Apocalypse Now – Final Cut (Apocalypse Now, USA 1979)
Regie: Francis Ford Coppola
Drehbuch: John Milius, Francis Ford Coppola
LV: Joseph Conrad: Heart of Darkness, 1899 (Herz der Finsternis)
Während des Vietnamkrieges soll Captain Willard (Martin Sheen) Colonel Kurtz (Marlon Brando), der im Dschungel sein Reich errichtete, suchen und töten.
Klassiker. Heute im 2019 von Francis Ford Coppola erstellen „Final Cut“. Dafür wurde der Film digital restauriert (das Bild ist toll, aber auf der riesengroßen Kinoleinwand zeigen sich auch die Beschränkungen des Ausgangsmaterials) und er lief sogar im Kino.
Von der Länge liegt der dreistündige Final Cut zwischen der kürzeren 1979er Kinoversion und der längeren Redux-Fassung, die für mich die beste Fassung des Films ist. Danach kommt die Kinoversion (in der Fassung sah ich den Film zum ersten Mal). Der „Final Cut“ ist die Fassung, die mich am wenigsten anspricht.
mit Martin Sheen, Robert Duvall, Marlon Brando, Fred Forrest, Sam Bottoms, Albert Hall, Larry Fishburne, Dennis Hopper, Harrison Ford, G. D. Spradlin, Bill Graham
Der exzentrische Starkoch Slowik lädt auf eine abgelegene Insel zu einem Essen ein, das die von ihm ausgewählten Gäste niemals vergessen werden. Falls sie es überleben.
TV-Premiere. Surrealistische Satire, zusammengestellt aus exquisiten Zutaten, aber letztendlich etwas enttäuschend.
mit Ralph Fiennes, Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Hong Chau, Janet McTeer, Reed Birney, Judith Light, Paul Adelstein, Aimee Carrero, Arturo Castro, Rob Yang, Mark St. Cyr, John Leguizamo
Nach „Das Spiel“ und „Doctor Sleeps Erwachen“ legt Mike Flanagan mit „The Life of Chuck“ seine dritte Stephen-King-Verfilmung vor. Es handelt sich um eine Verfilmung der Kurzgeschichte „Chucks Leben“. Sie gehört zu Kings wenigen Nicht-Horrorgeschichten, die dann, wie „Die Verurteilten“ und „Stand by me“, die Vorlage für sehr schöne und beim Publikum sehr beliebte Filme wurden. Das könnte in diesem Fall wieder passieren.
Dabei beginnt „The Life of Chuck“ wie ein schräger Katastrophenfilm.
Während die Welt gerade kollabiert, tauchen in Kalifornien plötzlich überall Reklametafeln auf, auf denen einem gewissen Chuck Krantz für 39 wunderbare Jahre gedankt wird. Zugegeben, dieser Krantz (Tom Hiddleston) sieht in seinem Anzug, der zu einem Bankbeamten oder einem Buchhalter passt, gut aus und er hat ein leicht verkniffenes pseudofreundliches Werbelächeln. Aber offensichtlich wirbt er nicht als austauschbares Modell für irgendein Produkt, sondern er ist diese Person, der gedankt wird – und die niemand kennt. Etwas später ist dieser Chuck Krantz im Radio, in der Luft und als Standbild auf jedem Bildschirm. Er breitet sich wie ein Virus aus.
Marty Anderson (Chiwetel Ejiofor), ein Lehrer, der später keine Rolle mehr spielen wird, fragt sich, während er nach dem Unterricht durch zerstörte Stadt fährt, wer dieser Chuck Krantz sei und wer ihm warum dankt.
In seinem neuen Film „The Life of Chuck“ beantwortet Mike Flanagan diese Frage. Dabei bewegt er sich, wie Stephen King in seiner dem Film zugrunde liegenden Kurzgeschichte, von der Gegenwart immer weiter zurück in die Vergangenheit; sozusagen vom Tod zur Geburt. In kleinen Episoden erfahren wir immer mehr über Chucks Leben, der im Film von Tom Hiddleston, Jacob Tremblay, Benjamin Pajak und Cody Flanagan gespielt wird. Dabei folgt Flanagan nicht stringent rückwärts Chucks Leben. Er schweift immer wieder ab, erzählt aus dem Leben anderer Figuren oder legt eine Pause ein.
So ist ein Höhepunkt eine lange improvisierte Tanznummer in der in der Nähe des Strandes liegenden Einkaufsstraße. Schlagzeugerin Taylor Franck (Taylor Gordon aka The Pocket Queen) trommelt. Menschen versammeln sich. Auch Chuck (Tom Hiddleston), der in seinem Anzug und mit seiner Aktentasche eindeutig auf dem Weg ins Büro ist, bleibt stehen. Irgendwann beginnt er zur Musik zu tanzen, lädt die ihm unbekannte Buchhändlerin Janice Halliday (Annalise Basso) zum Tanz ein und die Schlagzeugerin reagiert auf die beiden Tänzer, die wiederum auf sie reagieren. Es ist eine lange Szene, die als Musical-Nummer die Handlung bestenfalls minimal vorantreibt, und die dennoch noch länger hätte sein können.
Auch später – also wenn Chuck jünger ist – tanzt er gerne und Mike Flanagan zeigt das ausführlich. Sein Film ist eine Abfolge von verschiedene Genres bedienenden Kurzfilmen, die zusammen ein Porträt von Chuck und seiner Welt ergeben. Auch wenn Chuck nicht jede Person kennt, die in dieser Welt lebt und wir teilweise mehr über die Menschen wissen, denen Chuck begegnet als Chuck.
Aus diesen impressionistischen Stimmungsbildern aus einem überaus normalen Leben ergibt sich ein angenehm vor sich hin mäandernder, zutiefst menschenfreundlicher und optimistisch stimmender Film.
„The Life of Chuck“ ist der perfekte Film für einen lauschigen Sommerabend; gerne in einem Open-Air-Kino.
The Life of Chuck(The Life of Chuck, USA 2024)
Regie: Mike Flanagan
Drehbuch: Mike Flanagan
LV: Stephen King: The Life of Chuck, 2020 (Chucks Leben [Kurzgeschichte], enthalten in „If it bleeds“, 2020 [Blutige Nachrichten])
mit Tom Hiddleston, Jacob Tremblay, Benjamin Pajak, Cody Flanagan, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, David Dastmalchian, Matthew Lillard, Carl Lumbly, Taylor Gordon, Annalise Basso, Mia Sara, Mark Hamill, Kate Siegel, Carl Sagan, Nick Offerman (Erzähler, im Original)
Länge: 111 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Die Vorlage
„Chucks Leben“ ist eine der vier in „Blutige Nachrichten“ enthaltenen Geschichten
Stephen King: Blutige Nachrichten
(übersetzt von Bernhard Kleinschmidt)
Heyne, 2021
576 Seiten
11,99 Euro (Taschenbuch)
24 Euro (Hardcover)
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Deutsche Erstausgabe
Heyne, 2020
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Originalausgabe
If it bleeds
Scribner, New York, 2020
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Außerdem: der neue Roman von Stephen King
Privatermittlerin Holly Gibney (bekannt aus „Mr. Mercedes“, „Finderlohn“, „Mind Control“, „Der Outsider“, „Holly“ und einer Geschichte in „Blutige Nachrichten“) muss sich um zwei zeitintensive Fälle kümmern. Sie arbeitet als Personenschützerin für eine Feministin, auf die zahlreiche Anschläge verübt werden. Gleichzeitig soll sie die Durchführung einer Mordserie verhindern. Der Täter kündigte in einem anonymen Schreiben an, wahllos 13 unschuldige und einen schuldigen Menschen umzubringen und so den Tod eines Unschuldigen zu rächen. Er sieht diesen Wahnsinn als einen Akt der Sühne.
Stephen King setzt in seinem Nachwort die Erwartungen so niedrig, dass man schnell zu einem „deutlich besser als erwartet“-Lob kommen kann. King schreibt: „Jetzt bin ich endlich zufrieden damit. Beziehungsweise – ich will aufrichtig sein – zufrieden genug. Es wird nie ganz so, wie ich es mir erhoffte, aber es kommt ein Punkt, wo man loslassen muss.“
Die Kritiker sind jedenfalls größtenteils zufrieden mit Kings neuestem Roman.
Sultanas Traum (El sueño de la sultana, Spanien/Deutschland 2023)
Regie: Isabel Herguera
Drehbuch: Isabel Herguera, Gianmarco Serra
LV: Rokeya Hussain (aka Begum Rokeya bzw. Rokeya Sakhawat Hussain): Sultana’s Dream, 1905 (Kurzgeschichte, erschienen in The Indian Ladies Magazine) (Sultanas Traum)
In Indien entdeckt die Künstlerin Inés eine Kopie von Rokeya Hussains Kurzgeschichte „Sultanas Traum“ über eine paradiesische Welt, in der Frauen die Herrscherinnen sind. Sie begibt sich auf die Suche nach diesem Land.
TV-Premiere. Erzählerisch in drei unterschiedlich gelungene Teile zerfallender Trickfilm mit durchgehend überzeugenden Bildern.
Oksana ‚Oxana‘ Schatschko war eine Künstlerin und Mitgründerin und bekannte Aktivistin von Femen. Das war eine kurzlebige, offiziell am 11. April 2008 in der ukrainischen Hauptstadt Kiew gegründete Protestgruppe von jungen Frauen, die gekonnt die Aufmerksamkeitsökonomie der Medien und des großen Publikums bedienten. Anstatt bei politischen Veranstaltungen schreiend Protestschilder hochzuhalten, schrieben die Studentinnen ihre Protestbotschaft gegen sexuellen Missbrauch und Sextourismus auf ihren nackten Oberkörper und präsentierten der ganzen Welt ihren entblößten Busen. Sie – jedenfalls die Frauen, deren Bilder um die Welt gingen – sahen überaus gut aus. Die politische Botschaft blieb, notgedrungen, plakativ. Sofern sie überhaupt wahrgenommen wurde zwischen den halbnackten Frauen und den sie aus dem Saal zerrenden vollständig bekleideten Männern.
Nach einigen Jahren verschwand die Femen-Bewegung ohne größer Spuren zu hinterlassen aus dem Scheinwerferlicht der Öffentlichkeit.
In ihrem, und das wird schon am Anfang des Films gesagt, sich Freiheiten nehmendem Biopic „Oxana – Mein Leben für Freiheit“ erzählt Charlène Favier nun die Geschichte von Oksana Schatschko, gespielt von Albina Korzh, die vorzüglich lange stumm in die Landschaft blicken kann. Favier erzählt Oxanas Leben vor allem in Andeutungen und im wesentlichen auf zwei Zeitebenen. Die eine spielt in der Ukraine; zu einem geringeren Teil während ihrer Jugend, als die am 31. Januar 1987 in der ukrainischen Provinzstadt Chmelnyzkyi geborene Oksana Schatschko als Ikonenmalerin ihr erstes Geld verdient, und zu einem größeren Teil in Kiew, wo sie mit ihren Freundinnen als Femen-Aktivistinnen für Aufruhr sorgten. Die zweite Zeitebene spielt in Paris und konzentriert sich auf ihren letzten, anscheinend komplett erfundenen Tag. Seit 2013 war Schatschko in Frankreich als politischer Flüchtling anerkannt. Der Film endet am 23. Juli 2018 wenige Stunden vor dem Beginn einer ihrer Ausstellungen mit ihrem Suizid in ihrer Wohnung.
So weit, so gut.
Dieses Leben könnte die Basis für ein mitreißendes Biopic über eine kämpferische Frau gegen das Establishment sein.
Aber „Oxana“ reiht sich nahtlos in die jüngeren Biopics über Frauen ein. Es hat die gleichen Probleme wie das letzte Woche gestartete Biopic „Leonora im Morgenlicht“ über die Surrealistin Leonora Carrington. In diesem Fall interessiert sich das Biopic nicht für die Femen-Bewegung und nicht für das Werk von Oksana Schatschko; – obwohl wir hier wenigstens ihre Werke sehen. Sie wird, wie die Protagonistinnen in den anderen Biopics über Frauen, auf ihre psychischen Probleme und ihren Körper reduziert.
Das Gesamtergebnis ist deswegen, wieder einmal, ärgerlich. Einzelne gelungene Szenen und gute Schauspielerinnen ändern nichts daran. „Oxana – Mein Leben für Freiheit“ ist nur ein weiterer Film über eine Frau mit psychischen Problemen,der behauptet, etwas über die real existierende Person erzählen zu wollen. Dabei steht in diesem Fall, ausgehend von dem Hinweis am Filmanfang, dass sich Freiheiten genommen wurden, sogar jedes Bild im Verdacht, eine durch keinerlei Fakten gedeckte Erfindung der Regisseurin zu sein.
Wer jetzt denkt, das sei etwas harsch formuliert, möge mir entsprechende Biopics über Männer nennen, in denen wir nichts über ihre Arbeit, viel über ihr Privatleben und noch mehr über ihre psychischen Probleme erfahren, die bestenfalls rudimentär, falls überhaupt, mit ihrem künstlerischen Schaffen verknüpft werden.
Er kann mir dann auch gleich eine Handvoll Biopics über Männer nennen, bei denen im Filmtitel nur der Vorname des Porträtierten genannt wird. „Elvis“, über Elvis Presley, ist in diesem Fall höchstens ein halber Treffer und die Ausnahme von der Regel.
Oxana – Mein Leben für Freiheit(Oxana, Frankreich 2024)
Regie: Charlène Favier
Drehbuch: Diane Brasseur, Charlène Favier, Antoine Lacomblez
Sechziger Jahre auf Erde 828 (die sich in einigen Teilen von unserer Erde unterscheidet): die Fantastic Four beschützen die Menschen vor bösen Wesen. Sie sind eine All-American-Familie, die als erste einen Flug in den Weltraum unternahmen. Dort wurden ihre Körper kosmischer Strahlung ausgesetzt. Ihre Moleküle veränderten sich. Seitdem verfügen sie über individuelle Superkräfte.
Die Fantastic Four sind ‚Mr. Fantastic‘ Reed Richards (Pedro Pascal), seine Frau ‚Die Unsichtbare‘ Sue Storm (Vanessa Kirby) (also sie kann sich unsichtbar machen), ihr Bruder ‚Die menschliche Fackel‘ Johnny Storm (Joseph Quinn) und ihr Freund ‚Das Ding‘ Ben Grimm (Ebon Moss-Bachrach). In ihrer Zentrale leben sie zusammen, forschen und treffen sich zum gemeinsamen Abendessen. Sie genießen ihre Berühmtheit, freuen sich auf die Geburt eines Babys und klönen in ihrer Vierer-WG munter vor sich hin. Es ist ein perfektes Leben bis aus dem Weltall der ‚Silver Surfer‘ Shalla-Bal (Julia Garner) – eine silberne Frau auf einem silbernem Surfbrett (Comicleser kennen sie eher als Mann) – auftaucht und sie darüber informiert, dass der Weltraumgott Galactus (Ralph Ineson) demnächst die Erde verspeisen werde. Die Fantastic Four wollen das verhindern – und das ist dann auch so ziemlich die Story von „The Fantastic Four: First Steps“, dem 37. Film aus dem Marvel Cinematic Universe (MCU) und dem ersten richtigen, spielfilmlangen Auftritt dieser Heldentruppe im MCU. Matt Shakmans Film ist der Auftakt der sogenannten „Phase 6“, die auch den Abschluss der hoffnungslos verkorksten „ Multiverse Saga“ bildet. Diese wird nächstes Jahr im Juli mit „Spider-Man: Brand New Day“ und im Dezember mit „Avengers: Doomsday“ fortgesetzt. Dann sind die Fantastic Four auch wieder dabei wenn das Universum vor dem Untergang gerettet wird.
„First Steps“ ist ein überwältigend durchschnittlicher Film. Er ist zu gut für einen Verriss, aber auch viel zu schlecht für eine euphorische Kritik.
Auf der Plus-Seite steht eindeutig die liebevolle Neu-Erschaffung der sechziger Jahre durch die Linse damaliger Filme, Serien und Science-Fiction-Geschichten, in denen munter Zukunftsvisionen eines immer automatischeren Hauses, hilfsbereiten Robotern, fliegenden Autos und Kurztrips ins Weltall ersonnen wurden. Während die USA und die Sowjetunion sich in der Realität gerade einen Wettlauf um die Eroberung des Weltalls lieferten, fantasierten Autoren sich als utopische Begleitmelodie Besuche fremder Welten und Treffen mit Wesen von anderen Planeten zusammen.
Die von Josh Friedman, Eric Pearson, Jeff Kaplan und Ian Springer ersonnene Geschichte erschöpft sich zuerst in banalen Kabbeleien am Esstisch, die sich nicht wahnsinnig von ähnlich gelagerten TV-Serien unterscheiden und einer sehr gradlinig auf die finale Schlacht mit dem austauschbaren ‚Bösewicht der Woche‘ hinauslaufende Geschichte. Sie hat weniger Wendepunkte als eine Folge einer altmodischen Science-Fiction-Serie. Immerhin sind die Effekte besser und die Kämpfe länger. Viel länger.
Das alles versprüht ein wohliges Retro-Gefühl. Es weckt Erinnerungen an einfachere Zeiten, als der Weltraum noch das unbekannte Ziel der Träume war und ein gut gezielter Kinnhaken jedes Problem löste. Die Guten waren gut. Die Bösen böse. Zwischentöne gab es nicht und die als Vorbild dienende christlich-weiße Kernfamilie war noch intakt.
Aber die damaligen Storymodelle und die damals herrschende Weltanschauung sind veraltet. Vor allem wenn sie den Geist damaliger Comics (ihren ersten Auftritt hatten die Fantastic Four im November 1961) und TV-Serien ohne Brüche, ironische Doppelkodierungen oder Weiterentwicklungen einfach wiederbelebt wird. Shakmans „The Fantastic Four: First Steps“ wirkt durchgehend wie ein in den frühen sechziger Jahre entstandener Film, bei dem nur die Spezialeffekte und die Schauspieler verraten, dass der letztendlich museale Film erst heute gedreht wurde.
Nach „Cut Bank: Kleine Morde unter Nachbarn“ (2014) ist „The Fantastic Four: First Steps“ der zweite Spielfilm von Matt Shakman. Seit 2002 inszenierte er teils mehrere Episoden für TV- und Streamingserien, wie „Dr. House“, „Psych“, „Fargo“, „It’s always sunny in Philadelphia“, „Game of Thrones“, „The Boys“ und „WandaVision“.
P. S.: Wie gewohnt gibt es im und nach dem Abspann jeweils eine Szene. Die erste ist ein in Fankreisen schon lange bekannter Hinweis auf kommende Ereignisse, die zweite ein Gag.
The Fantastic Four: First Steps(The Fantastic Four: First Steps, USA 2025)
Regie: Matt Shakman
Drehbuch: Josh Friedman, Eric Pearson, Jeff Kaplan, Ian Springer (nach einer Geschichte von Eric Pearson, Jeff Kaplan, Ian Springer und Kat Wood)
LV: Figuren von Stan Lee und Jack Kirby
mit Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn, Ebon Moss-Bachrach, Ralph Ineson, Julia Garner, Paul Walter Hauser, Natasha Lyonne, Sarah Niles, Mark Gatiss
Barry Egan ist Unternehmer. Allerdings läuft sein Verkauf von Kitschartikeln eher schlecht. Seine sieben Schwestern erdrücken ihn mit ihrer Fürsorge. Ein Telefonsex-Anbieter versucht ihn zu erpressen. Und er selbst findet die Welt immer wieder etwas ver-rückt. Da wird in der Einfahrt zu seinem Garagengeschäft ein alte Harmonium abgestellt und er trifft die überaus liebenswerte Lena.
„Punch-Drunk Love“ ist ein wundervoll derangierter Film. Wie die Hauptfigur, die am amerikanischen Traum, der Realität, seiner Familie (sieben Schwestern!) und sich selbst verzweifelt ohne zu scheitern. Denn Paul Thomas Anderson erzählt gleichzeitig eine romantische Liebesgeschichte mit psychedelischen Einschüben.
Paul Thomas Andersons neuer Film „The Battle of Baktan Cross“ (One Battle After Another) läuft am 25. September 2025 an.
mit Adam Sandler, Emily Watson, Philip Seymour Hoffman, Luis Gusmán, Mary Lynn Rajskub, Robert Smigel
Zwölf Jahre nach dem äußerst blutigen Ende der Superhelden – – Hm, hier muss ich eine Erklärung einschieben. Denn nicht jeder weiß, dass Autor Garth Ennis und Zeichner Darick Robertson 2006 ihre Superheldenserie „The Boys“ starteten. In dieser Comicserie sind Superhelden ein von der Industrie gepushtes Produkt, mit dem sie viel Geld verdienen. Die Superhelden haben zwar einige Superkräfte, aber im Kern sind sie unverantwortliche Teenager, die durch ihre Selbstüberschätzung und Inkompetenz immer wieder Katastrophen verursachen oder befördern. Die Werbeabteilung des multinationalen Konzerns Vought-American, denen die Superhelden gehören, präsentiert dann heroische Geschichten für ihre Taten. Verantwortung für ihre Taten müssen sie nicht übernehmen. Hier kommen Billy Butcher und seine „Boys“ ins Spiel. Sie sind eine von der CIA gegründete klandestine Einheit, die die Superhelden immer wieder in ihre Schranken verweist. Der Einsatz übermäßiger Gewalt ist okay. Neuester Zugang im Team ist Hughie Campbell. Seine von ihm über alles geliebte Freundin wurde von einem durch die Straße rasenden Superhelden zerstückelt. Während Hughie noch versucht, seinen Verlust zu verarbeiten, bietet ihm Butcher eine Mitarbeit bei den Boys und die damit verbundene Möglichkeit, den Tod seiner Freundin zu rächen, an.
In den folgenden insgesamt zweiundsiebzig regulären Serienheften und achtzehn ergänzenden Sonderheften, die von Oktober 2006 bis November 2012 bei Wildstorm und, ab dem siebten Heft, bei Dynamite Entertainment erschienen, erzählen Ennis und Robertson in oft expliziten Bildern und Worten, eine überaus gewalttätige und in jeder denkbaren Beziehung expliziten Serie von diesem Kampf.
Als Amazon Prime Video am 26. Juli 2019 die erste Staffel ihrer auf den Comics basierenden Streamingserie „The Boys“ veröffentlichte, schrieb Garth Ennis so etwas wie einen ausführlichen, acht Hefte umfassenden Epilog. Russ Braun zeichnete die auf mehreren Zeitebenen spielende Geschichte, die zwölf Jahren nach dem Ende der Superhelden spielt (nachzulesen in dem „The Boys“-Sammelband „Vergeltung hat ihren Preis“).
Hughie lebt mit seiner neuen großen Liebe ‚Starlight‘ Annie January (als er sie kennen lernte, wusste er nicht, dass sie eine Superhelden-Novizin war) ein ruhiges und friedliches Leben in Schottland in seinem Geburtsort Auchterladie. Eines Tages erhält er ein Paket mit dem Tagebuch von Billy Butcher. Er beginnt es zu lesen.
„Liebe Becky“ ist für die Fans der Serie ein gelungener Epilog, der einige echte und vermeintliche Lücken ausfüllt und der zeigt, wie sehr Hughie immer noch von den damaligen Ereignissen traumatisiert ist.
–
Garth Ennis/Russ Braun: The Boys – Liebe Becky (Band 7)
Shutter Island, 1954: U. S. Marshall Teddy Daniels und sein neuer Partner Chuck Aule sollen auf Shutter Island herausfinden, wie die Mehrfachmörderin und Patientin Rachel Solando aus dem streng abgesicherten Hospital entkommen konnte. Schnell ist Daniels einer größeren Verschwörung auf der Spur. Aber kann er seinen Sinnen noch trauen?
Und was kann bei dem Team Scorsese/DiCaprio schon schief gehen? Vor allem wenn sie als Spielmaterial einen spannenden Thriller von Dennis Lehane haben.
Nun, entgegen der allgemeinen Euphorie fand ich „Shutter Island“ todsterbenslangweilig und ungefähr so subtil wie Scorseses John-D.-MacDonald-Verfilmung „Kap der Angst“ (Cape Fear, USA 1991). Lehanes Roman ist dagegen grandios.
Mit Leonardo DiCaprio, Ben Kingsley, Mark Ruffalo, Max von Sydow, Michelle Williams, Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Jackie Earle Haley, Ted Levine, John Carroll Lynch, Elias Koteas
Die Vorlage für Rainer Werner Fassbinders letzten Film, der ruhig mal im Fernsehen laufen oder in Deutschland auf Blu-ray/DVD veröffentlicht werden könnte.
Die Unbestechlichen – The Untouchables (The Untouchables, USA 1987)
Regie: Brian De Palma
Drehbuch: David Mamet
Grandioser Gangsterfilm über den Kampf von Eliot Ness und seiner unbestechlichen Mitstreiter gegen Al Capone.
„Mit der ihm eigenen formalen Brillanz hat Brian De Palma diesen authentischen Fall inszeniert. Seine Liebe zum Detail, ausgeklügelte Kamerafahrten und Einstellungen, Ennio Morricones emotionaler Soundtrack und die lakonisch-präzise Charakterisierung der Personen machen den Film zu einem Augen- und Ohrenschmaus.“ (Fischer Film Almanach 1988)
Sean Connery gewann den Oscar als bester Nebendarsteller.
Mit Kevin Costner, Robert de Niro, Sean Connery, Charles Martin Smith, Andy Garcia, Jack Kehoe
Iraqi Odyssey – Meine Familie aus Bagdad (Schweiz/Deutschland/Irak 2014)
Regie: Samir
Drehbuch: Samir
Samir erzählt die Geschichte seiner Familie, die aus dem Irak flüchten musste und heute verstreut auf der ganzen Welt lebt, und seines Geburtslandes Irak von den fünfziger Jahren bis in die Gegenwart.
Leider wird die von Samir selbst auf auf neunzig Minuten gekürzte Version gezeigt.
Dabei langweilt auch die dreistündige Version in keiner Sekunde – und sie eröffnet einen anderen Blick auf das Land.
Das erstaunliche Leben des Walter Mitty (The Secret Life of Walter Mitty, USA 2013)
Regie: Ben Stiller
Drehbuch: Steven Conrad
LV: James Thurber: The Secret Life of Walter Mitty, 1939 (Walter Mittys Geheimleben, Kurzgeschichte, Erstveröffentlichung in „The New Yorker“)
Walter Mitty arbeitet im Fotoarchiv des „Life Magazine“ und in seiner Fantasie erlebt er die tollsten Abenteuer. Sein Leben ändert sich, als auf dem Titelbild der letzten Ausgabe des Magazins ein von dem wagemutigem Fotografen Sean O’Connell gemachtes Bild erscheinen soll. Denn dummerweise findet Mitty das Negativ nicht. Also macht er sich auf den Weg. Er sucht O’Connell und erlebt dabei die erstaunlichsten Abenteuer.
Eine Frau mit berauschenden Talenten (La daronne, Frankreich 2020)
Regie: Jean-Paul Salomé
Drehbuch: Hannelore Cayre, Jean-Paul Salomé, Antoine Salomé (Zusammenarbeit)
LV: Hannelore Cayre: La daronne, 2017 (Die Alte)
Patience Portefeux (Isabelle Huppert) kommt als schlecht bezahlte Übersetzerin für das Pariser Drogendezernat gerade so über die Runden. Als sie bei einem Telefonat von einem großen Drogendeal erfährt, in den der Sohn einer Pflegerin ihrer Mutter involviert ist, hat sie eine Idee. Kurz darauf hat sie anderthalb Tonnen Haschich im Keller eines Mietshauses gelagert und sie beginnt die Drogen an die richtigen Männer zu verkaufen. Während die Polizei unbedingt die neue Drogengroßhändlerin schnappen will.
Wundervollen Krimikomödie zu einer berauschenden Uhrzeit.
Martin Cruz Smith ( 3. November 1942,Reading, Pennsylvania – 11. Juli 2025 in San Rafael, Kalifornien)
Erst jetzt, via einer Mitteilung seines Verlags Simon & Schuster, macht die Nachricht von seinem Tod die Runde. Martin Cruz Smith, der Erfinder von Arkadi Renko, starb bereits am 11. Juli. Er hatte Parkinson.
Arkadi Renko hatte seinen ersten Auftritt 1981 in dem in Moskau spielendem Thriller „Gorki Park“. Der mit dem CWA Gold Dagger ausgezeichnete Roman war für Smith, der in den siebziger Jahren bereits mehrere Spannungsromane, teils unter Pseudonym (u. a. Simon Quinn und Nick Carter), veröffentlichte, der große, weltweite Durchbruch. In dem Roman 1980 spielendem Thriller muss Chefinspektor Arkadi Renko den Mord an drei im Gorki Park ermordeten Menschen aufklären. Eine Verfilmung und in den folgenden Jahren zehn weitere Renko-Romane folgten. Der letzte, „Hotel Ukraine“, erschien im Original am 8. Juli. In den elf Renko-Thrillern, die unabhängig voneinander gelesen werden können, zeichnet Martin Cruz Smith die Entwicklungen in der Sowjetunion in den vergangenen Jahrzehnten nach.
Parallel dazu schrieb er vier historische Standalone-Thriller, die ebenfalls von der Kritik gelobt und seinen Lesern geliebt wurden.
Zünftige Truckeraction von Sam Peckinpah mit einer hauchdünnen Story (Sheriff Wallace verfolgt Trucker Rubber Duck nach einer Kneipenschlägerei quer durch das Land. Immer mehr Trucker schließen sich Rubber Duck an. Die Polizei rüstet hemmungslos gegen die Gesetzlosen auf.) und vielen Autostunts.
Die Dreharbeiten waren ziemlich chaotisch, die alten Peckinpah-Fans enttäuscht, viele Jüngere (auch ich) wurden durch „Convoy“ zum Peckinpah-Fan und an der Kinokasse war der Film auch erfolgreich.
„Fraglos ist dies Peckinpahs lässigster, nettester und harmlosester Film.“ (Ulrich von Berg: Sam Peckinpah – Ein Outlaw in Hollywood, 1987)
„ action-betontes Popcornkino (…) ein weniger bedeutender Film Peckinpahs“ (Mike Siegel: Passion & Poetry – Sam Peckinpah in Pictures, 2003)
mit Kris Kristofferson, Ali MacGraw, Ernest Borgnine, Burt Young, Madge Sinclair, Seymour Cassel
„Leonora im Morgenlicht“ reiht sich ein in eine Reihe neuerer ‚Biopics‘, die alle einige ärgerliche Gemeinsamkeiten haben und weil ich gleich auf diese Gemeinsamkeiten eingehe, bin ich vielleicht etwas ungerecht gegenüber „Leonora im Morgenlicht“.
Vor einigen Jahren war es ein beliebter Vorwurf gegen Biopics, dass sie nur ein verfilmter Wikipedia-Artikel seien. Brav und chronologisch wurde das Leben des Porträtierten von der Wiege bis zur Bahre nachgezeichnet. Das Ergebnis war meistens ziemlich langweilig. Deutlich gelungener waren Biopics, die sich, wie „Selma“, auf einen Aspekt oder einen wichtigen Moment im Leben des Porträtierten konzentrieren.
Jetzt gibt es zwei neue Trends. Der eine und sehr begrüßenswerte Trend ist, dass es auch Biopics über vergessene Personen gibt. Meistens handelt es sich dabei um Frauen, deren Leistungen bislang nicht wirklich gewürdigt wurden oder deren Leistungen in Vergessenheit gerieten. Diese Biographien können einen vollkommen neuen Blick auf die Geschichte eröffnen.
Der andere Trend ist, dass in dem Film ein mehr oder weniger langer Abschnitt im Leben des Porträtierten gezeigt wird, in dem er noch nicht bekannt war. Seine spätere Berühmheit ist in dem Moment noch nicht einmal ein spinnerter Traum. So schildert „Saint-Exupéry“ Antoine de Saint-Exupérys Suche nach seinem besten Freund, der bei einem eigentlich unmögliche Flug über die Anden spurlos verschwindet. Das ist eine spannende Geschichte, die als Abenteuerfilm mit anderen Namen genausogut funktionieren würde. Schließlich spielt die Geschichte Jahre bevor Saint-Exupery „Der kleine Prinz“ schrieb.
Oder „Niki de Saint Phalle“ und eben jetzt „Leonora im Morgenlicht“. Beide Künstlerbiopics enden vor ihrem Durchbruch und noch bevor sie ihre bekanntesten Werke schufen. In beiden Biopics wird das Werk der Künstlerin nicht gezeigt und es wird auch nichts über ihre künstlerische Vision gesagt. Ihre Ideen und ihr Werk bleiben eine Leerstelle. Im Abspann wird dann in wenigen Worten darauf hingewiesen, dass XYZ später eine wichtige Künstlerin wurde.
Beide Male, schließlich sind Niki de Saint Phalle und Leonora Carrington keine unbekannten Künstlerinnen, sollte es sicher zu einer Neubetrachtung ihres Lebens und ihrer Leistungen kommen. Beide Male scheitert der Film. Nicht grandios, sondern erbärmlich.
Diese Ignoranz gegenüber ihrem Werk wiederholt dann, mit einer kleinen Änderung, nur altbekannte Vorurteile über das künstlerische Schaffen von Frauen.
Früher – und dafür müssen wir gar nicht so weit in die Vergangenheit zurückblicken – wurde, so die allgemein akzeptierte Erzählung, große Kunst von Männern gemacht. Frauen waren bestenfalls ihre Musen. Wenn sie sich dann doch künstlerisch betätigten, schufen sie bestenfalls Werke minderer Qualität, die von einem Kunstkritiker getrost ignoriert werden konnten. Und Frauen waren hysterisch, frigide, wahnsinnig, verrückt und immer kurz vor einer Einweisung in ein Irrenhaus. Sie waren schön anzusehendes Beiwerk.
Dieses Bild reflektiert die gesellschaftlichen Verhältnisse, in denen Frauen nur als Teil des Mannes existieren durften. Über die Qualität der Arbeiten der Künstlerinnen sagt es nichts aus.
In den neueren Filmen soll es eine Neubetrachtung geben. Die porträtierte Frau soll vom Objekt zum Subjekt werden. Ihre Leistungen sollen anerkannt werden. Das ist die lobenswerte Absicht. In den jüngst entstandenen Biopics werden dann die alten Muster einfach wiederholt.
Früher war die Frau hysterisch und wurde in eine psychiatrische Klinik eingewiesen und nach dem damaligen Stand der Wissenschaft behandelt. Mit ihren Werken musste man sich nicht beschäftigen, weil sie nicht zurechnungsfähig war.
Heute ist, wie „Niki de Saint Phalle“ und „Leonora im Morgenlicht“ zeigen, die Frau hysterisch und wird in eine psychiatrische Klinik eingewiesen. Ihre Werke, die wir nicht sehen, sind, so behauptet der Film, gut, weil sie in einer Klinik war und eine Frau ist.
Früher waren ihre Werke schlecht, weil sie eine Verrückte war; heute sind ihre Werke gut, weil sie eine Verrückte war. Über ihre Werke wird damals und heute nicht geredet. Heute ist diese Missachtung des Werkes der Künstlerin allerdings schmerzhafter als früher. Denn jetzt wollen die Regisseurinnen (in diesem Fall sind es fast ausschließlich Frauen) die Leistungen einer Geschlechtsgenossin feiern. Und sie tun es dann nicht.
Immer wieder – Margarethe von Trottas desaströses Drama „Ingeborg Bachmann – Reise in die Wüste“ oder Charlène Faviers „Oxana“ (das Biopic über die Femen-Gründerin/Künstlerin Oxana Schatschko läuft nächste Woche an) müssen hier ebenfalls erwähnt werden – wird die porträtierte Frau auf das Hysterische und ihr Aussehen reduziert.
Neben der Missachtung des Werkes der Surrealistin Leonora Carrington (1917 – 2011), das inzwischenn zu Höchstpreisen verkauft wird, hat das von Thor Klein und Lena Vurma geschriebene und inszenierte Biopic „Leonora im Morgenlicht“ mit weiteren Problemen zu kämpfen. Sie erzählen Leonora Carringtons Leben sehr elliptisch. Ein Zusammenhang zwischen den einzelnen Szenen und warum diese Episoden für Carringtons Leben und Werk wichtig sind, ist kaum bis überhaupt nicht erkennbar. Die lahmen Dialoge erschöpfen sich in nebulösen Andeutungen. So wird mehrmals gesagt, sie habe schlimmes erlebt, aber es wird niemals deutlich gesagt, welche schlimmen Erlebnisse genau gemeint sind. Hintergrundgeräusche, auch bei einer Künstlerparty in einer Pariser Wohnung, sind fast nie zu hören. Das verleiht dem gesamten Film eine unnatürlich-künstliche Atmosphäre. Dass Dialoge oft ohne Schnitt aufgenommen wurden, ist nicht schlecht. Aber die gewählten Blickwinkel und was im Bild fokussiert wurde, irritieren immer wieder. Dazu kommen eine vollkommen unvermittelt kommende Sexszene von Carrington mit ihrem Liebhaber Max Ernst und, kurz darauf, eine ebenso unvermittelte und überflüssige Nacktszene von ihr auf dem Dach eines Bauernhofs. Beide Male darf die sich erfolgreich um maximale Ausdruckslosigkeit bemühende Carrington-Darstellerin Olivia Vinall ihren wohlproportionierten Körper zeigen. Beide Male ist es vollkommen unwichtig für die zwischen 1938 und den frühen fünfziger Jahren, zwischen Paris, Südfrankreich, Spanien (mit einem Klinikaufenthalt) und an verschiedenen Orten in Mexiko spielende Filmgeschichte.
„Leonora im Morgenlicht“ ist kein verfilmter Wikipedia-Artikel. Aber es ist eine gute Idee, vor oder nach dem Film den Wikipedia-Artikel über Leonora Carrington zu lesen. Dann werden einige Episoden verständlicher, man begreift ihre künstlerische Leistung und erfährt, dass sie nicht nur eine Malerin war. Danach kann man weiterklicken zu den Texten über den Surrealismus.
Leonora im Morgenlicht (Deutschland/Mexiko/Großbritannien/Rumänien 2025)
Regie: Thor Klein, Lena Vurma
Drehbuch: Thor Klein, Lena Vurma
LV: Elena Poniatowska: Leonora, 2011 (Frau des Windes)
mit Olivia Vinall, Alexander Scheer, István Téglás, Ryan Gage, Cassandra Ciangherotti, Luis Gerardo Méndez, Wren Stembridge
Länge: 103 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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internationaler Titel: Leonora in the morning light
Außerdem: Arte präsentiert die Doku „Leonora Carrington – Fantastische Surrealistin“ (USA 2017, Regie: Teresa Griffiths):
Leonora Carrington lebte und arbeitete im Paris der Surrealisten an der Seite von Künstlern wie Max Ernst, André Breton und Pablo Picasso – und starb dennoch als weitgehend Unbekannte in Mexiko-Stadt. Die Dokumentation folgt dem bemerkenswerten Lebensweg der Künstlerin entlang ihres ungewöhnlichen und bewegenden Werks, das in jüngster Zeit Millionen-Dollar-Preise erzielt.
Ihre Bilder sind voller märchenhafter Figuren, tierischen Mischwesen und mystischen Szenen – die britisch-mexikanische Künstlerin Leonora Carrington schuf in ihrem umfangreichen Werk eine traumhaft-poetische Gegenwelt.
Carrington war eine weibliche Ikone des Surrealismus und mischte mit ihrer Extravaganz und ihrem provokanten Stil die männlich dominierte Künstlerbewegung im Paris der 1930er Jahre auf. 1937 zog sie mit ihrem Geliebten, dem deutschen Maler Max Ernst, nach Saint-Martin-d’Ardèche, doch der Zweite Weltkrieg sowie eine schwere Nervenkrise brachte das Paar auseinander und zwang Leonora Carrington zur Emigration.
1942 verließ Carrington Europa in Richtung New York, ein Jahr später zog sie nach Mexiko-Stadt, wo sie den ungarischen Fotojournalisten Chiki Weisz heiratete und ihr künstlerisches Schaffen und ihre fantasievollen Ausdrucksformen weitertrieb. Bis ins hohe Alter hinein arbeitete sie rastlos an zahlreichen Skulpturen, Zeichnungen und Gemälden, die in den großen Museen der Welt zu sehen sind. Nebenbei schrieb sie Erzählungen, Romane und Theaterstücke von hoher dichterischer Kompetenz.
In einer reichen Mischung aus animierten Gemälden, kunstvoll gestalteten Tableaus, Archivmaterialien, Zitaten aus ihren literarischen Texten und Interviews mit Experten, Weggefährten und Familienmitgliedern erkundet die Dokumentation das Leben und Werk einer der wichtigsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, deren poetischer Wagemut bis heute Zeichen setzt.
Die BBC-Koproduktion wurde 2018 als „Best Arts Documentary“ mit dem renommierten John Grierson Award ausgezeichnet.
Im Moment wird in Großbritannien, ausgehend von einer ausführlichen Reportage im „Observer“, über den Wahrheitsgehalt von „Der Salzpfad“ gestritten. Dabei geht es mehr um Raynor Winns Sachbuch-Bestseller als um Marianne Elliotts darauf basierendem Film.
Buch und Film erzählen, wie Raynor (Gillian Anderson) und Moth Winn (Jason Isaacs), nach dem Verlust ihres Hauses, sich auf eine über tausend Kilometer lange Wanderung entlang der Küste Südenglands begeben. Sie wollen den South West Coast Path von seinem Startpunkt in Minehead, Somerset, entlang der Küste von Devon und Cornwall bis nach Poole Harbour, Dorset, abwandern. Sie haben keine Erfahrung mit längeren Wanderungen. Ihre Ausrüstung probieren sie zum ersten Mal auf der Wanderung aus. Als Führer haben sie ein zerfleddertes Wanderbuch. Außerdem ist Moth krank. Er hat
Kortikobasale Degeneration (CBD), eine unheilbare, seltene neurodegenerative Erkrankung des Nervensystems. Anstrengende Wanderungen können sie rapide verschlimmern.
Elliotts Film gehört in das erfolgreiche, inhärent zur Banalität neigende Genre der Wandererfilme, in denen der Protagonist sich auf eine lange Wanderung durch fotogene Landschaften begibt und zu sich selbst findet. Gerne greifen die Filme auf Bestseller zurück. So ist schon ein Grundpublikum vorhanden. Den Rest besorgt die Zuarbeit verschiedener Touristenbüros, die dann wiederum mit dem Film werben können. Es sind Feelgood-Filme für ein älteres Publikum, das anderen Menschen zusehen will, wie sie Bilanz über ihr bisheriges Leben ziehen und sich dabei nach dem Sinn des Lebens fragen.
Schon beim Ansehen des Films waren für mich zwei Punkte seltsam, die auch von Chloe Hadjimatheou in ihrer „Observer“-Reportage (erste Reaktionen) aufgegriffen wurden. Nämlich der rapide Abstieg des Ehepaares von anscheinend durchaus vermögenden Unternehmern zu Obdachlosen, weil sie schlecht beraten, betrogen und zu Unrecht verurteilt wurden, und die wundersame Heilung von Moth durch die Wanderung. Sicher, Ärzte können sich irren (wobei sich bei ihm viele Ärzte über viele Jahre geirrt haben müssen) und es gibt wundersame Genesungen. Trotzdem ist es etwas seltsam und ziemlich gefährlich, jeden ärztlichen Rat zu ignorieren und mit dem Beginn der Wanderung auf die verschriebenen Tabletten (jaja, nicht immer sind Tabletten gut) zu verzichten.
Hadjimatheou schreibt, dass die Winns vor ihrer Wanderung in halbseidene, möglicherweise eindeutig betrügerische Finanzgeschäfte verwickelt waren. Sie hatten Schulden und besaßen in Frankreich eine schon seit Ewigkeiten baufällige Bruchbude. Unabhängig von persönlicher Schuld und Unschuld waren sie nicht so unschuldig und arm, wie sie in ihrem Buch und damit verbundenen öffentlichen Auftritten suggerieren. Im Film wird diese Geschichte als Hintergrundgeschichte in Rückblenden nur kurz angerissen.
Die für die Reportage von ihr befragten Ärzte bezweifeln, dass Moth CBD hat. Ihnen sei kein Fall bekannt, in dem an CBD erkrankte Menschen so lange und so schmerz- und symptomfrei lebten. Normalerweise würden sie nach der Diagnose innerhalb weniger Jahre sterben.
Wenn wir „Der Salzpfad“, unabhängig vom Wahrheitsgehalt der Geschichte, einfach als weiteren Beitrag zum Wandererfilmgenre betrachten, dann punktet er mit seinen Landschaftsaufnahmen, den guten Schauspielern, vor allem natürlichn den Hauptdarstellern Gillian Anderson und Jason Isaacs, und dem erwartbar ruhigem Erzähltempo. So schaffen die Winns am ersten Tag ihrer Wanderung gerade vier (!) Kilometer. Es passiert immer etwas, sie begegnen mehr oder weniger netten Einheimischen, suchen dringend einen Ort für die Notdurft und lernen, dass sie ihr Zelt an bestimmten Orten nicht aufbauen sollten. Das ist alles, trotz der Beschwernisse einer langen Wanderung, ziemlich nett, beschaulich und nicht wirklich zum Nachdenken anregend.
Der Salzpfad(The Salt Path, Großbritannien 2024)
Regie: Marianne Elliott
Drehbuch: Rebecca Lenkiewicz
LV: Raynor Winn: The Salt Path, 2018 (Der Salzpfad)
mit Gillian Anderson, Jason Isaacs, James Lance, Hermione Norris
LV: Jennie Rooney: Red Joan, 2013 (Geheimnis eines Lebens)
Im Mai 2000 wird die 87-jährige Joan Stanley verhaftet. Sie soll ab dem Zweiten Weltkriegs für die Sowjetunion spioniert haben.
Von einem wahren Fall inspiriertes Agentendrama, das Theaterregisseur Trevor Nunn in Rückblenden erzählt. Angesichts des Potentials der Geschichte und der Schauspieler eine enttäuschende Angelegenheit. Wobei die Romanvorlage auch nicht spannender ist.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 