Drehbuch: Andrew Kevin Walker (nach einer Filmgeschichte von Kevin Yagher und Andrew Kevin Walker)
LV (Inspiration): Washington Irving: The Legend of Sleepy Hollow, 1820 (Die Sage von der schläfrigen Schlucht)
1799 soll Constable Ichabod Crane, ein Rationalist vor dem Herrn, in einem kleinen Dorf in der Nähe von New York mehrere Morde aufklären. Die Einheimischen behaupten, die Morde wurden von einem kopflosen Reiter begangen.
Schöner Horrorfilm von Tim Burton.
Hier zwei zeitgenössische Kritiken:
„Die perfekte Mischung aus haarsträubendem Grauen und schwarzem Humor, eine bis ins Detail perfektionistische Umsetzung und eine sichere Hand bei der Führung eines herausragenden Darstellerensembles machen aus ‚Sleepy Hollow‘ eine der ausgereiftesten Regiearbeiten Tim Burtons.“ (Steffen Heinke, Filmecho-Filmwoche)
„ein freudianisches Disneyland erschüttert vom Grand Guignol“ (Mariam Lau, Die Welt)
Die Musik ist von Danny Elfman; die Bilder sind von Emmanuel Lubezki.
mit Johnny Depp, Christina Ricci, Miranda Richardson, Michael Gambon, Casper Van Diem, Jeffrey Jones, Christopher Lee
Beginnen wir dieses Mal mit ungefähr anderthalb Vorinformationen: In „Twisters“ gibt es keine fliegenden Kühe. Und „Twisters“ ist, auch wenn der Film als „Sequel“ vermarktet wird, keine irgendwie geartete Fortsetzung von „Twister“. Da sind manche Rip-Offs, Kopien, Plagiate oder wie wir sie gerade diesen Monat nennen wollen, näher am Original als dieser Film. Sicher, hinter der Kamera gibt es vor allem bei der Produktionsfirma und dem Verleih eine Kontinuität, die die Titelwahl erklärt und im Film kann man auch ein, zwei Hinweise auf Jan de Bonts Blockbuster „Twister“ von 1996 entdecken. Mal offensichtlicher, wie „Dorothy V“ im Prolog, oder, einmal, die funktionale Kleidung der Heldin, mal wirklich versteckt, wie ein Cameo von Bill Paxtons Sohn James Paxton. Bill Paxton spielte in „Twister“ eine der Hauptrollen, den Sturmjäger Bill Harding. Diese Kleinigkeiten ändern nichts daran, dass die Macher von „Twisters“ einfach eine vollkommen eigenständige Geschichte über Tornadojäger in den USA erzählen, in der es, wie in anderen Filmen mit Tornados, vor allem um die Tornados geht.
Als Regisseur wurde Lee Isaac Chung engagiert. Von ihm ist das sehenswerte Einwandererdrama „Minari – Wo wir Wurzeln schlagen“. Feinfühlig erzählt er seine und die Geschichte seiner Familie in den achtziger Jahren in Arkansas. Mit ihm könnte ein als Sommer-Blockbuster geplanter Film mehr als Spektakel sein. Aber anderseits haben viele Indie-Regisseure in den vergangenen Jahren atemberaubend schnell ihre Seele an austauschbare Superheldenfilme verraten; – und rückblickend waren ihre Superheldenfilme dann die schlechteren Superheldenfilme. Erinnert sei an Chloé Zhaos „Eternals“ und Nia DaCostas „The Marvels“.
Drehbuchautor Mark L. Smith schrieb, meist mit anderen Autoren, die Drehbücher für „The Revenant“, „Operation: Overlord“ und „Das Erwachen der Jägerin“ (The Marsh King’s Daughter). Bis auf „The Revenant“ (wobei hier Regisseur Alejandro G. Iñárritu den entscheidenden Anteil hat) ist kein künftiger Klassiker dabei, aber einige interessante Wendungen dürften ihm schon einfallen.
Im Mittelpunkt von „Twisters“ stehen zwei Gruppen von Tornadojägern: die eine Gruppe wird von Tyler Owens (Glen Powell) angeführt. Er und seine Gruppe sind Hasardeure, für die die Fahrt mitten in einen Sturm ein großer Spaß ist, den sie auf YouTube vermarkten. Auf den ersten Blick wirkt er wie ein gut gebauter, arroganter, dummer Hallodri mit einem fotogenem Lächeln und einem großen Cowboyhut.
Die zweite Gruppe sucht nach einer Möglichkeit, mit der der Weg der Tornados besser vorhergesagt werden kann. Mit ihren Prognosen könnten sie Menschenleben retten. Dafür haben sie ein aus drei Teilen bestehendes Gerät gebaut, das, wenn diese Teile in der Nähe des Tornados an den richtigen Orten stehen, diesen Tornado analysieren kann. Das Gerät muss nur noch ausprobiert werden.
Helfen könnte ihnen Kate Carter (Daisy Edgar-Jones). Sie kann durch einen Blick in den Himmel und auf den nächsten Acker erspüren, wo ein Tornado entsteht und wohin er sich bewegt. Vor fünf Jahren endete ein von ihr an der Muskogee State University initiiertes Projekt, bei dem sie ein Gerät ausprobieren wollte, das irgendwie Tornados implodieren lässt, mit dem Tod von fast allen ihren an dem Projekt beteiligten Freunden. Heute verfolgt das Landei als Angestellte des United States Weather Service in New York in einem Büro vor einem Computer aus Tornados. Näher will sie diesen tödlichen Winden und ihrer tragischen Vergangenheit nicht mehr kommen.
Da taucht Javi (Anthony Ramos) bei ihr auf. Er war vor fünf Jahren bei ihrem Universitätsprojekt dabei. Sie waren damals die einzigen Überlebenden. Jetzt fragt er sie, ob sie ihnen, also der von ihm mitgegründeten, finanziell von Investoren gut ausgestatteten Firma StormPar, bei ihrem Projekt helfen könnte. Nach anfänglichem Zögern hilft sie Javi und StormPar.
Während die Stürme durch das Land toben, jagen die beiden Gruppen sich vor und hinter den Tornados über die grünen Wiesen von Oklahoma. Einen wirklichen Grund für die Konkurrenz gibt es nicht. Schließlich wollen sie aus verschiedenen Gründen in das Herz des Sturms. Sie sind wie kleine Kinder, die sich prügeln, obwohl das eine Kind Nudel und das andere Kind Pizza will.
Aber als Prämisse für einen Sommer-Blockbuster mit eindimensionalen Figuren, vorhersehbarer Story mit leichtem RomCom-Touch (denn selbstverständlich verlieben Kate und Tyler sich im Lauf des Films ineinander) und stürmischem Spektakel ist das ausreichend. Vor allem Tyler Owens hat nicht mehr Persönlichkeit als eine Werbefigur für eine kitschige Südstaaten-Romanze. Entsprechend rätselhaft bleibt seine Motivation. Sein öfters wiederholter Satz, dass er kein dummer Idiot sei, bleibt eine bloße Behauptung. Denn nie verrät er Kate (oder uns), warum er doch ein schlauer Kerl ist. Bei Kate Carter ist es etwas besser, aber auch nicht wirklich befriedigend. Glen Powell und Daisy Edgar-Jones können diese Defizite des Drehbuchs nicht ausgleichen.
Die meisten Mitglieder in ihren jeweiligen Teams bleiben vollkommen austauschbare Statisten. Entsprechend forciert wirken dann auch alle Szenen, die zeigen sollen, wie die einzelnen Teammitglieder sich untereinander verstehen. In Chungs Actionfilm ist nichts von der natürlichen Kameradie zu spüren, die in „Twister“ die Gruppe der von Jo Harding (Helen Hunt) angeführten Tornadojäger von der ersten Sekunde an so grundsympathisch macht. In „Twister“ sind sie Kumpels, die ein Abenteuer erleben wollen. In „Twisters“ sind sie – und das gilt für beide Tornadojäger-Gruppen – Angestellte, die für Geld einen Job erledigen.
Im Mittelpunkt von „Twisters“ stehen natürlich die titelgebenden Tornados, die auf der großen Leinwand annehmbar spektakulär aussehen und die innerhalb von Sekunden ganze Kleinstädte zerstören.
Dazu gibt es viel Americana und Country-Music. Und fertig ist ein Sommerblockbuster für die ganze Familie. Besondere Ambitionen, Überraschungen und etwaige Irritationen, die es beispielsweise in den Blockbustern von Roland Emmerich immer gibt, sind nicht erkennbar. Lee Isaac Chung erfüllt in seinem durchgehend altmodischem Blockbuster einfach den Wunsch des Publikums nach zwei Stunden Ablenkung. .
Twisters(Twisters, USA 2024)
Regie: Lee Isaac Chung
Drehbuch: Mark L. Smith (nach einer Geschichte von Joseph Kosinski, basierend auf von Michael Crichton und Anne-Marie Martin erfundenen Figuren)
mit Daisy Edgar-Jones , Glen Powell, Anthony Ramos, Brandon Perea, Maura Tierney, Harry Hadden-Paton, Sasha Lane, Daryl McCormack, David Corenswet, Paul Scheer (Flughafenpolizist am Filmende, aber sein Gesicht kommt mir so verdammt bekannt vor)
Schöne neue Welt: in Johannesburg räumen Polizeiroboter unter den Verbrechern auf. Das Law&Order-Programm läuft etwas aus dem Ruder, als ein Programmierer einem dieser Roboter zu einem denkenden Roboter machen und ein Kleingangsterpaar sich diesen kindlich naiven Roboter schnappt und ihn, uh, erzieht.
Neill Blomkamps „Robocop“-Version, die ohne Not all die politischen, moralischen, gesellschaftskritischen und ethischen Implikationen und Fragen zugunsten einer banalen, mit Filmzitaten, Gewalt und zwiespältigem Humor gewürzten Erziehungsgeschichte links liegen lässt.
Drehbuch: Michael Spierig, Peter Spierig (aka The Spierig Brothers)
LV: Robert A. Heinlein: All you Zombies -, 1960 (Kurzgeschichte, Entführung in die Zukunft)
Ein Zeitreise-Agent soll in der Vergangenheit einen Anschlag verhindern. Auf seiner Mission trifft er als Barkeeper auf einen Mann, der früher eine Frau war und bei einem Raumfahrprojekt mitmachen sollte. Verwirrt?
Gut. Denn die Spierig-Brüder erzählen in „Predestination“ mit einem überschaubarem Budget, guten Ideen und einem straffem Drehbuch eine wundervoll verzwickte Zeitreise-Geschichte. Außerdem ist Ethan Hawke als Zeitreise-Agent und Barkeeper dabei.
Köstliches Hommage an Sherlock Holmes und Doktor Watson. Damals ein ziemlicher Flop an der Kasse, heute ein Klassiker.
Billy Wilder zum Film: „In meinem Film habe ich mich bemüht, Holmes und Watson mit Respekt, aber ohne Ehrfurcht zu zeichnen. Die Geschichten enthalten viel Humorvolles, doch unsere tiefere Absicht war, die Beziehungen und die Freundschaft zwischen den beiden Männern in ihren früheren Jahren zu verdeutlichen…Holmes ist ein zivilisierter Mensch, ein Gentleman, der seine Fälle löst ohne solche fragwürdigen Methoden wie James Bond. Wenn Sie wollen, so mache ich hier einen ausgesprochenen Anti-Bond-Film.“
Mit Robert Stephens, Colin Blakely, Christopher Lee, Geneviève Page
Das Böse unter der Sonne(Evil under the sun, Großbritannien 1982)
Regie: Guy Hamilton
Drehbuch: Anthony Shaffer
LV: Agatha Christie: Evil unter the sun, 1941 (Das Böse unter der Sonne oder Rätsel um Arlena)
Hercule Poirot sucht den Mörder der Broadway-Diva Arlena Marschall. Er muss einer der Gäste des griechischen Nobelhotels sein.
Großes Staraufgebot, hübsche Kostüme, Musik von Cole Porter; Tendenz: gediegene Langeweile. Also genau das entspannende Alternativprogramm zum Finale der Fußball-EM.
Mit Peter Ustinov, Jane Birkin, James Mason, Colin Blakely, Roddy McDowall, Diana Rigg, Nicholas Clay, Sylvia Miles, Denis Quilley, Maggie Smith
Seine Bilder von ziemlich nackten, muskelbepackten Männern in Leder und Uniform dürften immer noch allgemein bekannt sein. Aber wer zeichnete diese homoerotischen Bilder? Dome Karukoski erzählt in seinem inszenatorich konventionellem, dennoch sehr, sehr sehenswertem Biopic die Geschichte von Tom of Finland, bürgerlich Touku Laaksonen (1920 – 1991).
Everything Everywhere All at Once (Everything Everywhere All at Once, USA 2022)
Regie: Daniel Kwan, Daniel Scheinert
Drehbuch: Daniel Kwan, Daniel Scheinert
Evelyn Wang ist die gestresste Besitzerin eines Waschsalons, die zur Retterin des Multiversums werden muss.
TV-Premiere. Durchgeknallte Science-Fiction-Komödie, die im Kino ein Überraschungserfolg, Publikums- und Kritikerliebling war und etliche Preise gewann. Unter anderem sieben Oscars, unter anderem in den wichtigen Kategorien Bester Film, Beste Regie, Beste Hauptdarstellerin und Bestes Originaldrehbuch.
Ein guter, inzwischen aber auch etwas überbewerter Film
mit Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Jamie Lee Curtis, Jenny Slate, Harry Shum Jr.
Nach seinem grandiosen Spielfim-Making-of über Bertolt Brechts von Brecht geplanten Dreigroschenfilm, inszeniert Joachim A. Lang jetzt des Making-of des Dritten Reichs, das sich auf die sieben letzten Jahre konzentriert. Von dem Anschluss Österreichs im März 1938 bis zum Kriegsende im Mai 1945 wirft Lang einen Blick hinter die Kulissen der Macht. Er beobachtet Propagandaminister Joseph Goebbels, Reichskanzler Adolf Hitler, deren Familien und Vertraute, wie sie leben und ihre Macht inszenieren.
Dabei verknüpft Lang, ähnlich wie bei seinem vorheigen Film „Mackie Messer – Brechts Dreigroschenfilm“, nachgespielte Szenen, bei denen die Dialoge auf verbürgten Aussagen und Niederschriften basieren, mit selten gezeigten Archivaufnahmen und aktuellen Zeitzeugengesprächen. Strukturell und von seinem Aufbau ähnelt der so entstandene Spielfilm „Führer und Verführer“ einem Making-of, das Teil des Bonusmaterials einer DVD/Blu-ray ist. Durch diesen multiperspektivischen Zugang sind auch neue Erkenntnisse und überraschende Perspektiven möglich. Nach seinem „Dreigroschenfilm“ schien Lang der richtige Mann für die Aufgabe zu sein.
Das Ergebnis enttäuscht dann. Durchgehend wirkt „Führer und Verführer“ wie der kleine Bruder von Oliver Hirschbiegels „Der Untergang“, dem Kinohit über die letzten Tage des Dritten Reichs und Adolf Hitlers. Sicher, die Perspektive ist in Langs Film etwas anders, aber die handelnden Personen und die Ereignisse sind bekannt und dass sie im Privatleben vielleicht ganz nette, tier- und kinderliebende Menschen oder Zyniker, Karrieristen und Opportunisten oder tierliebende Opportunisten waren, ist jetzt kein großer Erkenntnisgewinn. Es ändert nichts am Bild, das wir von ihnen und ihren Taten haben. Es ist auch egal. Die Dialoge sind durchgehend papiernen und hölzern. Es sind Sätze, die jemand so in sein Tagebuch, einen Bericht oder eine Aussage schreibt, aber so niemals gesagt hätte. Die Figuren bleiben blass. Wir erfahren wenig über sie. Das liegt an der von Lang gewählten Methode, sie nur verbürgte Sätze sagen zu lassen. Aber einiges, vor allem bei Privatgesprächen, wird nie aufgeschrieben. Gleiches gilt für bestimmte Arbeitsgespräche; – also genau die Gespräche, die ein Drehbuchautor für einen Spielfilm erfindet und die etwas Wahres über die Figur enthüllen.
Langs Herangehensweise an den Stoff, die in „Mackie Messer – Brechts Dreigroschenfilm“ für einen angenehmen Verfremdungseffekt und viel Vergnügen sorgt (allein schon die Vorstellung, dass Brecht und seine Freunde sich nur in druckreifen Sentenzen unterhalten, ist ein Brüller), funktioniert in „Führer und Verführer“ nicht. Das Ergebnis ist dann nicht der von Lang angestrebte „ungeschminkte Blick ins Innere des Machtapparats“, sondern eine verunglücke Mischung aus einem Spielfilm mit schlechten Dialogen und unbeholfenem Reenactment.
Dazwischen scheitert die erhoffte Aufklärung über Propaganda. Lang zeigt, wie Goebbels sich und Hitler inszeniert. Er zeigt, wie Propaganda gemacht wird, auch wie sie funktioniert, um ein bestimmtes Bild der Ereignisse zu erzeugen, aber er zeigt nicht, warum sie beim Publikum funktioniert. Also warum Goebbels Propaganda bei den Deutschen so erfolgreich war.
Dazu kommt, dass die Bilder durchgehend eine billige, farbentsättigt-kränkliche Video-Ästhetik haben.
Führer und Verführer (Deutschland 2024)
Regie: Joachim A. Lang
Drehbuch: Joachim A. Lang
mit (den Schauspielern) Robert Stadlober, Fritz Karl, Franziska Weisz, Dominik Maringer, Moritz Führmann
(und den Zeitzeugen) Margot Friedländer, Elly Gotz, Ernst Grube, Charlotte Knobloch, Eva Szepesi, Eva Umlauf, Leon Weintraub
Ein am 24. Juni 2024 in Berlin mit wechselnden Podiumsgästen auf Deutsch (Teil 1) und Englisch (Teil 2 und 3) geführtes Gespräch zum Film in drei Teilen
Wir bringen einen Menschen auf den Mond. Nicht weil es einfach, sondern weil es schwierig ist, verkündet der US-amerikanische Präsident großspurig am Anfang der sechziger Jahre. Wie schwierig es ist, die Ankündigung innerhalb eines Jahrzehnts umzusetzen, zeigen die ersten Minuten von Greg Berlantis neuem Film „To the Moon“, der im Original den längeren und noch eindeutiger auf den gleichnamigen Song hinweisenden Titel „Fly me to the Moon“ hat.
NASA-Startdirektor Cole Davis (Channing Tatum) eilt am Kennedy Space Center von einer Katastrophe zur nächsten. Nichts funktioniert wirklich und er möchte unter keinen Umständen noch einmal, wie es 1967 bei Apollo 1 geschah, einige Männer in einer brennenden Raumkapsel verlieren. Dieses Mal soll kein Mann sterben. Für die geplante Mondlandung der Apollo 11 läuft zwar der Countdown, aber dass in einem halben Jahr, noch vor dem Ende des Jahrzehnts, wie Präsident John F. Kennedy es ankündigte, einige US-amerikanischen Astronauten den Mond betreten, erscheint ziemlich utopisch. Und die Öffentlichkeit scheint sich mehr für den Vietnamkrieg als für einige Möchtegern-Astronauten, die in Florida Trockenübungen machen, zu interessieren.
Da wird Cole die aus New York kommende PR-Frau Kelly Jones (Scarlett Johansson) vor die Nase gesetzt. Sie soll Wunder vollbringen können. Sie ist das komplette Gegenteil von Cole. Sie ist eine allen Männern den Kopf verdrehende, charmante Marilyn-Monroe-Blondine, die nur eine Mission hat: den Flug zum Mond an alle Amerikaner und die geldgebenden Politiker als eine große, die gesamte Gesellschaft begeisternde Mission zu verkaufen. Da werden Männer gecastet, um in Presseinterviews NASA-Angestellte zu verkörpern, während ihre realen Vorbilder zwei Meter weiter arbeiten. Da werden Drehbücher für die öffentlichen Auftritte geschrieben. Da werden Fotosessions anberaunt und alles getan, um eine Weltraumeuphorie zu entfachen. Am Ende werden die Astronauten auf jeder Cornflakes-Packung abgebildet sein und sie behaupten, bei ihrem Flug eine bestimmte Unterwäsche und bstimmte Uhren zu tragen. Die Grenze von harmlosen Flunkereien zu faustdicken Lügen überschreitet Kelly dabei mühelos. Schließlich ist ihr gesamtes Leben auf Lügen aufgebaut.
Wie die Geschichte ausgeht, wissen wir aus den Geschichtsbüchern (Apollo 11 landet am 20. Juli 1969 auf dem Mond und die ganze Welt schaut live zu) und dem RomCom-Regelwerk, nach dem Gegensätze sich anziehen, es vor dem finalen Kuss heftige Wortgefechte, Missverständnisse und Verwicklungen gibt. Das Rezept ist seit Jahrzehnten erfolgreich erprobt und ist aktuell im Kino mit RomComs wie „Wo die Lüge hinfällt“ wieder sehr beliebt.
Als mit deutlich über zwei Stunden zu lang geratene, fluffige Retro-RomCom, die gerade im letzten Drittel mit dem Projekt Artemis (dazu später mehr), ihren RomCom-Plot verliert und sich nie so wahnsinnig für die Comedy-Elemente ihrer Geschichte interessiert, unterhält „To the Moon“ angenehm kurzweilig. Es gibt wirklich schlechtere Optionen für die Flucht vor der Sommerhitze.
Zwei Punkte verleihen der ausgehend von der wahren Geschichte der Mondlandung munter drauflos fabulierenden Filmgeschichte eine seltsame Schlagseite. Beides wäre, unabhängig davon, wie die Geschichte endet, in der Art der Behandlung und dem Umfang für eine gelungene RomCom-Geschichte nicht nötig gewesen.
Das ist einmal das Projekt Artemis (später) und der Umgang mit Lügen oder, im heutigen Sprachgebrauch, Fake News. Kelly bekennt freimütig, dass sie lügt, um ihre Ziele zu erreichen und dass es ihr egal ist, ob sie aufgrund von Lügen oder mit der Wahrheit ihr Ziel erreicht. Eigentlich lügt sie ständig. Ihr ganzes Leben ist eine Lüge. Entsprechend mühelos kann der zwielichtige Regierungsbeamte Moe Burkus (Woody Harrelson) sie mit ihrer Vergangenheit und dem Versprechen, dass die Regierung ihre früheren Verfehlungen vollständig verschwinden lassen werde, erpressen. Sie ist eine notorische Lügnerin – und sie ist eine der beiden positiv besetzten Hauptfiguren.
Das zweite große Problem des Films ist das Projekt Artemis. Ursprünglich hieß der Film sogar „Project Artemis“.
Artemis ist im Film das Codewort für das ultrageheime Projekt einer gefakten Mondlandung. Es handelt sich dabei um eine schon oft widerlegte Verschwörungstheorie, die hier wieder zum Leben erweckt und mit etwas „wahrer Geschichte“-Patina veredelt wird.
In „To the Moon“ wird das Projekt mit einem unnötig kompliziertem und fehleranfälligem Plan in einer Halle neben der „Apollo 11“-Abschussrampe durchgeführt. Von den umfangreichen Vorbereitungen bekommt auf dem Weltraumbahnhof anscheinend niemand etwas mit. Dabei muss ein Set, das eine exakte Kopie des Mondes ist, aufgebaut werden. Ein gesamtes Filmteam und einige Schauspieler proben über Tage und Wochen den Ablauf der Mondlandung. Und Dutzende Geheimdienstler stehen in Anzügen und Sonnenbrillen tragend vor und in der NASA-Halle herum. Später, wenn Apollo 11 auf dem Mond landet, sollen der Welt nicht die Live-Aufnahmen von der Mondlandung, sondern die in dem Moment ebenfalls live inszenierten Bilder von der Fake-Landung gezeigt werden.
Natürlich sorgen die Proben und der sehr exaltierte Regisseur für einige Lacher. Später, wenn der Fake-Livestream in die echte Live-Übertragung eingespeist werden soll, sorgen Verwicklungen und, wie vor einigen Tagen bei „Quiet Place: Tag Eins“, eine Katze für spannende Momente. Aber wirklich spannend oder witzig ist dieser Teil nicht. Dafür ist diese eigentlich vollkommen absurde Geschichte viel zu ernsthaft und zu dröge erzählt.
Während der Film sich in seinem letzten Drittel ausführlich dem Projekt Artemis widmet, verschwindet die Liebesgeschichte zwischen Cole und Kelly vollständig aus dem Film. Dabei sollte es in dem Moment des Films nur noch darum gehen. Stattdessen wird ein Film im Film oder eine eigenständige Episode einer TV-Serie gezeigt, die man getrost überspringen kann, weil in der episodenübergreifenden Haupthandlung nichts wesentliches passiert.
Die Art, wie beides über weite Strecken des Films im Rahmen einer vor einem exakt bestimmtem historischen Hintergrund spielenden RomCom thematisiert wird, wirkt dann, auch und vor allem in den heutigen USA, schon wie eine Rechtfertigung zum Ignorieren von Fakten, zum Lügen um egoistische Ziele zu erreichen und wie eine Beglaubigung einer populären Verschwörungstheorie. Denn, so der Film, auch wenn die Mondlandung stattfand, hat die Regierung doch geplant, der Bevölkerung eine Version der Mondlandung zu zeigen, bei der die Mondlandung in jedem Fall erfolgreich stattfand.
Das verleiht der eigentlich harmlosen, allen Gefallen wollenden Wir-wollen-nur-unseren-Spaß-haben-RomCom einen seltsamen und vollkommen unnötigen Beigeschmack.
Drehbuch: Rose Gilroy (nach einer Geschichte von Bill Kirstein und Keenan Flynn)
mit Scarlett Johansson, Channing Tatum, Woody Harrelson, Nick Dillenburg, Anna Garcia, Jim Rash, Noah Robbins, Colin Woodell, Christian Zuber, Donald Elise Watkins, Ray Romano
La belle saison – Eine Sommerliebe (La belle saison, Frankreich/Belgien 2015)
Regie: Catherine Corsini
Drehbuch: Catherine Corsini, Laurette Polmanss
1971 trifft die 23-jährige Delphine in Paris die Aktivistin Carole. Sie verlieben sich ineinander. Aber dann muss Delphine zurück auf den Hof ihrer Eltern. Carole folgt ihr in eine für sie vollkommen fremde Welt.
Wunderschöne, politisch grundierte Sommerromanze, die auch viel über die frühen Siebziger Jahre in Frankreich erzählt
Nach einer längeren Pause – die vorherigen „Ich – Einfach unverbesserlich“-Filme erschienen 2010, 2013 und 2017 – geht es mit dem Superschurken Gru und den Minions weiter im Kino. Wobei, das wollen wir hier nicht verschweigen, die Minions 2015 und 2022 eigene Kinofilme hatten.
Dieses Mal beginnt die „Ich – Einfach unverbesserlich“-Filmgeschichte auf der Wiedersehensfeier der Klasse von 1985 der Schurkenschule. Gru und der auf Rache sinnende Maxime Le Mal geraten aneinander. Danach wird Gru von Silas Ramspopo, dem Chef der Anti-Verbrecher-Liga, in ein Zeugenschutzprogramm genommen. Zusammen mit seiner Familie – seiner Frau Lucy, seinen Töchter Margo, Edith und Agnes und Baby Gru Junior, dem jüngsten Mitglied der Familie – und den Minions wird Gru in der lauschigen All-American-Vorstadt Mayflower versteckt. Umzingelt sind sie von netten Nachbarn, harmlosen Vergnügen und den Annehmlichkeiten des Kleinstadtlebens.
Mit der Vorstadt-Ruhe ist es spätestens vorbei, als Maxime Le Mal Gru Junior entführt.
Geschrieben und inszeniert wurde der vierte „Ich – Einfach unverbesserlich“-Animationsfilm von Männern, die von Anfang an dabei sind. Regisseur Chris Renaud inszenierte den ersten „Ich – Einfach unverbesserlich“-Film. Co-Regisseur Patrick Delage gibt hier sein Spielfilmdebüt. Bei den ersten beiden „Ich – Einfach unverbesserlich“-Filmen arbeitete er in leitender Position in der Animations-Abteilung. Drehbuchautoren Mike White ist ein Neuzugang. Er schrieb vorher unter anderem für „School of Rock“ und „Im Zweifel glücklich“ die Drehbücher. Dafür ist Ken Daurio von der esten Stunde an dabei. Mit unterschiedlichen Schreibpartnern schrieb er alle „Ich – Einfach unverbesserlich“-Drehbücher. Sie wissen also, was die zahlreichen Fans von einem „Ich – Einfach unverbesserlich“-Film erwarten.
Kaum haben die Macher die Prämisse etabliert und die Gru-Familie im Zeugenschutzprogramm versteckt, beginnen sie mit dem Erzählen etlicher mehr oder weniger vergnüglicher Subplots und Episoden über Anpassungsprobleme in der Kleinstadt und die Mega Minions. Das alles bringt den Hauptplot nicht voran, sondern füllt nur die Zeit bis zum Schlusskampf zwischen Gru und Maxime Le Mal.
Zum Glück laufen die Minions, diese Truppe gutwilliger, aber untalentierter Helfer, öfter durchs Bild und bieten köstlich-sinnfreien, boshaften Slapstick-Humor. Aber auch sie können „Ich – Einfach unverbesserlich 4“ nicht vor dem Schicksal einer selbstgenügsamen Nummernrevue retten.
Ich – Einfach unverbesserlich 4 (Despicable Me 4, USA 2024)
Regie: Chris Renaud, Patrick Delage (Co-Regie)
Drehbuch: Mike White, Ken Daurio
mit (im Original den Stimmen von) Steve Carell, Kristen Wig, Pierre Coffin, Joey King, Miranda Cosgrove, Stephen Colbert, Sofia Vergara, Steve Coogan, Chris Renaud, Will Ferrell
(in der deutschen Fassnung mit den Stimmen von) Oliver Rohrbeck, Martina Hill, Lana Finn Marti, Jens „Knossi“ Knossalla
Als in Japan ihr vor vierzig Jahren erschienenes Erstlingswerk neu verlegt wird, wird Sidonie Perceval (Isabelle Huppert) von ihrem Verleger Kenzo (Tsuyoshi Ihara) eingeladen für eine Lesetour und einige Pressetermine. Er ist, wie sie bei ihrer Ankunft in Japan erstaunt feststellt, ein etwas seltsamer Kleinverleger. Aber die gefeierte französische Schriftstellerin ist auch etwas seltsam. Eigentlich wollte sie nicht nach Japan fliegen. Mit ihrem neuen Buch kommt sie nicht voran. Sie trauert immer noch um ihren verstorbenen Mann Antoine (August Diehl). Der taucht plötzlich quicklebendig in ihrem Hotelzimmer auf.
„Madame Sidonie in Japan“ ist eine nette kleine, sich für ihre Figuren Zeit nehmende Komödie über das sehr freundlichen Aufeinandertreffen von japanischer und französischer Kultur zwischen Verbeugungen und der Frage, wer Sidonies Tasche trägt. Es gibt einen manchmal etwas kindischen, immer harmlosen Geist, etwas Liebe und einige nicht allzu tiefschürende Einblicke in den Literaturbetrieb, während im Hintergrund die japanische Landschaft vorbeizieht. Dabei sind, wenn Antoine als Geist auftaucht oder wenn Sidonie und Kenzo nebeneinander im Auto sitzen, die Spezialeffekte in Élise Girards drittem Kinofilm so betont offensichtlich, dass sie schon wieder einen Retro-Charme versprühen. Und irgendwann kommen Sidonie und ihr schweigsamer Verleger Kenzo, der nach der Scheidung sehr melancholisch wurde, sich bei den langen Autofahrten und Spaziergängen näher. Das sorgt am Filmende für eine Szene, die man so in dieser harmlosen Low-Key-Komödie nicht erwartet hätte.
Madame Sidonie in Japan(Sidonie au Japon, Frankreich/Deutschland/Japan/Schweiz 2023)
Regie: Élise Girard
Drehbuch: Maud Ameline, Élise Girard, Sophie Fillières
mit Isabelle Huppert, Tsuyoshi Ihara, August Diehl
Schön schwarzhumorige, auf wahren Ereignissen basierende Satire auf den American Way of Life: White-Trash-Eiskunstläuferin Tonya Harding kämpft um ihren Platz auf dem Siegerpodest. Nicht immer mit legalen Mitteln.
mit Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Julianne Nicholson, Paul Walter Hauser, Bobby Cannavale, Bojana Novakovic, Caitlin Carver, Maizie Smith, Mckenna Grace
Dieses Mall will der Duisburger Kommissar Schimanski einen großen Drogenhändler überführen und die titelgebende Zabou, die Tochter einer Ex-Freundin, aus dem kriminellen Drogenmilieu retten. Dummerweise will sie nicht von ihm gerettet werden.
Die Euphorie der damaligen Kritik hielt sich in überschaubaren Grenzen: „Seine Ruhrpott-Mentalität, seine Originalität und seine Macken (…) geraten in den durch Action & Action aufgemotzten Kino-Spielfilmen zur Profillosigkeit“ (Fischer Film Almanach 1988)
„Die Geschichte ist an keiner Stelle glaubwürdig (eine junge Frau von Anfang Zwanzig als kaltschnäuzige Chefin einer Dealerbande!), die Stunts und Crashszenen sind rührend amateurhaft ausgeführt, und Schimanskis blauäugiges Beharren, die kleine Connie/Zabou aus dem Drogensumpf rauszuziehen, wirkt schlicht peinlich.“ (Wolfgang Schweiger: Der Polizeifilm, 1989)
Hajo Gies: „’Zabou‘ war für mich die Geschichte eines Mannes, der die Wahrheit ignoriert und nur das wahrnimmt, was er wahrnehmen will. Er lebt in einer Traumwelt“ (Interview, in Eike Wenzel, Hrsg.: Ermittlungen in Sachen TATORT, 2000)
mit Götz George, Eberhard Feik, Claudia Messner, Wolfram Berger, Hannes Jaenicke, Ralf Richter, Dieter Pfaff, Klaus Lage
French Connection – Brennpunkt Brooklyn(The French Connection, USA 1971)
Regie: William Friedkin
Drehbuch: Ernest Tidyman
LV: Robin Moore: The French Connection, 1969 (Heroin Cif New York)
Die beiden Polizisten Popeye Doyle (Gene Hackman) und Buddy Russo (Roy Scheider) verfolgen Drogenschmuggler, die aus Frankreich eine große Menge Rauschgift in die USA schmuggeln wollen.
Zeitloser, hochspannender, vor Ort gedrehter Genre-Klassiker, der auf einem wahren Fall beruht.
Der Thriller erhielt unter anderem den Edgar-Allan-Poe-Award und fünf Oscars (Bester Film, Regie, Drehbuch, Hauptrolle und Schnitt).
Mit Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey, Tony LoBianco, Marcel Bozzufi
Last Night in Soho (Last Night in Soho, Großbritannien 2021)
Regie: Edgar Wright
Drehbuch: Edgar Wright, Krysty Wilson-Cairns (nach einer Geschichte von Edgar Wright)
Das schüchterne Landei Eloise will im heutigen London studieren. Sie quartiert sich in Soho im Haus von Miss Collins ein. In der ersten Nacht in dem Haus träumt von den wilden sechziger Jahren in Soho. Und sie wird in einen damals geschehenen Mordfall verwickelt.
TV-Premiere – aus keinem ersichtlichen Grund zu nachmitternächtlicher Stunde. Gelungener Mystery-Horror-Thriller zwischen Wahn und Wirklichkeit und mit einer Lösung die nur funktioniert, weil die Figuren sich vorher wie Idioten verhalten.
LV: H. G. Wells: The War of the Worlds, 1898 (Der Krieg der Welten)
Aliens wollen die Menschheit vernichten und Hafenarbeiter Ray Ferrier (Tom Cruise) stolpert mit seinen Kindern, die er retten will, durch ein sich in Auflösung befindendes Land. Denn die Aliens sind unbesiegbar.
Extrem düsterer, von 9/11 beeinflusster Science-Fiction-Film von Steven Spielberg.
Beginn eines langen Steven-Spielberg-Abends. Danach, um 22.00 Uhr, zeigt ZDFneo „A. I. – Künstliche Intelligenz“ (USA 2001) und um 00.15 Uhr „München“ (USA 2005).
mit Tom Cruise, Dakota Fanning, Miranda Otto, Justin Chatwin, Tim Robbins, Amy Ryan
Eigentlich hat die alleinerziehende Dirigentin Nina Palčeck (Maren Eggert) dafür keine Zeit. Sie probt mit ihrem Orchester ein Stück, das in wenigen Tagen aufgeführt werden soll. Eine erfolgreiche Aufführung könnte ein wichtiger Schritt in ihrer weiteren Karriere sein. Aber ihr Sohn Lars (Jona Levin Nicolai) hat sich in der Schule aus einem Fenster gestürzt. Der Fenstersturz des Teenagers war offensichtlich kein Unfall, sondern irgendetwas zwischen einem gescheitertem Suizidversuch und einem Hilferuf.
Um ihm zu helfen und um ihre erkaltete Beziehung zu verbessern, nimmt sie sich einige Tage frei. Gemeinsam fahren sie – inzwischen ist der halbe Film um – von München nach Frankreich.
Dort wollen sie mitten im Winter in der Bretagne auf der Insel, auf der sie früher ihre Sommerurlaube verbrachten, ihre Probleme lösen.
In ihrem neuen Film „Kein Wort“ erzählt Hanna Slak von einer dysfunktionalen Mutter-Sohn-Beziehung. Sie reden kaum miteinander. Sie reden auch nicht mit jemand anderem übereinander oder suchen Rat bei Experten. Das führt dazu, dass in dem gesamten Film, wie der Titel erahnen lässt, wenig gesprochen wird.
Nina und Lars schweigen sich bedeutungsvoll an. Derweil überlassen sie dem Publikum das Zusammenpuzzeln der gar nicht so schwierigen Zusammenhänge. Eigentlich ist alles von der ersten Minute an ziemlich offensichtlich, aber Regisseurin Hanna Slak macht ein großes Geheimnis daraus, was an Lars‘ Schule geschah und wie Lars in den Tod seiner Schulkameradin involviert ist. Auch sonst bleibt vieles mehr oder weniger nebulös. Und der halbe Film basiert auf der Prämisse, dass Nina nichts von dem großen Unglück an der Schule mitbekommen hat.
Die sich daraus ergebende Schweigespirale, die Eskalation zwischen Mutter und Sohn auf der Insel und wie sie versuchen, sich durch die Restaurierung eines verlassen am Strand vor sich hin rottenden Bootes wieder näherzukommen, verläuft dann genau so, wie man es sich vorher dachte.
Mit 87 Minuten ist „Kein Wort“ ein ziemlich kurzer Film, der sich deutlich länger anfühlt.
Kein Wort (Deutschland/Frankreich/Slowenien 2023)
Regie: Hanna Slak
Drehbuch: Hanna Slak
mit Maren Eggert, Jona Levin Nicolai, Maryam Zaree, Juliane Siebecke, Marko Mandić, Mehdi Nebbou, Gina Haller, Yura Yang
Nein, einen solchen Film hat Abbé Pierre nicht verdient.
Abbé Pierre, bürgerlich Henri Antoine Grouès (1912 – 2007), ist in Frankreich ein Nationalheiliger. Dreißig Jahre lang, bis er 2005 darum bat, nicht mehr in die Liste aufgenommen zu werden, führte er die Liste der beliebtesten Franzosen an. Er gründete die weltweit tätige Emmaus Stiftung. Sie bekämpft Armut und Obdachlosigkeit. Dabei folgt sie dem Prinzip der Hilfe zur Selbsthilfe.
Er stammt aus einer wohlhabenden Unternehmerfamilie. Mit zwanzig Jahren schließt er sich den Kapuzinern an. 1938 wird er zum Priester geweiht. Aus gesundheitlichen Gründen muss er das Ordensleben aufgeben. Im Zweiten Weltkrieg ist er Mitglied der Résistance und Fluchthelfer. Aus dieser Zeit stammt sein Pseudonym Abbé Pierre. Nach dem Krieg gründet er die Wohltätigkeitsorganisation Emmaus.
Zur nationalen und später weltweiten Berühmheit wird er im Winter 1953/54. Während einer Kältewelle erfrieren auf den Staßen von Paris viele Menschen elendig. Über Radio Luxemburg appelliert er an seine Landsleute. Der vom Herzen kommende, bewegende Aufruf löst eine Welle der Hilfsbereitschaft aus. Später wird, ausgehend von seiner Initiative, ein großes staatliches Wohnungsbauprogramm verabschiedet.
2007 stirbt er in Paris.
Das sind die biographischen Eckdaten, an denen Frédéric Tellier sich in seinem Biopic „Ein Leben für die Menschlichkeit – Abbé Pierre“ entlanghangelt. Sein Film ist ein biederes, chronologisch erzähltes Biopic, das beim Abhandeln wichtiger Lebensstationen konsequent an der Oberfläche bleibt.
Die für Abbé Pierre prägenden Momente – seine Zeit bei dem Kapuzinerorden, seine Erlebnisse im Krieg in der Résistance, sein Kampf gegen Armut und Obdachlosigkeit nach dem Krieg und vor allem im Winter 1953/54 – werden in der ersten Hälfte des hundertvierzigminütigen Films durchaus spannend und konzentriert abgehandelt. Seine Kindheit und Jugend werden ignoriert.
Aber dann ist da noch die zweite Hälfte des hundertvierzigminütigen Films. Die letzten sechzig Minuten sind eine einzige Aneinanderreihung von Epilog-Szenen, die ihn mal hier, mal da zeigen. Fast jede dieser Szenen könnte problemlos aus dem Film geschnitten werden (Was bringt es uns, zu erfahren, dass er keine Ahnung von Popkultur hat?) oder der Abspann könnte nach ihr beginnen. Fast immer ist unklar, warum Tellier unbedingt diese Episode aus dem Leben von Abbé Pierre in seinem Biopic haben wollte. Exemplarisch sei hier auf einen Auftritt von Abbé Pierre 1992 in einer Talkshow verwiesen, in der er sich unter anderem wortgewaltig gegen Jean-Marie Le Pen äußert. Warum Tellier ausgerechnet diesen Auftritt auswählte, bleibt unklar.
Was Abbé Pierre, außer dem Kampf gegen Armut, angetrieben hat, ob und welche Gewissenskonflikte er hatte, wie sehr sein Glauben sein Leben beeinflusste, das wird nur auf der alleroberflächlichsten Ebene abgehandelt. Etwaige Konflikte in der Emmaus Stiftung werden in einer Szene abgehandelt. Abbé Pierre bleibt dabei durchgehend ein von starken Überzeugungen getriebener, rechtschaffener und wortgewaltiger Heiliger.
„Ein Leben für die Menschlichkeit – Abbé Pierre“ ist ein um eine Stunde zu lang geratenes 08/15-Biopic, das am Ende noch nicht einmal die Lektüre des Wikipedia-Artikels ersetzt. Er und sein Werk hätten einen besseren Film verdient gehabt.
Ein Leben für die Menschlichkeit – Abbé Pierre(L’Abbé Pierre: Une vie de combats, Frankreich 2023)
Regie: Frédéric Tellier
Drehbuch: Frédéric Tellier, Olivier Gorce
mit Benjamin Lavernhe, Emmanuelle Bercot, Michel Vuillermoz, Antoine Laurent, Alain Sachs, Chloé Stefani, Malik Amraoui
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 