Drehbuch: Dudley Nichols (basierend auf einer Geschichte von Barney Slater und Joel Kane)
Früher arbeitete Morg Hickman als Sheriff. Inzwischen ist er ein Kopfgeldjäger. In einem Dorf hilft er dem jungen und unerfahrenen Ortsheriff Ben Owens bei einer Festnahme. Anschließend bittet dieser ihn um Hilfe und Morg wird Bens Lehrer.
Selten gezeigter Western-Klassiker.
Das Drehbuch war für einen Oscar nominiert. Der Film für einen BAFTA.
Anschließend, um 21.45 Uhr, zeigt Arte die knapp einstündige Doku „Krieg und Show – Die Schlacht am Little Bighorn“ (USA 2018).
mit Henry Fonda, Anthony Perkins, Betsy Palmer, Michael Ray, Neville Brand, Lee Van Cleef
Früher als gewohnt, weil Arte den Film im hellen Licht des Nachmittags zeigt
Arte, 13.45
Warte, bis es dunkel ist (Wait until dark, USA 1967)
Regie: Terence Young
Drehbuch: Robert Carrington, Jane-Howard Carrington
LV: Frederick Knott: Wait until dark, 1966 (Theaterstück)
Spannendes, auf einem erfolgreichen Theaterstück basierendes Duell zwischen einer Blinden und einem Killer und seinen Komplizen, die in ihrer Wohnung eine mit einem wertvollen Inhalt gefüllte Puppe suchen.
Nach diesem Film zog Audrey Hepburn sich, auf dem Höhepunkt ihrer Karriere, fast zehn Jahre vom Filmgeschäft zurück und zog ihre Kinder groß. Ihr nächster Film war Richard Lesters Robin Hood-Abgesang „Robin und Marian“ (mit Sean Connery).
Terence Young inszenierte einige der besten James-Bond-Filme.
Frederick Knott schrieb auch die Bühenvorlage für Alfred Hitchcocks „Bei Anruf Mord“ (Dial M for Murder, 1954).
Die Musik ist von Henry Mancini.
Mit Audrey Hepburn, Alan Arkin, Richard Crenna, Efrem Zimbalist Jr., Jack Weston, Samantha Jones
Wiederholung: Montag, 23. Juni, 14.00 Uhr
Hinweise
Arte über den Film (der nach der Ausstrahlung auch in der Mediathek ist und nach Einbruch der Dunkelheit angesehen werden kann)
LV: Nathaniel Rich: The Lawyer Who Became DuPont’s Worst Nightmare (New York Times Magazine, 6. Januar 2016)
Nur aus Gefälligkeit und wegen seiner Großmutter kümmert Wirtschaftsanwalt Rob Bilott („Hulk“ Mark Ruffalo; grandios!) sich um das Problem des aus ihrem Heimatort Parkersburg, West Virginia, kommenden Farmers Wilbour Tennant. Er glaubt, dass sein Vieh von DuPont vergiftet wird. Bilott sieht sich die Akten an – und wird zum schlimmsten Alptraum des Chemiegiganten. Denn DuPont stellt in der Anlage in der Nähe von Tennants Grundstück die krebserregende Chemikalie Perfluoroctansäure (PFOA) her. Sie ist ein Bestandteil der Teflonpfanne.
Grandioser Justiz- und Wirtschaftssthriller, der einen wahren David-gegen-Goliath-Kampf erzählt.
Zwei Companeros (Vamos a matar companeros, Italien/Spanien/Deutschland 1970)
Regie: Sergio Corbucci
Drehbuch: Dino Maiuri, Massimo De Rita, Fritz Ebert, Sergio Corbucci
Während der mexikanischen Revolution will „Der Schwede“ Petersen einen Safe knacken. Weil er den Safe nicht knacken kann, will er den von den Amerikanern gefangen gehaltenen Professor Xantos, der die Kombination des Safes kennt, befreien. Und schon ist er, zusammen mit dem revolutionär gesinntem Basken, mitten im Revolutionsgetümmel.
Selten gezeigter Italo-Western, der nie als ernsthafter Beitrag zur politischen Bildung gedacht war.
Gezeigt wird die fast zweistündige Originalfassung. In den deutschen Kinos lief damals eine um 18 Minuten auf 100 Minuten gekürzte, von Rainer Brandt schnoddrig synchronisierte Fassung.
Die Musik ist von Ennio Morricone.
mit Franco Nero, Tomas Milian, Jack Palance, Fernando Rey, Iris Berben, Francisco Bodalo, Karin Schubert
auch bekannt als „Laßt uns töten, Companeros“ (ursprünglicher Kinotitel)
Helsinki ist nicht nur mit 664.000 Einwohnern die größte Stadt Finnlands, die Hauptstadt des Landes und Geburtsort der Schauspielerin Kati Outinen, sondern auch der Ort, in dem vom 30. Juli bis zum 1. August 1975 eine Konferenz stattfand, die jetzt in dem Dokumentarfilm „Der Helsinki Effekt“ nachgezeichnet wird und die für Studierende der Internationalen Beziehungen ein entscheidendes Datum im Ost-West-Konflikt ist. Es ist so bedeutend, dass dtv in seiner schon lange nur noch antiquarisch erhältlichen Reihe „20 Tage im 20. Jahrhundert“ einen Band danach betitelte: „Helsinki, 1. August 1975 – Entspannung und Abrüstung“.
Trotzdem kokettiert der finnische Dokumentarfilmer Arthur Franck, Regisseur von „Der Helsinki Effekt“, mit einer anderen Erklärung für seinen Film: „ Im Herbst 2021 begann ich, nach Ideen für einen neuen Film zu suchen. Ich wollte das Konzept erforschen, einen Film ohne einen einzigen Drehtag zu drehen, also nur mit Hilfe von Archiven. Und was die Fernsehbilder angeht, so war das Ereignis in der finnischen Geschichte, über das am meisten berichtet wurde, die Schlussphase der Konferenz für Sicherheit und Zusammenarbeit in Europa, die im Sommer 1975 in Helsinki stattfand.
Der Gedanke, einen Film über die KSZE zu drehen, erschien mir so unendlich langweilig, dass ich das Gefühl hatte, das könnte eine interessante Herausforderung sein. Und… das war es auch. (…)
Mein Ziel war es, einen Film über ein scheinbar langweiliges Thema zu machen, der unterhaltsam, überraschend und sogar lustig ist.“
Dafür konnte Franck auf die damals vom finnischen Fernsehen gemachten, 240 Stunden umfassenden Aufnahmen und auf die bereits vor über 20 Jahre veröffentlichten, aber nie öffentlich genutzten detailierten Protokolle von Hintergrundgesprächen der Staats- und Regierungschefs zurückgreifen. Diese nur schriftlich vorhandenen Gespräche erweckte Franck mit KI-Stimmen zum Leben. Das verrät er auch im Film. Trotzdem bleibt es ein überflüssiger Gimmick. Ein oder mehrere Sprecher hätten das genausogut erledigen können.
Dieses Material kompilierte Franck zu einem humoristisch gefärbtem Dokuessay, das die jahrelangen Vorbereitungen für die Konferenz (kürzer) und die ziemlich unspektakulären Tage in Helsinki (länger) nachzeichnet. Denn das Ringen um einzelne Formulierungen fand, wie immer bei internationalen Verhandlungen und Konferenzen, hinter verschlossenen Türen statt. Die Reden der Politiker, die nach einem vorher festgelegtem Plan erfolgten, und die feierliche Unterzeichnung der Schlussakte der „Konferenz über Sicherheit und Zusammenarbeit in Europa“ (KSZE) fanden dann in der Öffentlichkeit statt. In seinem Voice-Over nimmt er dann die Rolle eines naiven Beobachters ein, der das Geschehen immer wieder umgangssprachlich kommentiert.
Für eine über die Nachkriegsgeschichte vollkommen uninformierte Person ist der Film sicher eine gute, sehr allgemeine Einführung in das Thema. Alle anderen werden in dem amüsanten Panoptikum vieles vermissen. Der Fokus auf diese drei Tage in Helsinki und der Verzicht auf Interviews mit Zeitzeugen und Experten führt zu einer verengten und oberflächlichen Darstellung. Anstatt in die Tiefe des Ost-West-Konflikts zu gehen, den Vertrag und die unterschiedlichen und gemeinsamen Interessen der einzelnen Parteien zu analysieren und nachzuzeichnen, wie diese Konferenz das Weltgeschehen beeinflusste, bleibt es bei gelanweilt vor sich hin dösenden Politikern und ratlos an die Decke starrenden Journalisten.
Durch die reine Zusammenstellung der in der Öffentlichkeit vor Kameras stattfindenden Ereignisse kann Franck dann auch nicht zeigen, wie solche Konferenzen im Detail ablaufen und – auch wenn er es in seinem Fazit der Konferenz und der damit verbundenen Erklärung des titelgebenden Helsinki-Effekts sagt – was der große Gewinn solcher internationaler Konferenzen ist. Es ist die Diskussion miteinander und das gemeinsame Ringen um Lösungen. Das Ziel ist dabei weniger die feierlich vorgestellte Abschlusserklärung, sondern der Dialog vor und nach der Konferenz. Und die Hoffnung, dass Entwicklungen hin zu einer besseren Welt angestoßen werden. In diesem Fall setzte die Helsinki-Schlussakte eine Dynamik in Gang, die zum friedlichen Ende des Kalten Krieges beitrug.
Oder in den Worten von Arthur Franck: „Diplomatie ist eine wunderbare Sache, aber sie ist chaotisch, hart und komplex – genau wie das Leben selbst.
Sie ist jedoch wahrscheinlich das Beste, was wir Menschen je erfunden haben – und sie ist alles, was wir haben.
Für mich ist dies also ein Film über Hoffnung – und er zeigt die Mechanik, die Anatomie des diplomatischen Prozesses. Denn ich denke, es ist wichtig, die Menschen daran zu erinnern, wie es tatsächlich aussieht, wenn eine bessere Zukunft geschaffen wird. (…)
Der Film veranschaulicht, wie wir in der Vergangenheit immens komplizierte Probleme lösen konnten – durch Diplomatie. Und hoffentlich kann diese Geschichte als Inspiration dienen und uns ermutigen, den Weg der Diplomatie weiter zu gehen.“
Setzen wir uns also hin mit einer Tasse Kaffee und beginnen das Gespräch.
Der Helsinki Effekt(The Helsinki Effect, Finnland/Deutschland/Norwegen 2025)
Regie: Arthur Franck
Drehbuch: Arthur Franck
mit Leonid Breschnew, Henry Kissinger, Alexander Solschenitsyn, Gerald Ford, Urho Kekkonen
und Bjarne Mädel (Erzähler in der deutschen Fassung) und Arthur Franck (Erzähler in der Originalfassung)
Das kleine mehr bemühte als begnadete Kammerorchester von Reykjavik kann sein Glück nicht fassen. Sie haben soeben den Klassik-Jackpot gewonnen. Denn kurz nachdem dem Ensemble gesagt wurde, dass es für sie im nächsten Haushaltsjahr keine staatliche Förderung mehr geben werde, verkündet der weltberühmte Cellist Klemens, dass er nach Jahrzehnten weltweiter erfolgreicher Konzerttätigkeit wieder nach Island zurückkehren will. Die Leiterin des Ensembles ruft ihn via Video-Call an und der Star erklärt sich sofort bereit, Mitglied in ihrem Ensemble zu werden.
Aber schon bei den ersten Proben erfahren die Musiker, dass er jede Frau als Freiwild betrachtet. Schnell ahnen sie, dass er nicht freiwillig nach Island zurückkehrte, sondern dass niemand mehr mit ihm zusammen arbeiten will.
Trotzdem studieren sie ihr Programm ein. Und sie freuen sich auf die Premiere. Endlich dürfen sie vor einem vollen Haus spielen und alle Menschen, die auf der kleinen Insel wichtig sind, werden da sein.
Dummerweise erstickt Klemens kurz vor dem Auftritt an einer Zwetschge. Das Klassik-Ensemble, das ihn vor wenigen Minuten am liebsten noch eigenhändig umgebracht hätte, beginnt zu improvisieren. Wie schon der Trailer verrät, geben sie das Konzert in dem baufälligen Konzertsaal mit dem toten Cellisten, der für diesen Auftritt noch einmal zum Leben erweckt wird. Bis ein weiteres, dieses Mal sehr blutiges und im Trailer nur angedeutetes Unglück geschieht.
In seinem Spielfilmdebüt erzählt Sigurjón Kjartansson, der davor etliche Bücher für TV-Serien schrieb, Showrunner und Schöpfer von TV-Serien war und auch einige TV-Serienepisoden inszenierte, eine kleine schwarzhumorige Schnurre, in der es um sexuelle Belästigung am Arbeitsplatz geht und die die Eitelkeiten und Nöte des Klassikbetriebs liebevoll aufspießt. Im dritten Akt entsteht der Witz aus der absurden Situation, in der sich das grundsympathische Ensemble und ihre ebenso sympathischen Verbündeten befinden beim Geben des Konzerts mit dem toten Cellisten als mitmusizierendes Ensemblemitglied. In diesem Moment spielen sie perfekt zusammen.
Die Spannung entsteht bei „Der letzte Takt“ aus der Frage, wie die netten klassischen Musiker mit heiler Haut aus der Geschichte kommen, die einen katastrophalen, hr leben verändernden Höhepunkt hat.
Edward Drake inszenierte sieben der letzten Filme von Bruce Willis. Es sind freudlose Verschwendungen von Filmmaterial, die kein Mensch braucht und bei denen sich beim Ansehen nur die Frage stellte, wie grottenschlecht der Film ist. Gepaart mit der traurigen Erkenntnis, dass es immer noch schlechter geht.
Einige Kritiker nannten ihn den amerikanischen Uwe Boll. Das ist ein griffiger, aber irreführender Vergleich. Denn Drakes Filmverbrechen, wie „Cosmic Sin“, sind schlechter als jeder Film, den ich von Uwe Boll gesehen haben. Und ich habe einige gesehen.
Nachdem Bruce Willis, der aus gesundheitlichen Gründen 2022 seine Schauspielkarriere beendete, für solche Werke nicht mehr zur Verfügung steht, füllt Komiker Kevin James jetzt mit ähnlich stoischer Miene und maximaler Ausdruckslosigkeit in Drakes erstem Post-Bruce-Willis-Film die Lücke. Seine Actionszenen sind ähnlich arm an echter Action. Stattdessen wartet er ab, bis der Gegner in seine Faust hineinläuft. Und das tun sie oft.
Er spielt den Ex-Polizisten Ray Haynes. Seit sechs Jahren arbeitet der verheiratete Familienvater in New Jersey als Schuldeneintreiber für die Mafia. Jetzt hat er genug Geld zusammen, um seiner Frau ihren großen Wunsch zu erfüllen. Die Mutter seiner Kinder will unbedingt ein familienfreundliches Diner betreiben.
Aber Lonny Costigan (Timothy V. Murphy), der neue Boss, hat andere Pläne – und schon läuft in einer Nacht alles etwas aus dem Ruder. Zum Glück verfügt Rays Frau Audrey (Christina Ricci) über Talente, die im Film im Finale überraschend kommen. Im Trailer werden sie bereits verraten. Als weibliche Version von John Wick verkloppt und tötet sie die Bösewichter in einer einzigen Gewaltorgie, während ihre Kinder staunend zusehen.
Die von Drake erfundene und inszenierte Geschichte ist nicht mehr als eine ambitionslose, sinnfreie und überaus zähe Aneinanderreihung bekannter Klischees. Die Schauspieler sagen die im Drehbuch stehenden Sätze lustlos auf. Humor und Ironie, die eine solche Klischeeparade erträglich machen könnten, gibt es nicht. Noch nicht einmal unfreiwilligen Humor. Gewalt wird, mal wieder, als Lösung für Probleme verkauft. Das fertige Werk ist dann nicht Drakes schlechtestes Werk – das dürfte „Cosmic Sin“ sein -, aber viel besser ist es nicht.
In „Guns up“ ist alles so überwältigend uninteressant, dass noch nicht einmal Trash-Fans auf ihre Kosten kommen.
Guns up (Guns up, USA 2025)
Regie: Edward Drake
Drehbuch: Edward Drake
mit Kevin James, Christina Ricci, Luis Guzman, Melissa Leo, Timothy V. Murphy
Wer jetzt wegen dem Wort „Manga“ und der damit verbundenen Befürchtung, dass jetzt eines dieser sich auf viele Bände erstreckendes Epos vorgestellt wird, desinteressiert abwinken will, sollte unbedingt weiter lesen.
Denn Juoku Kawakami erzählt in „Furcht“, wie der Untertitel verrät, „Horrorgeschichten aus dem modernen Japan“. Es sind voneinander unabhängige, in sich abgeschlossene Kurzgeschichten, die meistens nur wenige Seiten umfassen. Die längste hat fast sechzig Seiten. Die kürzesten keine zehn Seiten. Normalerweise sind sie so um die zwanzig Seiten und sie leben von der dichten Verbindung zwischen Text und Bild.
Die Protagonisten sind junge Menschen. Die Geschichten spielen, wie die auf der Straße getragenen Masken zeigen, während der Corona-Pandemie. Und es wird viel Zeit in der eigenen Wohnung und vor verschiedenen Bildschirmen verbracht. Aus ihnen und via Apps schleicht sich dann das Grauen in die Wohnung und in das Leben der jungen Menschen.
Immer wieder entwickelt in Juoku Kawakamis fantastischen Geschichten die Technik ein bedrohliches Eigenleben. Geister und Monster sind sehr real.
In „Sugardaddy“, der längsten Geschichte und gleichzeitig die erste Geschichte des ersten „Furcht“-Bandes, lernt ein Mädchen via App einen Sugardaddy kennen, der ihr Geld gibt, um ihr seine Geschichte zu erzählen. Nicht einmal oder zweimal, sondern immer wieder und, wie ein Geist, wird sie ihn nicht los. Er kommt immer wieder.
In einer anderen Geschichte entdeckt eine Schülerin in einer App, die sie beim Tanzen aufnimmt, im Hintergrund einen seltsamen tanzenden Schatten. Dieser Schatten ist allerdings keine Fehlprogrammierung, sondern etwas viel bedrohlicheres.
Bei einer Online-Party für die neue Kollegin ist das Bild eines Teilnehmenden nicht erkennbar. Auf den ersten Blick handelt es sich um ein normales technisches Problem, aber Shinada-San ist nur auf dem Bildschirm der neuen Kollegin zu sehen und keiner ihren neuen Kollegen kennt ihn.
Ein anderes Mal fragen sich zwei Mädchen, woran sie einen Geist erkennen können: daran, dass er keine Maske trägt – oder an etwas anderem?
In „Retro“ entdeckt ein Geschwisterpaar im Haus ihres verstorbenen Großvaters eine alte Kamera, einen Film in der Kamera und, versteckt im Dachboden, eine menschenähnliche Puppe.
In mit einem KI-Bildgenerator erzeugten Bildern taucht immer wieder ein seltsam grinsender Mann auf. Einige Freunde wollen herausfinden, wie es dazu kommt.
In weiteren Horrorgeschichten geht es um eine Einschlaf-App mit furchtbaren Nebenwirkungen, eine Dating-App, die sich nicht löschen lässt und um einen wie eine deformierte Halloween-Maske aussehender Neujahrs-Sticker. Er sollte nicht gekauft werden. Die sich in verschiedenen Wohnungen aufhaltenden Freunde tun es in der Silvesternacht dennoch.
Und einmal entwickelt ein Staubsaugerroboter ein gruseliges Eigenleben.
Inzwischen sind die ersten beiden Bände des von Juoku Kawakami geschriebenen und gezeichneten Manga auf Deutsch erschienen. Der erste Band enthält sechs Geschichten. Der zweite Band letztendlich elf Geschichten, weil die als „Kurzgeschichte“ und „Reportage“ betitelten Comics zwei weitere, jeweils fünfseitige Horrorgeschichten sind.
Der dritte Band ist für August angekündigt.
Es sind zwar nur Horrorkurzgeschichten, aber am Ende könnte dann doch ein mangatypisches vielbändiges Werk im Regal stehen. Denn warum sollte Kawakami nach drei Bänden aufhören?
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Juoku Kawakami: Furcht – Horrorgeschichten aus dem modernen Japan – Band 1
(übersetzt von Gregor Wakounig)
Panini Manga, 2025
200 Seiten
8,99 Euro
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Originalausgabe
Osore – Reiwa Kaidan – Vol. 1
Shogakukan, 2025
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Juoku Kawakami: Furcht – Horrorgeschichten aus dem modernen Japan – Band 2
In den Sommerferien langweilt sich der 14-jährige Maik in Berlin-Marzahn allein im elterlichen Haus. Da schlägt ihm sein neuer Klassenkamerad Tschick, ein russischer Spätaussiedler, vor, gemeinsam im geklauten Lada in die Walachai zu fahren. Doch zuerst geht die reichlich planlose Fahrt durch die benachbarten Bundesländer.
mit Tristan Göbel, Anan Batbileg, Mercedes Müller, Anja Schneider, Uwe Bohm, Udo Samel, Claudia Geisler-Bading, Alexander Scheer, Marc Hosemann, Friederike Kempter
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Die Vorlage
zum Filmstart erschien der Roman mit einem neuen Cover und einem Anhang zum Film. Auf 18 Seiten gibt es Bilder, Statements von Fatih Akin und Michael Töteberg schreibt über Wolfgang Herrndorf im Kino.
Wolfgang Herrndorf: Tschick
rororo, 2016
272 Seiten
9,99 Euro
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Das Drehbuch
selten, sehr selten wird auch das Drehbuch veröffentlicht. In diesem Fall sogar mit einem kurzen, aber informativen Interview mit Fatih Akin
Lars Hubrich: Tschick – Das Drehbuch
Rowohlt E-Book, 2016
60 Seiten(Verlagsangabe, mein E-Book-Reader sagt 112 Seiten und den Rest regelt das individuelle Größenbedürfnis)
Sein erster Roman, der Thriller „Der Schakal“ (The Day of the Jackal), ist immer noch sein bekanntester Roman und auch der Roman, dessen Geschichte am bekanntesten ist. Frederick Forsyth erzählt in dem 1971 erschienenem Thriller die Geschichte eines geplanten Attentats. Der nur als „Der Schakal“ bekannte Profikiller soll 1963 im Auftrag der von Offizieren gegründeten französischen Terrorgruppe OAS den französischen Staatspräsidenten Charles de Gaulle töten. Der Anschlag geht schief; – das ist heute vielleicht ein Spoiler, aber damals wusste jeder, dass de Gaulle am 9. November 1970 eines natürlichen Todes starb. Forsyth schildert in dem Thriller akribisch die Vorbereitungen des Täters und wie der erst spät im Buch auftretende Kommissar Claude Lebel ihn jagt. 1973 verfilmte Fred Zinneman das Buch mit Edward Fox und Michael Lonsdale in den Hauptrollen. Sein Film war ein Kassenhit. 1997 gab es mit Bruce Willis und Richard Gere ein prominent besetztes, vermurkstes Kino-Update. Und 2024 gab es mit Eddie Redmayne als Schakal eine Streaming-Serie.
Nach dem Erfolg von „Der Schakal“ – der Roman wurde ein internationaler Bestseller, er stand 1972 vom 10. April bis zum 17. September auf dem ersten Platz der Spiegel-Bestsellerliste, war nach meinem Gefühl im Original und in der deutschen Übersetzung nie ‚out of print‘, und er erhielt den Edgar Allan Poe Award und den Schwedischen Krimipreis – gab Forsyth seinen Job als Journalist auf. Fortan schrieb er Thriller, die sich gut verkauften und manchmal verfilmt wurden. Selten sehr gut, oft bestenfalls mittelmäßig und einige Male miserabel.
Zu seinen späteren Werken, die nach dem Konsens der Kritik, nie die überragende Qualität und Wirkung seines Debüts hatten, gehören „Die Akte Odessa“ (The Odessa File, 1972), „Die Hunde des Krieges“ (The Dogs of War, 1974), „Des Teufels Alternative“ (The Devil’s Alternative, 1979), „Das vierte Protokoll“ (The Fourth Protocol, 1984), „Die Faust Gottes“ (The Fist of God, 1994) und, sein letzter Roman, „Der Fuchs“ (The Fox, 2018). Sehr erfolgreich war außerdem seine hochgelobte Kurzgeschichtensammlung „In Irland gibt es keine Schlangen – Zehn Storys“ (No Comebacks, 1982; mein erstes Buch von Forsyth). In ihr ist auch die mit dem Edgar Award ausgezeichnete Kurzgeschichte „There are no Snakes in Ireland“ enthalten. 2015 veröffentlichte er seine Autobiographie „Outsider“ (The Outsider: My Life in Intrigue).
2012 erhielt er von der britischen Crime Writers’ Association (CWA) für sein Lebenswerk den Cartier Diamond Dagger.
Frederick Forsyth starb am 9. Juni 2025 im Alter von 86 Jahren in Jordans, Buckinghamshire, England, nach kurzer Krankheit.
Osteuropa zwischen Hitler und Stalin (Deutschland 2024)
Regie: Kirsten Esch
Drehbuch: Kirsten Esch
TV-Premiere. Spielfilmlange Doku über das Leben in, wie der Titel verrät, Osteuropa zwischen Adolf Hitler und Josef Stalin; zwei Dikatoren, die mit diktatorischen Mitteln regierten, skrupellos Expansionspläne durchsetzten wollten und dabei den Tod von ungefähr 14 Millionen Zivilisten, vor allem Juden, Polen, Balten, Belarussen und Ukrainer, verursachten. Das ist die höchste Zahl ziviler Opfer im Zweiten Weltkrieg.
Arte über den Film: „’Osteuropa zwischen Hitler und Stalin – Das große Sterben‘ erzählt von den Mechanismen von Terror, Massenmord und Hungersnöten. Anhand von Interviews mit Zeitzeugen und umfassend recherchiertem Archivmaterial wird die blutige Realität der Jahre 1933 bis 1945 dokumentiert.“
Anschließend, um 21.45 Uhr, wandert der Arte-Blick nach Frankreich in der ebenfalls neuen, knapp einstündigen Doku „Terror und Champagner – Hitlers Stellvertreter in Paris“ (Deutschland/Frankreich 2025)
LV: Benjamin Black (Pseudonym von John Banville): The Black-Eyed Blonde, 2014 (Die Blonde mit den schwarzen Augen – Ein Philip-Marlowe-Roman)
Los Angeles, 1939: Privatdetektiv Philip Marlowe (Liam Neeson) wird von einer Frau beauftragt, ihren verschwundenen Liebhaber zu suchen. Bei seiner Suche sticht Marlowe in ein Wespennest.
TV-Premiere. Neil Jordans „Marlowe“ ist eine erstaunlich leblos-museale Angelegenheit, die einfach noch einmal, ohne einen eigenen Gedanken, Chandler bebildert. Von dem Team hätte ich mehr erwartet.
mit Liam Neeson, Diane Kruger, Jessica Lange, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Ian Hart, Colm Meaney, Daniela Melchior, Danny Huston, Alan Cumming
Während 3sat ab 14.00 Uhr heute und morgen nonstop, teils mit Nachtwiederholungen, die klassischen Karl-May-Verfilmungen (mit Pierre Brice als ihrwisstschon) zeigt, empfehlen wir Filmkunst:
Arte, 20.15
Barry Lyndon (Barry Lyndon, Großbritannien 1975)
Regie: Stanley Kubrick
Drehbuch: Stanley Kubrick
LV: William Makepeace Thackeray: Memoirs of Barry Lyndon, 1944 (Die Memoiren des Junkers Barry Lyndon; Barry Lyndon)
Stanley Kubricks Verfilmung von William M. Thackerays Roman über den Emporkömmling Barry Lyndon, der im 18. Jahrhundert in der Welt des Absolutismus ein sehr bewegtes Leben hatte. Als Offizier der englischen und der preußischen Armee, als Liebhaber und als Ehemann von Lady Lyndon.
Großes Kino, das historisch präzise ist, mit großem Aufwand und nur mit natürlichem Licht gedreht wurde (das war damals eine echte Herausforderung) und das konsequent auf Vergegenwärtigungen und Identifikationsfiguren verzichtet. Das künstlerische Wagnis, einen vollkommen distanzierten Historienfilm zu drehen, kam beim Publikum nicht gut an. Das ging damals in „Der weiße Hai“, „Einer flog über das Kuckucksnest“ und, in Deutschland, „Asterix erobert Rom“.
mit Ryan O’Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee, Hardy Krüger, Steven Berkoff, Gay Hamilton, Marie Kean, Diana Körner
Lange Abende im heimischen Garten mit penetranten Stechmücken oder im Park mit um einen herum schleichenden Dealern, die einem mit verschwörerischer Stimme die von Deutschlandfunk Kultur präsentierte aktuelle Krimibestenliste herunternuscheln:
Drehbuch: Guillermo del Toro (nach einer Geschichte von Guillermo del Toro und Peter Briggs)
LV: Mike Mignola: Hellboy
Hellboy, ein zum Guten erzogener Dämon, verkloppt im Auftrag einer geheimen FBI-Einheit Dämonen. Jetzt kämpft er gegen den untoten Mönch Rasputin und den SS-Mann Kroenen, die ihr vor sechzig Jahren unterbrochenes Werk vollenden wollen.
„Hellboy“ ist eine der wenigen gelungenen Comicverfilmungen der Prä-Marvel-Cinematic-Universe-Ära. Kein Wunder. Schließlich hat hier ein Fan einen Film für andere Fans (alle mit einem kindischen Gemüt) gemacht.
Mit Ron Perlman, John Hurt, Selma Blair, Rupert Evans, Karel Roden, Jeffrey Tambor
Die Geschichte von Aschenputtel dürfte allgemein bekannt sein. Schließlich wurde sie in den vergangenen Jahrhunderten immer wieder neu erzählt, variiert und interpretiert. Mal besser – so gehört „Drei Haselnüsse für Aschenbrödel“ seit Ewigkeiten fest zum TV-Weihnachtsprogramm und Walt Disneys „Cinderella“ wird auch immer wieder gern gezeigt – mal schlechter.
Jetzt erzählt Emilie Blichfeldt in ihrem Spielfilmdebüt „The ugly Stepsister“ das von den Brüdern Grimm aufgeschriebene Märchen aus der Perspektive der bösen Stiefschwester als Body-Horrorfilm.
Bei ihr beginnt die Geschichte so: Elvira steht im Schatten ihrer viel schöneren Stiefschwester Agnes. Weil sie und ihre Mutter durch eine Heirat und den plötzlichen Tod des Gemahls ihr gesamtes Vermögen verloren haben, wäre die Heirat mit Prinz Julian ein Weg aus ihrer finanziellen Malaise. In wenigen Wochen veranstaltet der schöne und allseits begehrte Junggeselle einen Ball. Aus den dort anwesenden Frauen will er seine Frau auswählen. Um ihre Chancen zu steigern, lässt Elvira mehrere Schönheitsoperationen an sich vornehmen. Als erstes erhält sie eine schönere Nase.
Blichfeldt konzentriert sich in ihrer mit dem emotionslosen Blick eines Forschers erzählten Interpretation des bekannten Märchens auf die nachvollziehbaren Gründe, warum Elvira tut, was sie tut. Sie erzählt ihre Geschichte entlang der Frage, was man bereit ist, zu tun, um seine Ziele zu erreichen. Sie fragt auch nach den von Männern bestimmten Schönheitsidealen und welche Qualen Frauen auf sich nehmen um sie zu erfüllen. Denn Elvira erleidet die ersten Schönheitsoperationen nicht nur, sondern sie fordert sie zunehmend ein, um ihre Ziele zu erreichen. Das wird besonders nach dem Ball deutlich, wenn sie, um sich einen Schuh anziehen zu können, das Schlachterbeil an ihren Zehen ansetzt.
Diese ‚Operationen‘ zeigt Blichfeldt in einer Drastik, die wir so auch aus anderen von Frauen inszenierten Body-Horrorfilmen mit feministischer Agenda kennen, wie jüngst in Coralie Fargeats „The Substance“ oder in Julia Ducournaus „Titane“.
In dem Horrorfilm steht die langsam verrückt werdende Protagonistin so sehr im Mittelpunkt der Geschichte, dass die anderen Figuren zu eindimensionalen Stichwortgebern werden. Die Frauen, wie Elviras Mutter, Schwester und Stiefschwester, ihre Mitbewerberinnen und die Lehrerin in einer Tanzschule sind spartanischer als nötig gezeichnet. Die wenigen im Film auftauchenden Männer sind reine Karikaturen toxischer Männlichkeit. Sie erfüllen vor allem in der Ballszene im letzten Drittel des Films ihren Zweck, wenn sie die Frauen wie Vieh auf einer Auktion nach ihrem Aussehen beurteilen.
Absolut störend ist die Musik, die nerviger als eine beliebig auf die Tonspur eines YouTube-Videos geklatschte kostenfreie Musikspur ist.
Wer darüber hinweghören kann (mir fiel es schwer), wird eine verstörende und zum Nachdenken anregende feministische Neuinterpretation des Märchens mit satirischen Spitzen erleben.
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Regisseurin Emilie Blichfeldt über ihren Film:
In „The ugly Stepsister“ erforsche ich die Tyrannei der Schönheit und deren Auswirkungen auf junge Frauen. Das übergeordnete Konzept, das ich als „Beauty Horror“ bezeichne, wurde vom Body-Horror-Genre und der misogynen Doktrin „Wer schön sein will, muss leiden“ inspiriert. Es ist ein Thema, das mir sehr am Herzen liegt, nachdem ich selbst jahrelang mit meinem Körperbild zu kämpfen hatte und meinen Platz in der Frauenwelt erst finden musste. Mit dieser Geschichte möchte ich das Publikum in Elviras Erfahrungen eintauchen lassen und Mitgefühl, Unbehagen und Reflexion auslösen. Indem ich ihre schmerzhaften Empfindungen in den Körpern der Zuschauer spiegele, hoffe ich, eine instinktive Verbindung herzustellen, die zum Nachdenken anregt.
Elviras Reise verdeutlicht die Qualen, die das Festhalten an unerreichbaren körperlichen Normen verursacht. Ich habe mich von David Cronenbergs Ansatz für das Genre inspirieren lassen: Körperliche Verwandlungen dienen bei ihm als Metaphern für die Schwächen, Dilemmata und inneren Ängste seiner Figuren, oder als politischer Kommentar über den Einfluss der Gesellschaft auf das Individuum.
The ugly Stepsister (Den stygge stesøsteren, Norwegen/Dänemark/Rumänien/Polen 2025)
Während der Revolution in Mexiko kämpfen ein Gringo, ein Banditenanführer und ein General mit- und gegeneinander um, nun, verschiedene Dinge.
Der Italowestern (und Politthriller) „Töte Amigo“ ist kraftvoll, kurzweilig, mit burlesken Übertreibungen, sehr unterhaltsam und brutal. Dass die Geschichte eher grob gestrickt ist, stört dabei kaum.
Mit einem Budget, das in Hollywood bei einem Blockbuster wahrscheinlich noch nicht einmal zum Bezahlen der täglichen Parkgebühren ausreicht, und einem Drehbuch, das absolut nichts mit dem üblichen bundesdeutschen Beziehungskino zu tun hat, inszenierte Guido Tölke, nach einem von ihm und Julia Dordel geschriebenem Drehbuch, den Horrorthriller „The Bitter Taste“.
In ihm wird die frühere Fünfkämpferin und jetzt desillusionierte Jagdführerin Marcia (Julia Dordel) in ein lebensgefährliches Abenteuer verwickelt. Auf einer Landstraße fährt sie eine panisch aus dem Wald vor ihr Auto laufene Frau an. Die Frau flüchtete vor einem menschenähnlichen Wesen, das auch im nachhinein am einfachsten als das Sonnenlicht nicht fürchtender, sich wahnsinnig schnell bewegender Vampir-Zombie beschrieben werden kann. Dieser und weitere dieser Vampir-Zombies haben etwas mit der Gräfin Badesky zu tun. Sie lebt in einem Schloss, das über einem seltsam aus der Zeit gefallenem Dorf thront.
Als Marcia sich auf der Suche nach der von ihr angefahrenen Frau in das Schloss begibt, entdeckt sie ein jahrhundertealtes Geheimnis. Und sie muss um ihr Leben kämpfen.
Zugegeben, die Story besteht aus Versatzstücken aus anderen Filmen, die hier nach der aus den Edgar-Wallace-Filmen bekannten Methode ‚Hauptsache, es passiert etwas‘ zusammengestellt wurden. Entsprechend unlogisch verhalten sich die Menschen immer wieder. Aber das Erzähltempo und die konstanten Überraschungen täuschen immer wieder darüber hinweg.
Das Dorf und das es beherrschende Schloss erinnert wohlig an die alten Universal-Horrorfilme, wie „Dracula“ und „Frankenstein“, und unzählige Nachahmerfilme, in denen ein Blutsauger und/oder ein alter Fluch die Dorfbewohner in Angst und Schrecken versetzt.
Die funktionalen Dialoge werden keine Drehbuchoscars erhalten. Und Tölke schneidet viel zu oft. Das führt dazu, dass in den vielen Actionszenen die Bewegungsabläufe nur noch erahnbar sind.
Aber er inszeniert die actionhaltige Schauermär so flott, mit so vielen Wendungen und Anspielungen, dass die über zwei Stunden, die der Film dauert, schnell vergehen.
Das Ergebnis ist die durchaus kurzweilige Spielfilmversion eines aus anderen Filmen zusammengeschnittenen Best-of-Horrorfilm-Heimkinoabends, das trotz unbestreitbarer Mängel neugierig auf Tölkes nächsten Film macht.
The Bitter Taste(Deutschland 2024)
Regie: Guido Tölke
Drehbuch: Julia Dordel, Guido Tölke
mit Julia Dordel, Nicolo Pasetti, John Keogh, Anne Alexander-Sieder, Imme Beccard, Simone Geißler
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 