Buch zum Film (Drehbuch): Quentin Tarantino: Reservoir Dogs – Das Buch zum Film/Zweisprachige Ausgabe (rororo 1997)
Einige Gangster überfallen einen Juwelier. Der Überfall geht schief. Sie flüchten in eine Garage. Mr. Orange (sie kennen sich nur unter Farb-Pseudonymen) liegt schwerverletzt auf dem Boden und kämpft um sein Leben. Die anderen Gangster versuchen währenddessen die 100.000-Dollar-Frage „Wer hat uns verraten?“ zu klären.
Der Einfluss von Quentin Tarantinos Kinodebüt auf das Kino der Neunziger Jahre kann gar nicht hoch genug eingeschätzt werden. Ich sage nur nicht-chronologisches Erzählen (Bis dahin galt die eiserne Regel: Keine Rückblenden!), lustvoll zelebrierte Gewalt, coole Dialoge und oft ebenso coole Monologe.
Mit Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney, Edward Bunker, Quentin Tarantino
Noch sind nicht alle Kisten gepackt, die Vorbereitungen für das Abendessen laufen etwas chaotisch und einige Gäste sagen ab, aber das ändert nichts daran, dass das der letzte Abend vor dem Umzug von Hannover nach Berlin ist. Lisa hat dort einen neuen Job als Assistenzärztin an der Charité. Ihr Freund Clemens, ein an sich selbst zweifelnder Künstler, zieht mit ihr um.
Zu dem Abend kommen dann, nach einigen Absagen und spontanen Einladungen, ein Arbeitskollege von Lisa, Lisas in der Werbung arbeitender Bruder, ein mit Clemens befreundeter Theaterschauspieler, eine in einer anderen Etage wohnende ältere Mieterin (sie könnte die Mutter von Clemens und Lisa sein) und eine linksalternative Rucksacktouristin, deren Handy-Akku leer ist und deren im Haus wohnender Freund auf Anrufe nicht reagiert.
Fast ununterbrochen reden sie miteinander, sind hyperaktiv, unzufrieden und nervig. Niemand von ihnen ist sympathisch. Und als Generation sind diese ungefähr Dreißigjährigen denkbar ungeeignet, gesellschaftliche Probleme zu lösen. Dafür baden sie zu sehr in Selbstmitleid.
Lukas Nathrath inszenierte diese Abendgesellschaft mit vielen Schnitten, Wackelkamera, Nahaufnahmen und einem Farbton, der mit ‚kränklich beige‘ treffend beschrieben werden kann. Die Schauspieler sind teils Kollegen von Sebastian Jakob Doppelbauer, dem Co-Drehbuchautor und Darsteller Clemens, aus dem Schauspielhaus Hannover. Gedreht wurde an sieben Tagen. Das führt dazu, dass vieles an „Letzter Abend“ wie eine spontane Improvisation und Familienaufstellung (wobei es sich hier natürlich um eine Freundesaufstellung handelt) wirkt, bei der die Schauspieler dem Affen ordentlich Zucker geben.
Eben diese Energie macht „Letzter Abend“ dann doch sehenswert.
Außerdem gefällt mir der Mut, spontan, schnell und mit kleinem Budget einen Film zu drehen, der auf aktuelle Ereignisse reagiert.
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Lukas Nathrath über sein Spielfilmdebüt:
Auslöser, diesen Film zu drehen, war nach Monaten der Pandemie-Isolation der Drang, unsere Eindrücke und Erfahrungen tragikomisch zu reflektieren und uns gemeinsam filmisch auszudrücken.
Diese Energie hat sich auf die Figuren übertragen, die alle nach Abenteuern und Ablenkung gieren. Es sind Charaktere, die materiell nicht leiden, aber Angst haben, im Zeitalter der Instagram-Gesellschaft nicht zu genügen. Obwohl sie unglücklich oder einsam sind, meinen sie, fröhlich, stark und erfolgreich wirken zu müssen, was viel tragikomisches Potential für zwischenmenschliche „awkwardness“ und Abgründe bietet.
In den Filmen, die uns inspiriert haben, werden zwischenmenschliche Konflikte verhandelt, bis das zivilisierte Verhalten Risse bekommt und Alltagssituationen in teils bourgeoisen Milieus eskalieren: „Alle anderen“ von Maren Ade, „Wild Tales“ von Damián Szifron, „Woman under the Influence“ von John Cassavetes, „Frances Ha“ von Noah Baumbach, „Husbands and Wives“ von Woody Allen und „Festen“ von Thomas Vinterberg.
Eine weitere Inspiration waren Stücke von Anton Tschechow, in denen sich Menschen auf dem Land oft nach einer anderen Existenz sehnen, nach Moskau ziehen wollen, aber dort nie ankommen werden.
Die Rollen haben Sebastian Doppelbauer und ich in enger Absprache mit dem Schauspiel-Ensemble entwickelt und parallel dazu das Drehbuch geschrieben. Beim Drehen ging es mir immer darum, die Spielfreude und Fantasie der Darstellerinnen und Darsteller zu ermutigen. Die Gruppendynamik der Figuren war dabei sehr spannend, und der Dreh wurde zu einer intensiven, erfüllenden Zeit.
Letzter Abend (Deutschland 2022)
Regie: Lukas Nathrath
Drehbuch: Lukas Nathrath, Sebastian Jakob Doppelbauer
mit Sebastian Jakob Doppelbauer, Pauline Werner, Susanne Dorothea Schneider, Nikolai Gemel, Isabelle von Stauffenberg, Valentin Richter, Julius Forster, Nils Rovira-Munoz, Amelle Schwerk, Pascal Houdus
In ihrem neuen Film erzählt Maïwenn die Geschichte von Jeanne du Barry. Sie lebte von 1743 bis 1793. Geboren wurde sie als Bürgerliche. Später wurde sie zur Geliebten von Louis XV. Sie wurde sogar zu seiner Favoritin, was den anderen Damen und Herren am Hof vor allem wegen ihrer Herkunft als ‚Bastardkind‘ nicht gefiel.
Maïwenn, die auch die erste Fassung des Drehbuchs schrieb (die Co-Autoren Teddy Lussi-Modeste und Nicolas Livecchi stießen erst später dazu), übernahm auch die Hauptrolle. Johnny Depp spielt Louix XY.
Vor seiner Premiere am 16. Mai 2023 in Cannes sorgte das Biopic in Frankreich für heftige Diskussionen. Denn Johnny Depp, der Hauptdarsteller des Films, hatte sich davor mit seiner Ex-Frau Amber Heard vor Gericht und der Weltöffentlichkeit eine Schlammschlacht geliefert. Und Maïwenn hatte einige Monate vorher in einem Restaurant einen Journalisten tätlich angegriffen. Er hatte vorher über ihren Ex-Mann Luc Besson geschrieben. Über den Film wurde dann kaum geredet.
Das durchwachsene Biopic punktet mit Bildern aus dem Schloss Versailles, den Kostümen und einem genauen Blick auf die heute vollkommen absurd erscheinenden höfischen Etikette. Wenn Jeanne du Barry von ihrem Kammerdiener in diese höfischen Etikette eingeführt wird, blickt sie immer wieder ungläubig in die Kamera. Sie ist von den Etiketten und Vorschriften, die zwischen ämusanten Spleens und vollkommener Absurdität schwanken, genauso irritiert und amüsiert wie das im Saal sitzende Kinopublikum. Schnell verstößt sie, zur Freude des Königs, gegen die Regeln. Die späteren, ebenso überdeutlich gezeichneten Machtspiele am Hof unterscheiden sich kaum von heutigen Machtspielen und Speichelleckereien.
Dabei wirkt Jeanne du Barry immer wie eine naive, gutherzige und lebenslustige Mitläuferin ohne Einfluss. Wegen ihrer Herkunft wird sie von den anderen Hofdamen und Adligen verachtet. Sie selbst intrigiert ein wenig und hat immer ein bezauberndes Lächeln.
Aber was sie zu einer besonderen Frau machte und warum wir uns für ihr Leben mit Louis XV interessieren sollten, wird in dem Kostümdrama nie wirklich deutlich.
Jeanne du Barry – Die Favoritin des Königs (Jeanne du Barry, Frankreich 2023
Regie: Maïwenn
Drehbuch: Maïwenn, Teddy Lussi-Modeste, Nicolas Livecchi
mit Maïwenn, Johnny Depp, Benjamain Lavernhe, Pierre Richard, Melvil Poupaud, Pascal Greggory, India Hair, Suzanne de Baecque, Capucine Valmary, Diego Le Fur, Pauline Pollmann
JAMES BOND 007: Der Hauch des Todes (The Living Daylights, Großbritannien 1987)
Regie: John Glen
Drehbuch: Richard Maibaum, Michael G. Wilson
LV: Ian Fleming: The living daylights, 1962 (Duell mit doppeltem Einsatz/Der Hauch des Todes, Kurzgeschichte)
Bond soll einem russischen Agenten zur Flucht in den Westen verhelfen. Aber dieser treibt ein doppeltes Spiel.
Der erste Bond mit Timothy Dalton ist ein rundum unterhaltsamer Agentenfilm für die ganze Familie. Es gibt etwas Action (jugendfrei), schöne Frauen (dito), Pferde, Exotik (na, so à la Karl May). Tja, man gab sich Mühe zum 25-jährigen Leinwandjubiläum.
Sogar einige Elemente der Fleming-Story wurden in „Der Hauch des Todes“ verwandt.
Mit Timothy Dalton, Maryam d´Abo, Jeroen Krabbé, Joe Don Baker, John Rhys-Davies, Art Malik, Desmond Llewelyn, Robert Brown, Caroline Bliss, John Terry
Für Ellis French ist es die letzte Chance. Seine Mutter hat ihn rausgeworfen. Sie kann und will nicht akzeptieren, dass er schwul ist. Seitdem lebt er auf der Straße. Seine Zukunftsaussichten sind düster. Letztendlich ist es nur eine Frage der Zeit, bis er stirbt. Das hat er in den vergangenen Jahren bei vielen seiner ebenfalls obachlosen Freunde gesehen. Um diesem Schicksal zu entgehen, bewirbt er sich bei den US-Marines. Die erste Station ist ein Bootcamp, in dem gnadenlos ausgesiebt wird.
In seinem Spielfilmdebüt „The Inspection“ erzählt Elegance Bratton letztendlich seine Geschichte und damit auch, wie es ist, in einer Institution, die Homosexualität ablehnt, als schwuler schwarzer Mann zu bestehen. Denn schnell bemerkt French, dass er nicht der einzige Schwule in dem Bootcamp ist. Aber – der Film spielt 2003 – niemand redet darüber.
Bratton schildert das Leben im Bootcamp akribisch, fast schon dokumentarisch, ohne irgendeine kritische Distanz und ohne konkrete Zeitbezüge. Wenn es im Film nicht den Hinweis gäbe, dass er vor zwanzig Jahren spielt, könnte er genausogut vor vierzig Jahren oder heute spielen. Durch den Hinweis auf das Handlungsjahr wird „The Inspection“ zu einem historischen Film, bei dem das Militär sich auf die Schulter klopfen kann. Die „Don’t ask. Don’t tell.“-Zeit im Umgang mit der Homosexualität ist vorbei. Heute loben hochrangige Offiziere in öffentlichen Anhörungen gegenüber konservativen Politikern überschwänglich die Leistungen queerer Soldaten. Aber die Ausbildung dürfte heute noch genauso wie damals ablaufen. Gleiches gilt für das Verhalten der Rekruten untereinander.
Für den historischen Hintergrund interessiert Elegance Bratton sich nicht weiter. 9/11 und der darauf folgende ‚war on terror‘ werden nicht angesprochen. Dabei meldeten sich nach dem Anschlag auf das World Trade Center zahlreiche junge Männer freiwillig beim US-Militär. Sie wollten ihr Land gegen islamistische Terroristen verteidigen.
French ist das egal. Er hat sich beim Militär nur gemeldet, um nicht auf der Straße zu sterben.
Das Bootcamp schildert Bratton dann, bis auf wenige Momente, in denen wir in Frenchs Kopf sind, quasi-dokumentarisch, beobachtend und ohne Wertungen. Eigentlich schildert er diese Ausbildung, die darauf angelegt ist, Menschen zu brechen, sie zu Mördern und Befehlsempfängern zu machen, als eine gute Schule der Mannwerdung. Im Gegensatz zu Stanley Kubricks „Full Metal Jacket“, der die Ausbildung und das Sterben auf dem Schlachtfeld zeigt, zeigt Bratton nur das Bootcamp, das aus einem schwulem Obdachlosen einen Befehle empfangenden Uniformträger macht; – jedenfalls wenn er das Bootcamp erfolgreich abschließt. Danach ist er „Ein Offizier und Gentleman“.
Letztendlich ist „The Inspection“ gut gemachte Militärpropaganda für das Arthaus-Kino.
The Inspection (The Inspection, USA 2022)
Regie: Elegance Bratton
Drehbuch: Elegance Bratton
mit Jeremy Pope, Bokeem Woodbine, Gabrielle Union, Raúl Castillo, McCaul Lombardi, Aaron Dominguez, Nicholas Logan, Eman Esfandi, Andrew Kai, Aubrey Joseph
Das kann doch nicht wahr sein. Da verliebt sich die große, coole Schwester in so einen stinkreichen Schönling, der auch noch überaus charmant und schlau ist. Der noch bei seiner Mutter lebende Arzt ist auf den ersten Blick so sehr der perfekte Traumprinz, dass da irgendetwas nicht stimmen kann. Außerdem soll die große Schwester nicht heiraten. Nie niemals.
Das denkt sich Ria Khan. Gemeinsam mit ihren besten Freundinnen Clara und Alba versucht sie das zu verhindern. Und weil sie Stuntwoman werden will (auch wenn ihr Idol Eunice Huthart nicht auf ihre Nachrichten reagiert), kann sie kämpfen, klettern und Schläge einstecken. Vor allem Schläge einstecken muss Ria. Sie ist halt doch nicht so gut, wie ihre Idole aus dem Kino. Dafür hat sie ein Talent, fröhlich und voller Teenager-Energie von einem Fettnapf zur nächsten hochnotpeinlichen Situation zu springen.
Nennen wir Nida Manzoors „Polite Society“ ein nerviges Vergnügen mit zahlreichen filmischen Anspielungen. Denn Ria und ihre Freundinnen sind hyperaktive, ständig plappernde und hysterisch kreischende Teenager. Manzoor inszeniert oft hektisch, effekthascherisch und für ein aus Teenagern bestehendes Publikum.
Und, jetzt sind wir schon bei den Punkten, die für ihr Spielfilmdebüt sprechen. Denn Manzoor liefert mit ihrer rotzfrechen Heldin mit Migrationshintergrund ein gelungenes Identifikationsangebot für Mädels, die Jungsfilme sehen wollen, aber halt nicht schon wieder einen Film, in dem ein muskelbepackter Mann andere Männer verkloppt. Eine Frau, vor allem eine gleichaltrige Frau, ist da schon besser. Außerdem sollten die Hauptpersonen und die Geschichte etwas mit ihrem Leben zu tun haben. Das ist, neben alltäglichen und universellen Schul- und Pubertätsproblemen, in diesem Fall das heutige Multi-Kulti-England und der Culture Clash zwischen den aus ihrer pakistanischen Heimat stammenden Werten und Traditionen und der Moderne. Denn Rias Eltern lassen ihren beiden Töchtern viele Freiheiten, mischen sich aber auch in die Partnerwahl ein und freuen sich über eine große traditionelle Hochzeit.
Manzoor macht in ihrem „Tale of two Sisters“ (so der Titel des ersten Kapitels desin Kapiteln erzählten Films) einen atemberaubenden, ziemlich durchgedrehten, witzigen und durchgehend selbstironischen Mash-up aus Bollywood, Martial Arts, Italo-Western, gut abgehangenen B-Actionfilmen, Science-Fiction/Horror-Pulp und, natürlich, Tarantino.
LV: Ted Chiang: Story of your Life, 1998 (Geschichte deines Lebens, enthalten in „Die Hölle ist die Abwesenheit Gottes“ und „Geteilt durch Null“)
Aliens sind auf der Erde an verschiedenen Orten gelandet. Aber was wollen sie? Um das Herauszufinden, schickt die US-Regierung einige Wissenschaftler nach Montana zu einem der Raumschiffe. Dort angekommen versucht die Sprachwissenschaftlerin Dr. Louise Banks, sich mit den Aliens zu verständigen. Dafür muss sie ihr Denken und ihre Sprache entschlüsseln.
Toller philosophischer Science-Fiction-Film, der auf den üblichen Alien-Invasions-Krawall verzichtet. Schon jetzt ein Klassiker.
Onoda – 10.000 Nächte im Dschungel(Onoda, 10 000 nuits dans la jungle, Frankreich/Japan/Deutschland/Belgien/Italien/Kambodscha 2021)
Regie: Arthur Harari
Drehbuch: Arthur Harari, Vincent Poymiro, Bernard Cendron (in Zusammenarbeit mit)
Während des Zweiten Weltkriegs wird der Japaner Onoda Hiroo auf der philippinischen Insel Lubang stationiert. Er und seine Einheit sollen gegen die Amerikaner kämpfen. Die Meldungen über das Kriegsende halten sie für Feindpropaganda. Sie ziehen sich zurück und kämpfen weiter. Tage, Wochen, Monate, Jahre, Jahrzehnte.
TV-Premiere. Arthur Harari konzentriert sich in seinem atmosphärischem Slow-Cinema-Biopic über den in Japan allgemein bekannten Hiro Onoda auf Onodas Leben Abseits der Zivilisation. Hararis gut dreistündiger Film ist nicht unproblematisch, aber in jedem Fall sehenswert.
Tatort: Trimmel und der Tulpendieb (Deutschland 1976)
Regie: Peter Schulze-Rohr
Drehbuch: Friedhelm Werremeier
LV: Friedhelm Werremeier: Trimmel und der Tulpendieb, 1974
Kommissar Trimmel verfolgt einige Räuber. Sie haben in Hamburg einen Geldtransporter überfallen und flüchten jetzt in Richtung Holland. Dort wollen sie sich auf REM treffen. Trimmel fragt, sich, was und wo REM ist.
REM-eiland war eine knapp außerhalb der Dreimeilenzone vor der Küste von Noordwijk, Niederlande, liegende künstliche Insel, von der ursprünglich ein Fernseh-Piratensender in Richtung Festland sendete. Nach einer Gesetzesänderung stellte der Sender im Dezember 1964 seinen Betrieb ein. Als Friedhelm Werremeier „Trimmel und der Tulpendieb“ schrieb, war die Insel verlassen. Später wurde sie zu einer Messstation. Für die Dreharbeiten wurde REM-eiland dann wieder in ihren alten Zustand versetzt. 2006 erfolgte die Demontage. Im Amsterdamer Houthaven wurde sie wieder aufgebaut. Heute ist ein Restaurant drin.
„Trimmel und der Tulpendieb“ ist der kürzeste Trimmel-‚Tatort‘. Er dürfte auch der am seltesten gezeigte Trimmel-‚Tatort‘ sein. Dabei ist er nicht schlechter als die anderen Trimmel-Filme. Ich habe ihn sogar als einen ziemlich spannenden Thriller mit einem spektakulärem Showdown auf REM-eiland im Kopf.
Mit Walter Richter, Ulrich von Bock, Joachim Richert, Brian O’Shaughnessy, Rudolf Brand, Peter Wagenbreth, Cees Heyne, Günther König, Gaby Fuchs
Heute, also am Filmanfang, sitzen Nora, Hae Sung und Arthur an der Theke einer dieser ebenso noblen wie anonymen Hotelbars. Zwischen ihnen herrscht ein seltsames Schweigen. Der Erzähler fragt sich, in welcher Beziehung sie zueinander stehen und was der Grund für ihre Schweigsamkeit ist.
In den folgenden hundert Minuten beantwortet Celine Song in ihrem autobiographisch inspiriertem Spielfilmdebüt „Past Lives – In einem anderen Leben“ diese Frage.
Nora und Hae Sung waren in Seoul als Kinder miteinander befreundet. Irgendetwas zwischen besten, unzertrennlichen Freunden und Sandkastenliebe. Als Noras Familie nach Toronto umzieht, verlieren sich die beiden Zwölfjährigen aus den Augen.
Zwölf Jahre kontaktiert Nora Hae Sung. Sie hat einen Facebook-Post von ihm entdeckt, in dem er schrieb er suche sie. Via Skype kommen sie sich wieder näher.
Wieder zwölf Jahre später lebt Nora in New York. Sie ist Theaterautorin und verheiratet mit dem Schriftsteller Arthur. Sie hatten sich vor sieben Jahren in einer Schriftstellerkolonie kennen gelernt.
Hae Sung ist Ingenieur. Er besucht sie und beide stehen vor der Frage, was ihre damalige Beziehung für die Gegenwart bedeutet.
Celine Song erzählt die sich über ein viertel Jahrhundert umspannende Beziehung zwischen Nora und Hae Sung feinfühlig, langsam und abseits der üblichen Hollywood-Konventionen. Es gibt also nicht diese Szene am Filmende, in der eine Person durch die Stadt hetzt, um die andere Person vor ihrem Abflug zu treffen und ihr ihre Liebe zu gestehen.
Song fragt sich, was Liebe ist und wie dauerhaft sie ist. Es geht auch um die Frage, wie sehr eine Freundschaft unter Kindern die Zeit überdauern kann, wenn ihre Eltern umziehen.Es geht um die Frage, ob einige Beziehungen nach einer bestimmten Zeit einfach vorbei sind. Oder sich verändern. Es geht um Liebe und echte und vermeintliche verpasste Chancen. Denn nichts und alles spricht dafür, dass Nora und Hae Sung heute wieder ein Paar sein sollten.
Past Lives – In einem anderen Leben (Past Lives, USA 2023)
Regie: Celine Song
Drehbuch: Celine Song
mit Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro, Seung Ah Moon, Seung Min Yim, Ji Hye Yoon, Won Young Choi, Min Young Ahn
Ex-Sträfling Johnny Clay will mit einigen Amateurenwährend eines Pferderennens die Wettgelder klauen. Der minutiös geplante Coup läuft nach Plan ab. Dann geht alles schief.
Grandioses, düsteres Caper-Movie und der endgültige Durchbruch für Stanley Kubrick. Im Gegensatz zu anderen Caper-Movies wird die Handlung im Buch und im Film nicht chronologisch, sondern mit zahlreichen Vor- und Rücksprüngen erzählt. Und der Überfall wird, zusammengehalten von einer atemberaubenden Montage, aus verschiedenen Perspektiven erzählt. Mit seinen Diskontinuitäten und Dekonstruktionen ist „Die Rechnung ging nicht auf“ ein Vorläufer des postmodernen Kinos.
Einer von Kubricks Schülern ist Quentin Tarantino, der diesen Film in „Reservoir Dogs“ ausführlich würdigt. Im Drehbuch ist sogar eine – im Film nicht gezeigte – Widmung an Lionel White enthalten.
Mit Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edward, Jay C. Flippen, Elisha Cook jr.
LV: Nicholas Pileggi: Casino: Love and Honor in Las Vegas, 1995 (Casino)
Biopic über die Mafia in Las Vegas in den Siebzigern.
Kurz gesagt: ein Meisterwerk und Pflichttermin für Krimifans.
„Die einander ergänzenden Elemente von ‚Casino’, die genaue, materialistische Dokumentation, das Shakespeare-Drama von Macht und Fall, der Genrefilm und die Strindbergsche Seelenpein von Mann und Frau, zwischen denen eine unsichtbare Mauer steht, laufen alle auf die Feststellung hinaus, die Robert De Niro schon am Anfang getroffen hat: dass niemand gegen die Bank gewinnen kann. Das ist nicht nur konkrete Beschreibung einer ökonomisch-kriminellen Situation und soziale Metapher auf das Wesen des Kapitalismus, sondern auch ein philosophisches Gleichnis.“ (Georg Seeßlen: Martin Scorsese)
Martin Scorseses neuer Film „Killers of the Flower Moon“ startet am 19. Oktober in unseren Kinos.
Mit Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods, Kevin Pollak, L. Q. Jones
Nachdem Black-Ops-Agent Tom Harris (Gerard Butler) im Iran einen Atomreaktor sabotiert hat, wird er enttarnt. Im Fernsehen wird sein Gesicht gezeigt. Ab diesem Moment steht er auf ungefähr jeder iranischen und irgendwie mit dem Iran assozierbaren Todesliste. Er muss also so schnell wie möglich das Land verlassen. Den gebuchten Flug kann er selbstverständlich nicht benutzen. Aber sein Vorgesetzter organisiert einen alternativen Fluchtweg. Er muss nur innerhalb der nächsten 30 Stunden lebendig nach Afghanistan gelangen. In Kandahar steht auf einem alten CIA-Flugplatz dann sein Flugzeug. Begleitet wird er auf der gefährlichen Fahrt durch weitgehend menschenleeres Gebiet von dem afghanischen Übersetzer Mohammad Doud (Navid Negahban).
Verfolgt werden sie von Kahil Nasir (Ali Fazal), einem eiskalten, auf sein Ziel fokussiertem Killer, der anscheinend über unendliche Ressourcen verfügen kann.
„Kandahar“ ist nach „Angel has fallen“ und „Greenland“ die dritte Zusammenarbeit von Regisseur Ric Roman Waugh und Gerard Butler. Geschrieben wurde die Geschichte von Mitchell LaFortune, einem ehemaligen Offizier des US-Verteidigungsnachrichtendienstes Defense Intelligence Agency (DIA), der auch in Afghanistan arbeitete.
Das Ergebnis ist ein okayes B-Picture, das lobenswerte Ambitionen hat. Es will nicht nur eine gängige Actiongeschichte erzählen, sondern auch die dortige politische Situation und die damit verbundenen Konflikte beleuchten. Aber letztendlich werden nur die altbekannten Klischees, leicht upgedatet, reproduziert. Die Action ist eher dünn gesät. Dafür wird auf der Fahrt nach Kandahar viel geredet über Krieg und Frieden in der Region.
Kandahar (Kandahar, USA 2023)
Regie: Ric Roman Waugh
Drehbuch: Mitchell LaFortune
mit Gerard Butler, Navid Negahban, Travis Fimmel, Ali Fazal
Kiss the Cook – So schmeckt das Leben! (Chef, USA 2014)
Regie: Jon Favreau
Drehbuch: Jon Favreau
Nachdem Starkoch Carl (Jon Favreau) gefeuert wird, macht er sich mit seinem elfjährigem Sohn und seinem Sous-Chef in einem Imbisswagen auf den Weg von Miami quer durch die Südstaaten zurück nach Los Angeles.
„Kiss the Cook“ ist ein sympathisches Feelgood-Movie, in dem etliche Stars kurze, oft prägnante Auftritte haben und man mit den drei Männern im Imbisswagen „El Jefe“ gerne seine Zeit verbringt. Nur hungrig sollte man nicht sein.
mit Jon Favreau, Emjay Anthony, Sofia Vergara, John Leguizamo, Scarlett Johansson, Oliver Platt, Bobby Cannavale, Amy Sedaris, Dustin Hoffman, Robert Downey jr.
Der achte Film der monatlichen „Zeitlos“-Reihe von Rapid Eye Movies ist eine wirkliche Entdeckung. Keine Wiederentdeckung, weil „Dangan Runner“ dafür einfach zu unbekannt ist. 1997 lief der Film auf der Berlinale. Am 7. Oktober 1998 zeigte der WDR den absurden Thriller im Fernsehen als „Wie eine Kugel im Lauf“. Und ungefähr in dem Moment verschwand der Film, trotz einer späteren DVD- und Blu-ray-Veröffentlichung, aus dem Bewusstsein der Öffentlichkeit. Da half auch eine Anspielung in Tom Tykwers „Lola rennt“ nicht.
Die Story von Sabu Debüt ist denkbar einfach. Nachdem die Küchenhilfe Yasuda seine Freundin mit einem anderen Mann erwischt, hat er genug von den alltäglichen Demütigungen. Er will einen Banküberfall begehen. Er hat alles präzise geplant. Wenige Minuten vor dem pünktlich für 15.00 Uhr geplantem Überfall bemerkt er, dass er seine Maske vergessen hat. In einem Laden will er sich eine Maske besorgen. Das geht schief. Er gerät in Panik, schießt den drogensüchtigen Kassierer Aizawa, der von einer Karriere als Rockmusiker träumt, an und flüchtet. Wutentbrannt verfolgt Aizawa ihn zu Fuß durch Tokio.
Kurz darauf rennen sie in Takeda. Der junge Yakuza wird in dem Moment von Gewissensbissen geplagt, weil er sich für den Tod seines Bosses verantwortlich fühlt. Als sie zusammenstoßen, löst sich ein Schuss aus Yasudas Waffe, die inzwischen in Aizawas Besitz ist. Die Kugel verletzt eine Frau tödlich.
Takeda beginnt nun Aizawa, der bei ihm Schulden hat, zu verfolgen, der Yasuda verfolgt. Und während sie über Stunden, bis weit nach Einbruch der Dunkelheit, durch die Stadt rennen, bekriegen sich eine Polizeieinheit und zwei verfeindete Yakuza-Gruppen,von denen die eine nach dem Tod ihres Oberhaupts gerade führerlos ist.
Mit einem Minimum an Dialog, einem Maximum an Laufen, vielen unglücklichen Verkettungen von absurden Zufällen, absurdem Humor und einer schlanken Laufzeit von achtzig Minuten unterhält Sabus Debüt prächtig. Stilistisch orientiert sich sein Noir an damaligen japanischen Gangsterfilmen und Hongkong-Noirs. Entsprechend blutig gerät der groteske Showdown.
Köstlich. Kultig. Und Zeitlos gut.
Zu Sabus späteren Werken gehören „Unlucky Monkey“ (1998), „Monday“ (1999), „Happiness“ (2016), „Mr. Long“ (2017) und „Jam“ (2019).
Dangan Runner (Ryu san/D.A.N.G.A.N. Runner, Japan 1996)
Regie: Sabu (Pseudonym von Hiroyuki Tanaka)
Drehbuch: Sabu
mit Shinichi Tsutsumi, Tomorowo Taguchi, Diamond Yukai, Ren Osugi
Einerseits ist es begrüßenswert, dass das filmische Superheldenuniversum diverser wird. Bei Marvel und DC retten inzwischen, auch wenn sie von anderen Planeten kommen, nicht mehr nur weiße Männer die Welt. Mit „Captain Marvel“, „Black Panther“, „Shang-Shi“, den „Eternals“ und „Wonder Woman“ gab es auch andere Superhelden. Und mit „Blue Beetle“ gibt es jetzt einen mexikanischen Superhelden, der in seinem ersten Abenteuer von seiner sehr mexikanischen Familie begleitet, unterstützt und auch ein wenig gerettet wird. Das ist schon einmal eine erfreuliche Abwechslung.
Andererseits sind diese Filme, wie inzwischen auch viele andere Superheldenfilme, nicht gut. Zu vertraut sind die Geschichten. Vor allem wenn, wieder einmal, eine Origin-Story erzählt wird. Diese Filme sind näher beim Malen-nach-Zahlen als am Erzählen einer orginellen Geschichte. Das gilt auch für „Blue Beetle“, den 14. Film des DC Extended Universe (DCEU), der eine Origin-Geschichte erzählt. Aufgrund der aktuellen Neuausrichtung des DCEU, das fortan DCU (DC Universe) heißt, ist vollkommen unklar, wie sehr und in welcher Form es weitere „Blue Beetle“-Abenteuer geben wird.
Nach seinem Studium an der Gotham Law University kehrt Jaime Reyes zurück nach Palmera City. Von seiner Familie wird er überschwänglich empfangen. Getrübt wird die Wiedersehensfreude von einigen Problemen, die die Familie Reyes hat. So müssen sie demnächst ihr Haus verlassen. Schulden und die Gentrifizierung lassen ihnen keine andere Wahl. Eine seiner Ausbildung angemessene Arbeit findet er auch nicht. Jetzt ist er Putzfrau für die Schönen und Reichen, die ihr Dienstpersonal notorisch übersehen. Immerhin trifft er bei dieser Aushilfstätigkeit Jenny Kord. Sie ist die Tochter von Ted Kord, dem früheren Inhaber von Kord Industries. Weil Jaime von Jennys Tante Victoria Kord gefeuert wurde, hat sie ein schlechtes Gewissen. Sie lädt ihn in der Firmenzentrale zu einem Vorstellungsgespräch ein.
Kord Industries ist ein von Victoria Kord geleiteter Konzern, dem ungefähr die halbe Stadt gehört, der die andere Hälfte aufkaufen will und der jetzt wieder Rüstungsgüter, wozu auch Robocop-ähnliche Soldaten gehören, herstellt. Jenny ist gegen die Produktion von Waffen.
Während Jaime in der Lobby noch auf sie wartet, entdeckt sie in einem Labor ein uraltes Relikt, das auf außerirdischer Biotechnologie basiert. Es wurde von Victoria Kord auf einer dem Konzern gehörenden Insel gefunden und es soll übermenschliche Kräfte verleihen. Jenny stiehlt den Skarabäus. Bevor sie das Gebäude verlassen kann, wird ihr Diebstahl entdeckt. Sie vertraut es Jaime an und sagt ihm, er solle die Verpackung, in der der Skarabäus liegt, nicht öffnen.
Selbstverständlich tut er es und er und seine dabei anwesende Familie müssen staunend erleben, wie der Skarabäus ihn anspringt, sich mit ihm vereinigt und ihn verwandelt. Aus Jaime wird Blue Beetle.
Victoria Kord will den gestohlenen Skarabäus unbedingt zurückhaben. Sie setzt Himmel und Hölle in Bewegung. Allerdings hat sie nicht mit dem Zusammenhalt und den, nun, besonderen Fähigkeiten einer Latino-Familie gerechnet.
Nach all den pompösen Superheldengeschichten, in denen die Welt vor ihrer Zerstörung gerettet werden muss oder sich in uninteressanten Multiverse-Geschichten gekloppt wird, erzählt Angel Manuel Sotos in „Blue Beetle“ in einem humorvollen Tonfall eine sympathisch reduzierte Geschichte. Mit Schauspielern, die die Geschichte nicht allzu Ernst nehmen. Vor allem Susan Sarandon ist in jeder Szene anzumerken, wie viel Spaß sie hatte, die Bösewichtin Victoria Kord zu spielen.
Allerdings kann das nicht über den vorhersehbaren Plot und die banalen und oft erstaunlich schlechten Dialoge hinwegtäuschen. Die CGI-Tricks sind oft atemberaubend schlecht. Der Schnitt ist oft sehr seltsam. Das sieht alles mehr nach einer ersten Skizze als nach einem fertigen Kinofilm aus. Am Geld kann es nicht gelegen haben. Zwar gehört „Blue Beetle“ mit einem offiziellem Budget von um die 120 Millionen US-Dollar zu den günstigeren Superheldenfilmen. Aber auf große, das Budget zuverlässig in die Höhe treibende Stars wurde verzichtet. Und damit kann das Geld für andere Dinge ausgegeben werden.
Der DCEU-Film „Blue Beetle“ orientiert sich in jeder Beziehung nicht an dem, was aktuell in Superheldenfilmen möglich ist, sondern, wie schon das Retro-Filmplakat verrät, an Superheldenfilmen und harmlosen TV-Serien aus den Achtzigern und Neunzigern.
Entsprechend harmlos fällt die durchgängig vorhandene Kapitalismuskritik und die Kritik an der imperialen Politik der USA und US-amerikanischer Konzerne in Südamerika aus. Nicht auszudenken, was „Machete“ Robert Rodriguez aus dieser Geschichte gemacht hätte.
P. S.: Es gibt eine zwei Abspannszenen.
Blue Beetle(Blue Beetle, USA 2023)
Regie: Angel Manuel Soto
Drehbuch: Gareth Dunnet-Alcocer (basierend auf DC-Figuren)
mit Xolo Maridueña, Adriana Barraza, Damián Alcázar, Elpidia Carrillo, Bruna Marquezine, Raoul Max Trujillo, Susan Sarandon, George Lopez, Belissa Escobedo, Harvey Guillén
James Bond 007: Im Angesicht des Todes (A View to a Kill, Großbritannien 1985)
Regie: John Glen
Drehbuch: Richard Maibaum, Michael G. Wilson
LV: Ian Fleming: From a view to a kill, 1960 (Tod im Rückspiegel, Kurzgeschichte)
In einer Zeit, als es noch kein Internet gab: Max Zorin will die Computerweltmacht erringen, indem er Silicon Valley flutet. James Bond verhindert das Schlimmste.
Ziemlich müde Angelegenheit von Kleiderständer Moore. Danach war er reif für die Rente. Timothy Dalton übernahm die Rolle des Geheimagenten..
Danach, um 23.05 Uhr, zeigt Pro7 Sean Connerys letzten Einsatz als James Bond: „Sag niemals nie“.
mit Roger Moore, Christopher Walken, Tanya Roberts, Grace Jones, Patrick Macnee, Desmond Llewelyn, Robert Brown, Lois Maxwell, Dolph Lundgren
Wiederholung: Freitag, 25. August, 23.05 Uhr
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Die Kurzgeschichte kann in diesem Sammelband nachgelesen werden
Wer Bram Stokers Roman „Dracula“ gelesen oder eine der vielen Verfilmungen des Romans gesehen hat, weiß, wie die Fahrt der Demeter endet. Die Demeter ist das Frachtschiff, das Graf Dracula und mehrere mit Erde gefüllte Kisten aus seiner Heimat, den Karpaten, nach England befördert. In London möchte er das Nachtleben in sich aufsaugen. Während der Fahrt tötet Dracula die Seeleute. Als die Demeter während eines Orkans in der zur Grafschaft Yorkshire gehörenden Hafenstadt Whitby strandet, ist die gesamte Besatzung tot.
Bram Stoker schildert diese Reise auf wenigen Seiten. In meiner dreihundertseitigen Übersetzung des Romans sind es keine fünf Seiten, in denen es vor allem darum geht, zu erklären, wie Graf Dracula aus seiner Heimat nach England gelangt. Dort spielt dann der größte Teil des Romans. In den Verfilmungen, die für jede Generation von Kinogängern die Figur des blutsaugenden Grafen neu interpretierten, wurde es bislang ähnlich gehandhabt. Die Reise interessierte nicht weiter.
Schon vor über zwanzig Jahren hatte Bragi Schut jr. die Idee, das Logbuch der Demeter als Grundlage für einen Spielfilm zu nehmen. Seine Idee kam bei Produzenten gut an. Anschließend wanderte das Projekt durch viele Hände, bis die Geschichte der letzten Fahrt der Demeter jetzt von André Øvredal verfilmt wurde. Øvredal inszenierte davor „Troll Hunter“ und „Scary Story we tell in the Dark“. Beides durchaus gelungene Genrewerke. Auch sein neuester Film „Die letzte Fahrt der Demeter“ ist ein Horrorfilm, der am besten funktioniert, wenn man ihn als netten altmodischen, zu lang geratenen Grusler goutiert. Denn wofür Øvredal zwei Stunden benötigt, wurde früher in neunzig Minuten erzählt. Wie früher wurde der Film nicht auf einem Schiff, sondern im Studio gedreht und im Zweifelsfall sind Atmosphäre und Schocks wichtiger als Logik und Wahrscheinlichkeit.
Die Länge ist nur ein Problem des Films. Ein anderes ist die Geschichte, die auf dem Logbuch der Demeter basiert und dieses auf Spielfilmlänge erweitert. Dafür werden auch einige neue Figuren erfunden: ein naseweiser Schiffsjunge, ein überqualifizierter Doktor, der hier zum ersten Mal auf der Demeter als Schiffsarzt anheuert, und eine junge Frau, die ihr bisheriges Leben in den Karpaten in dem Dorf verbrachte, das von Graf Dracula beherrscht wird. Gerade Anna ist die problematischste neue Figur. Denn obwohl sie ihr Leben mehr oder weniger mit dem Blutsauger verbrachte und von ihm an Bord geschmuggelt wurde, weiß sie nicht, wie man sich vor ihm schützt oder ihn töten kann. Sie hat weniger Ahnung von Vampiren, ihren Eigenschaften, Stärken und Schwächen als Professor van Helsing, der in „Die letzte Fahrt der Demeter“ nicht auftaucht.
Henry Clemens, der Mediziner, der zurück nach England will und deshalb auf der „Demeter“ anheuert, ist eine okaye neue Figur, die als Wissenschaftler einen van-Helsing-Touch hat. Er kann Menschen verarzten. Beispielsweise Anna, die, als sie auf der Demeter gefunden wird, schwer verletzt ist. Er stellt Vermutungen über die Ursachen ihrer Verletzungen an. Er will herausfinden, was auf der Demeter geschieht. Und er will Dracula besiegen.
Die Seeleute verhalten sich ziemlich idiotisch. So suchen sie den geheimnisvollen Passagier, den einige der Seemänner gesehen habe wollen, bevorzugt nach Einbruch der Dunkelheit. Schließlich ist er tagsüber nicht zu sehen. Auch nachdem sie sehen, wie einige ihrer Kameraden, die von Dracula zu Vampiren gemacht wurden, im Sonnenlicht verbrennen, kommen sie nicht auf die Idee, dass sie den unbekannten Passagier tagsüber suchen und ins Sonnenlicht zerren sollten. Als sie ihm eine Falle stellen, stellen sie diese nachts und in Sichtweite des rettenden Landes. Letztendlich sind sie Vampirfutter.
Graf Dracula ist erst gegen Ende länger im Bild. Er sieht aus wie Nosferatu, also wie Max Schreck in Friedrich Wilhelm Murnaus Stummfilm „Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens“ (eine nicht autorisierte Verfilmung von Stokers Roman) oder wie Klaus Kinski in Werner Herzogs Remake „Nosferatu – Phantom der Nacht“. Allerdings hat Javier Botets Dracula nichts verführerisches. Er ist ein nur nach Nahrung gierendes Monster.
Gerade weil die Macher in „Die letzte Fahr der Demeter“ nicht eine neue Menschen-müssen-auf-einem-Schiff-gegen-ein-Monster-kämpfen-Geschichte erzählen wollen, sondern einen Teil von Stokers „Dracula“-Roman als eigenständigen Film verfilmen wollten, müssen sie auch die gesamte, allseits bekannte Vampirmythologie und die Geschichte des Grafen Dracula beachten. Das führt schon bei der Beladung der Demeter in der Schwarzmeerstadt Warna zu den ersten Problemen. Während die Einheimischen sofort das Zeichen des Grafen Dracula auf einer Kiste erkennen und sich danach weigern, das Schiff weiter zu beladen und mitzufahren, bekommen der Kapitän und seine Stammbesatzungsmitglieder nichts davon mit. Auf See müssen sie sich, wie wir es aus unzähligen anderen Horrorfilmen kennen, immer wieder dumm und irrational verhalten.So verläuft die letzte Fahrt der Demeter dann, mit einigen selbst verschuldeten Problemen, ziemlich vorhersehbar.
Wie es besser geht zeigen die „Sherlock“-Erfindern Mark Gatiss und Steven Moffat in der von ihnen geschriebenen dreiteilige BBC-Miniserie „Dracula“ (mit Claes Bang als Dracula). Die zweite Folge schildert ebenfalls die Geschichte der Überfahrt.
Die letzte Fahrt der Demeter (The last Voyage of the Demeter, USA/Deutschland 2023)
Regie: André Øvredal
Drehbuch: Bragi Schut jr., Zak Olkewicz (basierend auf der Story von Bragi Schut jr.)
LV: Bram Stoker: Dracula, 1897 (Dracula) (genaugenommen nur das wenigen Seiten umfassende Logbuch der Demeter)
mit Corey Hawkins, Aisling Franciosi, Liam Cunningham, David Dastmalchian, Javier Botet, Woody Norman
Der Schneider von Panama (The Tailor of Panama, USA/Irland/Großbritannien 2001)
Regie: John Boorman
Drehbuch: John le Carré, John Boorman, Andrew Davis
LV: John le Carré: The Tailor of Panama, 1996 (Der Schneider von Panama)
Für den britischen Geheimagenten Osnard ist Panama die Endstation, bis er den Nobelschneider Pendel kennen lernt und von ihm – gegen Geld – brisante Regierungsgeheimnisse (die vollkommen erfunden sind) anvertraut bekommt.
Köstliche und sehr britische Demontage der Spionagewelt. Mit Sicherheit viel näher an der Realität, als die Bond-Abenteuer. Brosnan zieht hier als Geheimagent sein Image durch den Kakao.
Mit Pierce Brosnan, Geoffrey Rush, Jamie Lee Curtis, Harold Pinter, Brendan Gleeson, Martin Ferrero, Mark Margolis, Dylan Baker, Daniel Radcliffe
Zum Kinostart schrieb ich über Darren Aronofskys neuen Film:
Seien wir ehrlich: Charlie ist fett und er hat nur ein Ziel: er will sich zu Tode fressen. Die Bedigungen dafür sind in den USA im Königreich des Junkfoods ideal. Er lässt es sich anliefern, verschlingt es und bestellt die nächste Ladung. Geld verdient der Englischlehrer als Universitätsdozent mit Online-Kursen. Seine Studenten würden ihn, falls er überhaupt seine Wohnung verlassen würde, auf der Straße nicht erkennen. Er schaltet die Kamera an seinem Laptop nicht ein; – und diese Geste zeigt immerhin, dass der Feingeist nicht zufrieden mit sich ist.
Der Grund für seine Freßorgie ist der Tod seines über alles geliebten Partners, für den er sich verantwortlich fühlt und den er nicht überwinden kann. Das Essen ist seine Art, sich dafür zu bestrafen.
Das hat er so weit getrieben, dass er jetzt nur noch wenige Tage zu Leben hat. Eine Einweisung in ein Krankenhaus verweigert er. Aber er will noch einmal, nach Jahren, seine siebzehnjährige Tochter sehen.
Nachdem Darren Aronofskys vorheriger Film „Mother“ in einem Landhaus spielte, ist der Schauplatz in „The Whale“ noch reduzierter. Es ist eine kleine Wohnung, die eigentlich nur aus der US-typischen Kombination von Küchenecke und Wohnzimmer besteht. Charlie thront in der Mitte des Raums auf seiner durchgesessenen Couch, die er höchst ungern und nur in Notfällen verlässt.
Der Film basiert auf dem Theaterstück von Samuel D. Hunter, das 2012 seine Premiere hatte. Für die Verfilmung überarbeitete Hunter es etwas. Aber die Konzentration auf einen Schauplatz und eine Figur blieben erhalten. In der Verfilmung sind alle anderen Figuren – Charlies Krankenschwester/Freundin, Charlies Tochter, Charlies Frau und Charlies Essenslieferant – im Verhältnis zu ihm konzipiert. Das gilt auch für den jungen Missionar, der an seine Wohnungstür klopft und von Charlie hereingebeten wird.
Die Kameraarbeit von Aronofskys Stamm-Kameramann Matthew Libatique ist fantastisch. Nie fällt die Beschränkung auf einen Raum negativ auf. Brendan Fraser sieht wirklich immer wieder wie ein gigantische Ungetüm, wie Moby Dick, aus.
Und so kommen wir zu dem größten Schwachpunkt des Films: Brendan Fraser. Er erhielt für diese Rolle viel Kritikerlob, viele Preise, darunter den Oscar als bester Schauspieler, und er feierte sein Hollywood-Comeback; – wie vor fünfzehn Jahren Mickey Rourke in Aronofskys „The Wrestler“.
Fraser zog für die Rolle einen Fatsuit an. Seine schauspielererische Leistung erschöpft sich in einem schelmischem Lächeln. Danach kann man ihm nicht mehr böse sein. Aber die Proportionen stimmen nicht. Fraser sieht, wenn er seine Couch verlässt, nie wie ein dicker Mann, sondern wie Jabba the Hutt aus.
Deshalb fragte ich mich die ganze Zeit, warum nicht einfach ein dicker Schauspieler gecastet wurde. Marlon Brando steht zwar nicht mehr zur Verfügung. Aber John Goodman, Gérard Depardieu oder irgendein anderer Schauspieler, dessen Name mir gerade nicht einfällt, der aber den für diese Rolle passenden Umfang hat, hätte diese Rolle spielen können.
Wer „The Whale“ im Kino verpasste, kann sich das beeindruckende Drama jetzt im Heimkino ansehen.
Und danach (!) das mit fünfzig Minuten erfreulich umfangreiche und sehr informative Bonusmaterial genießen, das zahlreiche Spoiler zur Filmgeschichte enthält. In dem Making of „People are Amazing“, das auch mehrere Statements von Regisseur Darren Aronofsky enthält, und den beiden Interviewclips, – einer mit den Hauptdarstellern Brendan Fraser, Hong Chau und Sadie Sink, einer mit Brendan Fraser und Samuel D. Hunter, dem Autor des Stücks -, wird ausführlich auf Hunters Theaterstück, den autobiographischen Hintergrund, die Bearbeitung des Theaterstücks zu einer in einer kleinen Wohnung spielenden Filmgeschichte, die Konstruktion der Geschichte, die Figuren, ihre Motive und Beziehungen zueinander, das wochenlange gemeinsame Einstudieren des Stücks vor den Dreharbeiten und die darauf folgenden Dreharbeiten eingegangen.
In einem weiteren Featurette spricht Rob Simonsen über seine Filmmusik und wie sie die Filmgeschichte unterstützt.
The Whale (The Whale, USA 2022)
Regie: Darren Aronofsky
Drehbuch: Samuel D. Hunter
LV: Samuel D. Hunter: The Whale, 2012 (Theaterstück)
mit Brendan Fraser, Sadie Sink, Ty Simpkins, Hong Chau, Samantha Morton, Sathya Sridharan
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DVD
Plaion Pictures
Bild: 1.33:1 (16:9)
Ton: Deutsch, Englisch (Dolby Digital 5.1)
Untertitel: Deutsch
Bonusmaterial: People are Amazing: Making of The Whale (23:25 Minuten), Sounds of the Sea: Scoring The Whale (mit dem Komponisten Rob Simonsen) (7:20 Minuten), Interview mit Brendan Fraser, Hong Chau und Sadie Sink (7:35 Minuten), Interview mit Brendan Fraser und Samuel D. Hunter (Drehbuch) (11:16 Minuten), Trailer (deutsch, englisch)
Länge: 112 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Der Film ist auch auf Blu-ray und digital erhältlich.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 