der Balance gerät.
„Wage es nur!“ ist eigentlich ein an der Schule spielendes Jugendbuch. Die Erzählerin ist eine Schülerin, die weniger aktive Gestalterin der Ereignisse, sondern passive, oft abwesende Beobachterin der sich teils unglaubwürdig entwickelnden Geschehnisse ist. Immerhin erfahren wir einiges über die Welt des Cheerleading.
Und dennoch ähneln sich die auf den ersten Blick unterschiedlichen Geschichten. Im Mittelpunkt der Geschichten steht dabei immer die weibliche Perspektive auf die Ereignisse. Es ist, ohne jetzt zu viel von der Geschichte und den Schlußpointen wegzugeben, oft auch eine Opferperspektive und die einer sich möglicherweise daraus ergebenden Selbstermächtigung. Zweimal bedient Abbott sich dabei einer Ich-Erzählerin.
Trotzdem überzeugte mich keiner der drei Romane wirklich. „Wage es nur“, „Aus der Balance“ und „Hüte dich vor der Frau“ sind Slow-Burner, die sehr langsam ihre minimalistische Geschichte erzählen. Wichtige Ereignisse passieren erst relativ spät in der Geschichte. Die Figuren der in der Gegenwart spielenden Geschichten, und das gilt unabhängig vom Geschlecht und ob sie Prota- oder Antagonist sind, verhalten sich oft seltsam.
Ehrlich gesagt hätte ich keinen der Romane gelesen, wenn Megan Abbott nicht so einhellig gelobt würde und wenn die Romane nicht pulp master erschienen wären.
Tatort: Tote Taube in der Beethovenstraße (Deutschland 1973)
Regie: Samuel Fuller
Drehbuch: Samuel Fuller
In Bonn entdeckt Zollfahnder Kressin in der Beethovenstraße die Leiche eines New Yorker Privatdetektivs. Nachdem Kressin schwer verletzt im Krankenhaus landet, macht sich Sandy, der Partner des Toten, auf die Mörderjagd.
Herrlich abgedrehter „Tatort“, der in den USA im Kino lief. Mit einem gewöhnlichen „Tatort“ hat diese tote Taube nichts zu tun.
Die Musik ist von der legendären Krautrock-Band Can.
mit Sieghardt Rupp, Glenn Corbett, Christa Lang, Anton Diffring, Eric P. Caspar, Hans C. Blumenberg, Anthony Chin, Alex d’Arcy
Der Kontrakt des Zeichners(The Draughtsman’s Contract, Großbritannien 1982)
Regie: Peter Greenaway
Drehbuch: Peter Greenaway
England, Grafschaft Wiltshire, Sommer 1694: Landschaftsmaler Neville soll für Mrs. Virginia Herbert, während ihr Mann weg ist, zwölf Zeichnungen ihres Landsitzes Compton Anstey anfertigen. Dies tut er äußerst detailgenau. Als Mr. Herbert ermordet aufgefunden wird, können Nevilles Bilder den Täter enttarnen.
Köstliches Krimirätsel und spöttische Gesellschaftssatire, die den Zuschauer intellektuell nie unterfordert. Glänzende, kurzweilige Unterhaltung, die schon damals von der Kritik abgefeiert wurde. Greenaway „hat einen eigenwilligen, experimentellen Thriller gedreht. (…) Der in seiner Struktur anspruchsvolle Film wurde gegen die Regeln des gängigen Erfolgskinos gedreht und hat bei Publikum und Presse eine überragende Resonanz gefunden.“ (Fischer Film Almanach 1985)
Spielfilmdebüt des Experimentalkünstlers Peter Greenaway. Zu seinen späteren, ebenfalls sehenswerten (wenn sie denn mal wieder gezeigt werden) Spielfilmen gehören „Ein Z & zwei Nullen“, „Der Bauch des Architekten“, „Verschwörung der Frauen“, „Der Koch, der Dieb, seine Frau und ihr Liebhaber“, „Prosperos Bücher“, „Das Wunder von Mâcon“ und, zuletzt, „Eisenstein in Guanajuato“.
mit Anthony Higgins, Janet Suzman, Anne-Louise Lambert, Hugh Fraser, Neil Cunningham, Dave Hill, Lynda La Plante
ARD, 17.10
ZDF, 17.00 Bundestagswahl 2025
Vorberichte, Prognosen, Hochrechnungen und um 20.15 Uhr die „Berliner Runde“.
Wer immer noch unentschlossen ist, kann den Wahl-O-Mat durchspielen.
Wer mehr über die innenpolitischen Ideen der Parteien wissen möchte, kann sich mein Gespräch mit Tom Jennissen anhören:
LV: Samuel D. Hunter: The Whale, 2012 (Theaterstück)
Grandioses Schauspielerkino über einen mehr als übergewichtigen, fast bewegungsunfähigen Mann, der seine Schuldgefühle in sich hineinfrisst, Unikurse nur online und mit ausgeschalteter Kamera anbietet und sich jetzt, vor seinem baldigen Tod, mit seiner Tochter versöhnen will.
Die zwölfjährige Bailey (Nykiya Adams) lebt bei ihrem nur einige Jahre älteren Vater Bug (Barry Keoghan) in Kent in einem besetzten Haus. Bug ist selbst noch ein Kind. Auf den ersten Blick wirkt er wie der etwas ältere coole Bruder, der seine kleine Schwester mitnimmt. Er verbringt seine Zeit mit spinnerten Geschäftsideen, plant seine Hochzeit mit einer Frau, die er erst seit einigen Tagen kennt und konsumiert Drogen. Als Erzieher im auch nur halbwegs traditionellem Sinn ist er ein Totalausfall. Das Gleiche gilt für Baileys Mutter.
Also streift Bailey durch die Stadt. Eines Tages trifft sie auf Bird (Franz Rogowski), einer auch für die Gegend seltsamen Mischung aus schüchternem Sonderling und harmlosen Menschenfreund, der anscheinend vom Himmel gefallen ist.
„Bird“, Andrea Arnolds neuer Spielfilm, ist eine musikalisch stimmig untermalte Charakterstudie zwischen Sozialdrama und Poesie. Etwas Magischen Realismus gibt es auch. Dabei präsentiert sie das Leben ihrer Figuren offen, ehrlich, ohne Scheuklappen, aber auch mit spürbarer Sympathie für sie. Nie verurteilt sie sie.
Damit fügt sich ihr neuester Film nahtlos an ihre früheren Kinospielfilme „Fish Tank“ (2009) und „American Honey“ (2016) an, mit denen sie ihren Ruf als eine der wichtigen Stimmen des zeitgenössischen britischen Kinos begründete.
Neben diesen drei Spielfilmen drehte sie in den vergangenen fünfzehn Jahren außerdem ein ziemlich unbekanntes Historiendrama („Wuthering Heights – Emily Brontës ‚Sturmhöhe’“, 2011), den Dokumentarfilm „Cow“ (über das Leben einer Milchkuh) und mehrere Episoden für TV-Serien.
Bird(Bird, Großbritannien 2024)
Regie: Andrea Arnold
Drehbuch: Andrea Arnold
mit Nykiya Adams, Barry Keoghan, Franz Rogowski, Jason Buda, Jasmine Jobson, Frankie Box
Versicherungsdetektivin Virginia ‚Gin‘ Baker (Catherine Zeta-Jones) glaubt, dass der vermögende Kunstsammler MacDougal (Sean Connery) ein Dieb ist, der zuletzt ein Rembrandt-Gemälde stahl. MacDougal nimmt die Herausforderung an und das Katz-und-Maus-Spiel kann beginnen.
Einer der letzten Leinwandauftritte von Sean Connery und ein rundum ansehbarer, altmodischer, leichtgewichtiger, eskapstischer Gangsterkrimi mit einer Prise Humor und ohne Gewalt.
mit Sean Connery, Catherine Zeta-Jones, Ving Rhames, Will Patton, Maury Chaykin, Kevin McNally
U.S. Deputy Marshal Madolyn Harris (Michelle Dockery) will einen Mafia-Kronzeugen, den Buchhalter Winston (Topher Grace), von Alaska nach New York zu einer Gerichtsverhandlung bringen. Für das erste Stück ihrer Reise chartert sie eine kleine Cessna mit einem Piloten, der sich während der Flugs als von der Mafia angeheuerter, bestens über sie informierter Killer entpuppt.
Dieser Killer wird von Mark Wahlberg gespielt. Es ist nach „Fear – Wenn Liebe Angst macht“ (USA 1996) sein erster Auftritt als Bösewicht. Denn eigentlich ist er ja immer einer der Guten. Aber in „Flight Risk“ darf er einen richtig bösen Bösewicht spielen. Dafür rasierte er sich sogar eine Halbglatze, die künstlicher als eine falsche Glatze aussieht.
Die Regie übernahm Mel Gibson. Warum ist unklar, aber vielleicht wollte er fast zehn Jahre nach seinem deutlich ambitionierterem Antikriegsfilm „Hacksaw Ridge“ einfach wieder Regie führen. Denn „Flight Risk“ ist ein typischer 08/15-Thriller ohne besondere Merkmale. Es ist ein schlechtes B-Picture für einen verregneten Samstag auf der Couch, wenn gerade alle anderen Filme in der Warteschlange schon gesehen sind und man beim Ansehen des Films eine lange Liste mit Logikfehlern und Implausibilitäten anlegen möchte.
Action gibt es natürlich auch kaum. Schließlich spielt der Film, abgesehen von den ersten und letzten Minuten in Quasi-Echtzeit in einem kleinen Flugzeug und die drei Passagiere sitzen die meiste Zeit des Films, teils gefesselt, auf ihren Plätzen und belauern sich, während der gefesselte Killer sie mit seinen Psychospielchen in den Wahnsinn treiben will. Gleichzeitig lernt Madolyn mit der Hilfe des sympathischen Piloten Hasan, der mit ihr über Funk Kontakt hält, fliegen und sie sucht, eifrig mit ihrem Smartphone telefonierend, nach der Trial-and-Error-Methode den Verräter in den eigenen Reihen.
Zuerst ist er für die Zwillingsbrüder Hal und Bill nur ein seltsam aussehendes Spielzeug. Ein breit grinsender Zirkusaffe, der, wenn er aufgezogen wird, die kleinen Blechbecken, die er in seinen Händen hält, zusammenschlägt. Aber dann bemerken sie, dass jedes Mal, wenn der Affe die Zimbel zusammenschlägt, jemand stirbt, den sie kennen.
Also werfen sie, nach mehreren Todesfällen, den Affen in einen tiefen, im Wald hinter ihrem Haus liegenden und seit Ewigkeiten nicht mehr benutzten Brunnen und vergessen ihn.
25 Jahre später ist der Affe wieder da und das Morden beginnt von neuem.
Osgood Perkins neuer Horrorfilm basiert auf einer 1980 von Stephen King geschriebenen Kurzgeschichte, die er auf Spielfilmlänge ausbaute. Er behält selbstverständlich die Grundidee von dem dämonisch bessessenem Gegenstand, einem Spielzeug, einer Puppe oder in diesem Fall einem Zirkusaffen, bei. Er steigt tiefer in die Geschichte der Familie von Bill und Hal ein, verändert dabei auch einiges – so sind Bill und Hall bei King Brüder, bei Perkins Zwillingsbrüder – und er zeigt die Todesfälle genauer. Was bei King in einem Satz gesagt wird, ist bei Perkins ein in seinen blutig-grotesken Details gezeigter tödlicher Unfall. Und es gibt viele dieser Unfälle, die beim geneigten Horrorfilmfan für Entzücken sorgen.
Außerdem, und das ist die größte Veränderung, veränderte er das Finale zu einem grotesk überzeichnetem Weltuntergangsszenario, das jede Glaubwürdigkeit und Plausibilität grimmig ignoriert.
Andere Veränderungen sind vernachlässigbar. „Longlegs“-Regisseur Perkins erzählt die Geschichte, im Gegensatz zu King, chronologisch. Er verlegte sie im ersten Teil in die neunziger Jahre und im zweiten Teil in die Gegenwart. Die von ihm gezeichnete Welt verströmt dabei immer das Patina abgeranzter Provinz-Siebziger-Jahre, als dort noch voller Stolz die Mode der fünfziger Jahre getragen wurde. Das verleiht seinem Film eine heimelige Zeitlosigkeit.
Wer vom neuen Film des „Longlegs“-Regisseurs mehr als eine Reihe schwarzhumorig-blutig inszenierter tödlicher Unfälle erwartet, wird enttäuscht werden. Sicher, die Schauspieler sind gut, und sie haben auch einige gute Szenen, die Ausstattung ist stilecht und das Spiel mit der im Verlauf des Films zwischen den Brüdern wechselnden Erzählerstimme zeigt, dass er sich einige Gedanken über die Geschichte machte, aber noch mehr Hirnschmalz investierte er in die Inszenierung der Todesfälle.
The Monkey (The Monkey, USA/Großbritannien 2025)
Regie: Osgood Perkins
Drehbuch: Osgood Perkins
LV: Stephen King: The Monkey, 1980 (Der Affe, Kurzgeschichte, enthalten in „Blut – Skeleton Crew“)
mit Theo James, Christian Convery, Tatiana Maslany, Colin O’Brien, Rohan Campbell, Sarah Levy, Adam Scott, Elijah Wood, Osgood Perkins, Danica Dreyer, Laura Mennell, Nicco Del Rio
Länge: 98 Minuten
FSK: ab 16 Jahre
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Die Vorlage
„Der Affe“ (The Monkey) ist eine Kurzgeschichte aus Stephen Kings zweiter Sammlung von Kurzgeschichten. „Skeleton Crew“ erschien in den USA 1985. In Deutschland erschienen die 22 Kurzgeschichten zuerst getrennt in „Im Morgengrauen“, „Der Gesang der Toten“ und „Der Formit“.
Das in der aktuell erhältlichen Heyne-Ausgabe gut neunhundert Seiten dicke Buch enthält alle Geschichten:
Der Nebel (The Mist, 1980 – verfilmt 2007 von Frank Darabont als „Der Nebel“ [The Mist])
Hier Seyen Tiger (Here there be Tygers, 1968)
Der Affe (The Monkey, 1980 – verfilmt 2025 von Osgood Perkins als „The Monkey“ [The Monkey])
Kains Aufbegehren (Cain rose up, 1968)
Mrs. Todds Abkürzung (Todd’s Shortcut, 1984)
Der Jaunt (The Jaunt, 1981)
Der Hochzeitsempfang (The Wedding Gig, 1980)
Paranoid: Ein Gesang (Paranoid: A Chant, 1985)
Das Floss (The Raft, 1982)
Textcomputer der Götter (Word Processor of the Gods, 1983)
Der Mann, der niemand die Hand geben wollte (The Man who wold not shake Hands, 1982)
Dünenwelt (Beachworld, 1985)
Das Bildnis des Sensenmanns (The Reaper’s Image, 1969)
Nona (Nona, 1978)
Für Owen (For Owen, 1985)
Überlebenstyp (Survivor Type, 1982)
Onkel Ottos Lastwagen (Uncle Otto’s Truck, 1983)
Morgenlieferung (Morning Deliveries, 1985)
Große Räder: Eine Geschichte aus dem Wäschereigeschäft (Big Wheels: A Tale of the Laundry Game, 1982)
Omi (Gramma, 1984)
Die Ballade von der flexiblen Kugel (The Ballad of the Flexible Bullett, 1984)
Die Meerenge (The Beach, 1981)
Weggelassen habe ich die TV- und One-Dollar-Baby-Adaptionen.
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Stephen King: Blut – Skeleton Crew
(übersetzt von Joachim Körber, Alexandra von Reinhardt, Monika Hahn und Martin Bliesser)
Die Magnetischen (Les magnétiques, Frankreich/Deutschland 2021)
Regie: Vincent Maël Cardona
Drehbuch: Vincent Maël Cardona, Romain Compingt, Chloé Larouchi, Maël Le Garrec, Rose Philippon, Catherine Paillé
Frankreich, 1981: die ungleichen Brüder Jerôme und Philippe betreiben in der Provinz einen Piratensender. Als sich beide in Marianne verlieben und Philippe als Soldat nach West-Berlin muss, verändert sich auch ihr Verhältnis zueinander.
Wunderschöne, erstaunlich unpolitische Charakterstudie, die am besten als gelungenes Mixtape genossen wird. Bei Älteren wird sie wohlige Erinnerungen heraufbeschwören. Jüngeren gibt sie einen Einblick in eine noch gar nicht so lange zurück liegende, aber ganz andere Zeit.
Indiekino über „Die Magnetischen“ (Zeitzeuge Tom Dorow über den Film und wie politisch es damals zwischen Hausbesetzung, Straßenprotest und Clubbesuch in Berlin war)
Als er Corrina die Tür öffnet, ahnt er schon, dass das nicht die schlaueste Entscheidung ist. Sie wohnt ihm gegenüber in Los Angeles in dem Apartmentkomplex, der mich von der Beschreibung mehr an den abgeranzten Apartmentkomplex in „Die drei ??? und der Karpatenhund“ als an den doch sehr noblen Komplex in David Lynchs „Mulholland Drive“ erinnert. Er kennt sie als die Frau, die schreit.
Die gutaussehende Mittdreißigerin eröffnet ihm, dass sie vielleicht ihre Schwiegermutter Sylvia Glenn umbringen werde. Sylvia ficht nämlich das Testament ihres an einem Herzinfarkt verstorbenen Vaters an mit dem Ziel sie zu enterben.
Der namenlose Erzähler der Geschichte, ein ungefähr vierzigjähriger, getrennt lebender Mann ohne Arbeit und mit dem Alkoholkonsum eines Hardboiled-Ermittlers der alten Schule, erklärt sich bereit ihr zu helfen und mit Sylvia zu reden. Sylvia wohnt in ienem noblen Haus im Benedict Canyon und sie verdreht ihm sofort den Kopf.
Nach den Noir-Spielregeln droht ihm jetzt von zwei Seiten das Verhängnis. Aber David L. Ulin, ein früherer Buchkritiker der Los Angeles Times, Stipendiant der Guggenheim Foundation und Professor für Englisch an der University of Southern California, unterläuft diese Spielregeln geschickt. Zwar begeht der Erzähler eine Mord und begeht eine Brandstiftung (was in Kalifornien nie eine gute Idee ist), aber gleichzeitig begibt Ulin sich immer weiter in den Kopf des Ich-Erzählers und die Geschichte begibt sich, sozusagen zwischen „Lost Highway“ und „Mulholland Drive“, immer weiter in David-Lynch-Territorium, wo Traum und Realität ununterscheidbar miteinander verknüpft sind. Der Erzähler erinnert sich an seine frühere Frau und ihre Beziehung. Er hört am liebsten alte Blues-Songs. Er trinkt schon vor dem Frühstück. Und er ist kein Ermittler, sondern nur ein Trottel, der von Corrina und Sylvia für Botengänge benutzt wird.
Das Ergebnis ist ein vorzüglicher düsterer Noir, aber kein Kriminalroman im engeren Sinn.
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David L. Ulin: Die Frau, die schrie
(übersetzt von Kathrin Bielfeldt, mit einem Nachwort von Chris Harding Thornton)
Der Teufel in Blau (Devil in a blue dress, USA 1995)
Regie: Carl Franklin
Drehbuch: Carl Franklin
LV: Walter Mosley: Devil in a blue dress, 1990 (Teufel in Blau)
Los Angeles, 1948: Amateurdetektiv Easy Rawlins soll Daphne finden. Aber Daphne hat es faustdick hinter den Ohren.
Franklins gelungene Verfilmung von Mosley Debütroman. „Teufel in Blau“ ist ein Film Noir, der seine Vorbilder aus der Schwarzen Serie immer deutlich zitiert und damit immer zum gut gemachten, aber auch langweiligem Ausstattungskino tendiert.
Mit Denzel Washington, Tom Sizemore, Jennifer Beals, Don Cheadle
Zwei Zehnjährige klauen einen einsam in der Landschaft stehenden Streifenwagen. Sheriff Kretzer (Kevin Bacon), dem der Wagen gehört, nimmt die Verfolgung auf. Denn im Kofferraum ist etwas, das nicht für fremde Augen bestimmt ist.
Herrlich fieser kleiner Thriller.
Danach durfte Jon Watts drei Spider-Man-Filme inszenieren.
Mit Kevin Bacon, James Freedson-Jackson, Hays Wellford, Camryn Manheim, Shea Whigham, Sean Hartley
Hat der angeklagte Puertoricaner seinen Vater ermordet? Die Geschworenen beraten.
Lumets erster Spielfilm ist ein Klassiker des Gerichtsfilms: ein Raum, zwölf Personen, die eine Entscheidung fällen müssen: unerträgliche Spannung. Ausgangspunkt für den Spielfilm war ein einstündiges Fernsehspiel von Reginald Rose, der dafür von eigenen Erfahrungen als Geschworener inspiriert wurde. Beim Start wurde der Film von der Kritik gelobt, für zahlreiche Preise nominiert und floppte – trotz des niedrigen Budgets – an der Kasse. „Sidney Lumets Erstlingsfilm verleiht dem Geschehen durch die Begrenzung des Ortes und der Personen eine große Dichte und Spannung. Die Wahrheitsfindung entsteht aus dem Zusammenspiel unterschiedlicher Menschentypen, Ideologien und Interessen – ein Modellfall ´demokratischer´ Aufklärungsarbeit. Hervorragend besetzt, gespielt und fotografiert (Preis der OCIC in Berlin)“ (Lexikon des Internationalen Films)
Mit Henry Fonda, L. J. Cobb, Ed Begley, E. G. Marshall, Jack Warden, Martin Balsam, Jack Klugman, Joseph Sweeney
Anatomie eines Mordes (Anatomy of a Murder, USA 1959)
Regie: Otto Preminger
Drehbuch: Wendell Mayes
LV: Robert Traver: Anatomy of a Murder, 1958 (Anatomie eines Mordes)
Provinzanwalt Paul Biegler verteidigt einen Soldaten, der einen Barbesitzer erschossen haben soll.
Der gut dreistündige Film (die deutsche Version wurde um elf Minuten gekürzt) basiert auf dem dicken Roman des ehemaligen Richters John D. Voelker (1903 – 1991), der in dem Justizkrimi einen seiner Fälle fiktionalisiert. Beide Werke schöpfen ihre Spannung aus dem minutiösen Verfolgen der Vorbereitung und dem anschließenden Gerichtsverfahren. Im Buch umfasst die Verhandlung fast zwei Drittel der Geschichte. Der Film war damals wegen seiner Sprache und dem Thema (Vergewaltigung) kontrovers. Die Schauspielerleistungen des Gerichtsdramas wurden einhellig gelobt. James-Stewart-Biograph Howard Thompson nennt es seine beste Leistung. Der Filmrichter wurde von Richter Joseph N. Welch (er verteidigte 1954 die US Army gegen Senator Joseph McCarthy und trug zum Sturz des Senators bei) gespielt. Gedreht wurde vor Ort. Duke Ellington schrieb die Musik.
Ein Klassiker
Mit James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, Arthur O’Connell, Eve Arden, Kathryn Grant, George C. Scott, Duke Ellington
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 