LV: Robert Graysmith: Zodiac, 1976 (Zodiac – Auf der Spur eines Serienkillers)
Finchers epische, detailversessene Verfilmung über die Jagd nach dem Zodiac-Killer, der auch als Inspiration für den Killer im ersten „Dirty Harry“-Film diente. Der Zodiac-Killer versetzte in den späten Sechzigern die Bevölkerung in und um San Francisco in Angst und Schrecken. Dazu trugen neben seinen Taten und dem ausbleibenden Fahndungserfolg der Polizei auch seine verschlüsselten Briefe an die Öffentlichkeit bei. Bis heute ist seine Identität unklar.
Vanderbilts Drehbuch war für den Edgar den Preis der Writers Guild of America nominiert.
Mit Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Robert Downey jr., Brian Cox, Cloe Sevigny, Elias Koteas, Dermot Mulroney, John Carroll Lynch, John Getz, Philip Baker Hall
Dead Man Walking – Sein letzter Gang (Dead Man Walking, USA 1995)
Regie: Tim Robbins
Drehbuch: Tim Robbins
LV: Sister Helen Prejean: Dead Man Walking, 1993 (Dead Man Walking – Sein letzter Gang)
Die Nonne Helen Prejean lernt den Verbrecher Matthew Poncelet, der in der Todeszelle sitzt, kennen. Eine Freundschaft entwickelt sich, die mit seinem Tod endet.
Starkes, auf Tatsachen basierendes Drama über die Todesstrafe und das US-amerikanische Justizsystem. Susan Sarandan erhielt für ihre Darstellung einen Oscar.
„Der Regie und den Hauptdarstellern ist es gelungen, einen aufwühlenden Film über die Todesstrafe zu machen, ohne in ein Rührstück zu verfallen (…) ein in jeder Hinsicht anspruchs- und gehaltvolles Werk.“ (Fischer Film Almanach 1997)
mit Susan Sarandon, Sean Penn, Robert Prosky, Ramond J. Barry, R. Lee Ermey
Chiara (Cécile de France) ist Mitte Vierzig, seit neunzehn Jahren glücklich mit Antoine Saint-Jean (Grégoire Monsaingeon) verheiratet und eine Zugezogene auf der kleinen Insel vor der französischen Atlantikküste. Trotzdem ist sie allgemein beliebt und anerkannt. Zusammen mit Antoine arbeitet sie als Fischerin. Ab und an nehmen sie einen Lehrling auf. So auch jetzt. Maxence (Félix Lefebvre) heißt er. Gut sieht er aus und er kommt aus einem guten Haus. Am ersten Abend fragen sich Chiara und Antoine, wie lange der verwöhnte Maxence durchhält.
Er hält durch. Und verdient sich so zunächst Chiaras Respekt. Später verlieben sie sich ineinander.
Als ihr Mann Monate für zwei Wochen wegen Verhandlungen im Rahmen des Brexit nach London muss, haben sie eine sturmfreie Bude.
Wenige Wochen nach Carine Tardieus „Im Herzen jung“ (mit Fanny Ardant, Melvil Poupaud und ebenfalls Cécile de France) verliebt sich in „Wild wie das Meer“ wieder ein junger Mann in eine ältere Frau. In, nach drei Kurzfilmen, Heloise Pelloquets Langfilmdebüt „Wild wie das Meer“ fällt der Film allerdings überzeugender aus. Während „Im Herzen jung“ sich kaum von einer vernachlässigbaren TV-Kitschromanze unterscheidet, erzählt Pelloquets ihre Liebesgeschichte aus Chiaras Perspektive und sie erzählt letztendlich die Geschichte einer Befreiung. Wobei etwas unklar bleibt, was ihr an ihrem Leben nicht gefällt. Außerdem interessiert sich Pelloquet für das Leben im Dorf und für die Arbeit der Fischer. Fast schon dokumentarisch beobachtet sie das Ehepaar Saint-Jean beim Einhohlen der Fische und dem späteren Verkauf.
Die Liebesgeschichte entwickelt sich anfangs sehr langsam. Zum ersten Mal küssen sich Chiara und Maxence in der Filmmitte. Und dann geht alles sehr sehr schnell. Denn selbstverständlich weiß schnell das gesamte Dorf von dem Verhältnis.
Wild wie das Meer(La passagère, Frankreich 2022)
Regie: Héloïse Pelloquet
Drehbuch: Rémi Brachet, Héloïse Pelloquet
mit Cécile de France, Grégoire Monsaingeon, Félix Lefebvre, Imane Laurence, Jean-Pierre Couton, Ghislaine Girard, Caroline Ferrus, Gauvain Pontoizeau
Der Regenmacher(John Grisham’s The Rainmaker, USA 1997)
Regie: Francis Ford Coppola
Drehbuch: Francis Ford Coppola, Michael Herr
LV: John Grisham: The rainmaker, 1995 (Der Regenmacher)
Ein junger Anwalt hilft einer armen Familie, deren Sohn an Leukämie starb, gegen die übermächtige Versicherung Great Benefit. Kann er den Fall gewinnen?
Klingt irgendwie nach der altbekannten David-gegen-Goliath-Geschichte im Justizmilieu. Wie die anderen Grisham-Verfilmungen, die damals im Jahresturnus in die Kinos kamen, ist Francis Ford Coppolas „Der Regenmacher“ eine vor und hinter der Kamera erstklassig besetzte, überlange Auftragsarbeit. Oder, wie Variety zum Filmstart meinte: „So sorgfältig konstruiert, attraktiv gearbeitet und reizvoll gespielt wie eine hochkarätige Hollywood-Produktion der klassischen Studioära.“
John Grisham schreibt eifrig weiter sich gut verkaufende Justiz-Thriller. Nur verfilmt werden sie im Moment nicht mehr.
Mit Matt Damon, Claire Danes, Danny DeVito, Mary Kay Place, Mickey Rourke, Jon Voight, Danny Glover, Virginia Madsen, Dean Stockwell, Roy Scheider
Ja, der Film war erst kürzlich mein Tagestipp, aber weil diese alten Filme inzwischen so selten gezeigt werden, gibt es heute wieder
Tele 5, 22.00
Das dreckige Dutzend (The Dirty Dozen, Großbritannien/USA 1967)
Regie: Robert Aldrich
Drehbuch: Nunnally Johnson, Lukas Heller
LV: E. M. Nathanson: The Dirty Dozen, 1965 (Das dreckige Dutzend)
Im März 1944 erhält Major John Reisman den Befehl, ein Dutzend Männer für ein Himmelfahrtskommando auszubilden. Der Haken bei der Sache ist, dass diese Soldaten alle zum Tode verurteilte Schwerverbrecher sind.
Rüder Kriegsfilmklassiker mit einem, aus heutiger Sicht, Ensemble voller Stars. Einige von ihnen wurden erst durch diesen Kassenhit zu Stars.
mit Lee Marvin, John Cassavetes, Ernest Borgnine, Richard Jaeckel, Robert Ryan, George Kennedy, Telly Savalas, Donald Sutherland, Charles Bronson, Jim Brown, Clint Walker, Trini Lopez, Ralph Meeker, Robert Webber, Ben Carruthers
Am 19. September 2018 stirbt Steffen Meyn. Als er sich, entgegen seinem normalen Verhalten ungesichert von einem Baumhaus über eine teils zerstörte Hängebrücke auf den Weg zu einem anderen Baumhaus macht, stürzt er fünfzehn Meter in die Tiefe. Er ist sofort tot. Seine Kamera läuft nach seinem Sturz weiter.
Es ist der siebte Tag der Räumung des Hambacher Forst. Das Gelände war damals besetzt. Die Besetzer wollten verhindern, dass der Wald gerodet wird, damit die RWE dort im Tagebau Braunkohle abbauen konnte. Sie hatten sich in mehrere Meter über dem Boden liegenden Baumhäusern verschanzt. Die Polizei räumte, weil die Häuser nicht den Bauvorschriften entsprächen. So die offizielle Begründung. Allgemein wurde es damals als Machtdemonstration der Landesregierung angesehen.
Im September 2021 stufte das Verwaltungsgericht Köln die Räumung als rechtswidrig ein. Davor, im Oktober 2018, war bereits auf Antrag des Bund für Umwelt- und Naturschutz ein vorläufiger Rodungsstopp verhängt worden. Im Januar 2020 vereinbarten die Bundesregierung und der vom Kohleausstieg betroffenen Bundesländer, dass der Hambacher Forst nicht gerodet wird.
Dieser Erfolg der Umweltbewegung ist allerdings nicht das Thema des Film.
Fabiana Fragale, Kilian Kuhlendahl und Jens Mühlhoff, die mit Meyn befreundet waren und, wie er, an der Kunsthochschule für Medien Köln studierten, haben für ihren Film „Vergiss Meyn nicht“ die Aufnahmen von Meyn ausgewertet und um aktuelle Interviews mit ehemaligen Hambi-Bewohnern ergänzt. Es ist ein Erinnerungswerk.
Steffen Meyn war als teilnehmender Beobachter bei der Besetzung dabei. Mit seiner 360-Grad-Kamera, die er auf einem Fahrradhelm befestigt hatte und die für ungewöhnliche Bilder sorgt, dokumentierte er bis zu seinem Tod die Proteste und das Leben der Hambi-Bewohner. Er unterhielt sich mit ihnen über ihr Leben. Er ließ sich ihre engen Baumwohnungen zeigen. Er sympathisierte mit ihnen, aber er fragte sich auch, ob diese Form des Protestes, bei der man seinen Tod riskiert, der richtige Weg ist.
Diese Frage stellen sich in den aktuellen Interviews die ehemaligen Bewohner des Hambacher Forst auch. Außerdem erzählen sie rückblickend vom Leben im Wald. Sie sprechen über den Anspruch, den sie damals an ihr Zusammenleben hatten und welche Probleme sich daraus ergaben.
Insgesamt ergeben Meyns Bilder und die aktuellen Interviews einen parteiischen Blick in das Leben im Hambacher Forst. „Vergiss Meyn nicht“ fragt auch, ohne eine endgültige Antwort zu geben, welcher persönliche Einsatz für einen Protest gerechtfertigt ist. Diese Frage stellt sich bei jedem Protest.
Gefragt werden sollte allerdings auch, ob die eingesetzten Mittel geeignet sind, das Ziel zu erreichen – und ob dieses Ziel überhaupt erreicht werden soll.
JAMES BOND 007: Die Welt ist nicht genug (The World is not enough, USA/Großbritannien 1999)
Regie: Michael Apted
Drehbuch: Bruce Feirstein, Neal Purvis, Robert Wade
LV: Figur von Ian Fleming
Buch zum Film: Raymond Benson: The World is not enough, 1999 (Die Welt ist nicht genug)
Nachdem Öl-Mogul King im Hauptquartier von MI-6 in die Luft gesprengt wurde, wird Bond als Bodyguard für dessen schöne Tochter Elektra abgestellt.
Mit Michael Apted engagierten die Bond-Macher einen renomierten Regisseur (u. a. Gorky Park, Gorillas im Nebel, Halbblut, Nell), der bis dahin nicht durch Action-Filme aufgefallen war. Im Rahmen dieser Produktion wurde er zum willigen Erfüllungsgehilfen einer wie üblich haarsträubenden Geschichte.
Mit Pierce Brosnan, Sophie Marceau, Robert Carlyle, Denise Richards (trotz eines Razzie die beste Werbung für den unbeliebten Job eines Atomphysikers), Robbie Coltrane, Claude Oliver Rudolph, John Cleese, Serena Scott Thomas, Goldie
Erschreckend, aber anhand der Zahlen nachvollziehbar: „The Nun“ ist der bislang erfolgreichste Film des „The Conjuring’“-Franchise. In „The Conjuring“ und den Fortsetzungen wurden Fälle der realen Geisterjäger Ed und Lorraine Warren geschildert. Sie waren in den siebziger und achtziger Jahren in den USA sehr populär. Vor allem die ersten beiden, von James Wan inszenierten „The Conjuring“-Filme sind gelungene, traditionsbewusste Gruselfilme. Sie spielen in den Siebzigern und sehen aus wie Gruselfilme aus den Siebzigern. Daneben folgten Gruselfilme ohne das Ehepaar Warren, aber mit Bezügen zu ihren Fällen. Über die Puppe „Annabelle“ und den Dämon Valak, der bevorzugt als „The Nun“ Menschen gruselt und tötet, gibt es schon Einzelfilme.
Der erste „The Nun“-Film spielte 1952 in Rumänien in dem Nonnenkloster St. Clara. Dort versetzte eine dämonische Präsenz die im Kloster und der Umgebung lebenden Menschen in Todesangst. Am Ende des Films war Valak, die dämonische Nonne, anscheinend besiegt.
Vier Jahre später wird in der südfranzösischen Kleinstadt Tarascon ein Priester in seiner Kirche getötet. Die Kirchenoberen sehen eine Spur der, ähem, Bessessenheit, die sich vom rumänischen Kloster St. Carta immer weiter Richtung Westen bewegt. Aktuell scheint sich Valak in einem Mädcheninternat aufzuhalten.
Schwester Irene, die bereits in „The Nun“ gegen den Dämon kämpfte, wird in die französische Provinz losgeschickt. Begleitet wird sie von Schwester Debra.
In der Schule trifft sie auf den ebenfalls aus „The Nun“ bekannten Frenchie. Er arbeitet an der Schule als allgemein beliebter, immer hilfsbereiter Hausmeister. Er ist verliebt in eine Lehrerin und er versteht sich gut mit deren Tochter, die von Schulkameradinnen gehänselt wird. Er ist, wie er erschrocken von Schwester Irene erfahren muss, der primäre Wirtskörper für den Dämon. Ab und an ergreift der Dämon auch Besitz von anderen Menschen oder er taucht als „The Nun“ auf.
Taissa Farminga und Jonas Bloquet spielen wieder Schwester Irene Palmer und Maurice „Frenchie“ Theriault. Frenchie hatte ihr damals im Kampf gegen Valak geholfen.
Das Drehbuch ist von Ian B. Goldberg, Richard Naing (beide „The Autopsy of Jane Doe“ und Akela Cooper („M3GAN“).
Michael Chaves übernahm die Regie. Er inszenierte bereits die „Conjuring“-Filme „Lloronas Fluch“ und „Conjuring 3: Im Bann des Teufels“. Beide Filme gehören zu den schlechteren Filme des Franchise.
„The Nun II“ ist auch nicht viel besser. Denn anstatt eine richtige Geschichte mit Figuren, deren Schicksal uns interessiert, zu erzählen, folgen einfach alle paar Minuten Suspense-Szenen, in denen Menschen mit schlechten Überlebensaussichten gegen aus dunklen Ecken kommende Bedrohungen kämpfen. Über die meisten dieser Dämonenopfer erfahren wir nichts. Ihre Erlebnisse haben auch keinen relevanten Einfluss auf die Geschichte. Bis zum Finale, in dem dann mit erwartbar viel Budenzauber der Dämon ausgetrieben wird, plätschert die Geschichte arg spannungs- und überraschungsfrei vor sich hin. Nur der Handlungsort und die -zeit, Frankreich in den Fünfzigern, sorgen für etwas Abwechslung. Gedreht wurde im Studio in Martigues (in der Nähe von Marseille) und an verschiedenen Orten in Aix-en-Provence und in Tarascon.
Weil „The Nun II“ sein Budget inzwischen schon mehrfach eingespielt hat, werden Valak, Schwester Irene und der nette Frenchie selbstverständlich zurückkehren. Bis dann irgendwann das Geisterjäger-Ehepaar Warren den Dämon schnappt und in ihrem Keller einsperrt. Dort befinden sich schon etliche weitere Dämonen und Andenken an ihre Fälle.
The Nun II(The Nun II, USA 2023)
Regie: Michael Chaves
Drehbuch: Ian Goldberg, Richard Naing, Akela Cooper (nach einer Geschichte von Akela Cooper)
mit Taissa Farmiga, Jonas Bloquet, Storm Reid, Anna Popplewell, Bonnie Aarons, Katelyn Rose Downey, Suzanne Bertish, Léontine D’Oncieu, Anouk Darwin
2010 war „The Expendables“ ein Überraschungserfolg. Sylvester Stallone versammelte für den Actionkracher etliche Achtziger-Jahre-Action-Stars, nahm Jason Statham als Jungspund dazu, und ließ sie noch einmal das tun, was sie damals getan hatten: blöde Macho-Action, aber dieses Mal mit einem selbstironischen Twist.
Die Altherren-Action amüsierte und kam beim Publikum, das beim Ansehen des Films in Erinnerungen schwelgen konnte, gut an.
Schnell folgten ein zweiter und dritter Film. Weitere Stars spielten mit, u. a. Arnold Schwarzenegger, Harrison Ford, Bruce Willis (der dann wegen unverschämter Gagenforderungen rausgeworfen wurde), Chuck Norris, Jean-Claude Van Damme, Wesley Snipes, Mel Gibson; – und sicher noch einige Schauspieler, deren Namen ich jetzt vergessen habe. Es gab die immergleiche Mischung aus Schlägereien, Explosionen und dummen Sprüchen.
2014 war der bislang letzte Einsatz der freischaffenden Söldnertruppe.
Bei „The Expendables 3“ kritisierten die Fans das PG-13-Rating. Es wurden auch deutlich weniger Tickets verkauft. Sylvester Stallone sicherte den Fans für den nächsten „Expendables“-Film wieder ein nicht-jugendfreies Spektakel zu. Seitdem gab es vereinzelte Meldungen über verschiedene Drehbuchversionen, Regisseure und Schauspieler, die mitspielen wollten, sollten oder nicht mehr mitspielen wollten.
Mehr geschah nicht. Nur dass die Stars älter wurden.
Jetzt ist der vierte „Expendables“-Film draußen.
Dieses Mal wird die Söldnertruppe von ihrem CIA-Verbindungsmann Marsh beauftragt, den Diebstahl von Zündern für Atomsprengköpfen zu verhindern. In Libyen ist Rahmat gerade dabei, sie für Ozelot zu stehlen. Die Identität von Ozelot ist nicht bekannt. Barney Ross (Sylvester Stallone) will den Großgangster seit Ewigkeiten schnappen.
Nach einer großen und verlustreichen Schlacht kann Rahmat mit den Zündern entkommen. Der Waffenfabrik, in dem sie waren, ist danach eine Ruine. Und die Expendables-Söldner lecken in New Orleans ihre Wunden. Die Mission war ein Fehlschlag und es bei ihnen Tote.
Eine zweite Chance erhalten sie, als sie erfahren, dass Rahmat und die inzwischen auf Bomben montierte Zünder auf einem Frachtschiff sind, das sich Richtung China bewegt.
Der Kampf auf dem Schiff nimmt die zweite Hälfte des Films ein und er erschöpft sich weitgehend in einem ermüdendem Geballer und Aufschlitzen von Bösewichtern.
Vom ursprünglichen Team sind nur noch Sylvester Stallone (als Kopf der Expendables), Jason Statham (als sein bester Freund), Dolph Lundgren (der seinen Part im Sitzen und Liegen absolviert) und Randy Couture (unauffällig) dabei. Die Neuzugänge – Megan Fox, Curtis „50 Cent“ Jackson – sind lang nicht so bekannt wie die früheren Ensemble-Mitglieder. Tony Jaa (auf der Seite der Guten) und Iko Uwais (auf der Seite der Bösen) sind zwar als Action-Stars bekannter, aber das breite Publikum dürfte sie nicht erkennen. Das aktuelle Ensemble hat nicht die Zugkraft des Ensembles der ersten drei „Expendables“-Filme.
Folgerichtig fehlt der selbstironische Humor der vorherigen Filme. Ein großer Teil des Humors entstand bei den ersten drei „Expendables“-Filmen aus dem Wissen um die früheren Filme der Actionstars, ihre damals gepflegten Feindschaften (so kämpften „City-Cobra“ Stallone und „City-Hai“ Schwarzenegger um den ersten Platz in den Kinocharts, wer im Film die meisten Menschen tötet und wer den größeren Bizeps hat) und dass hier alte Männer Dinge taten, für die sie seit Jahren viel zu alt sind. Augenzwinkernd präsentierte Altherren-Action eben.
Die Story in „The Expendables 4“ dient nur dazu, die Action zusammenzuhalten. Sie ist eine sinnfreie und lieblose Aneinanderreihung von Standardsituationen aus Actionfilmen. Wahrscheinlich würde sogar ein Schreibcomputer die Verantwortung für dieses Werk ablehnen. Die Grenzen von Zeit und Raum werden schon in den ersten Minuten ignoriert. Kein Twist überrascht. Die Figuren verfügen über keine nennenswerten Eigenschaften. Sie sind Platzhalter, die von einem Schauspieler mit dem nötigen Charisma notdürftig ausgefüllt werden können. Hier gelingt das weder den beiden weiblichen noch den männlichen „Expendables“.
Die Action besteht hauptsächlich aus dem exzessiven Gebrauch von Schusswaffen. Wenn es dann doch einmal zu einem Nahkampf kommt und dem Gegner nicht hinterrücks die Kehle durchgeschnitten wird, wird so schnell geschnitten und mit der Kamera gewackelt, bis nichts mehr erkennbar ist.
Schon in den vorherigen „The Expendables“-Filmen waren die CGI-Effekte nie besonders überzeugend. Aber wegen des Ensembles und der Action konnte man, auch wenn es immer wieder schwerfiel, darüber hinwegsehen. Im vierten Film ist das unmöglich. Es gibt viel zu viel CGI und sie ist immer atemberaubend schlecht.
Abgesehen von ganz wenigen Außendrehs am Pancharevo-See in Bulgarien (für die in Thailand auf einem Bootssteg spielenden Szenen), in einer Fabrik in Griechenland (für Libyen) und an Flugplätzen (für das Beladen und Betreten des „Expendables“-Flugzeugs) wurde der Actionfilm mit einem Minimum an Sets und einem Maximum an Green-Screens in Studios in England, Bulgarien und Griechenland gedreht.
Sogar mit reduzierten Erwartungen ist „The Expendables 4“ nie mehr als ein vernachlässigbares B-Picture, dem der Humor der vorherigen Filme fehlt.
Da wirkt Sylvester Stallones Statement, „The Expendables 4“ sei der erste Teil einer neuen Trilogie wie eine Drohung.
The Expendables 4(Expend4bles, USA 2023)
Regie: Scott Waugh
Drehbuch: Kurt Wimmer, Tad Daggerhart, Max Adams
mit Jason Statham, Sylvester Stallone, 50 Cent, Megan Fox, Dolph Lundgren, Tony Jaa, Iko Uwais, Randy Couture, Andy Garcia, Jacob Scipio, Levy Tran
Länge: 103 Minuten (langer Abspann, sehr langer Abspann)
Ein ganz normaler Sommertag in Clichy-Montfermeil, einem sozialen Brennpunkt östlich von Paris: Polizisten, darunter ein Neuling bei seinem ersten Arbeitstag, und Kleingangster kennen und bekriegen sich.
Rundum überzeugendes Ghettodrama. Einer meiner Kino!filme des Jahres 2020.
Für Jazzfans genügt die Information, dass in Jørgen Leth und Andreas Koefoeds Dokumentarfilm „Music for black Pigeons“ Jakob Bro, Lee Konitz, Bill Frisell, Paul Motian (ja, die Dreharbeiten zogen sich über einige Jahre hin), Joe Lovano, Palle Mikkelborg, Andrew Cyrille, Jon Christensen, Mark Turner, Thomas Morgan, Midori Takada und Manfred Eicher befragt werden und improvisieren.
Für Nicht-Jazzfans gibt es jetzt noch einige erklärende Worte.
Diese eben genannten Musiker sind seit teils seit Jahrzehnten Stars in der zeitgenössischen Jazzszene. Sie sind improvisierende Musiker zwischen Modern Jazz, Free Jazz und Avantgarde und sie sind fast alle ECM-Musiker. Wie auf den Platten des von Manfred Eicher 1969 gegründete Labels ECM geben auch die beiden Regisseure Jørgen Leth und Andreas Koefoed den Musikern viel Zeit, ihre Gedanken zu formulieren. Das gilt für ihre Improvisationen und die Interviews mit ihnen. Anstatt, wenn der Befragte ein, zwei Sekunden schweigt, sofort die nächste Frage zu stellen, warten sie ab. Besonders bei Thomas Morgan dauert es ewig, bis er langsam versucht eine Antwort zu formulieren, die ihn befriedigt und die Frage beantwortet. Und Manfred Eicher versucht zu erklären, was eine Pause ist und warum ihn die Musik, die er gerade gehört hat, so sehr berührt.
Die ersten Aufnahmen für die Dokumentation „Music for black Pigeons“ entstanden 2008. Damals trafen sich Andreas Koefoed und der deutlich ältere Jørgen Leth, der in den 1960ern über Lee Konitz geschrieben hatte, in New York im Avatar Studio bei den Aufnahmen für Jakob Bros erste internationale Aufnahme. Bei „Balledeering“ wurde der dänische Gitarrist Bro von Lee Konitz (Altsaxophon), Bill Frisell (Gitarre), Ben Street (Bass) und Paul Motian (Schlagzeug) begleitet. In den kommenden Jahren dokumentierten Koefoed und Leth, auf Veranlassung von Bro, weitere Aufnahmen und Live-Auftritte von ihm.
Trotzdem steht Jakob Bro bei diesem Dokumentarfilm nicht im Zentrum. Der Gitarrist wirkt eher wie Randfigur, die zufällig immer wieder im Bild ist. Die anderen Musiker, wie Bill Frisell, der Bassist Thomas Morgan und der 2020 verstorbene Lee Konitz, der bis zum Schluss nie seinen Humor und seine Neugierde verliert, scheinen wichtiger. Von Konitz ist auch der Titel des Films. Konitz habe sich, so erzählt Bro, gefragt, was für Musik sie aufgenommen hatten. Als er sich in seiner Wohnung die Aufnahme anhörte, setzte sich eine schwarze Taube auf seine Fensterbank und hörte sich die gesamte Aufnahme an. Danach flog sie weg und Konitz wusste, dass sie Musik für schwarze Tauben machten.
In der zweiten Hälfte wird die Doku etwas episodischer. Einige Musiker, wie Bill Frisell, verschwinden. Andere Musiker tauchen nur kurz auf und die beiden Regisseure verzichten darauf, den Film erkennbar an Jakob Bros Leben entlang zu erzählen oder ihm eine andere klar erkennbare narrative Struktur zu geben. Wichtiger ist ihnen, auch wenn sie nur Ausschnitte aus den Songs präsentieren, die improvisierte Musik und die Begegnungen mit den Musikern.
Music for black Pigeons(Music for black Pigeons, Dänemark 2022)
Regie: Jørgen Leth, Andreas Koefoed
Drehbuch: Jørgen Leth, Andreas Koefoed, Adam Nielsen
mit Jakob Bro, Lee Konitz, Thomas Morgan, Paul Motian, Bill Frisell, Mark Turner, Joe Lovano, Andrew Cyrille, Palle Mikkelborg, Jon Christensen, Manfred Eicher, Midori Takada
Omar – Ein Justizskandal (Omar m’a tuer, Frankreich 2011)
Regie: Roschdy Zem
Drehbuch: Olivier Gorce, Roschdy Zem (nach Omar Raddad [Autobiografie], Jean-Marie Rouart: Omar, la construction d’un coupable)
Der Gärtner Omar Raddad soll 1991 seine wohlhabende Arbeitgeberin Ghislaine Marchal ermordet haben. Er wird zu 18 Jahren Haft verurteilt. Ein Journalist hält die Beweisführung für hanebüchen. Er recherchiert und deckt einen Justizskandal auf.
Schauspieler Roschdy Zem verfilmte die wahre Geschichte. „Spannend inszeniert, intensiv gespielt.“ (Lexikon des internationalen Films)
2012 stand das Drama auf der Shortlist für den Oscar als bester fremdsprachiger Film.
mit Sami Bouajila, Denis Podalydès, Marice Bénichou, Salomé Stévenin
Drehbuch: Ben Affleck, Peter Craig, Aaron Stockard
LV: Chuck Hogan: Prince of Thieves, 2004 (Endspiel)
Bankräuber Doug MacRay überfällt mit drei Freunden eine Bank und verliebt sich anschließend in die Filialleiterin, die sie auf der Flucht als Geisel mitgenommen hatten. Jetzt will er aussteigen. Davor muss er allerdings noch seinen letzten Coup durchführen.
Nach der tollen Dennis-Lehane-Verfilmung „Gone Baby Gone“ blieb Ben Affleck in seiner zweiten Regiearbeit dem Genre und Boston treu. „The Town“ ist gutes altmodisches Erzählkino, bei dem die Story, die Charaktere und ihr Umfeld im Vordergrund stehen. In seinen wenigen Actionszenen und in der Struktur erinnert „The Town“ teilweise an Michael Manns „Heat“ – und das ist durchaus anerkennend gemeint. Ein feiner Gangsterfilm.
Da ist es auch egal, dass die Zahl der Banküberfälle in Boston viel geringer ist, als im Film behauptet wird und dass das Viertel Charlestown in den vergangenen Jahrzehnten gentrifiziert wurde. Jetzt sitzen da ganz andere Räuber.
Chuck Hogan erhielt für seinen Roman „Endspiel“, der Vorlage für „The Town“, den Hammett-Preis und auch Stephen King (ein passionierter Blurber) war begeistert.
mit Ben Affleck, Rebecca Hall, Jon Hamm, Jeremy Renner, Pete Postlethwaite, Chris Cooper
Sein gesamtes Leben verbrachte Tridan Lagache (Dany Boon) im Club Med. Mit fünfzig Jahren beschließt der Gentil Organisateur, während seiner Midlife Crisis, dass er nach Paris fliegen und seine große Liebe Violette Charmet wieder treffen will. Als Achtjährige verbrachten sie einige gemeinsame Tage im Club Med. Nach dem Urlaub flog sie mit ihrer Familie wieder zurück nach Frankreich. Seitdem hörte er nichts mehr von ihr.
Schon der Flug nach Paris gestaltet sich abenteuerlich. Denn Tridan betrachtet alles durch die Club-Med-Brille und der dort üblichen Freundlichkeit des Personals gegenüber den Gästen. In Paris trifft er dann mit seiner atemberaubenden Weltfremdheit auf das normale Großstadtleben. Und auf seinen Halbbruder Louis (Kad Merad). Der will den Naivling möglichst schnell wieder loswerden. Dafür spannt er seine Freundin Roxane (Charlotte Gainsbourg) ein. Sie soll Tridan überzeugen, dass sie Violette ist und nichts mehr von ihm wissen will.
Das ist Louis‘ Plan. Doch dann findet Roxane Tridan ganz sympathisch.
„Voll ins Leben“ ist eine herzige französische Komödie mit einer ziemlich unrealistischen Prämisse. Denn Danny Boons Gentil Organisateur ist kein normaler Animateur, sondern ein Kaspar Hauser, der anscheinend in fünfzig Jahren nie die Hotelanlage verlassen hat. Er spielt ein Kind im Körper eines Fünfzigjährigen. Sein Drehbuch baut diese Prämisse konsequent und liebevoll aus. Gleichzeitig erzählt er einiges über das moderne Leben und die Liebe. Kad Merad, mit dem er in „Willkommen bei den Sch’tis“ zusammen spielte, spielt das absolute Gegenteil von Danny Boon. Und Charlotte Gainsbourg darf einfach eine offenherzig sexbesessen, sehr fröhliche und lebensbejahrende Frau spielen. Sie ist die große Überraschung des Films.
Der Zusammenprall dieser vollkommen gegensätzlichen Welten sorgt selbstverständlich für einige Lacher; – wie schon in „Willkommen ein den Sch’tis“, einem anderen von Danny Boon geschrienen und inszenierten Komödie. Sie ist in Frankreich bis heute der erfolgreichste französische Film aller Zeiten.
Voll ins Leben (La vie pour de vrai, Frankreich/Belgien 2023)
Regie: Dany Boon
Drehbuch: Dany Boon
mit Dany Boon, Kad Merad, Charlotte Gainsbourg, Maxime Gasteuil, Caroline Anglade, Aurore Clément, Gaël Raës, Sarah Boon, Maybelle Billa Snodgrass, Tatiana Gousseff, Valerie Crouzet
Doku über vier Frauen, die zwischen 1968 und 1979 in der DDR geboren wurden, Kinder haben und Berufspolitikerinnen sind. Jedenfalls als Sabine Michel mit den Dreharbeiten für „Frauen in Landschaften“ begann. Manuela Schwesig (SPD) ist Ministerpräsidentin von Mecklenburg-Vorpommern. Anke Domscheit-Berg (Die Linke), Yvonne Magwas (CDU) und Frauke Petry (AfD, seit der letzten Wahl nicht mehr im Bundestag) sind bzw. waren Abgeordnete des Bundestages. Sie sind, bzw. bei Frauke Petry waren, in verschiedenen Parteien aktiv. Dabei scheint die Kombination aus jung, Frau und aus dem Osten kommend ihre Karriere gefördert zu haben. Jede erzählt Geschichten, in denen sie gefragt wurde, ob sie Aufgaben übernehmen und kandidieren möchte. Keine erzählt, dass sie am Anfang ihrer Karriere als Politikerin um Ämter und Posten kämpfen musste.
In Sabine Michels Dokumentarfilm „Frauen in Landschaften“ erzählen die vier Frauen über ihr Leben, wie ihre DDR-Herkunft sie prägte und wie sie versuchen, gleichzeitig Mutter und Politikerin zu sein. Auf kritische Nachfragen verzichtet Michel. Sie begnügt sich mit den Selbstdarstellungen der Interviewpartnerinnen.
Anke Domscheit-Berg erzählt erstaunlich offen und reflektiert aus ihrem Leben. Yvonne Magwas, die seit 2021 Vizepräsidentin des Deutschen Bundestages ist, erscheint oft erstaunlich naiv. Manuela Schwesig bemüht sich um Offenheit. Aber sie kann die jahrelange Prägung durch ihr Amt als Ministerpräsidentin nicht leugnen. Im Gegensatz zu den anderen drei Politikerinnen wird sie ständig von der Öffentlichkeit kontrolliert, die nach echten und vermeintlichen Fehlern bei ihr sucht. Schwesig achtet immer auf jedes Wort. Frauke Petry ist dagegen oft schnippisch und arrogant. Sie ist so abweisend gegenüber dem Drehteam, dass ich mich fragte, warum sie dem Dreh überhaupt zustimmte.
Michel komponiert aus den Statements der Interviews einen arg konventionellen und überraschungsfreien Film, der besser im Fernsehen als eine im Programm nicht weiter auffallende TV-Doku aufgehoben wäre.
Frauen in Landschaften (Deutschland 2023)
Regie: Sabine Michel
Drehbuch: Sabine Michel
mit Anke Domscheit-Berg, Yvonne Magwas, Frauke Petry , Manuela Schwesig
Ridicule – Von der Lächerlichkeit des Scheins(Ridicule, Frankreich 1996)
Regie: Patrice Leconte
Drehbuch: Remi Waterhouse, Michel Fessler, Eric Vicaut
Der junge Ingenieur Baron Grégoire Ponceludon de Malavoy will 1780 in Versailles mit dem König Louis XVI. sprechen. Er möchte von ihm Geld für die Umsetzung eines von ihm entwickelten Verfahrens zur Trockenlegung von Sümpfen erhalten. Doch nicht jeder wird zum König vorgelassen.
„brillante Studie über das vorrevolutionäre Frankreich (…) ein Schauspielerfilm, der seiner glänzenden Besetzung Spitzenleistungen abfordert.“ (Fischer Film Almanach 1998)
„Ricicule“ erhielt vier Césars (Bester Film, Beste Regie, Beste Kostüme, Bestes Szenenbild) und war für acht weitere nominiert (u. a. Bestes Drehbuch, Beste Kamera, Bester Hauptdarsteller und zweimal Bester Nebendarsteller). Außerdem war er, u. a., für den Oscar als bester fremdsprachiger Film nominiert.
Katharina und Hans Magnus Enzensberger übersetzten für die deutsche Fassungdie Dialoge.
Danach, um 21.55 Uhr, zeigt Arte die halbstündige Doku „Versailles – Palast des Sonnenkönigs“ (Frankreich 2018).
mit Fanny Ardant, Charles Berling, Bernard Giraudeau, Judith Godrèche, Jean Rochefort
Zum ersten Mal wurde die Geschichte vor acht Jahren in dem spanischen Thriller „Anrufer unbekannt“ (El Desconocido, 2015) erzählt. Ein deutsches und ein südkoreanisches Remake folgten. Und jetzt gibt es ein weiteres Remake. Wieder spielt die Geschichte, wie vor fünf Jahren in „Steig. Nicht. Aus!“ in Berlin. Wieder jagt ein unbekannter Bösewicht Menschen mit Autobomben in die Luft. Sein jüngstes Opfer ist Matt Turner (Liam Neeson). Als der Investmentbanker seine beiden Kinder zur Schule fährt, wird er angerufen. Der Anrufer sagt ihm, dass sich eine Bombe in seinem Auto befindet und sie explodieren werde, wenn er sich nicht an seine Anweisungen hält.
Und los geht die bombige Fahrt durch Berlin; – also ein Film-Berlin, das mit dem echten Berlin nichts zu tun hat. Regisseur Nimród Antal viel im Regierungsviertel und fügte die Locations so zusammen, dass das Bild einer sauberen, modernen, westlichen Großstadt entsteht. Aber niemand, der die Drehorte erkennt, wird länger als eine halbe Minute versuchen, die Locations zu einer real gefahrenen Strecke zusammenzufügen. Ich gab auf, nachdem Turner sein morgendliches Boxtraining mit Blick auf den Tiergarten beendete und sich in sein Auto setzte.
Die Story ist weitgehend bekannt und taugt eigentlich für einen spannenden Thriller. Nur dass hier, im Gegensatz zu „Steig. Nicht. Aus!“ alles schlechter erzählt wird. Spannungsmomente werden konsequent verschenkt. Anstatt Suspense gibt es Langeweile. Das gilt für etwaige Konflikte in Turners Auto zwischen ihm und seinen Kindern. Das gilt für seine Verhandlungen mit dem Erpresser und mit der Polizei. Die glaubt, dass er seine Kinder entführt hat und für die Bombenanschläge verantwortlich ist. Nur eine Polizistin glaubt ihm. Die Figuren sind austauschbar. Und deren Ableben ist uns egal. Das war in „Steig. Nicht. Aus!“ anders.
Während des Films wird uns der Erpresser als Genie, das immer alles bedacht hat und das die Fäden in der Hand hat, verkauft. Am Ende, wenn der Täter dann alles erklärt, müssen wir erkennen, dass sein unglaublich umständlicher Plan aus einer Abfolge von Hoffnungen über das Verhalten seiner Opfer und wilden Improvisationen besteht.
Die Lösung, also wer der Täter ist und warum er all die Menschen umbrachte, ist anders als in „Steig. Nicht. Aus!“. Leider. Denn das Motiv des Täters in „Steig. Nicht. Aus!“ knüpft an großstädtische Probleme an und thematisiert ein gesellschafltich wichtiges Thema. Darüber konnte nach dem Abspann noch diskutiert werden. Über das Motiv des Täters in „Retribution“ muss nicht weiter diskutiert werden.
Obwohl Nimród Antals Remake kürzer als Christian Alvarts Remake ist, fühlt sich die neueste Auflage von „Anrufer unbekannt“ (El Desconocido, 2015) eindeutig länger an.
Immerhin gibt es für das deutsche Publikum einen garantierten Lacher, über den ich jetzt nichts sagen kann, weil ich dann, egal wie ich es formulieren würde, den Täter verraten würde.
„Retribution“ ist der nächste Generic-Liam-Neeson-Thriller, den man sich irgendwann aus Langeweile ansehen kann.
Unbedingt ansehen sollte man sich Christian Alvarts viel gelungenere Version der Geschichte anzusehen. Sein „Steig. Nicht. Aus!“ ist, trotz kleiner Schwächen, ein spannender Berlin-Thriller.
Retribution (Retribution, Großbritannien 2023)
Regie: Nimród Antal
Drehbuch: Chris Salmanpour (basierend auf „El Desconocido“ von Alberto Marini)
mit Liam Neeson, Noma Dumezweni, Lilly Aspell, Jack Champion, Arian Moayed, Embeth Davidtz, Matthew Modine, Emily Kusche
Sechs Jahre sind seit seinem letzten Film vergangen. Das war 2017 die Flüchtlingsgeschichte „Die andere Seite der Hoffnung“. Aber gleich mit den ersten präzise arrangierten Bildern und den ersten lakonischen Sätzen ist das alte Aki-Kaurismäki-Gefühl wieder da. Das sind die Bilder, die Sets, die Dialoge, der lakonische Humor, die Rocksongs und, auch wenn wir dieses Mal auf seine altbekannte Stammschauspieler verzichten müssen, die Gesichter, die es nur in einem Film von Aki Kaurismäki gibt.
Die Geschichte kann mühelos als Nachtrag oder Fortsetzung seiner proletarischen Trilogie gesehen werden. Sie entstand in den Achtzigern und besteht aus „Schatten im Paradies“ (1986), „Ariel“ (1988) und „Das Mädchen in der Streichholzfabrik“ (1989).
Im Mittelpunkt von „Fallende Blätter“ stehen die Verkäuferin Ansa (Alma Pöysti) und der Arbeiter Holappa (Jussi Vatanen). Beide sind einsam und ohne Perspektive. Beide leben in Helsinki einfach vor sich hin. Sie in einer dieser spärlich ausgestatteten Retro-Fünfziger-Jahre-Wohnungen, die es so nur im Film oder, seit einigen Jahren, im Museum gibt. Er in einem Mehrbettzimmer in einer abgeranzten Gemeinschaftsunterkunft für herumziehende Arbeiter. Sie wird beim Klauen von abgelaufenen Lebensmitteln erwischt und entlassen. Als nächstes arbeitet sie in einem Lokal als Tellerwäscherin. Bis ihr Chef verhaftet wird und sie wieder auf Arbeitssuche ist.
Erstmals treffen sich Ansa und Holappa während eines Karaoke-Abends. Sie verrät ihm nicht ihren Namen, schreibt ihm aber ihre Telefonnummer auf. Er verliert den Zettel sofort. Sie begegnen sich später wieder und während eines romantischen Abends im Kino – sie sehen sich Jim Jarmuschs „The Dead don’t die“ an – verlieben sie sich. Trotzdem setzt sich das Problem mit dem Nicht-Kennen ihrer Namen fort. Außerdem will sie keine Beziehung mit einem Alkoholiker beginnen. Und das ist Holappa unbestreitbar.
Kaurismäki erzählt die Geschichte von Ansa und Holappa in schlanken achtzig Minuten. Trotzdem fühlt sich der Film länger an. Jede Szene, jedes Bild wird zelebriert. Alma Pöysti muss gefühlt bewegungslos mehrere Minuten aus dem Fenster in die Nacht starren und auf ihren Freund warten. Bei einem Karaoke-Abend werden mehrere Songs ausgespielt, während die Story mal wieder pausiert und wir darüber nachdenken können, wie sehr die Figuren aus der Zeit gefallen sind. Denn die Geschichte spielt in der Gegenwart. Wenn Ansa ihr Radio einschaltet, hört sie Nachrichten über den Ukraine-Krieg und den Kampf um die belagerte ukrainische Stadt Mariupol. Diese Nachrichten sind ein für ihr Leben unwichtiges Hintergrundrauschen. Im Film stören sie, weil sie nichts zur Geschichte beitragen. Sie wirken wie ein unbeholfener und vollkommen überflüssiger Versuch, dem Film eine aktuelle Relevanz, eine Verortung in der Gegenwart, zu verleihen.
In „Fallende Blätter“ präsentiert Kaurismäki in Slow Motion wieder einmal, sorgfältig für die Nachwelt kuratiert, seine Welt, die schon lange nichts mehr mit der Gegenwart und aktuellen Diskussionen zu tun hat. Bei ihm verstehen die Männer ein „Rauchen verboten“-Schild als eine Aufforderung, sich die nächste Zigarette anzuzünden. Schnaps wird wie Wasser getrunken und es wird viel geschwiegen.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 