Henri Charrière, genannt Papillon, wird 1931 zu lebenslanger Strafarbeit in der Strafkolonie Bagno auf der Teufelsinsel Cayenne in Französisch-Guayana verurteilt. Er soll einen Zuhälter ermordet haben. Kaum angekommen, denkt Papillon nur an eine scheinbar unmögliche Flucht.
Tolle Verfilmung der beeindruckenden und höchst erfolgreichen Autobiographie von Charrière. Das Nachfolgewerk „Banco“, in dem er von seinem weiteren Leben erzählt, war dann episodischer.
Mit Steve McQueen, Dustin Hoffman, Victor Jory, Woodrow Parfrey, Robert Deman, Anthony Zerbe, Don Gordon, William Smithers, Val Avery, Dalton Trumbo
Die Prämisse liest sich spannend. Ein Mann sitzt in der Schweiz im Gefängnis. Er soll der vor sieben Jahren spurlos verschwundene Schweizer Anatol Stiller sein. Er sagt, er sei der US-Amerikaner James Larkin White. Lügt er? Oder irren sich die Behörden?
Ausgehend von dieser Frage schrieb Max Frisch seinen Roman „Stiller“. Er wurde 1954 veröffentlicht und ein Bestseller. Seitdem wurde immer wieder über eine Verfilmung gesprochen. Stefan Haupt, der den Roman jetzt verfilmte, unterhielt sich noch vor Frischs Tod am 4. April 1991 mit ihm darüber und erhielt die Rechte. Seine damaligen und andere Verfilmungspläne zerschlugen sich.
Als ein Grund wurde immer gesagt, dass „Stiller“ zu wenig und die falsche Handlung für eine Verfilmung habe.
„Ich bin nicht Stiller!“
Jetzt verfilmte Haupt, nach einem von ihm und Alex Buresch geschriebenem Drehbuch, den Roman nah am Roman als gediegenen TV-Film. Die Besetzung ist prominent. Albrecht Schuch spielt White, Paula Beer die mit Stiller verheiratete Balletttänzerin Julika Stiller-Tschudy, Max Simonischek Staatsanwalt Rolf Rehberg, Maria Leuenberger seine fremdgehende Frau Sibylle Rehberg, Stefan Kurt Dr. Bohnenblust und Sven Schelker spielt in den Rückblenden Anatol Stiller.
Der Film beginnt, wie der Roman, mit Whites Verhaftung. Was ihm genau vorgeworfen wird – außer dass er einen falschen Pass haben soll und alkoholisiert gegenüber Polizisten ausfällig wurde – erfährt White nicht. Ihm werden mehrere unbeschriebene Hefte gegeben. Der amtliche Verteidiger rät ihm, die Wahrheit aufzuschreiben. White beginnt zu schreiben über seine aktuelle Situation, sein Leben als White, von ihm erfundene Geschichten und über das, was ihm über Stiller und das Umfeld des verschwundenen Bildhauers berichtet wird.
Das ist gediegen, immer auf TV-Niveau inszeniert. Kein Bild verlangt nach der großen Kinoleinwand. Kein Bild und kein Dialog verunsichert. Dabei betonen Haupt und Co-Drehbuchautor Buresch an ein, zwei Stellen den Krimiplot stärker als im Roman. So wird im Film deutlich angedeutet, Stiller könnte in eine politische Affäre verwickelt sein, möglicherweise sogar einen Mord begangen haben und sich seitdem auf der Flucht befinden.
Oder bin ich doch Stiller?
Haupts Film hält sich, mit einigen notwendigen Straffungen und Akzentverschiebungen, an die Struktur und Geschichte des Romans. Damit hat er auch die massiven Probleme des Romans. „Stiller“ erzählt, nach einem vielversprechendem ersten Satz eine aus Sicht eines Krimilesers durchgehend unlogische Geschichte. Im Film wird das noch deutlicher als im Roman. Im Film wird White mehrmals gesagt, er könne das Gefängnis sofort verlassen, wenn er sagt, er sei Stiller. Danach, vor der Tür der Haftanstalt, könne er sich wieder White nennen und seines Weges gehen. Warum er das Angebot nicht annimmt, bleibt unklar.
„Stiller“ ist, wie gesagt kein Kriminalroman. Max Frisch hatte auch nie die Absicht, einen Kriminalroman zu schreiben. Er ist absolut desinteressiert an allem, was zu einem Kriminalroman gehört. So bleibt bis zum Ende unklar, was White/Stiller genau vorgeworfen wird. Also woher das übergroße Interesse der Schweiz an seiner Inhaftierung kommt. Auch White fragt nie energisch nach. Stattdessen richtet er sich gemütlich in der Untersuchungshaft ein und schreibt mehrere Hefte voll.
Die im ersten Absatz aufgeschriebene Behauptung des Ich-Erzählers, er sei unschuldig inhaftiert, ist nur der Köder, der dazu dient, die Leser zum Lesen zu animieren. Frisch ging es um das Porträt eines Mannes, der aus seinem Leben in ein anderes Leben, über das wir nichts erfahren, flüchtet. Und um ein längliches Ehedrama.
Der Roman wird letztendlich aus einer Perspektive erzählt. Nämlich der von White. Über Stillers Leben und dem Leben von Sibylle Rehberg, einer Geliebten Stillers, schreibt er immer nur, was ihm andere Menschen über diese Menschen erzählt haben. Oder was er sich ausdenkt. Auch wenn die verschiedenen von White aufgeschriebenen möglicherweise wahren und definitiv erfundenen Geschichten verschiedene Perspektiven vortäuschen, sind die von White im Gefängnis getätigten Aufzeichnungen bestenfalls eine Selbstbefragung. Es gibt keine verschiedenen Perspektiven auf Stiller, sondern immer nur eine Sicht.
Auch wenn am Ende des Romans gesagt wird, dass White Stiller ist und er wieder seine wahre Identität annimmt, kann auch interpretiert werden, dass White und Stiller zwei verschiedene Personen sind. White nimmt dann die Identität von Stiller an, weil er so seinen Frieden finden kann. Diese Interpretation ist möglich, weil Frisch trotz der epischen Länge von über vierhundert Seiten kaum etwas über Stiller und noch weniger über White verrät. Fakten, die eine Identität bestätigen könnten, gibt es auch nicht. Entsprechend fremd bleiben Stiller und White dem Leser.
Als Briefroman – wie Mary Shelleys „Frankenstein“ oder Bram Stokers „Dracula“ (um nur zwei bekannte Beispiele zu nennen, die jetzt wieder verfilmt wurden) – wäre hier mehr möglich gewesen.
Und dann muss noch der Elefant im Raum angesprochen werden. „Stiller“ spielt 1952. Er verschwand Ende 1945/Anfang 1946. Seine Beziehung zu Julika und die Ereignisse die zu seinem Verschwinden geführt haben, ereigneten sich in den davor liegenden Jahren. Konkret: zu einem großen Teil ereigneten sie sich kurz vor und während des Zweiten Weltkriegs. Auch wenn die Schweiz während des Kriegs neutral war, ist es schlechterdings unvorstellbar, dass das Kriegsgeschehen keinerlei Auswirkung auf das Leben in der Schweiz gehabt haben soll. Das macht „Stiller“ zu einem von der damaligen Realität der Nazi-Diktatur und des Zweiten Weltkriegs vollkommen abgekoppelten Fantasyroman.
Die eingestreuten Erzählungen von White sind schlechte Pulp-Kurzgeschichten, die mit der Hauptgeschichte nichts zu tun haben. Auch die in der zweiten Hälfte des Romans über Dutzende von Seiten geschilderten Eheprobleme und Erlebnisse von Sibylle Rehberg tragen nichts zur Klärung der Identität von White/Stiller bei.
Das erfolgt dann im Roman in einem über fünfzigseitigem Nachwort des Staatsanwalts. Im Film erfolgt die Enttarnung etwas anders.
„Ich bin nicht Stiller!“
„Stiller“ bebildert brav einen Literturklassiker, der mich niemals ansprach. Natürlich erkannte ich beim Lesen des Romans und Sehen des Films mühelos die Konstruktion und wie Myriaden von Studierenden die Geschichte in Abiturprüfungen und Seminararbeiten sie interpretieren und die zahlreichen Anspielungen fliegenbeinzählerisch aufschreiben können. Aber vieles an der Geschichte und den Figuren ist einfach zu unglaubwürdig und zu konstruiert um zu überzeugen.
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Nachbemerkung, die wahrscheinlich nur wenige verstehen: Nicht auszudenken, was Donald Westlake aus der Idee gemacht hätte.
Stiller(Deutschland/Schweiz 2025)
Regie: Stefan Haupt
Drehbuch: Alex Buresch, Stefan Haupt
LV: Max Frisch: Stiller, 1954
mit Albrecht Schuch, Paula Beer, Max Simonischek, Marie Leuenberger, Stefan Kurt, Sven Schelker, Martin Vischer, Marius Ahrendt
Länge: 99 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Die Vorlage (aktuell im Filmcover)
Max Frisch: Stiller
Suhrkamp, 2025
448 Seiten
12 Euro
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Erstausgabe
Suhrkamp, 1954
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Seitdem fester Bestandteil der Suhrkamp-Bibliothek
Die Außerirdischen sind bereits unter uns. Michelle Fuller (Emma Stone), die befehlsgewohnte, körperlich sehr fitte und skrupellose Geschäftsführerin eines Pharmakonzerns, ist eine von ihnen. Und das werden Teddy Gatz (Jesse Plemons) und sein williger, etwas tumber Helfer Don (Aidan Delbis, Debüt) der Welt beweisen. Wobei Teddy auch keine Geistesgröße ist. Die Cousins entsprechen ziemlich genau dem Bild des von sich und seiner Meinung hemmungslos überzeugten, am Existenzminimum herumkrebsenden Quartalsirren, der eine Universität nur aus einer TV-Sendung kennt. Sein Wissen hat er sich aus der vertrauenswürdigen Quelle „Internet“ angeeignet.
Das ist der schwarzhumorige Auftakt von Yorgos Lanthimos‘ neuem Film. In seinen vorherigen Filmen war immer mit dem Unvermittelten und absurden Wendungen zu rechnen. In „The Lobster“, zum Beispiel, verwandeln sich Singles, wenn sie innerhalb von 45 Tagen keinen Partner finden, in ein von ihnen gewünschtes Tier. Da könnte es in seinem neuen Film „Bugonia“ natürlich auch Außerirdische, die unter uns Leben, geben.
Aber wie soll Teddy von der Invasion erfahren haben? Warum befindet sich die Technik der Außerirdischen in betont normalen Gegenständen, wie einem Frostschutzmittel? Die Idee, dass die Außerirdischen über ihre Haare kommunizieren, ist da nur das I-Tüfpfelchen. Immerhin erfahren wir so, wie Emma Stone mit schlecht geschnittener echter (!) Glatze aussieht. Wenn sie am Filmende mit einem verstauchten Knöchel auf High Highls und um Haltung bemüht durch die Flure ihrer Firma stakst, sind ihr die Lacher sicher.
Davor entfaltet sich die Gesichte als rücksichtslos geführtes verbales und auch physisches Duell im Keller von Teddys heruntergekommenem Elternhaus. Aufgenommen wurden diese Szenen, wie der gesamte Film, in VistaVision (wie jüngst Paul Thomas Andersons „One Battle after another“) und bedingt durch die unhandliche Kamera in langen Szenen. Das verleiht dem Film, zusätzlich zu der Situation im Keller, in der Michelle meistens an einen Stuhl gefesselt ist, etwas statisches.
In dem Verhör prallen dann die unterschiedlichen Ansichten und Ziele unerbittlich aufeinander. Während Teddy absolut von seiner Alien-Invasions-Theorie überzeugt ist, kann Michelle bei Don Zweifel säen. Sie versucht, ihre beiden Entführer gegeneinander auszuspielen und zu flüchten. Trotzdem handelt es nur um Variationen des immergleichen, sich im Kreis drehenden Gesprächs.
Aber dafür entschädigen die Sets, die Schauspieler und der dritte Akt, wenn Michelle, nachdem sie zugegeben (gelogen?) hat, eine Außerirdische zu sein, mit Teddy zum Firmensitz fährt.
Insgesamt ist „Bugonia“, nach seinen größeren, schwerer zugänglichen Filmen „Kinds of Kindness“, „Poor Things“ und „The Favourite“, ein kleiner Film. Die schwarzhumorige, erkennbar in der Gegenwart spielende und gegenwärtige Probleme thematisierende Science-Fiction-Groteskte ist ein weitgehend in einem Keller spielendes Drei-Personenstück mit durchaus vertrauter Alien-Invasions-Thematik. Nur dass dieses Mal die Außerirdischen wie Menschen aussehen und mit ihren Haaren kommunizieren.
P. S. 1: Der Filmtitel spielt auf die in der Antike und im Mittelalter verbreitete Vorstellung an, dass Bienen und andere Insekten im verwesenden Körper eines toten Stieres geboren werden.
Es wurde also aus einer Beobachtung ein vollkommen falscher Schluss gezogen.
P. S. 2: „Bugonia“ ist das Remake der anscheinend ziemlich durchgeknallten und brutalen südkoreanischen Science-Fiction-Satire „Save the Green Planet“ (Jigureul Jikyeora!, Südkorea 2003, Regie: Jang Joon-hwan). In Deutschland erschien der Film 2005 auf DVD. Anscheinend ist – und ich hätte nie gedacht, dass ich das einmal schreiben werde – Lanthimos‘ freies Remake die vernünftigere und für ein breiteres Publikum zugänglichere Version der Geschichte.
Bugonia(Bugonia, USA 2025)
Regie: Yorgos Lanthimos
Drehbuch: Will Tracy (nach dem Drehbuch „Save the green Planet“ von Jang Joon-hwan)
mit Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Alicia Silverstone, Stavros Halkias
Erste Verfilmung von Roald Dahls bekannt-beliebtem Kinderbuch über einen Jungen, der gegen eine böse Oberhexe kämpft, die alle Kinder in Mäuse verwandeln will.
1989 wurde es von Nicolas Roeg mit Anjelica Huston als böser Hexe und Figuren von „Muppets“-Erfinder Jim Henson verfilmt. Roegs in der Gegenwart spielender Film beeindruckt durch Hensons lebensechte Figuren und erstaunt, jedenfalls für einen Kinderfilm, durch mehrere furchterregend orgiastische Hexenszenen, die an entsprechende Orgien-Szenen aus Siebziger-Jahre-Filme erinnern. Und er besitzt eine ordentliche Portion schwarzen Humors. Da verzeiht man auch das neue Ende.
mit Anjelica Huston, Mai Zetterling, Jasen Fisher, Rowan Atkinson, Bill Paterson
Der deutsche Titelzusatz ist blöde. „Die Auferstehung“ hat nichts mit dem Film zu tun. Der originale Zusatz „A Love Tale“ beschreibt dagegen treffend, was Luc Bessons Dracula ist: eine sich über mehrere Jahrhunderte erstreckende Liebesgeschichte.
Besson hält sich in seiner Interpretation der Geschichte von Graf Dracula an die aus Bram Stokers Schauerroman und den unzähligen Verfilmungen bekannten, immer wieder, mal besser, mal schlechter, variierten Eckpunkte, Davon ausgehend dehnt er die Geschichte, verschiebt Schwerpunkte und variiert bekannte Elemente. Trotzdem bleibt sein Dracula immer mühelos als Dracula erkennbar.
Bei ihm geht die Geschichte so: 1480 kämpft Graf Vlad II, der spätere Graf Dracula (Caleb Landry Jones), als regionaler Fürst, mit dem Segen der Kirche, gegen eroberungswütige Bösewichter. Dabei würde er lieber die Zeit mit seiner über alles geliebten Frau Elisabeta (Zoë Bleu) verbringen. Als er wieder in die Schlacht ziehen muss, hat er nur eine Bitte an die Kirche: Gott möge seine große Liebe beschützen. In einer grotesken Abfolge von Ereignissen tötet Vlad Elisabeta als er sie retten will. Wutentbrannt tötet er den Stellvertreter der Kirche – und wird danach für seine gotteslästerliche Tat bestraft. Er kann nicht mehr sterben und wird zum Vampir.
Ungefähr vierhundert Jahre später wird in Paris eine Vampirin gefangen genommen. Ein Priester (Christoph Waltz, der hübsch süffisant Waltz-Sätze sagen darf) wird herbeigerufen. Er soll herausfinden, wer der Herr dieses Vampirs ist.
In dem Moment springt Luc Besson nach Transsylvanien. Als Jonathan Harker Graf Dracula ein Haus verkaufen will, sieht der Vampir ein Bild von Harkers künftiger Frau Mina (Zoë Bleu). Die Frau auf dem Bild sieht wie Draculas seit Jahrhunderten tote große Liebe Elisabeta aus.
Dracula macht sich, wenige Tage vor dem Beginn der Weltausstellung, auf den Weg nach Paris. Dort verdreht er als Dandy und mit der Hilfe eines speziellen Parfums, den Frauen den Kopf.
Natürlich wird Besson für seinen „Dracula“-Film keinen Innovationspokal bekommen. Es ist, in Richtung „Besson pur“ gehend, ein großes, farbenprächtiges Spektakel, das Graf Dracula wieder zu seine Ursprüngen zurückbringt. Nachdem Robert Eggers zum Jahresanfang in seiner „Dracula“-Interpretation „Nosferatu – Der Untote“ dem blutsaugenden Grafen alle Farben austrieb, Sex zur Onanie wurde und dem hässlichsten Mann des Dorfes alle Jungfrauen zu Füßen lagen, ist bei Besson der Graf wieder ein gut aussehender Verführer. Es gibt, teils bei orgiastischen Festen, reichlich Austausch von Körperflüssigkeiten und alles ist überbordend bunt als gelte es ein Fest für das Leben zu feiern. Bei den Punkten „Tageslicht“, „Knoblauch“ und „Kreuze“ nimmt Besson sich (wie schon Roman Polanski in seinem „Tanz der Vampire“) wohltuende Freiheiten.
„Dracula – Die Auferstehung“ ist genau das überkandideltes Pop-Pulp-Horrorfantasymärchen, das man sich von Luc Besson erhofft. Sein Dracula ist kein perfekter Film. Aber eine spaßige, etwas zu lang geratene, gewollt grandezza-trashige Angelegenheit, schwankend zwischen pompösen Massenszenen, exaltierten Auftritten in noblen und weniger noblen Hallen, teils gewöhnungsbedürftigen Computereffekten und leinwandfüllenden Landschaftsaufnahmen.
Wie bei Robert Eggers‘ „Nosferatu – Der Untote“ und Guillermo del Toros „Frankenstein“ (seit letzter Woche in einigen Kinos und ebenfalls mit Christoph Waltz) ist durchaus unklar, warum die allseits bekannte Geschichte wieder verfilmt werden musste. Ein grundsätzlicher neuer Aspekt ist nicht erkennbar. Immerhin gibt es bei Besson einige Gedanken über Gott, Glaube und Kirche.
Das könnte bei Radu Judes „Dracula“-Version, die noch keinen deutschen Starttermin hat, anders sein. Nach dem Trailer hat er, mit KI-Hilfe, eine vollkommen durchgeknallte Version von „Dracula“ inszeniert.
Dracula – Die Auferstehung (Dracula: A Love Tale, Frankreich/USA 2025)
Belle de Jour – Schöne des Tages: Ein Roman, ein Film, zwei Skandale (Frankreich 2025)
Regie: Manon Prigent
Drehbuch: Manon Prigent
Brandneue fünfzigminütige Doku über Joseph Kessels Roman „Belle de Jour“ (1928) und Luis Buñuels ebenso skandalträchtige Verfilmung (1967). Mit Catherine Deneuve in der Hauptrolle. Ist das, was damals skandalös war, heute immer noch skandalös? Wurde damals das Werk falsch interpretiert? Wie veränderte sich die Wahrnahme über die Jahrzehnte? Und was meinen Frauen heute über den Roman und den Film?
Weil am Donnerstag Luc Bessons spaßige Interpretation der Geschichte des Grafen Dracula anläuft: Hier das schöne Cover einer aktuell erhältlichen Ausgabe
Im Krankenhaus begegnen sich eine selbstständige vierzigjährige Fotografin und eine hoffnungslos überforderte 17-jährige. Beide bringen ihr erstes Kind zur Welt. Später fragt sich die Fotografin, ob ihr Baby im Krankenhaus vertauscht wurde.
Den Krimiplot benutzt Pedro Almodóvar nur, um gewohnt feinfühlig eine komplexe Beziehungsgeschichte zwischen zwei Frauen und über die spanische Vergangenheit zu erzählen. Gewohnt überzeugend.
Als hätte ich es nicht geahnt. Als „Broken“, eine Sammlung von sechs von Don Winslow geschriebenen kürzeren Geschichten, erschien, beschrieb ich sie als „ ausführliche Treatments für Hardboiled-Actionfilme“. Nun ist mit „Crime 101“ eine dieser Geschichten verfilmt worden. Als deutscher Kinostart wird der 12. Februar 2026 genannt.
Davis (Chris Hemsworth) ist ein schwer fassbarer Dieb, dessen hochriskante Raubüberfälle die Polizei vor ein Rätsel stellen. Während er gerade seinen bisher größten Coup plant – in der Hoffnung, dass es sein letzter sein wird –, trifft er auf die desillusionierte Versicherungsmanagerin Sharon (Halle Berry), und wird gezwungen mit ihr zusammenarbeiten. Darüber hinaus wird er mit Orman (Barry Keoghan) konfrontiert, ein rivalisierender Dieb, dessen Methoden weitaus beunruhigender sind als die von Davis. Als der millionenschwere Raubüberfall näher rückt, kommt der unerbittliche Detective Lt. Lubesnik (Mark Ruffalo) der ganzen Operation auf die Spur und erhöht damit das Risiko noch weiter. Die Grenzen zwischen Jäger und Gejagten beginnen zu verschwimmen. Bald sind alle gezwungen, sich mit den Folgen ihrer jeweiligen Entscheidungen auseinanderzusetzen – und mit der Erkenntnis, dass es kein Zurück mehr gibt.
Regie bei dem wendungsreichen und stylish inszenierten Crime-Thriller führte Bart Layton („American Animals“, BAFTA Film Award für „Der Blender – The Imposter“). Für das Drehbuch zeichnen Bart Layton („American Animals“) und Peter Straughan („Konklave“) verantwortlich. Produziert wurde der Film von Tim Bevan, Dimitri Doganis, Eric Fellner, Benjamin Grayson, Chris Hemsworth, Bart Layton und Derrin Schlesinger. Executive Producer sind Joely Fether, Shane Salero und Bergen Swanson.
In den Hauptrollen spielen Chris Hemsworth („Furiosa: A Mad Max Saga”), Halle Berry („Moonfall“), Mark Ruffalo („Poor Things“), Barry Keoghan („Saltburn”), Monica Barbaro („Like A Complete Unknown”), Corey Hawkins („Die letzte Fahrt der Demeter”) u.v.m.
Was die Ankündigung verschweigt und aus dem Trailer, trotz Thomas-Crown-Vibes, nur so halb hervorgeht: Davis ist ein Profidieb der Parker-Schule und ein großer Fan von Steve McQueen, dem ‚King of Cool‘. Entsprechend cool ist er bei seinen Diebstählen.
Und weil bis zum Filmstart noch genug Zeit zum Lesen der spannenden Vorlage ist:
Don Winslow: Broken – Sechs Geschichten
(übersetzt von Ulrike Wasel, Klaus Timmermann, Kerstin Fricke, Peter Friedrich und Joannis Stefanidis)
Drehbuch: Al Boasberg, Charles Smith (nach einem Entwurf von Buster Keaton und Clyde Bruckman, angeregt durch die Erzählung „The Great Locomotive Chase“ von William Pittinger)
USA, während des Bürgerkriegs: Johnnie Gray (Buster Keaton) ist Lokführer – und damit zu wichtig für den Dienst an der Waffe. Als Nordstaatler den Zug „General“ und seine darin mitfahrende Freundin Annabelle Lee entführen, nimmt Johnnie die ihn tief ins Feindesland hineinführende Verfolgung auf.
Stummfilm-Klassiker. Atemberaubende Stunts und Lacher
mit Buster Keaton, Marion Mack, Charles Smith, Frank Barnes, Glen Cavender, Jim Farley, Frederick Vroom
„‚Kingdom – Die Zeit, die zählt‘ ist eine Tragödie, in der das Schicksal in seiner langsamen Trägheit die Geschichte zermalmt. Ich wollte die Maschinerie der Ganoven in ihrem unausweichlich programmierten Aussterben zeigen. Die Verbrecher werden weder heroisiert noch geheiligt; im Gegenteil, sie werden als Büßer ihres eigenen Lebens gezeigt, als Geister, die bereits tot sind, es aber noch nicht wissen.“
Julien Colonna (Regie)
Mitte der neunziger Jahre besteht das Leben eines Mafiosi am Mittelmeer nicht mehr in großen Geschäften und dem Protzen mit seinem Einfluss, sondern aus der Flucht vor der Polizei und dem Untertauchen in verschiedenen Safe Houses auf Korsika. Für die pubertierende Tochter Lesia bedeutet das dann, die nackten Wände von ihrem Zimmer anzustarren, während die Erwachsenen das Meer anstarren.
Die Idee einen Gangsterfilm aus der Sicht einer Teenagerin, die die Tochter eines Gangsterbosses ist, zu erzählen, lässt einen ungewöhnlichen Blick erwarten. Vor allem wenn diese Perspektive mit einer Coming-of-Age-Geschichte und einer Vater-Tochter-Geschichte verknüpft wird. Jetzt hat der von ihr verklärte Vater, wenn er nicht mit seinen Verbrecherkollegen abhängt, endlich viel Zeit für sie. Und dass sie sich für die in dieser Gesellschaft wichtigen ‚Jungsvergnügen‘ interessiert, hilft.
Das Ergebnis ist dann eine ziemlich träge Angelegenheit, die sich wie das Warten auf die Razzia der Polizei (kein Verbrecher wartet auf Godot) anfühlt.
Denn Julien Colonna erzählt in seinem Spielfilmdebüt extrem langsam und dialogarm. Außerdem wird die Geschichte aus der Perspektive eines Kindes erzählt. Lesia ist nur eine entfernte Beobachterin des Geschehens, das mit einem tödlichen Anschlag auf einen Politiker beginnt und die Mafiosi zwingt, in einem einsam gelegenen Haus unterzutauchen. Warum sie genau untertauchen mussten und was sie tun, um sich aus ihrer misslichen Lage zu befreien, erfahren wir nicht. Denn die Erwachsenen versuchen, möglichst viel vor ihr zu verheimlichen.
So bleibt nur eine seltsam verquere, statische Tochter-Vater-Geschichte, in der die Tochter einen Berufsverbrecher bewundert, während sein Imperium gerade gaaanz laaangsam untergeht.
Kingdom – Die Zeit, die zählt(Le Royaume, Frankreich 2024)
Regie: Julien Colonna
Drehbuch: Julien Colonna, Jeanne Herry
mit Ghjuvanna Benedetti, Saveriu Santucci, Anthony Morganti, Andrea Cossu, Frédéric Poggi, Régis Gomez, Eric Ettori, Thomas Bronzini, Pascale Mariani, Attilius Ceccaldi, Ghjuvanni Biancucci, Joseph Pietri, Marie Murcia
LV: Frederick Knott: Dial M for Murder, 1952 (Theaterstück)
Der ehemalige Tennisprofi Tony Wendice plant den perfekten Mord an seiner untreuen Ehefrau Margot. Als sie den Killer umbringt, wird es Zeit für Plan B.
Für Hitchcock war die Verfilmung des Broadway-Stückes eine Verlegenheitsarbeit, bei der er damals modische 3-D-Effekte einbauen musste. Er tat dies nur in einer Szene: als Margot den Killer mit einer Schere ersticht. Der Rest ist gut abgefilmtes Theater.
Anschließend, um 21.55 Uhr, zeigt Arte die einstündige Doku „Mr. und Mrs. Hitchcock“ (Frankreich 2019).
Mit Grace Kelly, Ray Milland, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson
Das Telefon klingelt wieder. Dieses Mal nicht (bzw. genaugenommen nicht nur) im Keller sondern in den verschneiten Rocky Mountains an einem vereisten See in dem christlichen Jugendferienlager Alpine Lake.
Das erste Mal klingelt das Telefon 1957 am Filmanfang im Prolog. Wer warum den Hörer abhebt, verrät Scott Derrickson in seinem neuesten Horrorfilm „Black Phone 2“ erst viel später.
1982 klingelt das Telefon wieder; wobei, genaugenommen, ständig Telefone klingeln. Der 17-jährige Finney Blake ignoriert sie meistens oder fertigt die Anrufer barsch ab. Es sind nämlich Anrufe aus der Welt der Toten. Und mit ihnen möchte er keinen Kontakt haben. Den hatte er vor vier Jahren, als er von dem Greifer (The Grabber) in einem Keller eingesperrt wurde. Er soll das nächste Opfers des 1978 in einem Vorort von North Denver, Colorado, Angst und Schrecken verbreitenden Killers sein. Der Killer hält ihn einem leeren Keller gefangen. In ihm hängt ein Telefon, über das Finney angerufen wird und Hinweise für seinen Kampf gegen den Greifer erhält. Finney setzt die Hinweise um. Er kann den Greifer besiegen. Am Ende des ebenfalls von Scott Derrickson inszenierten, auf einer Kurzgeschichte von Joe Hill basierenden Horrorthrillers „The Black Phone“ (USA 2022) war der Greifer unzweifelhaft und über jeden Zweifel erhoben tot.
Nach so einem Ende verbietet sich eigentlich eine Fortsetzung. Aber Horrorfans wissen, dass der Tod nicht endgültig ist. Vor allem wenn der vorherige Film ein finanzieller Erfolg war, ist der Tod des Bösewichts nur der Anfang für eine Serie. „The Black Phone“ spielte bei einem Budget von irgendetwas zwischen 16 und 18 Millionen US-Dollar 161 Millionen US-Dollar ein.
Außerdem hatte Joe Hill eine Idee für eine Fortsetzung, die Derrickson ansprach.
Für die Fortsetzung, für die 30 Millionen US-Dollar zur Verfügung standen, wurden Mason Thames als Finney, Madeleine McGraw als seine Schwester Gwen, Ethan Hawke als der Greifer (unter der Maske nicht wirklich erkennbar), Jeremy Davies als Finney und Gwens Vater Terrence, Miguel Mora als Ernesto (der Bruder des im ersten Teil ermordeten Robin; Mora spielte auch Robin) und James Ransone als Max (der ebenfalls im ersten Teil ermordete Bruder des Greifers) wieder engagiert. Das Drehbuch ist wieder von Derrickson und C. Robert Cargill.
Jetzt, also 1982, sind Finney und seine jüngere Schwester Gwen immer noch mit traumatisiert von aus „The Black Phone“ bekannten Ereignissen. Und sie sind übernatürlich begabt. Er kann mit Toten reden. Sie in die ‚Zukunft‘ sehen.
Als sie von ein einigen in einem Ferienlager um ihr Leben kämpfenden Kindern träumt, beschließt sie zusammen mit ihrem Bruder und ihrem Freund Ernesto nach Alpine Lake zu fahren.
Sie ahnen nicht, dass der Greifer sie in dem eingeschneiten Ferienlager alle umbringen will.
„Black Phone 2“ wiederholt nicht die Geschichte des ersten Film, sondern erzählt sie an einem anderen Ort und mit einer größeren Auswahl potentieller Opfer weiter.
Dabei wird aus den zufälligen und deshalb so schrecklichen und unerklärbaren Morden des Killers im ersten Film ein zielgerichtetes Morden. Er will sich nicht nur an seinem Mörder rächen, sondern gleich an seinen Freunden und seiner gesamten Familie. Dabei liegt das Motiv für seine Taten in der Vergangenheit und Finneys Mutter hat etwas damit zu tun.
Scott Derrickson inszeniert dies etwas langsam und mit einer überschaubaren Zahl von Toten. Er setzt in den dunklen Gängen des Ferienlagers und den darum liegenden verschneiten Waldwegen nicht auf Blutfontänen und Jump Scares, sondern vor allem auf Suspense und sich langsam entwickelnde Spannung. Er beschäftigt sich außerdem erstaunlich intensiv mit den Folgen und dem Umgang mit traumatischen Ereignissen. Das Ergebnis ist ein mehr als okayer Horrorfilm, der seine Geschichte in vertrauten Pfaden erzählt und eine ziemlich unglaubwürdige Erklärung für die Taten des Greifers und seiner Beziehung zu Finn und Gwen serviert.
Aktuell scheint es schon Pläne für einen dritten Teil zu geben. Denn, wie Horrorfans wissen: das Böse stirbt nie.
Black Phone 2 (Black Phone 2, USA 2025)
Regie: Scott Derrickson
Drehbuch: Scott Derrickson, C. Robert Cargill (basierend auf von Joe Hill erfundenen Figuren)
mit Mason Thames, Madeleine McGraw, Ethan Hawke, Demián Bichir, Jeremy Davies, Miguel Mora, Arianna Rivas, Anna Lore, Graham Abbey, Maev Beaty, James Ransone
Es war einmal ein Buch und viele, sehr viele, also wirklich sehr viele Filmversionen, die die Geschichte von Victor Frankenstein und dem von ihm geschaffenem Geschöpf, das früher Monster, heute eher Kreatur genannt wird, allgemein bekannt machten.
Es war einmal ein Regisseur, der diese Geschichte verfilmen wollte. Schon als Kind war er von der Geschichte und James Whales „Frankenstein“ fasziniert. Damals hatte er schon die ersten Ideen für eine Verfilmung. Aber noch keine Kamera. Vor fast zwanzig Jahren gab es die ersten konkreten Ideen und Finanzierungen für einen „Frankenstein“-Film. Die seitdem bekannt gewordenen Pläne für eine Verfilmung waren mal mehr, mal weniger nah an einer Verwirklichung. Die Zeit füllte Guillermo del Toro (Uh, nachträglich alles Gute zum Geburtstag. Der war am 9. Oktober) überaus produktiv mit „Hellboy“ (I und II), „Pans Labyrinth“, „Crimson Peak“, „Shape of Water – Das Flüstern des Wassers“ und „Nightmare Alley“.
Letztes Jahr war es dann soweit. Mit einem kolportierten Budget von 120 Millionen US-Dollar und einer Starbesetzung – Oscar Isaac und Jacob Elordi übernahmen die Hauptrollen – wurde der Horrorfilm von Februar bis September 2024 unter anderem in Toronto, Aberdeen und Edinburgh gedreht.
Die Premiere war am 30. August 2025 bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig.
Und jetzt kommt seine von Netflix produzierte Neuinterpretation der Frankenstein-Geschichte für einige Tage ins Kino. Im Stream ist der Film ab dem 7. November verfügbar.
Del Toro hält sich an die bekannten Eckpunkte der Geschichte, die wirklich als bekannt vorausgesetzt werden können. Er nimmt viele aus früheren Filmen bekannte Elemente wieder auf, variiert sie teilweise und gewährt der von Frankenstein geschaffenen Kreatur viel Raum. Sie erzählt sogar den zweiten Teil des Films aus ihrer Sicht. Der erste, chronologisch davor spielende Teil, wird von Victor Frankenstein erzählt. Er erzählt, ebenfalls im Voice-Over, ausführlich aus seinem Leben und wie er in seinem Labor, das dieses Mal malerisch an einem einsamen Strand liegt, aus Leichenteilen und Wissenschaft eine Kreatur erschafft.
Nun ist Voice-Over nichts schlechtes. Martin Scorsese ist ein Meister des Voice-Over. Immer wieder zeigt er, wie wirkungsvoll dieses Stilmittel sein kann. Wie sehr eine Erzählerstimme die Geschichte verdichten, vorantreiben und interessanter machen kann.
In „Frankenstein“ ist sie dagegen eher überflüssig. Dass Frankensteins Kreatur redet, ist zwar neu, aber sie fügt dieser Kreatur nichts bei, was nicht schon Boris Karloff in James Whales klassischem Universal-„Frankenstein“-Film von 1931 und der Fortsetzung „Frankensteins Braut“ (1935) zeigte.
Ein weiterers Problem ergibt sich aus der von del Toro gewählten Struktur. In der Nähe des Nordpols gelangen Frankenstein und die Kreatur auf ein Schiff, das zum Nordpol fahren will. Zuerst erzählt Frankenstein dem Kapitän die Geschichte. Er will die Seeleute vor der Kreatur warnen. Danach erzählt die Kreatur die Geschichte weiter. Strukturell kann „Frankenstein“, auch wegen seiner epischen Länge von hundertfünfzig Minuten als aus zwei weitgehend unabhängigen Teilen bestehender TV-Zweiteiler gesehen werden, in dem jeder Teil einen anderen Erzähler hat. Der große Bogen vom Filmanfang zum Filmende ist höchstens rudimentär enthalten, weil Anfang und Ende auf dem Schiff spielen. Die Geschichte von Frankenstein und seiner Kreatur erfolgt dazwischen als eine banale Abfolge von Ereignisse, die frei von tragfähigen Konflikten sind. Entsprechend flach und eindimensional sind die Figuren. Das ist vor allem bei Frankenstein und der Kreatur ein Problem. Bei den anderen Figuren ist das weniger ein Problem, weil sie eh nur schnell aus der Geschichte verschwindende Stichwortgeber sind.
Auch visuell ist „Frankenstein“ enttäuschend. Die großen, prächtigen Kinobilder werden fast alle im Trailer gezeigt. Der Film spielt dann in wenigen geschlossenen Räumen, oft mit nur einer oder zwei Personen im Bild und im Raum. Das sind TV-Bilder.
All das macht del Toros „Frankenstein“, schöne Bilder hin, schöne Dekors her, musikalisch unterlegt von Alexandre Desplat, zu einer ziemlich enttäuschenden und auch überflüssigen Angelegenheit.
Frankenstein(Frankenstein, USA 2025)
Regie: Guillermo del Toro
Drehbuch: Guillermo del Toro
LV: Mary Shelley: Frankenstein, 1818 (Frankenstein oder Der moderne Prometheus)
mit Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Felix Kammerer, David Bradley, Lars Mikkelsen, Christian Convery, Charles Dance, Christoph Waltz, Nikolaj Lie Kaas, Ralph Ineson
„kafkaesk“ muss nicht erklärt werden. Das wissen alle.
Aber wer war Franz Kafka, der am 3. Juli 1883 in Prag, Österreich-Ungarn, geborene, am 3. Juni 1924 in Kierling, Österreich, gestorbene Schriftsteller, der erst nach seinem Tod bekannt wurde?
Agnieszka Holland versucht diese Frage in ihrem Kafka-Biopic „Franz K.“ zu beantworten. Dabei entwirft die hochgelobte Regisseurin eine assoziative Collage zwischen Kafkas Biopgraphie (die sie als rudimentär bekannt voraussetzt), seinem Werk und seinen Ängsten. Das ist, gleichzeitig, ziemlich anspruchsvoll und vergnüglich.
Inszeniert hat die 1948 geborene produktive Regisseurin ihren Film nicht mit der Gemütlichkeit des Alters, in dem Filme nur noch einmal die bekannten Themen und Marotten wiederholen, sondern mit überwältigender jugendlicher Verve, Neugierde und Freude am Entdecken und Ausprobieren filmischer Mittel und Erzähltechniken, die sie souverän beherrscht. Sie springt, ohne jemals den Überblick zu verlieren, zwischen den Zeiten und zwischen der Realität und Kafkas Gedanken bruchlos hin und her. Sie wechselt zwischen den Stilen. Von wackelnder Nouvelle-Vague-Kamera bis hin zu biederer TV-Dramaturgie ist alles drin.
Sie taucht in Kafkas Gedanken ein. Sie liefert aus Kafkas Leben und Psyche kommende Erklärungen für sein Werk. Was die Dialoge nicht mehr transportieren, zeigt Idan Weiss als Franz Kafka.
Das ist, vor allem wenn es zu sehr in Richtung TV-Konventionen geht, nicht immer gelungen, aber durchgehend interessant, zum Nachdenken anregend und immer wieder überraschend.
So hat „Franz K.“ alles, was ein gutes Biopic haben sollte. Nach dem Film weiß man mehr über Franz Kafka. Neben den nackten biographischen Daten, die man auch auf Wikipedia nachlesen kann, erfährt man viel über seine Beziehungen zu seinen Eltern und seinen Freunden, seine Gefühle, seine Sicht auf die Realität, wie er sie wahrnahm und künstlerisch verarbeitete. Nach dem Film kennt man nicht nur die biographischen Daten, sondern man hat einen Eindruck von Kafkas Gefühlen und Gedanken; man glaubt sogar, ihn zu verstehen und zu wissen, was ihn antrieb und inspirierte. Außerdem macht ihr Kafka-Film neugierig auf Kafkas schriftstellerisches Werk.
Aktuell ist „Franz K.“ in der Vorauswahl für den Europäischen Filmpreis und die polnische Einreichung für den Oscar als Bester Internationaler Film eingereicht.
Franz K. (Franz, Tschechien/Deutschland/Polen 2025)
Regie: Agnieszka Holland
Drehbuch: Marek Epstein, Agnieszka Holland
mit Idan Weiss, Peter Kurth, Katharina Stark, Sebastian Schwarz, Carol Schuler, Jenoféva Boková, Ivan Trojan, Sandra Korzeniak
Wir sind dann wohl die Angehörigen (Deutschland 2022)
Regie: Hans-Christian Schmid
Drehbuch: Michael Gutmann, Hans-Christian Schmid
LV: Johann Scheerer: Wir sind dann wohl die Angehörigen – Die Geschichte einer Entführung, 2018
Am 25. März 1996 wird Jan Philipp Reemtsma entführt. Zähe Verhandlungen mit den Entführern beginnen. Hans-Christian Schmid schildert in seinem Drama, basierend auf den Erinnerungen des damals dreizehnjährigen Reemtsma-Sohnes Johann Scheerer, die Geschichte dieser Entführung aus der Sicht der Familie. Spannend.
Nach einem in der Gegenwart spielendem Prolog, in dem Studierende während eines Anatomieseminars die Knochen von Josef Mengele gezeigt bekommen, springt Kirill Serebrennikov zurück in die fünfziger Jahre. In schönster Film-Noir-Manier und selbstverständlich in Schwarz-Weiß flüchtet ein Mann tagsüber durch Buenos Aires. Er fühlt sich verfolgt. Und wie wir ziemlich schnell erfahren, ist seine Sorge nicht vollkommen unberechtigt.
Seit 1949 lebt der Mann als Helmut Gregor in Südamerika. In Wirklichkeit ist es Josef Mengele. Mengele wurde 1911 in Günzburg an der Donau als ältester Sohn des vermögenden Fabrikbesitzers Karl Mengele geboren. Später studierte er Medizin und Anthropologie, war Assistent bei dem Rassenhygieniker Otmar von Verschuer und von Mai 1943 bis Januar 1945 Lagerarzt im KZ Auschwitz-Birkenau. Später wurde er als Todesengel und Monster von Auschwitz bekannt. Zum Mythos wurde er, weil er der Polizei immer wieder entkommen konnte und, auch in fiktionalen Geschichten, alle möglichen Geschichten über ihn verbreitet wurden. Rückblickend hatten sie nichts mit Mengeles Leben in Südamerika zu tun. Der Polizei konnte er über viele Jahre entkommen, weil sie sich nicht für ihn interessierte.
In seinem neuen Film „Das Verschwinden des Josef Mengel“ erzählt Kirill Serebrennikov, unterbrochen von einigen Rückblenden in das KZ Auschwitz, Josef Mengeles Leben in Südamerika und wie er zunehmend paranoid, isoliert und verbittert wird. Bis zu seinem Tod unterstützt ihm seine Familie finanziell. Weitere Unterstützung erhält er in Argentinien unter dem Diktator Perón von weiteren Nazis und einem breiten Netz von Sympathisanten. Serebrennikov zeigt – und das dürften die erschreckensten Szenen des Films sein – wie die Alt-Nazis in Argentinien unbehelligt von jeder Verfolgung und unter den Augen der Öffentlichkeit in ihren Villen ihr Nazitum ungehindert ausleben. Sie müssen sich nicht verstecken und tun es auch nicht.
Für Mengele ist Buenos Aires nur eine Station in Südamerika.
1977 besucht ihn sein Sohn Rolf in der Nähe von Sao Paulo. Er will mehr über seinen Vater erfahren und trifft einen einsamen, in einer heruntergekommenen Wohnung lebenden, verbitterten, die Welt hassenden Mann. Zwei Jahre später hat Mengele in dem brasilianischen Badeort Bertioga beim Schwimmen im Meer einen tödlichen Schlaganfall. Er wird unter falschem Namen beerdigt. 1985 bestätigt eine forensische Untersuchung die Identität von Mengele.
Diese Biographie eines verachtenswerten Mannes faszinierend vor allem in den Szenen, in denen Serebrennikov Mengeles Leben in den fünfziger Jahren in Argentinien und wie er 1956 kurz nach Deutschland zu seiner Familie zurückkehrt und seinen zwölfjährigen Sohn Rolf trifft, erzählt. Später wird „Das Verschwinden des Josef Mengele“ zunehmend zäh. Das gilt vor allem für seine Begegnung mit seinem Sohn 1977 in Sao Paulo. Sie zieht sich in sich wiederholenden Gesprächen endlos hin. Schon davor wird immer deutlicher, dass Mengele kein besonders interessanter oder komplexer Mensch ist. Er ist auch kein Mensch, für den man Mitleid oder Empathie empfinden könnte
Er ist ein Mitläufer, der nicht weiter nachdenkt, ein Rassist und ein Feigling, der nicht einsehen möchte, dass er grausame Verbrechen begangen hat. Er fühlt sich von allen ungericht behandelt. Dankbarkeit, bespielsweise gegenüber seiner ihn finanziell unterstützenden Familie, kennt er nicht. Er ist unfähig zur Reflektion über sich und seine Taten. Er wird zunehmend einsam und paranoid.
August Diehl, der Mengele kongenial spielt, sagt, Mengele „war einfach ein kleiner spießiger Arzt in einem Lager“.
Olivier Guez, der Autor der Romanvorlage, ergänzt im Presseheft: „Jeder andere Mensch, der im Film zu sehen ist, ist wertvoller. Denn er [Josef Mengele] ist unbelehrbar und komplett flach. Er verkörpert die Mediokrität des Bösen“.
Die Vorlage für Kirill Serebrennikovs Noir ist „Das Verschwinden des Josef Mengele“ von Olivier Guez. Guez schrieb auch das Drehbuch für Lars Kraumes „Der Staat gegen Fritz Bauer“. Sein Roman „Das Verschwinden des Josef Mengele“ ist ein Tatsachenroman, der ein strikt an den bekannten Fakten entlangerzählter Bericht ist. Guez reportiert einfach die Ereignisse nacheinander. Das Ergebnis ist eine angesichts des Materials eine erstaunlich dröge lexikalische Lektüre.
Dagegen ist Serebrennikovs etwas lang geratene Verfilmung als gnadenlose Demontage des Übermenschen ein spannender Noir mit satirischen Elementen, Wut auf Mengele, die Nazis und ihre Unterstützer und einem mitleidlosen Blick auf den gefürchteten Auschwitz-Arzt, der zunehmend zum lächerlichen Mann wird.
Das Verschwinden des Josef Mengele(Frankreich/Monaco/Deutschland/Mexiko/USA/Großbritannien/Serbien/Lettland 2025)
Regie: Kirill Serebrennikov
Drehbuch: Kirill Serebrennikov
LV: Olivier Guez: La disparition de Josef Mengele, 2017 (Das Verschwinden des Josef Mengele)
mit August Diehl, Max Bretschneider, David Ruland, Friederike Becht, Mirco Kreibich, Dana Herfurth, Karoly Hajdyk, Falk Rockstroh, Burghart Klaußner
Länge: 135 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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auch bekannt als „The Disappearance“ und „La disparition de Josef Mengele“
Die Fakten…früher, wenn ein neues Buch oder eine neue Schallplatte eines bewunderten Künstlers oder Band erschien, wusste man nichts über den Entstehungsprozess. Manchmal gab es vielleicht vereinzelte Interviews. Aber das Werk war die LP. Vierzig Minuten Musik. Auf B-Seiten von Singles und Maxis wurde vielleicht noch ein weiterer Song veröffentlicht. Aber das war’s. Ein Song. Eine Version.
Heute wissen wir oft viel mehr über die Entstehung der Werke. Es gibt lange Reportagen und dicke Bücher über die Entstehung wichtiger LPs. Es gibt umfassende Werkausgaben, die aus der ursprünglichen LP und mehreren Bonus-CDs bestehen. Die Box enthält unzählige Versionen der bekannten Stücke und Stücke, die damals nicht veröffentlicht wurden. Oft gibt es auch bislang nicht veröffentlichte Konzertmitschnitte. Wie sehr es diesen Blick in den Schaffensprozess des Künstlers wirklich braucht, muss hier jetzt nicht debattiert werden. Puristen können ja immer noch auf das ursprünglich veröffentlichte Werk zurückgreifen. Komplettisten werden die neue Ausgabe in ihr Regal stellen. Vielleicht gibt es neue Fans, die dann auch die anderen Werke des Künstlers kaufen. Und das die Entstehung einer LP umgebende Mysterium wird immer weiter enthüllt.
Ausgehend von dem Sachbuch „Deliver me from nowhere: The Making of Bruce Springsteen’s ‚Nebraska’“ liefert jetzt Scott Cooper in seinem neuen Film „Springsteen: Deliver me from nowhere“ einen solchen Blick hinter die Kulissen. Es geht um die Entstehung von Bruce Springsteens 1982 erschienener Solo-LP „Nebraska“. Sie erschien nachdem er und die E Street Band sich mit mehreren LPs und Live-Auftritten bereits einen guten Ruf erarbeitet hatten. Er war ein bekannter Musiker. Viele seiner immer noch beliebten Songs gehörten bereits zum Repertoire. Seine Plattenfirma würde gerne das nächste Hit-Album produzieren. Das lieferte Springsteen 1984 mit der LP „Born in the U. S. A.“. Sie machte ihn zum immer noch Stadien füllenden Superstar.
Seitdem Warren Zanes Sachbuch 2023 erschien, veröffentlichte Bruce Springsteen fleißig weiter Material aus seinem Archiv. Neben Mitschnitten von Auftritten und weiteren Versionen der Songs, die bereits veröffentlicht wurden, hat Springsteen kürzlich auch mehrere Alben veröffentlicht, die er in den vergangenen Jahrzehnten aus verschiedenen Gründen nicht veröffentlichte.
Zuletzt und pünktlich zum Filmstart erschien mit „Nebraska ’82: Expanded Edition“ eine aus fünf CDs bestehende Box, die die von der E Street Band gespielten elektrischen Versionen der Songs enthält, die Springsteen ursprünglich im Wohnzimmer als Demos für die neue LP von ihm und seiner Band aufnahm. Bislang verstaubten die Aufnahmen im Archiv.
Mit diesem Wissen würde Scott Cooper die Filmgeschichte vielleicht anders erzählen.
Vielleicht auch nicht. Denn in der jetzigen Fassung gefällt die klare Ausrichtung auf Bruce Springsteen (Jeremy Allen White) und die LP „Nebraska“. Alles, was nicht unmittelbar zur Entstehung gehört, wird ignoriert. Die legendäre E Street Band spielt in Coopers Drama keine nennenswerte Rolle. Das ganze Rock’n’Roll-Leben findet vor und nach dem Film statt.
In „Springsteen: Deliver me from nowhere“ geht es ausschließlich um Springsteens Schaffensprozess als Dichter (was nur im stillen Kämmerlein geschehen kann), seine Selbstzweifel (die er, mehr oder weniger offen, in seinen Songs dokumentiert) und wie er sich mit seiner Depression, seinen Gefühlen und seiner Kindheit, besonders seiner Beziehung zu seinem Vater, auseinandersetzt. Er denkt nach über sich, sein bisheriges und künftiges Leben. Er schreibt Songs, die später auf „Nebraska“ und „Born in the U. S. A.“ veröffentlicht werden. Cooper zeigt die unter Springsteen-Fans allgemein bekannten Inspirationen für die Songs.
Auch die Beziehung zu seinem Manager Jon Landau, der ihn bedingungslos unterstützt, ist wichtig. Mit ihm unterhält er sich über seine Pläne. Landau lässt später die klanglich schlechten Demo-Aufnahmen soweit polieren bis sie als LP veröffentlicht werden können und er überzeugt die Plattenfirma davon, dass Springsteen nach mehreren Rockmusik-LPs ein Homerecording-Folkalbum mit düsteren Songs veröffentlicht wird, das schon auf den ersten Blick ein unverkäufliches Liebhaberprojekt ist.
Dazwischen trifft Springsteen sich mit einer Kellnerin und ihrer Tochter. Sie ist eine auf mehreren Frauen, die Springsteen damals traf, basierende erfundene Figur, die auch gut in einen Springsteen-Song passen würde.
Das ist gut inszeniert, aber auch wenig mitreisend. Die meiste Zeit sehen wir einen Mann allein in einem Zimmer sitzen, vor sich hin brüten, nachdenklich in die Landschaft starren, komponieren und Demo-Versionen unzähliger neuer Songs einspielen. „Springsteen: Deliver me from nowhere“ ist die Huldigung des Künstlers als einsames Genie.
Springsteen: Deliver me from nowhere (Springsteen: Deliver me from nowhere, USA 2025)
Regie: Scott Cooper
Drehbuch: Scott Cooper
LV: Warren Zanes: Deliver Me from Nowhere: The Making of Bruce Springsteen’s „Nebraska“, 2023
mit Jeremy Allen White, Jeremy Strong, Paul Walter Hauser, Stephen Graham, Odessa Young, Gaby Hoffman, Marc Maron, David Krumholtz, Harrison Sloan Gilbertson, Metthew Pellicano Jr.
Spielfilmlange informative Doku über den allseits benutzten Plastikstuhl. Anfangs mehr Design- und Industriegeschichte, später vor allem ein Blick auf die Verwendung des Stuhls.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 