Ein ganz normaler Sommertag in Clichy-Montfermeil, einem sozialen Brennpunkt östlich von Paris: Polizisten, darunter ein Neuling bei seinem ersten Arbeitstag, und Kleingangster kennen und bekriegen sich.
TV-Premiere. Rundum überzeugendes Ghettodrama. Einer meiner Kino!filme des Jahres 2020.
Nachdem der Unionsverlag alle dreizehn Inspector-Morse-Romane in überarbeiteten Übersetzungen neu veröffentlichte, schließt der Verlag seine verdienstvolle Colin-Dexter-Werkausgabe mit einer vollständigen Neuausgabe von „Ihr Fall, Inspector Morse“ ab. Denn in der ersten deutschen Ausgabe fehlte eine Kurzgeschichte. Nach der Veröffentlichung dieser Kurzgeschichtensammlung 1993 schrieb Dexter, hauptsächlich nach der Jahrtausendwende, noch sieben weitere Kurzgeschichten. Diese wurden bis jetzt nicht gesammelt in einem Buch veröffentlicht und sie wurden, soweit ich weiß, auch nicht übersetzt.
Wer also das gesamte Werk von Colin Dexter, dem Erfinder von Inspector Endeavour Morse und seinem Gehilfen Sergeant Robert Lewis, haben möchte, muss sich auf eine kleine Suchtour begeben. Und Englisch können.
Für die weniger eifrigen Komplettisten dürften die elf in „Ihr Fall, Inspector Morse“ gesammelten Kurzgeschichten reichen. Denn die Geschichten, sechs mit Inspector Morse, fünf ohne ihn, erreichen nie die Qualität seiner Romane. Teils wirken sie wie spontane Ideen oder Szenen, die es nicht in einen der Morse-Romane, geschafft haben. Teils wie Skizzen für einen Roman, die dann doch nicht weiter verfolgt wurden. Das gilt vor allem für die Geschichten, in denen Morse einen Mord aufklären muss. Die Schlußpointen sind vor allem deshalb überraschend, weil sie fast immer aus dem heiterem Oxford-Himmel kommen.
Sehr gelungen ist seine Sherlock-Holmes-Geschichte „Eine falsche Identität“. Sie liefert nämlich hintereinander mehrere überzeugende Erklärungen für das seltsame Verhalten eines potentiellen Bräutigams und zeigt damit, wie eine gute Rätselgeschichte funktioniert.
„Ihr Fall, Inspector Morse“ ist vor allem ein Buch, für die Gesamtleser von Colin Dexter. Für sie ist der Sammelband ein schöner Abschluss. Neueinsteiger sollten dagegen mit einem von seinen Inspector-Morse-Kriminalromanen anfangen; – allerdings besser nicht mit seinem letzten, sondern mit irgendeinem früheren Fall.
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Colin Dexter: Ihr Fall, Inspector Morse
(übersetzt von Peter Torberg, Almut Carstens, Christa Früh, Ute Tanner, Elfi Hartenstein, Elke Bahr, Karin Polz, Wolfram Hämmerling, Thomas Weidemann)
Unionsverlag, 2021
256 Seiten
12,95 Euro
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Deutsche Erstausgabe
Rowohlt Taschenbuch Verlag, 1995
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Die Geschichte „So gut wie Gold“ wurde erstmals ins Deutsche übersetzt.
Drehbuch: Billy Wilder, I. A. L. Diamond (nach einer Geschichte von Robert Thoeren und Michael Logan)
Chicago, während der Prohibition: die beiden Musiker Jerry und Joe beobachten den Mord an mehreren Gangstern. Um nicht ebenfalls ermordet zu werden, flüchten sie. In Frauenkleidern verstecken sie sich in einer nur aus Frauen bestehenden Band.
Klassiker. Seltsamerweise war die im TV doch ziemlich oft gezeigte Komödie hier noch nie der Tagestipp. Naja, niemand ist perfekt.
mit Marilyn Monroe, Jack Lemmon, Tony Curtis, George Raft, Pat O’Brien, Joe E. Brown, Edward G. Robinson Jr.
Zwei Jahre nach dem Ende des Ersten Weltkriegs kehren Peter Perg (Murathan Muslu) und seine Männer aus dem Krieg zurück in ein Wien, das sie nicht wieder erkennen. Als sie in den Krieg zogen war Österreich ein Kaiserreich. Jetzt gehört Österreich zu den Verlierern, einen Kaiser gibt es nicht mehr, es ist kleiner und eine Republik. Sie kämpften auf der falschen Seite für die falsche Sache. Niemand erwartet diese Verlierer.
In Wien kehrt Perg in seine alte Wohnung zurück. Seine Frau ist mit ihrem Kind zu ihrer Schwester aufs Land gezogen. Noch ehe Perg sich wirklich Gedanken über sein weiteres Leben machen kann, wird der frühere Kriminalinspektor in einen Mordfall verwickelt. Ein Serienkiller ermordet einen Oberleutnant aus Pergs Truppe, verstümmelt ihn und stellt die Leiche aus.
Zusammen mit der Gerichtsmedizinerin Theresa Körner (Liv Lisa Fries), die er von früher kennt, und dem jungen Kommissar Paul Severin (Max von der Groeben) beginnt er den Serienmörder zu suchen.
Gut, die Geschichte von Stefan Ruzowitzkys neuem Film „Hinterland“ ist ein 08/15-Serienkillerthriller, in dem der Mörder munter seine Taten begeht, die Opfer anschließend fotogen ausstellt, der Ermittler tapfer aufklärt und dem Mörder am Schluss die Maske vom Gesicht reißt. Dabei ist seine Identität sekundär. Schließlich ist „Hinterland“ kein klassischer Rätselkrimi, bei dem der Ermittler in einer Schar hochgradig verdächtiger Menschen den Täter finden muss.
Diese Mordermittlung bildet das Rückgrat für die atemberaubende Gestaltung des Films. Denn Ruzowitzky drehte seinen neuen Film fast ausschließlich im Studio vor Blue Screens. D. h. letztendlich, dass die Schauspieler wie in einem Theater vor einem nackten Hintergrund spielten, Benedict Neuenfels das aufnahm und Ruzowitzky, zusammen mit Oleg Prodeus und Ronald Grauer als Digital Designer, später diese einfügte. Dabei ging es ihnen nie um Realismus, sondern um, so Ruzowitzky, „eine digitale Version des Stummfilmklassikers ‚Das Kabinett des Dr. Caligari’“. Diesen expressionistischen Stil hält er vom ersten bis zum letzten Bild durch. Es handelt sich um ein künstliches Wien, das in jedem Bild seine Künstlichkeit betont und zeigt, wie derangiert und auch verrückt Perg, die anderen Kriegsheimkehrer und ganz Österreich sich fühlen.
Es sind Bilder, die auf die große Leinwand gehören – und auch in einem Comic gut aufgehoben wären.
In den Fünfzigern sitzt Siggi Jepsen in einer Besserungsanstalt. Er soll einen Aufsatz über „Die Freuden der Pflicht“ schreiben. Er schreibt über seine Kindheit während des Zweiten Weltkriegs in einem Dorf an der Nordseeküste. Dort setzt Siggis Vater Jens Jepsen als Dorfpolizist mit allen Mitteln gegenüber Siggis Patenonkel Max Ludwig Nansen das gegen Nansen von den Nazis verhängte Malverbot durch.
TV-Premiere. „Deutschstunde“ ist gediegenes, aber nicht in Erinnerung bleibendes Bildungsbürgerkino. Nicht wirklich schlecht, aber auch nicht besonders überzeugend.
2029 könnten in Deutschland die nächsten Wahlen den Aufstieg eines faschistisch-totalitären Regimes endgültig besiegeln. Journalist Jonas Hellström (Tobias Moretti) bekommt die Folgen schon vor der Wahl zu spüren. Ihm werden – zu Unrecht – Recherchefehler vorgeworfen. Er erhält ein Schreibverbot und wird beurlaubt.
Zusammen mit seiner Frau Lucia (Valery Tscheplanowa), einer Anwältin, begibt er sich auf eine malerisch gelegene Insel. Dort steht ihr vollautomatisches Haus. Dieses Smarthome bestellt selbstständig Lebensmittel, sorgt für die richtige Temperatur und nimmt seinen Bewohnern fast alles ab. Deshalb reguliert man, wenn nötig, beim Duschen die Wassertemperatur verbal und sagt, immer wieder, „Tür auf“ und „Tür zu“, anstatt selbst die Tür zu öffnen. Johann und Lucia genießen die Zwangspause und ärgern sich über die Eigenheiten des Hauses. Denn es funktioniert nicht immer hunderprozentig fehlerfrei. Lucia vermutet sogar, dass das Haus sie nicht möge. Währenddessen ruft Jonas den Techniker an.
In der Filmmitte tauchen dann zwei polizeilich gesuchten Linksterroristen bei ihnen auf. Sie sollen einen Anschlag verübt haben; können aber beweisen, dass sie zur Tatzeit an einem anderen Ort waren. Lucia ist ihre Anwältin und auch irgendwie in die Pläne der Terroristen eingeweiht. Jetzt will sie sie ins sichere Ausland bringen.
„Das Haus“ sieht wie die erste Fassung einer halbwegs strukturierten Ideensammlung aus. Viele aktuelle Themen werden angesprochen. Aktuelle Entwicklungen werden in die Zukunft extropliert. Aber alles bleibt skizzenhaft. Potentielle Konflikte existieren nur auf dem Papier. Die Dialoge sind fast durchgägngig Erste-Fassung-Platzhalter, die später durch bessere Dialoge ersetzt werden. Nicht in diesem Fall.
Und so ist „Das Haus“ ein gut aussehender, gut besetzter, an einer interessanten Location spielender Film, bei dem unklar ist, um was es eigentlich geht. Um ein durchgeknalltes Haus? Um eine Warnung vor dem Faschismus? Um eine Erörterung über den Ethos des Journalismus? Um eine Diskussion über die verschiedenen Formen des Widerstandes? Um eine auf der Kippe stehende Ehe? Immerhin hat Lucia in ihrem Haus ihren Mann mit seinem Chef betrogen. Das alles sprechen Rick Ostermann (Regie, Drehbuch) und Patrick Brunken (Drehbuch) in ihrer Verfilmung einer Geschichte von Dirk Kurbjuweit an. Kurbjuweit leitet das „Spiegel“-Hauptstadtbüro. Seine Kurzgeschichte erschien in „2029 – Geschichten von Morgen“. Aus diesem Sammelband verfilmte Maria Schrader bereits, äußerst gelungen, Emma Braslavskys Geschichte „Ich bin dein Mensch“. Ihr Film erhielt zahlriche Deutschten Filmpreise, unter anderem den als Bester Film, und er ist die deutsche Nominierung für den Auslands-Oscar.
Das wir mit „Das Haus“ nicht passieren. Denn während „Ich bin dein Mensch“ sich auf einen Konflikt und eine Frage (Sind Roboter Menschen?) konzentriert, spricht „Das Haus“ viele aktuelle Themen an, entscheidet sich für keines, bleibt daher notgedrungen immer an der Oberfläche und ohne einen eindeutigen Fokus. Dabei hätte ein rachsüchtiges Haus und ein zerstrittenes Ehepaar, das sich gegen das Haus wehren muss, doch mühelos für einen abendfüllenden, gerne schwarzhumorigen, Horrorfilm gereicht.
Wegen Tobias Moretti und dem titelgebendem Traumhaus kann man sich den Film irgendwann einmal im Fernsehen ansehen. Er sieht wie der ambitionierte TV-Film-der-Woche aus, bei dem der Drehbuchautor streikte.
Das Haus (Deutschland 2021)
Regie: Rick Ostermann
Buch: Rick Ostermann, Patrick Brunken
LV: Dirk Kurbjuweit: Das Haus, 2019 (in „2029 – Geschichten von Morgen“)
mit Tobias Moretti, Valery Tscheplanowa, Lisa Vicari, Max von der Groeben, Hans-Jochen Wagner, Samir Fuchs, Daniel Krauss, Alexander Wipprecht
Johnny Guitar – Gejagt, gehasst, gefürchtet (Johnny Guitar, USA 1954)
Regie: Nicholas Ray
Drehbuch: Philip Yordan
LV: Roy Chanslor: Johnny Guitar, 1953
Johnny Guitar (Sterling Hayden) ist ein gefürchteter Revolvermann, der fortan ein friedliches Leben führen möchte. Er will bei Vienna (Joan Crawford) arbeiten. Die Casinobesitzerin kauft, weil sie die künftige Strecke der Eisenbahn kennt, gerade wie verrückt Land auf. Und macht sich dabei einige Feinde. Unter anderem die Rancherin Emma Small (Mercedes McCambridge).
Kultwestern, dessen Titel ein Männername ist. Aber Joan Crawford ist hier der Star der in jedem Fall faszinierenden, mit viel Subtext und entsprechend vielen Interpretationsmöglichkeiten angereicherten Show.
mit Joan Crawford, Sterling Hayden, Mercedes McCambridge, Scott Brady, Ward Bond, Ben Cooper, Ernest Borgnine, John Carradine
Bevor Edgar Wright uns am 11. November 2021 zu einer „Last Night in Soho“ einlädt, macht der Regisseur von „Baby Driver“ uns mit den Sparks Brothers bekannt. Es handelt sich dabei um die Brüder Ron und Russell Mael, die sich als Band „Sparks“ nennen, und 1974 ihren Durchbruch mit dem Hit „This Town ain’t big enough for both of us“ hatten. Später änderten sie ihren Stil; oder gingen mit der Zeit. Denn aus den Glamrock- und Powerpopsongs der siebziger Jahre wurde Disco (inclusive einer Zusammenarbeit mit Giorgio Moroder), Synthie-Pop und ein Flirt mit Techno. Sie schrieben das Musical „The Seduction of Ingmar Bergman“ und arbeiteten mit Franz Ferdinand zusammen. Ihr erster gemeinsamer Song war „Collaborations don’t work“. Ohne Humor, Selbstironie, Dekonstruktion in Wort und Bild und Vaudeville sind die Sparks halt nicht denkbar.
Sie hatten immer wieder, abwechselnd in verschiedenen Ländern und Kontinenten, Nummer-Eins-Hits und blieben dabei immer unter dem Radar der breiten Öffentlichkeit. Denn wer die Sparks der einen Phase mag, mag nicht unbedingt die Sparks der anderen Phase.
Ein großer Teil ihres Charmes beruht auf dem gegensätzlichen Aussehen der beiden Brüder und ihrer ‚Britishness‘. Dabei sind sie aus Kalifornien kommende US-Amerikaner, deren verschrobene Musik in den späten sechziger Jahren dort nicht verstanden wurde. In England schon eher und zwischen David Bowie (in seiner Ziggy-Stardust-Phase), Queen und T-Rex fielen sie nicht weiter auf. Der Lohn waren Single-Hits, kreischende, die Bühne stürmende Teenager und Fans wie Edgar Wright, der sie Ende der Siebziger entdeckte. Jetzt setzte er ihnen mit seiner Doku „The Sparks Brothers“ ein Denkmal. Denn danach sind die Sparks die größte Band aller Zeiten.
Er erzählt ihre Geschichte chronologisch in einem Mix aus Konzertmitschnitten, alten und neuen Dokumentaraufnahmen und sprechenden Köpfen. Interviewt wurden die beiden Brüder, Weggefährten und Fans. Dieses gut erprobte Verfahren ist allerdings, wenn der Reihe nach die nächste und die nächste Platte vorgestellt wird, auf die Dauer etwas ermüdend. Denn die Sparks haben inzwischen 26 Studioalben veröffentlicht und jede dieser Platten, die selbstverständlich ein Meisterwerk ist, will gewürdigt werden. Neben den anderen Projekten der Brüder. In dem Moment wird das chronologische Verfahren zu einem Problem. Vor allem wenn es auf das mitteilungsbedürftige Fantum des Regisseurs trifft, er einen exklusiven Zugang zu dem Archiv der Porträtierten hat und diese stark in das Projekt involviert sind. Deshalb ist Wrights Doku auch keine schlanke neunzig Minuten, sondern voluminöse hundertvierzig Minuten.
Am Ende steht eine unkritische, aber vergnügliche Heldenverehrung. Denn die Brüder Ron und Russell Mael sind einfach zwei herrlich schrullige Typen. Im Interview, im Studio und auf der Bühne, wo der eine sich mit stoischer Mine (und inzwischen etwas gestutztem Charlie-Chaplin-Hitler-Bärtchen) hinter seinem Keyboard verschanzt, während der andere mit wechselnden Haarlängen singend über die Bühne springt.
The Sparks Brothers (The Sparks Brothers, USA 2021)
Regie: Edgar Wright
Drehbuch: Edgar Wright
mit Ron Mael, Russell Mael, Beck, Thurston Moore, Björk, Vince Clark, Flea, Giorgio Moroder, Todd Rundgren, ‚Weird Al‘ Yankovic, Mike Myers, Jason Schwartzman, Neil Gaiman
LV: Joseph D. Pistone, Richard Woodley: Donnie Brasco: My Undercover Life in the Mafia, 1990
FBI-Agent Joe Pistone arbeitete von 1975 bis 1981 als Undercover-Agent in New York gegen den Bonanno Clan. Dabei befreundete er sich mit dem Kleingangster Lefty Ruggiero.
Intensives Porträt über Mafiosi am unteren Ende der Futterleiter, den persönlichen Folgen gefährlicher Einsätze, über Beziehungen, Freundschaft und Verrat.
Mit Al Pacino, Johnny Depp, Michael Madsen, James Russo, Anne Heche
Am 19. Januar verschwindet Évelyne Ducat, die Frau eines aus der Gegend stammenden vermögenden Geschäftsmanns. Ihr Wagen steht an einer Landstraße im Schnee. Die Suche der Polizei verläuft ergebnislos.
Dagegen erfahren wir in Colin Niels Noir „Nur die Tiere“ und in Dominik Molls kongenialer Verfilmung des Romans, die bei uns unter dem Titel „Die Verschwundene“ in den Kinos läuft, was passierte. Dabei entfaltet die Geschichte sich nicht chronologisch, sondern aus verschiedenen, nacheinander erzählten Perspektiven. Diese Erzählungen überlappen sich zeitlich teilweise. Und sie ergeben ein düsteres Porträt des französischen Landlebens im Zentralmassiv. Die Höfe liegen weit auseinander. Das Einkommen der Landwirte ist kärglich. Jedenfalls bei den Landwirten, die Alice als Sozialarbeiterin besucht. Auch ihr gehört ein Hof. Er wird von ihrem Mann Michel betrieben. Ihre Ehe – beide sind Mttvierziger – ist im Alltag erstarrt.
Einer ihrer Kunden ist der allein lebende Joseph. Er ist auch ihr Geliebter; wobei die Initiative dafür von ihr ausging. Er hat – soviel kann verraten werden – Évelyne nicht ermordet. Allerdings entdeckt er Évelynes auf seinem Hof hingelegte Leiche, versteckt sie spontan in seiner Scheune und baut eine Beziehung zu der langsam verwesenden Leiche auf.
Eine andere Person, die eine Beziehung zur verschwundenen Évelyne hat, ist Marion. Die Mittzwanzigerin verliebt sich in die Endvierzigerin und zieht wegen ihr ins Zentralmassiv. Évelyne ist über das plötzliche Auftauchen ihrer Geliebten nicht begeistert. Sie möchte die Beziehung sofort beenden.
Niel wählte für seinen Noir eine ungewöhnliche Struktur. Er lässt seine Figuren ihre Geschichte erzählen und ordnet sie so an, dass sie auch immer mehr Hintergründe über Évelynes Verschwinden enthüllen. In einem Roman, der sich wie eine Sammlung von lose miteinander verbundenen Kurzgeschichten liest, funktioniert das ganz gut. Immerhin hängen die Erzählungen miteinander zusammen und jede Figur sucht nach Liebe. Es ist allerdings auch eine Struktur, die nur schwer in einen Film übertragen werden kann. So wird Alice, die Erzählerin der ersten Geschichte, zunehmend unwichtiger. Und Marions Geschichte spielt vor Èvelynes Verschwinden. Sie hat nur sehr wenige Berührungspunkte mit den anderen Geschichten. Sie ist allerdings sehr wichtig, um Évelynes Verschwinden zu verstehen.
Die aus den unterschiedlichen Perspektiven entstehende Geschichte von Èvelynes Ermordung ist auch eine Abhandlung über die Macht des Zufalls. Denn die verschiedenen Handlungen haben hier immer wieder Konsequenzen, die die handelnden Personen nicht wollten oder von denen sie nichts wissen. So hat Marion keine Ahnung, was ihr Auftauchen in der Provinz auslöst.
Wie in dem ebenfalls diese Woche im Kino angelaufenem Horrorfilm und Cannes-Gewinner „Titane“, geht es in „Nur die Tiere“/“Die Verschwunden“, wie gesagt, um die Suche nach Liebe und den seltsamen Wegen, die sie geht. Dabei akzeptieren die Macher vorbehaltlos jede Form von Liebe zu anderen ‚Menschen‘. Aber während das in „Titane“ nur eine lose, fast schon bemühte Interpretionsklammer ist, wird dieses Thema in „Nur die Tiere“/“Die Verschwundene“ erzählerisch stringenter, geschlossener und mit stärker in der Realität verhafteten Personen und Ereignissen erzählt. Umso verstörender sind dann die von Joseph und Michel gewählten Objekte der Begierde.
Dominik Moll („Lemming“, „Der Mönch“) übertragt den Roman und seine eigentlich unverfilmbare Struktur und Erzählweise gelungen auf die Leinwand. Dabei verändert er einiges, aber er bleibt bei seiner Interpretation immer nah an der Vorlage.
Am Ende haben wir einen sehenswerten Film und einen lesenswerten Roman.
Die Verschwundene(Seules les bêtes, Frankreich/Deutschland 2019)
Regie: Dominik Moll
Drehbuch: Dominik Moll, Gilles Marchand
LV: Colin Niel: Seules les bêtes, 2017 (Nur die Tiere)
mit Denis Ménochet, Valeria Bruni Tedeschi, Laure Calamy, Damien Bonnard, Nadia Tereszkiewicz, Bastien Bouillon, Guy Roger ‚Bibisse‘ N’drin
mit Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Esper, Adam Driver, Michael Zegen, Charlotte d’Amboise, Crace Gummer, Justine Lupe, Patrick Heusinger, Christine Gerwig, Gordon Gerwig
Jetzt ist er da: der diesjährige Cannes-Gewinner. Ein spektakulär gutaussehender Film, der das Potential für einen Skandalfilm hat. Allerdings ist die Zeit der Skandalfilme, also die Zeit, als Kritiker wutschnaubend die Vorstellung verließen, kirchliche Würdenträger den endgültigen Verfall der Sitten konstatierten (natürlich ohne das Werk gesehen zu haben), Zuschauer bei der Vorstellung ohnmächtig wurden und der Film anschließend in mehreren Ländern verboten wurde, vorbei.
Heute gibt es für so einen Film eine Freigabe ab 16 Jahre; was, zugegeben, eine ziemlich gewagte Entscheidung ist. Denn „Titane“ ist mit seinen zahlreichen intensiven Body-Horror-Szenen wirklich kein Film für zartbesaitete Zuschauer.
Im Mittelpunkt steht Alexia (Agathe Rousselle). Als Kind wurde sie bei einem von ihrem Vater verursachtem Autounfall schwer verletzt. Seitdem hat sie eine Titanplatte in ihrem Kopf. Inzwischen ist sie eine junge Frau. In einer Autoshow, die sich kaum von einem Stripclub unterscheidet, arbeitet sie als Tänzerin. Nach der Show hat sie zuerst etwas, das wie wilder Sex mit einem Auto aussieht, und dann auf dem Parkplatz Ärger mit einem übergriffigem Gast.
Er ist eines ihrer Opfer und weil sie keine Energie darauf verschwendet, ihre Spuren zu verwischen, wird sie schnell als Serienkillerin gesucht. Im Fernsehen sieht sie auch das Bild eines vor zehn Jahren veschwundenen Jungen. Sie hat eine entfernte Ähnlichkeit mit ihm. Deshalb schneidet sie sich die Haare, bricht sich die Nase und gibt sich, in körperverhüllenden Kleidern, als Adrien aus.
Adriens Vater Vincent (Vincent Lindon) ist der Kommandant einer einsam gelegenen Feuerwehrstation. Die jugendlichen Feuerwehrleute, die er ausbildet und die ausschließlich Männer sind, übernachten dort. Für sie ist er die unumstrittene Führerfigur, die entsprechend frei schalten und walten kann. Eine Welt außerhalb der Station scheint es nicht zu geben.
Vincent akzeptiert Alexia sofort als Adrien. Ihr Schweigen und ihr ruppig-abweisendes Verhalten erklärt er sich mit den traumatischen Erfahrungen ihrer/seiner Entführung. Er sieht auch über Alexias dicker werdenden Bauch (einiges spricht dafür, dass der Vater kein Mensch, sondern ein Auto ist) hinweg. Aber wie lang kann er die immer offensichtlicher werdende Realität ignorieren?
Bereits mit ihrem ersten Film „Raw“ (Grave, Frankreich/Belgien 2016), der bei uns nur auf DVD erschien, tobte Julia Ducournau sich im Horrorgenre aus. Im Mittelpunkt ihrer Coming-of-Age-Geschichte steht eine Sechzehnjährige, die zur Kannibalin wird.
Auch „Titane“ ist ein heftiger Film. So weckt der erste Teil, wegen seiner Verbindung von Body-Horror, Autos und Sex, spontan Erinnerungen an David Cronenbergs J.-G.-Ballard-Verfilmung „Crash“. Die Serienkillergeschichte ist oft äußerst blutig und schwarzhumorig. Dabei ist es Alexia letztendlich egal, wen sie warum umbringt. Ihre Morde haben eine beeindruckende rohe Effektivität und sie sind durchaus einfallsreich in ihrer Brutalität. Aber nachdem die Polizei öffentlich nach ihr fahndet, muss sie ihr Aussehen verändern und untertauchen.
Der dann folgende zweite und subjektiv längere Teil des Films (Sorry, ich hatte nicht auf die Uhr gesehen.) führt in eine seltsam Testosteron-gesteuerte Männerwelt, die mit dem ersten Teil nichts zu tun hat.
Beide Teile können, wenn man die einzelnen Episoden zu einem überwölbenden Thema zusammenfassen will, als ein verquerer Schrei nach Zuneigung und ein Aufruf zur Toleranz gelesen werden kann. Jedenfalls wollte Ducourneau etwas über die Liebe erzählen.
Am Ende wirkt „Titane“ wie eine Best-of-Compilation des harten Horrorfilms: stilsicher inszeniert, – was in diesem Fall auch heißt, stilsicher Geschmacks-, Ekel- und Toleranzgrenzen des Publikums auslotend -, immer wieder überzeugende Szenen, die sich tonal vollkommen von der vorherigen Szene unterscheiden können, immer wieder strange und zu offensichtlich auf die große Empörung des Publikums spekulierend.
Ich war am Ende des Films ratlos, was ich von diesem disparatem Potpourri aus Ideen halten sollte und was mir der Film sagen wollte. Das liebt auch daran, dass ich mich aus Prinzip weigere, ohne Nachzudenken, auf einen hysterischen Erregungszug aufzuspringen oder besinnungslos die aktuellen Feuilleton-Schlagworte herunterzubeten.
Auch rückblickend ändert sich das nicht.
Titane (Titane, Frankreich 2021)
Regie: Julia Ducournau
Drehbuch: Julia Ducournau
mit Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Lais Salameh
Der Würgeengel (l ángel exterminador, Mexiko 1962)
Regie: Luis Buñuel
Drehbuch: Luis Buñuel, Luis Alcoriza
Ein weiterer Buñuel-Film – und der Abschluss der kleinen Arte-Reihe. Dieses Mal geht es um eine Abendgesellschaft, deren gemeinsames Essen in Edmundos Villa eine merkwürdige Wende nimmt. Denn nach dem Essen können die Gäste das Haus nicht mehr verlassen. Obwohl die Türen offen stehen und es kein erkennbares Hindernis gibt.
mit Silvia Pinal, Lucy Gallardo, Augusto Benedico, Jacqueline Andere, Enrique Rambal, José Baviera
Lois Lane ist die Freundin von „Superman“ Clark Kent, Reporterin beim „Daily Planet“ in Metropolis und viel mehr dürfte der 08/15-Leser nicht über sie wissen. Schließlich ist ihr Superheldenfreund für die Rettung der Welt zuständig.
Das mit ihrer Bekanntheit könnte sich mit Greg Ruckas „Lois Lane: Reporterin im Fadenkreuz“ ändern. Denn in der zwölfteiligen Miniserie steht ihre Arbeit als investigative Journalistin im Mittelpunkt. Superman bzw. Clark Kent hat nur einige Miniauftritte als der Mann an ihrer Seite. Zunächst weil Lois Lane ohne seine Superkräfte arbeiten will. Später weil es auch um okkulte Dinge geht und Supermans Fähigkeiten in diesem Zusammenhang unbrauchbar sind.
Die Miniserie beginnt mit der Recherche im Todesfall Mariska Voronova. Die Journalistin soll sich in Moskau angeblich umgebracht haben. Lois Lane bittet Renee Montoya um Hilfe. Montoya war in Gotham City Polizistin. Jetzt ist sie als mit einer identitätsverschleiernden Maske arbeitetender Detektiv Question unterwegs. In Moskau soll sie Voronovas gut versteckte Rechercheergebnis aus dem Versteck holen und zu Lane zu bringen.
Währenddessen wird Lane die Akkreditierung für das Weiße Haus entzogen. Sie hatte nachgefragt, ob Mitglieder der Regierung an der Trennung von Familien zu ihren Kindern in Flüchtlingslagern Geld verdienen.
Ihre investigativen Recherchen und die damit verbundenen Enthüllungsreportagen führen schließlich zu einem mit großem Aufwand geplanten Bombenattentat auf sie. Danach ist ihre Wohnung ein Trümmerfeld. Die Täterin kann entkommen. Es handelt sich um Kiss of Death und sie plant schon ihren nächsten Anschlag auf Lane.
Wer von der Miniserie „Lois Lane – Reporterin im Fadenkreuz“ eine in sich hundertprozentig geschlossene Geschichte über eine Reporterin, die einen großen Skandal, den wir bis ins allerletzte Detail verstehen, erwartet, wird enttäuscht sein. Die von ihr aufgedeckten Skandale und die Reaktionen darauf werden nur nebenbei angesprochen. Und es gibt nicht den einen großen Skandal. Stattdessen gibt die Miniserie einen gelungenen Einblick in das Leben einer furchtlosen investigativen Journalistin, die mächtige Gegner im Wochentakt herausfordert. Einige von ihnen schicken dann Killer los. Lanes Kampf um die Wahrheit ist ein niemals endender Kampf. Greg Rucka und Mike Perkins schildern ihn in spannungsgeladenen Episoden.
Hardboiled-Autor Greg Rucka ist bekannt für seine starken Frauenfiguren. Zu nennen sind hier, wenn wir seine Romane ignorieren, die mit Ed Brubaker geschriebene Serie „Gotham Central“ (in der die frustrierende Arbeit der Polizei geschildert wird, während Batman die Lorbeeren einsammelt; Renee Montoya ist eine der Hauptfiguren), „Stumptown“ (über die bisexuelle, in Portland, Oregon, arbeitende toughe Privatdetektivin Dex Parios), die Geheimagentinnenserie „Queen & Country“ und selbstverständlich die in der Antarktis spielenden „Whiteout“-Geschichten mit US-Marshal Carrie Stetko.
Mike Perkins zeichnete u. a. eine von Ed Brubaker erfundene „Captain America“-Geschichte, die Comic-Adaption von Stephen Kings „The Stand“ und „Der Fluch von Rowans Rise“.
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Greg Rucka/Mike Perkins: Lois Lane – Reporterin im Fadenkreuz
(übersetzt von Bernd Kronsbein)
Panini, 2021
324 Seiten
32 Euro
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Originalausgabe
Lois Lane: Enemy of the People, Part One – Part Twelve
Brandneue einstündige Doku über Bret Easton Ellis und sein 1991 erschienenes Skandalbuch „American Psycho“. In Deutschland war der Bestseller von 1995 bis 2001 indiziert.
Weniger skandalös war, neun Jahre später, Mary Harrons Verfilmung des Romans.
Spielfilmlange Doku über den Einfluss der sozialen Medien auf die politische Willensbildung.
Die Doku ist der Beginn eines langen Arte-Info-Abends. Um 21.45 Uhr geht es mit „Der Königsmacher: Mit den Waffen der Werbung“ (Frankreich 2018, über den britischen PR-Experten und Politikberater Lord Timothy Bell) weiter. Um 23.15 Uhr folgt, als TV-Premiere, „Die alte Neue Rechte“ (Deutschland 2021). Zum Abschluß zeigt Arte um 00.10 In den Gräben der Geschichte“ eine einstündige Doku über Ernst Jünger.
Dear Future Children (Deutschland/Großbritannien/Österreich 2020)
Regie: Franz Böhm
Rauch auf den Straßen der chilenischen Hauptstadt Santiago, die Gesichter junger Menschen verdeckt von Gasmasken. Ein schier anarchistisch anmutender Protestaufzug für soziale Gerechtigkeit, opponiert von massiver Polizeigewalt. Es folgt Uganda, wo Unmengen an Plastikmüll in den Gewässern treiben. Ein Protestzug junger Menschen in natur-grünen Oberteilen lässt ihre emotional geladenen Stimmen für den Klimaschutz durch die Stadt hallen. Anschließend leiten schrill dröhnende Polizeisirenen in eine Hongkonger Nacht über. Inmitten der von Neonlicht erleuchteten Gassen eilen Reporter*innen in reflektierenden Westen den brutalen Geschehnissen hinterher. Junge Aktivist*innen und schwer bewaffnete Polizist*innen prallen aufeinander.
Vereint sind diese Geschehen im Aufruhr der jungen Bevölkerung mit dem Willen, die Gegenwart zu verändern und eine lebenswerte Zukunft zu schaffen. Dear Future Children widmet sich einer Betrachtung dieser Jugendbewegungen und erzählt die Geschichten dreier junger Aktivistinnen aus Chile, Uganda und Hongkong in einer durchgehenden Parallelmontage. Mit den Geschichten dieser Bewegungen
reflektiert der Film in intensiver Betrachtung den rebellischen Puls der Zeit, in welcher sich engagierte und ideenreiche junge Menschen dazu entschließen die Welt zu verändern. All dies inmitten eines Zeitalters, welches es ermöglicht, millionenstarke Bewegungen innerhalb weniger Wochen zu etablieren.
Gleichzeitig etabliert sich der Aktivismus auch als unscheinbarer Antagonist im Film. Der Film reflektiert dieses wie ein zweischneidiges Schwert: Die Entscheidung zur Teilnahme an Protesten bringt Hassbotschaften, enorme Risiken und eine unberechenbare öffentliche Präsenz in die Leben der jungen Protagonistinnen. Zum Wohle ihrer eigenen Zukunft, sind die Akteur*innen der Protestbewegungen jedoch zum Handeln gezwungen.
One World Berlin – Menschenrechte aktuell – die monatliche Filmreihe im Lichtblick-Kino, mit Dokumentarfilmen über Bürger- und Menschenrechte. Filmemacher*innen und Expert*innen diskutieren mit dem Publikum über Fragen, die Menschen in der Stadt bewegen, lokal und global: , Rassismus und Diskriminierung, Überwachung und Datenspeicherung, Teilhabe an einer gerechten Gesellschaft – Menschsein und Menschenrechte in der digitalen Welt.
Die Filmreihe versteht sich auch als Plattform für Berliner Bürger- und Menschenrechtsinitiativen, die zu den in den Filmen verhandelten Fragen arbeiten.
Die Filmreihe wird organisiert von der Humanistischen Union, Deutschlands ältester Bürgerrechts-Organisation (mitbegründet von Fritz Bauer), One World Berlin Human Rights Film Festival, das sich seit 2004 durch Menschenrechts-Filmarbeit engagiert, und dem Lichtblick-Kino.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 