The World’s End (The World’s End, Großbritannien 2013)
Regie: Edgar Wright
Drehbuch: Simon Pegg, Edgar Wright
Zwanzig Jahre nachdem sie Newton Haven verlassen haben, kann Gary King seine alten Schulkumpels überzeugen, die damals vorzeitig abgebrochene Sauftour endlich zu beenden. Aber schon vor dem ersten Bier kommen ihnen die Dorfbewohner seltsam vor.
„The World’s End“ ist die neueste Komödie der Macher von „Shaun of the Dead“ und „Hot Fuzz“ und ist eigentlich ein Remake von „Shaun of the Dead“ mit zombiehaft angreifenden Aliens anstatt Zombies. Dazu gibt es etwas Midlife-Crisis-Komödie – und viele Anspielungen.
Der Film ist wie ein Pubbesuch mit einigen guten Freunden, plus einer grandiosen Methode, die Aliens zu besiegen, die eindeutig aus der „Dr. Who“-Schule stammt, und einem unpassendem Epilog, der ungefähr so witzig wie der Kater nach der Sauftour ist. Aber bis dahin…
Seitdem es Probleme mit dem Erhalt der Infomail zur monatlichen Bestenliste der Frankfurter Allgemeine und Deutschlandfunk Kultur gibt, kann die Liste schon einmal für einige Tage in Vergessenheit geraten. Daher etwas verspätet die Juli-Empfehlungen der Damen und Herren Krimikritiker:
1. Guillermo Martinez – Der Fall Alice im Wunderland (Plazierung im Vormonat: 4)
Aus dem Spanischen von Angelica Ammar. Eichborn, 320 Seiten, 16 Euro.
2. Hideo Yokoyama – 50 (Plazierung im Vormonat: /)
Aus dem Japanischen von Nora Bartels. Atrium, 352 Seiten, 22 Euro.
Aus dem Englischen von Laudan und Szelinski. Ariadne im Argument Verlag, 544 Seiten, 24 Euro.
4. Zoë Beck – Paradise City (Plazierung im Vormonat: /)
Suhrkamp, 288 Seiten 16 Euro.
5. Emma Viskic – No Sound – Die Stille des Todes (Plazierung im Vormonat: 2)
Aus dem Englischen von Ulrike Brauns. Piper, 286 Seiten, 15 Euro.
6. Angie Kim – Miracle Creek (Plazierung im Vormonat: /)
Aus dem Englischen von Marieke Heimburger. Hanserblau, 510 Seiten, 22 Euro.
7. Benjamin Whitmer – Flucht (Plazierung im Vormonat: /)
Aus dem Englischen von Alf Mayer. Polar, 408 Seiten, 22 Euro.
8. Philip Kerr – Trojanische Pferde (Plazierung im Vormonat: /)
Aus dem Englischen von Axel Merz. Wunderlich, 492 Seiten, 24 Euro.
9. Felix Weber – Staub zu Staub (Plazierung im Vormonat: /)
Aus dem Niederländischen von Simone Schroth. Penguin, 400 Seiten, 15 Euro.
10. Nicholas Shakespeare – Boomerang (Plazierung im Vormonat: 7)
Aus dem Englischen von Anette Grube. Hoffmann und Campe, 400 Seiten, 25 Euro.
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„Paradise City“ fand ich nicht so toll. Warum dürfte ich in einigen Tagen erklären. „Flucht“ und „Trojanische Pferde“ (der vorletzte Bernhard-Gunther-Roman des zu früh verstorbenen Philip Kerr) stehen auch auf meiner Zu-Lesen-Liste.
Im Moment lese ich Thomas Gallis „Weggesperrt – Warum Gefängnisse niemandem nützen“. Ein Sachbuch. Empfehlenswert und zum Nachdenken anregend.
Good Night, and Good Luck (Good Night, and Good Luck, USA 2005)
Regie: George Clooney
Drehbuch: George Clooney, Grant Heslov
In den Fünfzigern veranstaltet US-Senator Joseph McCarthy eine Hetzjagd gegen wenige Kommunisten und viele vermeintliche Kommunisten. 1954 beginnt CBS-Moderator Edward R. Murrow die Politik von McCarthy in seiner Sendung „See it now“ zu hinterfragen. Mit den von ihm präsentierten Reportagen und, später, von ihm gemachten Interviews mit McCarthy trug er zu dessen Sturz bei.
Böswillig gesagt ist “Good Night, and Good Luck” Schulfernsehen, bei dem zuerst die historischen Fakten vermittelt und anschließend die Botschaft hinausposaunt wird. Objektiv gesehen ist Clooneys Film gutes altmodisches Kino mit einer zeitlos aktuellen Botschaft über die Verantwortung der Medien (hier des Fernsehens). Denn selbstverständlich wurde der in dem Film geschilderte wahre Fall des TV-Moderators Edward R. Murrow gegen Senator Joseph McCarthy auch als Diagnose des Verhaltens der US-amerikanischen Medien vor dem Irak-Krieg gesehen und der historisch verbürgte Aufruf von Murrow an seine Kollegen am Ende des historisch genauen Films kritisch gegen die Machthaber zu sein, konnte 2005 nur tagespolitisch verstanden werden. – Und heute könnte Clooneys Film leicht wieder als Kommentar zur Tagespolitik verstanden werden.
Abgesehen davon ist „Good Night, and Good Luck“ mit seiner eleganten SW-Kamera (Robert Elswit, auch „Michael Clayton“, „There will be Blood“ und, uh, „James Bond – Der Morgen stirbt nie“), dem stimmungsvollen Soundtrack, den pointierten Dialogen und den guten Schauspielern einfach ein Fest für Filmfreunde.
Mit David Strathairn, George Clooney, Patricia Clarkson, Alex Borstein, Robert Downey Jr., Jeff Daniels, Ray Wise, Robert Knepper, Dianne Reeves, Frank Langella
Forscher haben das Mittel gefunden, um die Klimakatastrophe abzuwenden: sie verkleinern einfach die Menschen. Denn so ein zwölf Zentimeter großer Mensch verbraucht fast keine Idee mehr. Der von seinem Leben gefrustete Paul lässt sich verkleinern. Seine Frau macht in letzter Sekunde einen Rückzieher und Paul muss die Miniwelt allein erkunden und neue Freunde finden.
TV-Premiere. Vor dem Hintergrund der äußerst detailliert ausgemalten Welt der Winzlinge erzählt Alexander Payne eine liebevoll erzählte Liebesgeschichte voller liebenswerter Menschen. Ein herzerwärmender Film.
Die Geschichte spielt vor fünfzehn Jahren in Bridgewater, einer Kleinstadt im US-Bundesstaat New York. Aber sie könnte auch in der Gegenwart spielen. Oder vor dreißig, vierzig Jahren. Denn Bridgewater ist eine dieser Kleinstädte, in denen sich wenig ändert. Die Hauptpersonen sind fünf junge Männer, die sich schon seit Ewigkeiten kennen, aus der Arbeiterklasse sind und, außer einem ehrlichen Job und einer liebenden Familie, keine großen Träume haben. Es ist alles so, wie in den siebziger Jahren, als es noch viele Fabrikarbeiterjobs gab. Naja, und das ist ein kleiner Unterschied: damals wären sie und die Nebenfiguren in „Semper Fi“ wahrscheinlich alle weiße Männer gewesen. Ansonsten verkörpern sie fast schon prototypisch die Männer und die Welt, die Bruce Springsteen in seinen Songs besingt.
Im Mittelpunkt von Henry Alex Rubins Film stehen die Halbbrüder Callahan ‚Cal‘ (Jai Courtney) und Oyster (Nat Wolff). Cal ist Polizist, beliebt, regeltreu und verantwortungsbewusst. Sein jüngerer Halbbruder sucht noch seinen Weg. Er will später als Besitzer und Koch eines Imbisses Geld verdienen. Bis dahin gibt es noch einige Wochenenden, an denen er sich betrinken kann. Ihre Freunde Jaeger (Finn Wittrock), Milk (Beau Knapp) und Snowball (Arturo Castro) haben verschiedene Jobs, Beziehungen und auch Kinder.
Sie gehören alle auch zu einer Reserve-Einheit der Marine. Ihre Wochenenden verbringen sie bei militärischen Übungen, die sie weiter zusammenschweißen.
Eines Abends gerät Oyster in eine dieser Kneipenschlägereien, die mit zu viel Alkohol beginnen und über ein, zwei Fausthiebe zu einem blauen Auge und einer Platzwunde führen. Auf der Restaurant-Toilette schlägt er seinen Gegner, – eigentlich stößt er ihn auf der Toilette eher von sich weg – und er fällt so unglücklich, dass er tot ist. Voller Angst vor einer Haftstrafe flüchtet Oyster. Denn er wurde schon für zwei Verbrechen bestraft und jetzt droht ihm in jedem Fall eine besonders lange Haft.
Noch in der gleichen Nacht findet und verhaftet sein Bruder Cal ihn.
Acht Monate später sitzt Oyster im Gefängnis. Er hat mit 25 Jahren eine auch aus Sicht seiner Freunde und Bekannten unverhältnismäßig hohe Strafe für einen tödlichen Unfall unter Alkoholeinfluss erhalten. Sein Bruder und die von ihm geführte Reservisteneinheit sind im Irak, wo sie Hilfstätigkeiten ausführen.
In der ersten halben Stunde von „Semper Fi“ und damit vor der tödlichen Schlägerei, konzentriert Rubin sich auf die Freundschaft zwischen den Kleinstadtjungs. Im zweiten Akt erzählt er, was mit ihnen allen danach geschieht. Die Frage, ob Cals Loyalität seiner Familie oder dem Staat gilt, wird kaum weiterverfolgt. Anstatt nach Drehbuchregeln eine Frage, ein Dilemma, zu behandeln, weicht „Semper Fi“ in das episch-breit beschreibende aus. In einem Roman funktioniert das gut. In einem Film führt das eher zu einer gewissen Bräsigkeit. Denn bei vielen Szenen ist nicht zu erkennen, wie sie die Hauptgeschichte voranbringen.
Im dritten Akt will Cal dann seinen Bruder aus dem Gefängnis befreien. In diesem Moment wird „Semper Fi“ unvermittelt zu einem Thriller mit viel Suspense.
Alle drei Teile kompetent inszeniert. Aber insgesamt lässt der Film einen etwas unbeteiligt zurück. Er weiß nicht, was er will. Er schwankt zwischen den Stilen, trifft einige interessante erzählerische Entscheidungen, vermeidet aber Zuspitzungen und bleibt unter seinem Potential. Und zwar wegen der von Rubin getroffenen Entscheidungen, die halt dazu führen, dass Cals Dilemma immer wieder an den Rand geschoben wird zugunsten des Erzählens über das Leben der Kleinstadtjungs und ihren alltäglichen Sorgen. Diese Reportieren ist dann nicht auf ein bestimmtes Ziel fokussiert, sondern ein aus objektiver, gottgleicher Perspektive erzählter Bericht.
Im dritten Akt, wenn Cal seinen Bruder aus dem Gefängnis befreien will, ändert sich das. Die Jungs halten immer noch zusammen. Aber jetzt wollen sie ein Verbrechen begehen.
„Semper Fi“ ist einer der Filme, bei denen man sich fragt, warum man ihn im Kino sehen sollte, dann aber, wenn er im Fernsehen läuft, dran bleibt.
Henry Alex Rubin drehte vorher das unbekannte, aber sehenswerten Ensembledrama „Disconnect“ (Disconnect, USA 2012).
Semper Fi(Semper Fi, USA/Großbritannien 2019)
Regie: Henry Alex Rubin
Drehbuch: Henry Alex Rubin, Sean Mullin
mit Jai Courtney, Nat Wolff, Finn Wittrock, Beau Knapp, Arturo Castro, Leighton Meester
45 Tage hat David Zeit, um in einem Paarungshotel seine künftige Frau zu finden. Wenn nicht, wird er in einen Hummer verwandelt. Als er kein Glück hat, flieht er und trifft im Wald auf eine Gruppe radikaler Einzelgänger, die mindestens genauso streng-absurde Regeln befolgen.
Köstliche Satire, die in Cannes den Preis der Jury erhielt.
mit Colin Farrell, Rachel Weisz, John C. Reilly, Léa Seydoux, Ben Whishaw, Olivia Colman, Jessica Barden
Mike Figgis, der Regisseur von „Stormy Monday“, „Internal Affairs“ und, seinem bekanntesten Film, „Leaving Las Vegas“, wollte keine normale Doku über Ronnie Wood drehen. Also kein chronologischer Gang durch das Leben des Porträtierten. Keine Ansammlung sprechender Köpfe, die mehr oder weniger gute Dinge über den Porträtierten erzählen. Kein teils peinlich intimes Ausleuchten privater Details. Keine kritische Bestandsaufnahme des Lebens des Porträtierten. Und keine Interviews mit dem Porträtierten, in denen er, mehr oder weniger hartnäckig, über sein Leben ausgefragt wird.
Das gibt es schon auch in „Ronnie Wood – Somebody up there likes me“. Aber nur in homöopathischen Dosen.
Ronnie Wood, manchmal auch Ron Wood, ist heute vor allem als Mitglied der Rolling Stones bekannt. Im Gegensatz zu den Bandgründern spielt der Gitarrist erst seit 1975 in der Band mit. Offizielles Bandmitglied wurde er 1993. Vor seinem Engagement bei den Stones spielte er in in der Jeff Beck Group, den Faces und in der Band von Rod Stewart.
Neben den „Rolling Stones“-Platten veröffentlichte er mehrere Platten unter seinem Namen und er verwirklicht sich als Maler. Wood war Schüler der Londoner Kunstschule Ealing Art College.
Figgis beobachtet ihn in „Ronnie Wood – Somebody up there likes me“ ausführlich beim Zeichnen. Dazu gibt es Konzertausschnitte, eher kurze Statements von Freunden, früheren und aktuellen Bandkollegen und ausführliche Gesprächsbeiträge von Ronnie Wood, der über sein Leben redet.
Das Ergebnis ist ein von Sympathie getragener, nie sonderlich in die Tiefe gehender oder auch nur ansatzweise kritischer Dokumentarfilm. Damit ist „Ronnie Wood – Somebody ut there likes me“ vor allem für Fans des sympathisch vor sich hin erzählenden Musikers und der stadionrockenden Bluescombo „The Rolling Stones“ interessant.
Die dürfen sich auch auf die neue Platte der Rolling Stones freuen. Sie soll dieses Jahr erscheinen. Und sie soll aus neuen Songs bestehen. Das haben jedenfalls Mick Jagger und Keith Richards vor wenigen Wochen in einem Interview gesagt. Ihre letzte Studio-CD „Blue & Lonesome“ erschien vor vier Jahren und sie enthielt nur Blues-Cover.
Ronnie Wood – Somebody up there likes me (Somebody up there likes me, Großbritannien 2019)
Regie: Mike Figgis
Drehbuch: Mike Figgis
mit Ronnie Wood, Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Damien Hirst, Rod Stewart, Imelda May, Sally Wood
The Company You Keep – Die Akte Grant (The Company you keep, USA 2013)
Regie: Robert Redford
Drehbuch: Lem Dobbs
LV: Neil Gordon: The Company you keep, 2003
Nachdem eine Weathermen-Kampfgefährtin verhaftet wird und ein neugieriger Jungspund-Journalist seine vierzig Jahre zurückliegende terroristische Vergangenheit enthüllt, taucht der angesehene Bürgerrechtsanwalt Jim Grant unter. Um, wie der Journalist vermutet, seine Unschuld zu beweisen.
Spannender, im positiven Sinn altmodischer, vor allem auf die Dialoge setzender Polit-Thriller, bei dem der Polit-Teil eher eine Beigabe ist und die vielen bekannten Gesichter, denen Robert Redford (als Grant) auf seiner Flucht vor dem FBI begegnet, erfreuen zuerst das Auge des gestandenen Kinofans und sorgen dann für eine angenehme Verunsicherung. Denn bei diesem All-Star-Ensemble ist schnell vollkommen unklar, wer nur einen kurzen Gastauftritt hat und wer nicht.
mit Robert Redford, Shia LaBeouf, Julie Christie, Susan Sarandon, Nick Nolte, Terrence Howard, Anna Kendrick, Stanley Tucci, Chris Cooper, Richard Jenkins, Brendan Gleeson, Brit Marling, Sam Elliott, Stephen Root, Jackie Evancho
2007: Corine Sombrun (Cécile de France) ist kaum in der Lage, ihre Arbeit als Toningenieurin zu tun. Zu sehr hadert sie noch mit dem Tod ihres Mannes. Um sie abzulenken, gibt ihr Chef ihr einen einfachen Auftrag: sie soll für einen Dokumentarfilmreihe über Formen der Spiritualität atmosphärische Hintergrundgeräusche aufnehmen. Corine macht sich auf den Weg in die Mongolei, um dort das ländliche Leben und Gesänge der Schamanen aufnehmen.
Bei einer Geisterbeschwörung gerät sie in einen Trancezustand. Danach eröffnet die Schamanin Oyun ihr, dass sie eine sehr seltene Gabe habe und als Schamanin ausgebildet werden müsse.
Corine hält das selbstverständlich für ausgemachten Quatsch. Aber zurück in Paris lassen sie die Erlebnisse in der Mongolei nicht los.
Sie kehrt zurück in die Mongolei. Um sich als Schamanin ausbilden zu lassen. Und um wieder mit ihrem Mann in Kontakt zu treten. Denn als Schamanin kann sie mit den Toten reden.
Wie die Geschichte ausgeht ist bekannt. Denn Corine Sombrun schrieb anschließend das Buch „Mon initiation chez les chamanes“ (Mein Leben als Schamanin) darüber, das jetzt frei verfilmt wurde. Der unbefangene Zuschauer wird darüber und was nach der im Film gezeigten Ausbildung zur Schamanin geschah, erst am Ende informiert. Dabei macht es schon einen Unterschied, ob man „Eine größere Welt“ primär als erfundenes Drama oder als Biopic sieht; – wobei ein Biopic natürlich auch und in erster Linie als Drama funktionieren muss. Sonst hätten die Macher einen Dokumentarfilm machen können.
Im Fall von „Eine größere Welt“ entschieden Regisseurin Fabienne Berthaud und ihre Co-Autoren Claire Barré sich dafür, Corine Sombruns Geschichte vor allem als Selbstfindungsdrama mit Schamanen-Beigabe zu erzählen. Im Mittelpunkt steht Corines Wunsch, noch einmal ihren Mann zu treffen. Mit schamanischen Praktiken könnte es ihr gelingen. Und wenn sie dafür zu einer Schamanin werden muss, dann ist es so.
Das angenehme an diesem Blickwinkel ist, dass das Schamanentum und schamanische Praktiken nur ein Mittel zum Zweck sind. Der ganze religiös-esoterische Schwurbel, der mit dem Thema verbunden ist und zu oft unerträglich predigenden Filmen führt, bleibt damit eine Nebensache.
Trotzdem setzt sich „Eine größere Welt“ ziemlich unbekümmert zwischen die Stühle, indem verschiedene, sich eigentlich ausschließende Erklärungen und Interpretationen der Welt gleichberechtigt nebeneinander gestellt werden. Berthaud favorisiert über weite Strecken die psychologische Erklärung, in der Corine das Schamanentum benutzt, um an ihr Ziel (eine Begegnung mit ihrem Mann) zu kommen. Die religiöse Erklärung, dass das Schamanentum ein Brauch ist, der wirklich und wahrhaftig Gespräche mit Geistern eröffnet, wird später wichtiger. Und am Ende, im Abspann, wenn Berthaud uns darüber informiert, dass Corinne nach ihrer Ausbildung als Schamanin sich mit Wissenschaftlern zusammentat, um herauszufinden, was während schamanischer Riten im Kopf geschieht, gibt es die wissenschaftlich-rationale Erklärung. Sombrun initiierte die erste wissenschaftliche Studie über Trancezustände mongolischer Schamane und ein Forschungsprogramm, das sich mit selbstinduzierter, kontrollierter Trance beschäftigt. Inzwischen wird überlegt Trancezustände in der Psychiatrie als Behandlungsmethode einzusetzen. Diese wissenschaftliche Erklärung versperrt – gottseidank! in letzter Minute – die religiös-esoterische Erklärung, wie wir sie aus Faith-based-Movies kennen. Allerdings wurde diese Erklärung im vorherigen Film nicht vorbereitet. Zwar geht Corine nach ihrer ersten Reise in die Mongolei zu einem Arzt und lässt sich auch ausführlich untersuchen, aber die verschriebenen Tabletten nimmt sie nicht ein. In den Momenten wird sogar eine anti-wissenschaftliche Interpretation, also dass es keine rationale, sondern nur eine mythische Erklärung für das Schamanentum gibt, nahegelegt. Und Corinne ist keine Wissenschaftlerin, sondern eine Frau, die als Toningenieurin im Musik- und Kunstbereich arbeitet. Entsprechend unvermittelt kommen die Informationen über die von ihr initiierten medizinischen Forschungen.
„Eine größere Welt“ ist ein leicht sperriges Selbstfindungsdrama mit einer gewohnt überzeugenden Cécile de France und, wenn der Film im ersten und letzten Drittel in der Mongolei ist, schönen Landschaftsaufnahmen. Dafür fuhren Fabienne Berthaud und ihr Team, wie Jahre vorher Corine Sombrun, in die Mongolei.
Eine größere Welt (Un monde plus grand, Frankreich/Belgien 2019)
Regie: Fabienne Berthaud
Drehbuch: Fabienne Berthaud, Claire Barré
LV: Corine Sombrun: Mon initiation chez les chamanes, 2004 (Mein Leben mit den Schamanen)
mit Cécile de France, Narantsetseg Dash, Tserendarizav Dashnyam, Ludivine Sagnier, Arieh Worthalter, Steven Laureys, Catherine Saleé
Unheimliche Begegnung der dritten Art (Close Encounters of the third kind, USA 1977)
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: Steven Spielberg
Unglaublich: Anscheinend sind Außerirdische auf der Erde gelandet und sie sind überhaupt nicht böse. Jedenfalls interpretiert Normalbürger Roy Neary die Zeichen so und er macht sich auf die Suche nach ihnen.
Inzwischen ein Science-Fiction-Klassiker.
mit Richard Dreyfuss, Francois Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon, Bob Balaban, Lance Henriksen
LV: John Ridley: Stray Dogs, 1997 (später dann als „U-Turn“ publiziert)
Auf der Flucht vor Gläubigern bleibt Bobby Coopers 64er Mustang mitten in der Wüste liegen. Während in einer Werkstatt sein Auto repariert wird, trifft er die verheiratete Grace und seine wirklichen Probleme beginnen erst jetzt. Denn Grace will ihrem Mann Jake umbringen, Jake will Grace umbringen und beide wollen sich – gegen Bares – von Bobby helfen lassen.
Grandioses Romandebüt für die Noir-Gemeinschaft, fast grandioser Film. Denn Stones „Natural Born Killers“-Stil nervt.
Ennio Morricone schrieb die Musik.
Mit Sean Penn, Jennifer Lopez, Nick Nolte, Joaquin Phoenix, Powers Boothe, Billy Bob Thornton, Jon Voight, Claire Danes, Liv Tyler, Bo Hopkins
Ein Gauner & Gentleman (The old man & the gun, USA 2018)
Regie: David Lowery
Drehbuch: David Lowery
LV: David Grann: The Old Man and the Gun (Reportage, The New Yorker, 27. Januar 2003)
TV-Premiere. Wunderschön entspannte Schnurre über den Berufsverbrecher Forrest Tucker (Robert Redford), der 1981 nach eine Banküberfall Jewel (Sissy Spacek) trifft. Er beginnt mit der nichtsahnenden Witwe eine Beziehung, während er mit seinen Kumpels schon den nächsten Banküberfall plant.
David Lowery erzählt seine äußerst gelungene Mischung aus Liebes- und Gangsterfilm mit viel Retro-Charme als nostalgische, tiefenentspannte Abschiedsvorstellung, die noch einmal die gute alte Zeit feiert, als schlitzohrige Berufsverbrecher auch Gentleman sein konnten. Ein Film für große und kleine Lagerfeuer.
Brian Sweeney ‚Fitzcarraldo‘ Fitzgerald (Klaus Kinski) ist fassungslos: mitten im Urwald von Peru gibt es um 1900 kein Opernhaus. Das will er ändern. Auch wenn es nicht einfach ist.
Werner Herzogs bekanntester Film und, in jedem Fall, auch einer seiner besten Filme: ein großes und großartiges Dschungelepos. Gedreht vor Ort, mit seinem Lieblingsdarsteller Klaus Kinski und ohne Spezialeffekte und CGI (die gab es damals noch nicht).
mit Klaus Kinski, Claudia Cardinale, José Lewgoy, Miguel Angel Fuentes, Paul Hittscher
Mit dem Känguru verabschiedete das Kino sich in die Corona-Auszeit. Mit Undine wird diese Zwangspause, unter Einhaltung der Abstandsregeln, beendet und wenn die Infektionszahlen in Deutschland so bleiben, wie sie im Moment sind, können die Kinos in den kommenden Wochen und Monaten geöffnet bleiben. Möglicherweise werden die Regeln demnächst sogar gelockert und Kinos (und auch Theater und bestuhlte Konzertsäle) nähern sich langsam wieder einem normaleren Betrieb. Denn die aktuellen Abstandsregeln hier in Berlin – jede zweite Reihe bleibt leer, zwischen den Gästen sind immer mindestens zwei Plätze frei – ermöglichen keinen gewinnbringenden, sondern, sogar unter den allergünstigsten Bedingungen nur einen nicht zu verlustreichen Betrieb. Aktuell rechnen alle Kinobetreiber, die sich in den Medien äußerten und mit denen ich mich unterhalten habe, mit einer Höchstauslastung zwischen zwanzig und dreißig Prozent. Wenn in der Hauptstadt der Singles für eine Vorstellung nur abstandsbewusste Singles Eintrittskarten kaufen, sitzen natürlich noch weniger zahlende Zuschauer im Kino.
In diesem Umfeld startet Christian Petzolds neuer Film „Undine“, in dem er den Mythos der Wasserfrau Undine in die Gegenwart und, jedenfalls zu einem großen Teil, nach Berlin, einer Stadt mit einem sehr feuchten Untergrund und vielen Flüssen, verlegt.
Petzolds Undine (Paula Beer) ist eine typische junge Großstadtfrau. Sie lebt allein in einem anonymen Apartment und erklärt als Stadthistorikerin (per Honorarvertrag) in der Senatsstelle für Stadtentwicklung an Miniaturmodellen Berlin-Besuchern die Baugeschichte Berlins. Ihrem letzten Freund hat sie gerade, nachdem er sie für eine andere Frau verlassen hat, Himmel und Hölle an den Hals gewünscht.
Kurz darauf trifft sie den Industrietaucher Christoph (Franz Rogowski), ein riesiges Aquarium in einem Restaurant zerbirst und die altbekannte Geschichte von Undine beschreitet über und unter Wasser zwischen Berlin und einem Staudamm in der Nähe von Köln neue Wege. In dem Stausee soll auch ein riesiger Wels leben, der sich in einem der gefluteten Gebäude und Höhlen versteckt.
Auf der Berlinale wurde „Undine“ abgefeiert. Paula Beer erhielt für ihr Spiel einen Silbernen Bären. Und „Undine“ hat auch alles, was man von einem Petzold-Film erwarten kann. Das Drehbuch verknüpft geschickt mehrere Bedeutungsebenen und Interpretationsfolien miteinander. In diesem Fall trifft die mythische Welt des Märchens auf den prosaischen Großstadtalltag der Twenty/Thirty-Somethings.
Undine ist in der Mythologie die Wasserfrau, die zum Mann kommt, der unglücklich verliebt ist. Sobald der Mann sie verrät, muss er sterben. Er ertrinkt in einer Wasserblase. Und Undine muss zurück ins Wasser. Petzold ließ sich bei seiner Interpretation des Undine-Mythos von Peter von Matts „Liebesverrat“ (in dem es ein Kapitel über den Undine-Mythos gibt) und Ingeborg Bachmanns Erzählung „Undine geht“ inspirieren. Bachmann erzählt in ihrer Neuinterpretation die Geschichte von Undine aus Undines Sicht und bei Bachmann sind die Männer niemals treu, weil sie sich nur selber lieben. Petzolds Undine versucht ihr Schicksal in die eigenen Hände zu nehmen. Sie will nicht wieder zurück in das Wasser.
Im Film gibt es klug platzierte Zitate. Schließlich ist Petzold ein stilbewusster Regisseur, der die Filmgeschichte kennt. Die Schauspieler sind gewohnt gut. Die Inszenierung ebenso. Da gibt es nichts zu mäkeln.
Aber mich hat die Geschichte von Undine vollkommen kalt und desinteressiert zurückgelassen. Das Liebesdrama berührte mich nicht. Weder im Positiven, noch im Negativen – und dabei haben mir Petzolds frühere Filme ausnahmslos gut gefallen.
Das ändert nichts daran, dass „Undine“ sehenswert ist. Es ist halt nur kein Film für mich.
Undine(Deutschland/Frankreich 2020)
Regie: Christian Petzold
Drehbuch: Christian Petzold
mit Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz, Anne Ratte-Polle, Rafael Stachowiak
71 nach Christus: Spartacus führt einen Sklavenaufstand gegen die Römer an – und Stanley Kubrick inszenierte (nachdem Produzent und Hauptdarsteller Kirk Douglas Regisseur Anthony Mann gefeuert hatte) einen der wenigen genießbaren Monumentalfilme.
mit Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, John Gavin, Tony Curtis, Nina Foch, John Ireland, Herbert Lom, John Dall, Woody Strode
Die ersten Minuten von „Suicide Tourist“ machen neugierig. Der äußert bieder und durchschnittlich wirkende Versicherungsagent Max Isaksen (Nikokaj Coster-Waldau) spricht in eine Videokamera und kündigt seinen nahen Tod an. Die folgenden Minuten, wenn Regisseur Jonas Alexander Arnby zwischen verschiedenen Zeitebenen hin und herspringt und einige Fährten auslegt, steigern diese Neugierde auf den Fortgang der Geschichte.
Wenn man die Geschichte dann, und ohne das Ende zu verraten, in eine rudimentäre chronologische Ordnung bringt, wird es recht banal. Max ist unheilbar erkrankt. In den nächsten Monaten wird der Tumor in seinem Gehirn seine Persönlichkeit radikal verändern. Später wird er daran sterben. Max will seine Frau Lærke nicht mit seiner Leidensgeschichte belasten. Im Zusammenhang mit einem seiner Versicherungsfälle erfährt er vom Hotel Aurora und seiner besonderen Dienstleistung. Diese ist, das wird im Film nahe gelegt, mindestens im legalen Graubereich, falls nicht sogar illegal. Die Betreiber des abgelegenen Luxusressort helfen ihren Gästen beim Suizid.
Wenn ein Kunde mit dem Hotel Aurora einen Vertrag über einen begleiteten Suizid abschließt, gibt es auch eine seltsame Klausel, die dem Kunden einen Rücktritt verweigert. Der Vertrag wird in jedem Fall erfüllt.
Gestandene Thrillerfans vermuten in dem Moment schon das Schlimmste. Denn warum sollte jemand, der unbedingt sterben möchte und dafür ein einsam gelegenes Hotel aufsucht, nicht mehr sterben wollen? Und warum sollte Max, der an einer tödlichen Krankheit leidet, seine Meinung ändern wollen?
Regisseur Arnby deutet während des Films immer wieder an, dass die Hotelbetreiber ihre Kunden regelmäßig gegen ihren Willen töten. Diese Andeutungen führen am Ende nicht zur Aufdeckung einer großen Verschwörung. Sie zeigen, wie Max in dem Moment die Welt wahrnimmt.
In seinem meditativ erzähltem Film „Suicide Tourist“ setzt sich „When Animals dream“-Regisseur Jonas Alexander Arnby unglücklich zwischen die Stühle. Sein Film ist kein Thriller (und will es auch nicht sein), kein Horrorfilm und auch kein Drama über die Probleme der umstrittenen kommerziellen Suizidbeihilfe. Sie dient hier nur als Aufhänger für eine reichlich dröge und, aufgrund seiner Struktur, äußerst umständlich erzählte Geschichte eines introvertierten Mannes, der sich, nach der tödlichen Diagnose, fragt, ob sein Leben noch einen Sinn hat. Nach neunzig Minuten und einer enttäuschenden Pointe wissen wir es.
Mit friedlichen Protestmärschen will Dr. Martin Luther King 1965 in Selma, Alabama, für das allgemeine Wahlrecht kämpfen. Denn dort ist die Diskriminierung der Afroamerikaner besonders deutlich. Und dort eskaliert die Situation in auch von King ungeahnter Weise. Ein Diakon wird von Weißen erschlagen. Auf der Edmund Pettus Bridge werden die friedlich Demonstrierenden mit Tränengas und nackter Gewalt zurückgedrängt. Die Bilder wurden im Fernsehen ausgestrahlt. An dem Abend schlagen Klu-Klux-Klan-Mitglieder drei weiße Geistliche zusammen. Einer stirbt an den Verletzungen.
Der dritte Versuch, friedlich von Selma nach Montgomery, der Hauptstadt von Alabama, zu marschieren wird dann zwischen dem 21. und 25. März 1965 zu einem Triumphzug für die Bürgerrechtsbewegung.
Das grandiose und wichtige Drama/Biopic „Selma“ setzt King und seinen Mitkämpfern ein würdiges Denkmal. DuVernays Film wurde von der Kritik abgefeiert und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet.
mit David Oyelowo, Tom Wilkinson, Tim Roth, Cuba Gooding Jr., Alessandro Nivola, Carmen Ejogo, Lorraine Toussaint, Ophrah Winfrey, Tessa Thompson, Giovanni Ribisi, Common, Dylan Baker, Wendell Pierce, Stan Houston
Scarface – Toni, das Narbengesicht (Scarface, USA 1983)
Regie: Brian De Palma
Drehbuch: Oliver Stone
LV: Armitage Trail: Scarface, 1930 (Scarface)
Buch zum Film: Paul Monette: Scarface, 1983 (Scarface – Der Mann mit der Narbe)
De Palma aktualisierte „Scarface“, die Geschichte vom Aufstieg und Fall eines Gangsters, und schuf ein packendes Sittengemälde des Verbrechens in Florida in den frühen Achtzigern.
Damals wurde die Sprache („Fuck“) und die Brutalität kritisiert. Heute wäre es die grauenhafte, altmodische Disco-Musik von Giorgio Moroder. Ansonsten ist „Scarface“ in der ungekürzten Fassung inzwischen einer der Klassiker des Gangsterfilms.
Mit Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastrantonio, Robert Loggia, F. Murray Abraham
Vor über fünfzig Jahren begegneten sich ein Mann und eine Frau. Heute sind sie älter und Claude Lelouch erzählt, wie Jean-Louis Duroc und Anne Gauthier jetzt leben, was sie in den vergangenen Jahrzehnten taten und wie sie sich an diese Begegnung, die Lelouch 1966 in seinem Film „Ein Mann und eine Frau“ erzählte, erinnern. Der Liebesfilm, mit Jean-Louis Trintignant und Anouk Aimée in den Hauptrollen, war damals ein Kassenerfolg. Die ins Ohr gehenden Chansons von Francis Lai halfen. Die Story ist reinster Kitsch. Aber die Idee, dass der Mann und die Frau verwitwet sind und alleine ihr Kind, ein Junge und ein Mädchen, groß ziehen müssen, verlieh der Geschichte einen neuen und sehr zeitgemäßen Touch. Die Machart, es wurde schnell und mit einem geringen Budget gedreht, sorgte für Authentizität. Heute gilt das Liebesdrama als Nouvelle-Vague-Klassiker; – wobei bei dieser Labelung ein sehr weiter Begriff von Nouvelle Vague benutzt wird.
Vor über dreißig Jahren drehte Lelouch, wieder mit Trintignant und Aimée, die Fortsetzung „Ein Mann und eine Frau: Zwanzig Jahre später“ (Un homme et une femme, Frankreich/USA 1986), die den Erfolg des ersten Films nicht wiederholen konnte und die, soweit ich es überblicke, für den dritten Film mit dem Traumpaar Aimée/Trintignant ignoriert wurde.
Der frühere Rennfahrer Jean-Louis Duroc lebt inzwischen in einem Altersheim und ist mit den normalen Gebrechen des Alters geschlagen. Die Beine machen nicht mehr mit. Das Gedächtnis ebenso. Dafür erinnert er sich umso lieber an seine Vergangenheit, vor allem an die Begegnung mit dem Skriptgirl Anne Gauthier und ihre kurze, aber unglückliche Beziehung.
Deshalb besucht sein Sohn Antoine die immer noch überaus agile Anne. Sie lebt in der Normandie, führt einen kleinen Laden und ist Großmutter. Antoine hofft, dass eine neuerliche Begegnung mit Anne eine positive Auswirkung auf den Zustand seines Vaters hat.
Anne besucht Jean-Louis in der mondänen Seniorenresidenz. Beim Anblick seiner verflossenen großen Liebe beginnt er aufzublühen. Er erzählt dieser Frau, die ihn an Anne erinnert, von Anne.
Wie schon in „Ein Mann und eine Frau“ bestand das Drehbuch für „Die schönsten Jahre eines Lebens“ nur aus wenigen Seiten. Wieder wurde sehr schnell gedreht (laut Lelouch dauerten die Dreharbeiten 13 Tagen) und beim Dreh wurde viel improvisiert. Im Schneideraum destillierte Lelouch dann aus dem Material den Film, der vor allem von seiner Stimmung lebt.
Denn „Die schönsten Jahre eines Lebens“ ist ein Erinnerungsfilm. Anne und Jean-Louis sind von ihrer Vergangenheit, den wenigen Tagen, die sie damals zusammen verbrachten, umstellt. Sie reden darüber. Langsam, tastend, immer in Andeutungen, die es ihnen ermöglichen, sich zurückzuziehen. Das ist, vor allem in der ersten, 19 Minuten dauernden Begegnung zwischen Jean-Louis und Anne im Park des Seniorenheims, große Schauspielkunst. Trintignant und Aimée führen ein spontan klingendes, aber in diesem Fall aufgeschriebenes und von Lelouch während des Drehs gesteuertes Gespräch, das präzise die Struktur von Erinnerungen erfasst.
Später besuchen Anne und Jean-Louis wieder die Orte, an denen sie vor über fünfzig Jahren waren. Die Vergangenheit durchdringt dabei immer wieder die Gegenwart. Mal subtil, mal eindeutig, wenn Jean-Louis vor einem Hotel sein damaliges Auto sieht.
Dazu zeigt Lelouch minutenlang Bilder aus „Ein Mann und eine Frau“ und aus seinem neunminütigem Kurzfilm „C’était un rendez-vous“ (1976). Die Bilder des Kurzfilms zeigen jetzt, wie Jean-Louis (in Wirklichkeit war Lelouch der Fahrer) durch das frühmorgendliche Paris rast und alle roten Ampeln ignoriert, um rechtzeitig am Bahnhof anzukommen, um Anne seine Liebe zu gestehen. Auch über diese teils farbentsättigten, teils schwarzweißen Bilder reden sie. Oder es ertönen Chansons, die bis zur letzten Minute ausgespielt werden und teilweise schon aus „Ein Mann und eine Frau“ bekannt sind.
Lelouch verwebt diese Erinnerungen mit zwei Interviews mit Anne und Fantasien von Jean-Louis, der sie als Bonnie und Clyde Polizisten töten und Tankstellen überfallen sieht. Ihr Fluchtfahrzeug ist dabei eine Ente, die aber, wenn Jean-Louis sie fährt, mindestens hundert Stundenkilometer fährt.
Lelouch zeichnet sehr genau die Struktur von Erinnerungen, das Irrlichtern zwischen Gegenwart, Vergangenheit und Tagträumen nach. Jean-Louis Trintignant und Anouk Aimée spielen sich wie ein altes Ehepaar die Bälle zu. Die Chansons und die Bilder aus „Ein Mann und eine Frau“ (den man nicht gesehen haben muss, um „Die schönsten Jahre eines Lebens“ zu genießen, ich würde sogar behaupten, nicht gesehen haben sollte, weil „Die schönsten Jahre eines Lebens“ nicht wie eine Fortsetzung von „Ein Mann und eine Frau“, sondern wie ein Palimpset funktioniert.) wecken wohlige Erinnerungen an die Vergangenheit. Es geht um Stimmungen, Bilder, Gedanken und das endlose Umkreisen und Verweilen in einem Moment.
Die schönsten Jahre eines Lebens (Les plus belles années d’une vie, Frankreich 2019)
Regie: Claude Lelouch
Drehbuch: Claude Lelouch, Valérie Perrin, Pierre Uytterhoeven
mit Anouk Aimée, Jean-Lous Trintignant, Souad Amidou, Antoine Sire, Marianne Denicourt, Monica Belluci, Tess Lauvergne, Vincent Vinel
Länge: 90 Minuten
FSK: ab 6 Jahre (empfohlen allerdings eher ab 60 Jahre, denn mit 66 fängt das Leben an und, wie Victor Hugo sagte: „Die besten Jahre eines Lebens sind all jene, die man noch nicht gelegt hat.“)
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 