Wie man die Welt ändert, das wussten in den frühen Siebzigern auch in Kanda die Hippies nicht. Aber sie waren gegen den geplanten Atomtest der USA in Amchitka, Alaska. Also charterten einige von ihnen einen rostigen Fischkutter, nannten ihn „Greenpeace“, und machten sich im September 1971 auf den Weg nach Alaska. Dass sie damit etwas starteten, was, wie man so schön pathetisch sagt, größer wurde, als sie selbst, ahnten sie nicht. Denn die Fahrt bedeutet auch die Geburtsstunde von Greenpeace und der damals spontan ausgedachte Name und das Logo wurden weltberühmt.
Sie hatten, wie sie bei der Rückkehr ihrer als erfolglos empfundenen Fahrt (sie hatten Amchitka nicht erreicht) erfuhren, nicht nur die Tests verzögert (kurz darauf wurden sie endgültig abgebrochen), sondern ihre Berichte von der Fahrt hatten auch dazu geführt, dass es in Kanada in allen größeren Städten Proteste gegen den US-Atomtest gab und sie zu ihrer Überraschung, bei der Einfahrt in den Hafen, von einer jubelnden Menschenmenge empfangen wurden. In den nächsten Monaten und Jahren, während die Gründer auf den Weltmeeren für Frieden und Umweltschutz protestierten, gründeten sich schnell weitere Unterstützergruppen, was dann auch schnell zu Konflikten mit den basisdemokratischen Prinzipien und den Egos der Gründer führte.
In seiner absolut sehenswerten Dokumentation „How to change the World – The Revolution will not be organized“ erzählt Jerry Rothwell das erste Jahrzehnt der Umweltorganisation und den Selbstzweifeln und Machtkämpfen der Gründer untereinander. Und weil mit Robert ‚Bob‘ Hunter (aus dessen Perspektive der Film geschildert wird) von Anfang an ein Journalist an Bord war und alle mit einer Dokumentation ihrer ersten Fahrt (später wurde gerade diese Betonung öffentlichkeitswirksamer Aktionen und das fotogene Anbringen des „Greenpeace“-Logos zu einem Vorwurf) einverstanden waren, konnte Rothwell auf einem sagenhaftem Fundus historischer Aufnahmen zurückgreifen. In den Greenpeace-Archiven in Amsterdam lagerten 1500 Filmdosen mit 16mm-Filmen, die bislang nicht geöffnet waren. Sie sind ungewöhnlich professionell aufgenommen und sehen daher, was man nicht von allen Dokumentationen mit historsichem Filmmaterial behaupten kann, auch auf der Kinoleinwand gut aus.
Auf ihrer Fahrt nach Amchitka entdeckten die Pazifisten eine verlassene Walfangstation und damit auch das Thema, mit dem Greenpeace über die nächsten Jahre bekannt wurde: dem Kampf gegen den Walfang. Im Golf von Alaska waren sie damals schon ausgerottet. In diesen Jahren wuchs die Organisation, es gab Streit zwischen den Gründern (die in historischen und aktuellen Statements zu Wort kommen) und mit dem Kampf gegen die Robbenjagd hatte Greenpeace Ende der siebziger Jahre, unterstützt von Prominenten, ihr zweites großes Thema gefunden. Diese Jahre, die mit der Gründung von Greenpeace International (und damit einer neuen Struktur der Organisation) endeten, schildert Rothwell mit kritischer Sympathie und er vermittelt viel von der damaligen Aufbruchstimmung und dem kompromisslosem Kampf für eine bessere Wet. Im Zentrum steht eine Gruppe erinnerungswürdiger Typen, die zeigen, dass wenige Menschen einen Unterschied machen können.
Emily Hunter, die Tochter von Bob Hunter, meint, der Film sei die letzte Mind-Bomb (Bewusstseinsbombe) ihres Vaters. Mit ihnen wollte er, durch die Medien, das Bewusstsein der Menschen verändern und revolutionäre Veränderungen anzustoßen.
„Knight of Cups“ ist eine Tarotkarte, die bei uns „Ritter der Kelche“ heißt und die eine positive Veränderung bedeutet – aber das habt er, erstens, alle gewusst und, zweitens: Warum sollte ein Film in Deutschland (auch wenn er synchronisiert ist) einen deutschen Titel haben? Die neue CD deiner Lieblingsband erscheint ja auch weltweit unter dem gleichen Titel.
Das gesagt, können wir uns dem neuen Werk von Terrence Malick zuwenden, dessen neuen Film Cineasten dreißig Jahre lang herbeisehnten und der innerhalb weniger Jahre mit drei Filmen seinen Ruf ziemlich ruinierte. „Knight of Cups“ unterscheidet sich kaum von „The Tree of Life“ (2011) und „To the Wonder“ (2012). Wobei mir „Knight of Cups“ etwas besser als die beiden vorherigen Filme gefällt. Wahrscheinlich, weil ich inzwischen weiß, was mich inzwischen bei einem Malick-Film erwartet, weil „Knight of Cups“ etwas konzentrierter als die beiden Vorgänger ist (immerhin steht dieses Mal nur ein Mann im Mittelpunkt und alles dreht sich um ihn) und weil dieses Mal die penetrant christlich erweckte Botschaft fehlt. Eine Geschichte ist, wieder einmal, im pathetischen Rausch der Bilder und dem darüber gelegtem bedeutungsschwangeren Kommentar (im Original von Sir Ben Kingsley meditativ ruhig gesprochen) nicht erkennbar. Es geht um einen Mann, der mit seinem Leben unzufrieden ist und der vor einer Entscheidung steht. Im Presseheft wird diese Storyskizze zwar ausführlicher formuliert, aber es ist nur eine mögliche Interpretation der Bilder. Denn dass Rick (Christian Bale) ein erfolgreicher Comedy-Drehbuchautor ist, ist für den Film reichlich unerheblich. Rick könnte irgendeinen Beruf irgendwo haben. Es würde nichts ändern.
Und dass er versucht, den Sinn seines Lebens zu finden, liest sich zwar gut, aber da Malick überhaupt nicht mehr an einer konventionellen Narration interessiert ist, will er dieser Sinnsuche auch keinen eindeutigen Sinn (über den man dann streiten könnte) geben, sondern er erzählt, offen für alle Interpretationen, locker (aber mit vielen gutaussehenden Frauen, die für Rick mehr oder weniger wichtig sind) in der Chronologie hin und herspringend, ohne irgendeinen Zusammenhang zwischen Ursache und Wirkung (so wird Rick in seiner Wohnung überfallen, aber für den folgenden Film ist es egal), von einem Mann, der versucht irgendeinen Sinn in den ihm zustoßenden Ereignissen zu finden, der an seinem Leben zweifelt und der nicht weiß, was er wie ändern soll. Falls er überhaupt etwas ändern will.
Es ist vor allem die essayistische Beschreibung eines Stillstandes, die – so das Presseheft – in einem Aufbruch endet. Ein Aufbruch, der auch einfach nur der nächste Tagestrip in die vor Los Angeles gelegene Wüste sein könnte.
Und so hat „Knight of Cups“ wieder schöne Bilder (Emmanuel Lubezki ist wieder der Kameramann), deren Komposition ausschließlich ästhetischen Prinzipien folgt. Denn sonst ist nicht erklärbar, warum in einem nur in Los Angeles und Las Vegas (es gibt einen Ausflug in die Spielerstadt, der aber keine Auswirkung auf die Narration hat) spielendem Film plötzlich Bilder aus Berlin zu sehen sind. Aber das hat uns bei dem letzten Superheldenfilm auch nicht gestört.
Für den geneigten Zuschauer gibt es einige Denkanstöße, die, wieder einmal, weitgehend, im Ungefähren bleiben. Das kann dann, wie eine Predigt, jeden Zuhörer ansprechen. Oder wegen der Platitüden endlos langweilen.
Mir jedenfalls sagte „Knight of Cups“, wie schon „The Tree of Life“ und „To the Wonder“ nichts. Aber ich gehöre auch nicht mehr zu der Gemeinde der ihren Meister blind verehrenden Gemeinde der Malick-Gläubigen. Fun Fact: Der US-Kinostart ist voraussichtlich am 4. März 2016. Die Weltpremiere war bereits dieses Jahr auf der Berlinale.
Was geschieht, wenn ein Journalist die größte Enthüllungsgeschichte seines Lebens und seiner Tageszeitung während des größten Umbruchs der Zeitungsgeschichte schreibt? Das fragte sich Gary Webb nicht, als er zufällig, bei einer Gerichtsverhandlung gegen einen Drogenhändler, die Verbindung zwischen aus Südamerika kommendem Crack in South Central Los Angeles und der Mitwisserschaft der CIA entdeckte. Das fragte er sich auch nicht, als er seine Story auch in Washington, D. C., und Nicaragua recherchierte. Denn vor zwanzig Jahren hatten nur wenige Menschen einen Internetanschluss. Und als er im August 1996 in der San Jose Mercury News, bei der er angestellt war, seine Recherchen in einer dreiteiligen Artikelserie veröffentlichte, war die Online-Publikation ein netter Zusatznutzen, um den Lesern weiterführende Informationen und Dokumente zu präsentieren. Im Film wird das nicht erwähnt. Denn wenn sie es getan hätten, hätten sie in der zweiten Hälfte andere Schwerpunkte setzen müssen.
Damals verschaffte die Online-Publikation (was damals noch ungewöhnlich war) dem Lokalblatt und der Reportage eine weit eine über die normalen Leser der Tageszeitung hinausgehende Leserschaft und Aufmerksamkeit. Dabei war einges von Webbs Recherchen schon vorher (unter anderem durch die Iran-Contra-Affäre) bekannt, aber jetzt wurden die ihm veröffentlichten Fakten über die Finanzierung der nicaraguanischen Contra-Rebellen durch den Schmuggel von Drogen in die USA (während die USA gleichzeitig einen „war on drugs“ führte) zu einem Skandal. Die Bewohner von South Central waren empört, dass die Regierung (vor allem die CIA), mindestens Mitwisser, vielleicht sogar Mithelfer, bei der Crack-Epidemie, dem steigenden Verbrechen und der desolaten Lage ihres Viertels war. Auch in anderen Großstädten sah es oft nicht besser aus.
Damals wusste niemand, dass Webb seine Enthüllungsgeschichte am Vorabend des US-Zeitungssterbens und des Aufstiegs des Internets zu einem Massenmedium schrieb. Dieser historisch wichtige Umbruch wird im in zwei Teile zerfallenden Film „Kill the Messenger“ zwar nicht weiter angesprochen, aber er verleiht ihm einen beunruhigenden Subtext. Jedenfalls wenn man „guten Journalismus“ nur mit „Zeitungsjournalismus“ verbindet.
Michael Cuesta („Dexter“, „Homeland“) erzählt, nach einem Drehbuch von „New York Times Magazine“-Journalist Peter Landesman, in seinem Film Gary Webbs Geschichte. In der ersten Hälfte, wenn wir Webbs Recherchen verfolgen, steht der Film fest in der Tradition der Thriller, die investigative Journalisten und ihre Arbeit feiern und die sogar Präsidenten, siehe „Die Unbestechlichen“, zu Fall bringen können. Das ist spannend und, auch wenn die Tatsachen heute allgemein anerkannt sind, schockierend.
In der zweiten Hälfte erzählt er, was nach der Enthüllung geschah: wie Webb seine Recherchen verteidigt, er von seinen Vorgesetzten nicht gegen Angriffe verteidigt wird und er sich, auch aufgrund seiner Persönlichkeit, zunehmend isoliert. Dieser Teil ist dann weniger spannend, teilweise schrecklich misslungen, aber thematisch interessanter. Denn er zeigt, wie sehr das Bild des edlen, wahrheitssuchenden, von seiner ebenso edlen, nur der Wahrheit verpflichtenden Redaktion, die ihn bis zum Tod und darüber hinaus beschützt und gegen alle Angriffe verteidigt, eine gut gepflegte Chimäre ist. Jedenfalls für viele Redaktionen. Und, weil die Geschichte gerade an der Schwelle zum Internetzeitalter spielt, zeigt der Film unterschwellig auch, wie sich, ohne dass die Beteiligten es wissen, ein seit Jahrzehnten gepflegtes Modell von Zeitung, von Lokaljournalismus und von Tageszeitung in den USA gerade verabschiedet. In Deutschland ist die Situation nicht vergleichbar, weil hier Tageszeitungen vor allem Abo-Zeitungen sind und daher die Einnahmesituation vollkommen anders aussieht.
Allerdings ist die zweite Hälfte auch weniger gelungen als die erste. Er zerfasert etwas zwischen der Rufmordkampagne durch die Regierung und die Hauptstadtjournalisten, die dem Nobody von dem Provinzblatt nicht die sensationelle Story gönnen, Webbs Kämpfe in der Redaktion und seinem Privatleben. Der Film versucht uns jetzt mehr für den Journalisten und seine beruflichen und privaten Probleme zu interessieren, während davor die Story im Mittelpunkt stand. Jetzt wird der Bote zur Story – und der Film verliert seine Geschichte. Dabei spricht er viele Punkte an, ohne wenigstens einen konsequent in den Mittelpunkt zu rücken. Er geht auch nicht darauf ein, wie sehr Webbs Persönlichkeit seinen Fall vom geachteten Journalisten zum Outsider begünstigte. Webb beging, was auch nicht vom Drehbuchautor angezweifelt wird, am 10. Dezember 2004 Suizid. Aber der Film endet schon Jahre früher mit einer die Tugenden des Journalismus hochhaltenden Rede, die gleichzeitig ein Abgesang auf sie ist.
So ist „Kill the Messenger“ nicht so gut, wie er hätte sein können. Aber er spricht interessante und wichtige Fragen über die Rolle des Journalismus in einer freien Gesellschaft, das Verhalten von Journalisten untereinander, dem Verhalten von Vorgesetzten gegenüber ihren Angestellten und zum Wandel der Medien durch das Internet an. Er drückt sich allerdings um Antworten herum.
Arte, 22.10 Heimat – Eine deutsche Chronik: Die Liebe der Soldaten/Der Amerikaner(Deutschland 1984)
Regie: Edgar Reitz
Drehbuch: Edgar Reitz, Peter Steinbach
Toll, dass „Heimat“, das Werk, mit dem Edgar Reitz seinen Durchbruch hatte, das damals wirklich ein TV-Ereignis war und das eindrucksvoll zeigt, was im Fernsehen möglich war, bevor es diese langen „Fernsehen ist der neue Roman“-Elogen gab, wieder im Fernsehen läuft.
Schade, dass Arte das Opus in einer von Reitz selbst von 924 Minuten auf 888 Minuten gekürzten Fassung in Doppelfolgen zeigt. D. h. heute endet der „Heimat“-Marathon um 00.50 Uhr.
In „Heimat“ erzählt Reitz anhand der in dem fiktiven Hunsrückdorf Schabbach lebenden Maria Simon (1900 – 1982) die wechselvolle Geschichte Deutschlands vom Ende des Ersten Weltkriegs bis zu Marias Tod aus der Perspektive der kleinen Leute, die nicht in einer Metropole leben.
In „Die Liebe der Soldaten“ und „Der Amerikaner“ um die Zeit von 1944 bis 1947. „Der Amerikaner“ ist dabei niemand anderes als Paul Simon, der aus den USA wieder zurückkehrt und amerikanisches Lebensgefühl ins Dorf bringt.
Großes Kino! Auch in der Mediathek.
Mit Marita Breuer, Gertrud Bredel, Willi Burger, Michael Lesch, Rüdiger Weigang, Karin Rasenack, Jörg Hube, Dieter Schaad
„Ein Noir-Krimi“ steht auf dem Cover von Sebastian Thiels „Sei ganz still“ und natürlich löst das bei mir einen sofortigen, äußerst wohlwollenden Lesereflex aus. Nach der Lektüre empfand ich den Krimi gar nicht als so Noir, sondern eher als ziemlich normalen Hardboiled-Privatdetektiv-Krimi vor einem ungewohnten Hintergrund. Denn die Geschichte spielt 1938 in Deutschland.
Friedrich Wolf sticht seit einigen Wochen in einem Strafgefangenenlager Torf. Er war früher Polizist. Einer von der altmodisch-harten Sorte: ein Trinker, ein Stammgast in den Freudenhäusern, ein Schläger, aber auch einer, der die Bösewichter schnappte. Und, immerhin ist er unser Held, integer. Mit den Nazis, der SS, den Mitläufern und den Hofschranzen hat er nichts zu tun. Deshalb sitzt er auch im Lager, bis Ernst Kampa, ein hochrangiger SS-Arzt, ihn herausholt, neu einkleidet, ihm ein Bündel Geld gibt und beauftragt, seine verschwundene Verlobte Charlotte Rickert, die er demnächst heiraten will, zu finden. Sie ist Wolfs altem Revier, in Düsseldorf, untergetaucht.
Wolf frischt als Privatdetektiv ohne Lizenz zuerst einmal seine alten Kontakte aus dem Milieu auf und schnell hat er eine Spur.
Geübten Krimilesern verrate ich sicher kein Geheimnis, wenn ich sage, dass Kampa mit gezinkten Karten spielt. Immerhin gehört das seit den Tagen von Dashiell Hammett und Raymond Chandler zum festen Inventar einer Privatdetektiv-Geschichte und eine solche Geschichte erzählt Sebastian Thiel in seinem spannenden Krimi, der dank des Handlungsortes und der Handlungszeit mit einigen überraschenden Wendungen aufwarten kann. Inwiefern er in den Details historisch korrekt ist (Gab es 1938 noch eine so offen agierende Halb- und Unterwelt? Konnte ein Bordell so bekannt sein?), weiß ich nicht. Aber die Aussortierung von lebensunwertem Leben und die medizinischen Versuche an Kindern gab es (und in einem Nachwort hätte Thiel als sinnvolle Zusatzinformation noch etwas genauer auf die historischen Hintergründe eingehen können). Das Klima der Verunsicherung ist, auch wenn es ein eher austauschbarer Hintergrund ist, den wir von in totalitären Gesellschaften spielenden Krimis kennen, gut getroffen und natürlich muss man bei einem deutschen Krimi dankbar sein, wenn der Protagonist ein moralisch ambivalenter Ermittler ohne Familienanhang ist und die Halb- und Unterwelt als das natürliche Umfeld des Ermittlers gezeigt wird.
Das klingt jetzt vielleicht etwas negativ. Dabei hat mir „Sei ganz still“ gut gefallen. Es ist ein flott geschriebener PI-Krimi, der auch wegen des actionhaltigen Endes gut verfilmt werden könnte.
– Sebastian Thiel: Sei ganz still Gmeiner, 2015 288 Seiten
10,99 Euro
– Hinweise Homepage von Sebastian Thiel Histo-Couch: Interview mit Sebastian Thiel über „Sei ganz still“
Nach den beiden Wälzern „Tage der Toten“ und „Das Kartell“ über den Drogenkrieg der USA in Südamerika, muss ich einige kurze Bücher lesen (Ah, das ist eine der Schönheiten des Bloggens! Jeder Redakteur hätte diesen Satz sofort gestrichen, weil er nichts mit der nun folgenden Rezension zu tun hat und weil der Kritiker objektiv kritisieren soll und da ist es egal, was er vorher und nachher gelesen hat.).
Jedenfalls gibt es in den nächsten Tagen einige Besprechungen von Krimis, die alle weniger als vierhundert, dreihundert oder zweihundert Seiten haben. Beginnen wir mit „Mord im Farnhaus“ von Jutta Vahrson, einem fast schon klassischen Landhauskrimi. Auch wenn dieses Landhaus nicht in England, sondern in Neuseeland steht und es auch kein Landhaus, sondern eine ziemliche Bruchbude im Wald am Arsch der Welt ist, die von der Ich-Erzählerin Renate Ute Anke Schlingensiel, kurz Reni, zu einer Unterkunft für Rucksacktouristen aufgehübscht wird. Eigentlich überlässt sie den Rucksacktouristen das Renovieren und verlangt dafür noch Geld (Ein Plan, der mir gefällt.).
Reni ist auch keine Miss Marple, sondern eine deutlich jüngere, mäßig erfolgreiche Krimiautorin mit Agatha-Christie-Spleen, die ihr Cottage in England verlässt. Die angedrohte Mieterhöhung hätte sie nicht bezahlen können und die Nachricht, dass ihre Tante ihr ein Haus vermachte, ließen sie die Koffer packen. Das Haus, das „Sand Castle“, ist dann, wie gesagt, doch nicht so prächtig und die Frauenleiche, die, als Begrüßungsgeschenk, vor ihrem neuen Heim liegt, trägt auch nicht dazu bei, ihre Stimmung zu heben. Auch wenn der örtliche Doktor, im Hauptberuf Tierarzt, etwas von einem natürlichen Tod faselt.
Jedenfalls hat sie mit ihren Hostelgästen, darunter ein hilfsbereiter Mann im zeugungsfähigen Alter (sehr, sehr verdächtig!), der Schwester der Toten und dem halben Dorf schnell genug Personal für einen veritablen Rätselplot versammelt. Auch wenn unklar ist, ob Dora-May, die Pächterin von Renis Haus, ermordet wurde.
Als Reni erfährt, dass ihre Tante irgendwo auf dem großen Grundstück einen Schatz versteckt hat, träumt sie von einem Ausweg aus ihrer finanziellen Misere und sie hat auch eine sehr genaue Idee weshalb Dora-May und vielleicht sogar ihre Tante ermordet wurde.
Ihr ahnt es: „Mord im Farnhaus“ ist ein richtig altmodischer, vergnüglich kurzweiliger Rätselkrimi mit einer leicht verpeilten Amateurermittlerin und viel Agatha Christie, die am 15. September ihren 125. Geburtstag hat. Und weil bei einem Rätselkrimi jedes Wort schon die Lösung, also den Mörder (Nein, es ist nicht der Butler. Das Farnhaus hat keinen Butler.), verraten kann, sage ich nur: hat gefallen!
– Jutta Vahrson: Mord im Farnhaus 2015 235 Seiten (ungefähr) 2,99 Euro
(ist ein Ebook und hier ist der Amazon-Link)
– Hinweis Homepage von Jutta Vahrson
Nachtschicht: Das tote Mädchen (Deutschland 2010, Regie: Lars Becker)
Drehbuch: Lars Becker
Ein russisches Callgirl wird ermordet und in der Elbe versenkt. Das Nachtschicht-Team sucht den Mörder und landet schnell bei einem Privatbankier, der behauptet die Tote nicht zu kennen.
Nix neues von der “Nachtschicht”: Dutzende bekannter Gesichter, die endlich (?) mal wieder (?) zeigen, was sie können, gutes Buch, gute Regie, gute Unterhaltung.
mit Armin Rohde, Barbara Auer, Minh-Khai Phan-Thi, Pierre Semmler, Dietmar Bär, Kai Wiesinger, Jürgen Prochnow, Lisa Maia Potthoff
BR, 22.55 No Direction Home: Bob Dylan (Großbritannien/USA 2005, Regie: Martin Scorsese)
Gut 210-minütige Doku über Bob Dylans frühe Jahre von seine Anfängen in Minnesota, der Greenwich-Village-Folk-Szene und seinem Verrat an der Folk-Szene, als er die akustische Gitarre gegen die E-Gitarre tauschte. Der Film endet 1966 mit Dylans Motorradunfall, nach dem er mehrere Jahre nicht mehr tourte.
Martin Scorsese gelang mit Konzertmitschnitten, historischen Aufnahmen und vielen aktuellen Interviews, die teilweise schon Jahre, bevor Scorsese sich an den Schnitt machte, geführt wurden, ein ebenso kurzweiliger wie informativer Film, der trotz der vielen Informationen nicht alles erklärt. Eigentlich bleibt sogar erstaunlich viel offen in dem von Sympathie getragenem Werk.
mit Bob Dylan, Joan Baez, Dave Van Ronk, Allen Ginsberg, Suze Rotolo Hinweise Rotten Tomatoes über „No Direction Home: Bob Dylan“
Wikipedia über „No Direction Home: Bob Dylan“ (deutsch, englisch)
Wenn man den Autor nicht einfliegen will (weil das mit der Beam-Maschine immer noch nicht klappt), kann man die Buchpräsentation auch etwas anders gestalten. Immerhin soll an dem Abend der neue Alternativwelt-Krimi „Der Tag der Lerche“ von Jo Walton vorgestellt werden. Es ist der zweite Band der nach dem Zweiten Weltkriegs in England spielenden Serie um Scotland-Yard-Inspector Carmichael. Es ist allerdings nicht das Großbritannien, das wir kennen, sondern ein Großbritannien, das 1941 mit Adolf Hitler einen Friedensvertrag abschloss.
Während „Die Stunde der Rotkehlchen“ noch ein traditioneller Landhauskrimi war, verspricht „Der Tag der Lerche“ einen veritablen Polit-Thriller (ich behaupte mal „in der Tradition von Eric Ambler und Graham Greene“) über ein Land, das zunehmend faschistisch wird.
Inspector Carmichael kommt einer Verschwörung von königstreuen Patrioten, Kommunisten und IRA-Kämpfern auf die Spur, die ein Attentat auf den Premierminister Mark Normanby und auf Adolf Hitler, der zu einem Staatsbesuch kommt, planen. Außerdem muss Carmichael einen Mörder decken: den Premierminister höchstpersönlich.
Der Roman wird am Dienstag, den 22. September, um 19.30 Uhr in der Buchhandlung Otherland (Bergmannstraße 25, Berlin-Kreuzberg) von Übersetzerin Nora Lachmann, Lektor Robert Schekulin und Verleger Hannes Riffel (also den Verantwortlichen für die deutsche Ausgabe) vorgestellt und diskutiert.
Ach ja: Eintritt frei, Buchkauf möglich und vielleicht gibt es sogar eine Grußbotschaft aus einer anderen Welt.
– Jo Walton: Die Stunde der Rotkehlchen (übersetzt von Nora Lachmann) Golkonda, 2014 302 Seiten
16,90 Euro
– Originalausgabe
Farthing
Tor Books, 2007
– Jo Walton: Der Tag der Lerche (übersetzt von Nora Lachmann) Golkonda, 2015 300 Seiten
16,90 Euro
(erscheint die Tage)
– Originalausgabe
Ha’penny
Tor Books, 2007
– Hinweise Homepage von Jo Walton
Wikipedia über Jo Walton (deutsch, englisch) Tor über Jo Walton Golkonda über Jo Walton
Servus TV, 23.55 Die Möbius-Affäre(Möbius, Frankreich 2013)
Regie: Éric Rochant
Drehbuch: Éric Rochant
Der russische Top-Spion Grégory Lioubov soll in Monaco einem Oligarchen das Handwerk legen. Er hofft, über eine eine amerikanische Finanzexpertin an die benötigten Informationen zu kommen. Dummerweise wird sie auch vom US-Geheimdienst erpresst – und schon sind wir in einem Agententhriller, in dem jeder jeden betrügt, aber die Gewissheiten des Kalten Krieges vorbei sind.
„Die Möbius-Affäre“ ist ein altmodischer, elegant erzählter Spionagethriller, der, wie ein Finanzderivat, etwas zu sehr im luftleeren Raum hängt. Warum sage ich in meiner ausführlichen Besprechung.
mit Jean Dujardin, Cécile de France, Tim Roth, Émilie Dequenne, Wendell Pierce, Aleksey Gorbunov
3sat, 21.35 Die Schweizermacher (Schweiz 1978, Regie: Rolf Lyssy)
Drehbuch: Rolf Lyssy, Christa Maerker
Schweizer sein ist einfach. Schweizer werden ist schwer. Auch weil die beiden Beamten Max Bodmer (Walo Lüönd) und Moritz Fischer (Emil Steinberger) penibel darüber wachen, wer Schweizer wird und wer nicht. Und es muss schon mit dem Teufel zugehen, wenn sie bei ihren Besuchen und Nachstellungen keine Grund für eine Ablehnung finden.
Bitterböse Satire, die damals in der Schweiz ein Kinoerfolg war und der immer noch, mit großem Abstand, der erfolgreichste Schweizer Film aller Zeiten ist. In Deutschland wurde er zum Kinostart von 800.000 Menschen gesehen und heute ist er bei uns wohl ziemlich vergessen. Zu Unrecht!
„Lyssys Film ist gemächlich angelegt, kommt mit zwei Klasse-Komödianten in den Hauptrollen zunächst recht zahm und freundlich daher und entfaltet auf manchmal geradezu hinterhältig-bissige Weise seine Boshaftigkeit erst peu à peu. Dass dabei die sich den Fremdenpolizisten anbiedernden, einbürgerungswilligen Ausländer auch Demütigungen, Unverschämtheiten und Einschüchterungen mit erstaunlicher Geduld hinnehmen, zeigt, wie genau die Satire an der Wirklichkeit orientiert ist.
Eigentlich ist dieser komödiantische Film gar nicht komisch.“ (Fischer Film Almanach 1980)
Und natürlich ist das in Deutschland ganz anders. Ehrlich!
Mit Emil Steinberger, Walo Lüönd, Beatrice Kessler, Wolfgang Stendar, Hilde Ziegler, Bill Ramsey Wiederholung: Montag, 7. September, 03.50 Uhr (Taggenau!) Hinweis Wikipedia über „Die Schweizermacher“
Eine Leiche zum Dessert (USA 1976, Regie: Robert Moore)
Drehbuch: Neil Simon
Ein Millionär lädt die berühmtesten Detektive der Welt ein. Er behauptet, sie könnten einen Mord nicht aufklären, der um Mitternacht stattfinden wird. Die Detektive sehen das anders.
Neil Simon zieht in seiner Krimikomödie die Images der bekanntesten, literarischen Detektive der Welt (hier: Miss Marple, Hercule Poirot, Sam Spade, Nick Charles aka Der dünne Mann mit Gattin Nora, Charlie Chan) und die Prinzipien des Whodunits durch den Kakao. Ein köstlicher Spaß – nicht nur für Genre-Fans.
Verkörpert werden die Meisterdetektive und Tatverdächtige u. a. von Truman Capote, Peter Falk, Alec Guiness, David Niven, Peter Sellers
In den ersten Minuten versucht man unwillkürlich, Aleksei Germans letzten Film „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ (er starb am 21. Februar 2013; der Film wurde von Svetlana Karmalita und ihrem gemeinsamen Sohn Aleksei A. German fertiggestellt) als Parabel auf das heutige Russland zu sehen. Immerhin war die Vorlage, der Roman „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ der Brüder Arkadi und Boris Strugatzki eine antistalinistische Parabel, deren Botschaft schnell bekannt wurde. Aber dieser Versuch, platte aktuelle Bezüge zu erkennen, verblasst schnell in einer gut dreistündigen SW-Symphonie voller beeindruckender Plansequenzen aus einer schlammigen Vorhölle, in der es nur Dreck, Gewalt und Wahnsinn gibt, hinter denen die Geschichte verschwindet. Dafür muss man das Presseheft aufschlagen: Eine Gruppe Historiker wurde auf einen fremden Planeten entsandt, der in seiner Entwicklung 800 Jahre hinter der Erde zurückliegt. In der Hoffnung, in dieser mittelalterlichen Zivilisation die Geburt einer Renaissance hautnah miterleben zu können, mischen sich die Forscher unbemerkt als adlige Nachkommen lokaler Gottheiten unters Volk, um die dortigen Ereignisse aufzuzeichnen und zur Erde zu übertragen. Ihre oberste Direktive dabei lautet: Bleibe unerkannt und neutral, greife niemals in das Geschehen ein und töte unter keinen Umständen einen Planetenbewohner. So weit, so gut. Doch als in der Stadt Arkanar graue Truppen plötzlich ein blutiges Pogrom gegen Gelehrte und Bücherfreunde starten, nimmt die Geschichte unvermittelt einen völlig anderen Verlauf. Don Rumata, der vor Ort das Treiben hilflos mit ansehen muss, fällt es dabei zunehmend schwerer, dem brutalen Gemetzel einfach tatenlos zuzuschauen. Doch was tun als ein Gott, dem die Hände gebunden sind?
Aber an einer konventionellen Geschichte ist German auch nicht interessiert. Er möchte nicht Filme machen für Leute, die zu faul sind, ein Buch zu lesen. Er liebte die alten Filme. Die Werke von Ingmar Bergman, Akira Kurosawa, Federico Fellini, Otar Iosseliani und Andrei Tarkowski, die er oft sah. Und er wollte den Roman „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ seit seiner Veröffentlichung verfilmen. 1968 wäre es fast so weit gewesen. Aber dann wurde ihm mitgeteilt, dass alle Arbeiten an dem Film eingestellt seien. Seitdem versuchte er immer wieder, den Roman zu verfilmen. Es wurde zu seinem Lieblingsprojekt, mit dem er sich mehrere Jahrzehnte beschäftigte. Auch die Drehbarbeiten dauerten Jahre. Vom Herbst 2000 bis zum August 2008. Danach ging es an die Postproduktion, die wiederum fünf Jahre dauerte. Allein schon diese lange Zeit zeigt, dass der so entstandene Film kompromisslos einer künstlerischen Vision folgt. Aber er hat auch den Nachteil vieler über Jahre verfolgter Lieblingsprojekte. Weil der Macher sich so sehr in den Stoff vertiefte, ist er für Außenstehende kaum noch verständlich.
Und so ist „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ als abstrakte Meditation über den Science-Fiction-Roman beeindruckend, aber auch schwer zugänglich, oft langweilig (wenn man über mehrere Minuten einfach nur Wahnsinnige agieren sieht, ohne zu wissen, warum sie es tun) und mit drei Stunden auch verdammt lang geraten. Aber es ist auch in jeder Sekunde spürbar, dass der Film eine Vision hat, die weniger mit dem heutigen Russland oder dem allgemeinen Zustand der Welt, als mit der fatalistischen Sicht Aleksei Germans auf die Welt und die Menschheit abseits jeglicher aktueller Bezüge zu tun hat. Das zeigt sich auch an den vielen im Film verarbeiteten und zitierten Einflüssen und Bildern aus den vergangenen Jahrhunderten der europäischen Geistesgeschichte.
„Es ist schwer, ein Gott zu sein“ ist eindeutig Kunst, die berührt und auch polarisiert. So wird es ein großer Spaß sein, zu beobachten, wie Menschen das Kino verlassen und auch wie sie während und nach dem Film auf ihn reagieren.
Es ist schwer, ein Gott zu sein (Trudno Byt‘ Bogom, Russland 2013)
Regie: Aleksei German
Drehbuch: Svetlana Karmalita, Aleksei German
LV: Arkadi Strugatzki, Boris Strugatzki: Трудно быть богом, 1964 (Ein Gott zu sein, ist schwer; Es ist nicht leicht, ein Gott zu sein; Es ist schwer, ein Gott zu sein)
mit Leonid Yarmolnik, Aleksandr Chutko, Yuriy Tsurilo, Evgeniy Gerchakov, Natalia Moteva, Aleksandr Ilin
Länge: 177 Minuten
FSK: ab 16 Jahre
– Das Opus läuft in der russischen Originalfassung mit deutschen Untertiteln ab den genannten Daten in diesen Kinos
03.09.15 Berlin Brotfabrik
03.09.15 Berlin B-Ware Ladenkino
03.09.15 Dresden KIF
03.09.15 Kiel Kino in der Pumpe
03.09.15 Köln Filmhauskino
03.09.15 Mainz Capitol/Palatin
03.09.15 Magdeburg Moritzhof
03.09.15 Karlsruhe Kinemathek
04.09.15 Rostock Lichtspieltheater Wundervoll
06.09.15 Aachen Apollo
07.09.15 Berlin FilmRauschPalast
07.09.15 Frankfurt Orfeos Erben
08.09.15 Berlin Z-inema
10.09.15 Berlin Kino Zukunft am Ostkreuz
10.09.15 Nürnberg Casablanca
10.09.15 Regensburg Andreasstadel
11.09.15 Leipzig Schaubühne
12.09.15 Hamburg 3001 Kino
17.09.15 Berlin Kino Krokodil
17.09.15 Saarbrücken Filmhaus
19.09.15 Weiterstadt Kommunales Kino
24.09.15 Bamberg Lichtspiel
24.09.15 Mannheim Cinema Quadrat
27.09.15 Pforzheim KoKi
25.10.15 Potsdam Thalia Datum
Mit noch unbekanntem Startdatum:
Dortmund Roxy Kino
Hannover Kino im Künstlerhaus
Krefeld Casablanca
–
Die DVD- und BluRay-Veröffentlichung sind für Ende des Jahres geplant. Über das Bonusmaterial ist noch nichts bekannt, aber Bildstörung packt normalerweise viel gutes Bonusmaterial drauf.
– Hinweise Homepage zum Film Film-Zeit über „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ Moviepilot über „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ Metacritic über „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ Rotten Tomatoes über „Es ist schwer, ein Gott zu sein“ Wikipedia über „Es ist schwer, ein Gott zu sein“
Der deutsche Titel von dem neuen Film, in dem Mery Streep singt (das tut sie in letzter Zeit ja gerne), ist „Ricki – wie Familie so ist“ und er lässt einen dieser netten Filme erwarten, in der eine Familie sich etwas fetzt und etwas herzt und man am Ende, wenn sich die Familie versöhnt, den Kinosaal mit einem feuchten Taschentuch verlässt. Der US-Titel ist „Ricki and the Flash“ und das ist der Name von Rickis Band.
Denn Ricki Rendazzo (Meryl Streep) ist Rocksängerin. So eine richtig scharfe Rockröhre, die mit ihrer Band jeden Abend das heiße Rock’n’Roll-Leben zelebriert. Dass das in einer kleinen, schummerigen Bar in Los Angeles vor einem überschaubarem Publikum geschieht; – na gut, ein „American Girl“ kann halt nicht alles haben. Auch wenn sie, „Wooly Bully“, „Let’s Work together“ mit ihrer Band „Keep playing that Rock and Roll“ macht, „I still haven’t found what I’m looking for“ schmachtet und schließlich ihren Kindern am Filmende versichert „My Love will not let you down“ (Ihr habt Rickis Songs erkannt?). Aber bis dahin geht es durch drei höchstens lose miteinander verknüpfte Kapitel, die mehr Situationsbeschreibungen und Collagen als ausformulierte Geschichten sind.
Ricki erhält von ihrem Ex-Mann Pete (Kevin Kline), ein äußerst wohlhabender Geschäftsmann, der ihre drei Kinder großzog und inzwischen wieder glücklich verheiratet ist, einen Anruf. Ihre Tochter Julie (Mamie Gummer) will sich nach einer gescheiterten Beziehung umbringen. Ricki, die ihre Kinder seit Jahren nicht gesehen hat, fliegt von L. A. nach Indianapolis, Indiana, und versucht ihre Tochter aus ihrer Depression zu befreien, während Petes Frau und Vorbildmutter Maureen (Audra McDonald) gerade ihren todkranken Vater in einer anderen Stadt pflegen muss.
Diese eher humoristische Episode mit Familienzusammenführung und Rock’n’Roll-freigeistigen Lebensweisheiten (auch wenn Ricki einige sehr konservative Ansichten hat) endet mit der Rückkehr von Maureen.
Dann gibt es eine längere Episode, die Ricki und ihre Band und ihr Leben, vor allem die sich stärker entwickelnde Beziehung zu ihrem Gitarristen Greg (Rick Springfield) beschreibt. Jetzt sind ihre Kinder wieder Teil einer vollkommen anderen Welt. Aber in dem entsprechend humorfreiem Liebesdrama gibt es einige weitere live von Ricki and the Flash gespielte Songs.
Und dann geht es wieder, holterdipolter, zurück ans andere Ende der USA. Denn ihr Sohn heiratet und Ricki, die bis jetzt alle Hochzeiten ihrer Kinder (zu denen sie nicht eingeladen war) und auch alle anderen Familientreffen (zu denen sie ebenfalls chronisch nicht eingeladen wurde) verpasste, will dieses Mal als die Mutter des Bräutigams dabei sein, was immerhin zu einigen schön irritierten Blicken der Ostküsten-High-Society führt. Denn so richtig standesgemäß kann sich die Rockerbraut Ricki nicht anziehen.
Das ist von „Das Schweigen der Lämmer“-Regisseur Jonathan Demme immer wieder schön beobachtet und die meisten Szenen entwickeln sich auch immer etwas anders als erwartet. So wie ein Musiker einem bekannten Song eine kleine persönliche Note beifügt. Ein Ohr für Musik hat er auch, was wir seit dem „Talking Heads“-Konzertfilm „Stop Making Sense“ und diversen Filmen mit und über Neil Young wissen. Entsprechend gelungen sind, auch dank Rickis guter Band, die live eingespielten, gut abgehangenen Rockklassiker. Aber „Ricki – wie Familie so ist“ ist auch ein Film, der ohne Anfang und Ende, einfach so mit einigen banalen Lebensweisheiten bis zum sentimental-verlogenen Ende vor sich hin plätschert. Denn nach der ersten und längsten Episode, in der Ricki versucht, eine Mutter zu sein, geht es weiter als ob es kein Spielfilm, sondern mehrere Episoden einer sympathischen, aber auch etwas belanglosen Serie wären.
Henri Charrière, genannt Papillon, wird 1931 zu lebenslanger Strafarbeit in der Strafkolonie Bagno auf der Teufelsinsel Cayenne in Französisch-Guayana verurteilt. Er soll einen Zuhälter ermordet haben. Kaum angekommen, denkt Papillon nur an eine scheinbar unmögliche Flucht.
Tolle Verfilmung der beeindruckenden und höchst erfolgreichen Autobiographie von Charrière. Das Nachfolgewerk „Banco“ war dann mehr episodisch.
Mit Steve McQueen, Dustin Hoffman, Dalton Trumbo (Nebenrolle)
Auf dem Papier sieht „Königin der Wüste“ mehr als vielversprechend aus. Die Besetzung mit Nicole Kidman, James Franco und Robert Pattinson ist gut. Das Thema – ein Biopic über Gertrude Bell, eine Frau, die vor hundert Jahren allein durch die Wüste reiste und gute Kontakte zu den Beduinen und ihren Stammesführern hatte – ebenso. Und dass Werner Herzog, der inzwischen in den USA kultisch verehrte globetrottende deutsche Regisseur, dessen Filme mit Klaus Kinski (wie „Aguirre, der Zorn Gottes“ oder „Fitzcarraldo“) schon jetzt Klassiker sind, Regie führt, steigert die Erwartung. Auch das Drehbuch ist, wie gewohnt, von ihm. „Königin der Wüste“ kann nur ein außergewöhnlicher Film werden.
Und dann quält man sich durch eine vollkommen austauschbare Wüstenschmonzette, an der nichts, aber auch absolut nichts interessant ist. Auch wenn nicht Werner Herzog, von dem man mehr als pure Konfektion erwartet (und der bislang jedem seiner Filme seinen persönlichen Stempel aufdrückte), sondern irgendein austauschbarer Gebrauchsregisseur, der weiß, wo er die Kamera hinstellen muss, um ein schönes Bild zu bekommen (als ob es in einem Herzog-Film jemals um ein konventionell-schönes Bild gegangen wäre) und die Stars ordentlich ausgeleuchtet sind, den Film inszeniert hätte. Den Hauptdarstellern – Nicole Kidman, die immer aussieht als käme sie gerade aus dem Schminkstudio und deren makellosem Gesicht Alter, Sonne und Trockenheit über die Jahrzehnte nichts anhaben können, James Franco, Robert Pattinson und Damian Lewis als ihre ebenso gutaussehenden Liebhaber – kann man das Desaster nicht anlasten. Sie mühen sich redlich. Aber es hilft nichts, wenn das Drehbuch nur darauf angelegt ist, aus einer spannende Figur eine vollkommen langweilige Person zu machen. Dabei hätte man so viel über Gertrude Bell (1868 – 1926) erzählen können. Sie kam aus einer vermögenden Industriellenfamilie, studierte in Oxford (als das für Frauen ein No Go war), bereiste ab 1893 allein die Welt (als das für Frauen ein No Go war), war im Nahen Osten bei den Beduinen anerkannt (als das unmöglich erschien), wurde dadurch 1915 zu einer Beraterin im Arab British Burea, die mehr Ahnung von den Strukturen des Nahen Ostens hatte als die Männer vom Geheimdienst und vom Militär und die bei der Aufteilung des arabischen Reiches eine Schlüsselposition hatte. Sie war gebildet, neugierig und abenteuerlustig – und es erstaunt, wie man aus so einem Leben einen so langweiligen Film machen kann, bei dem man zunehmend das Interesse an Gertrude Bell verliert, während Herzog wie ein fliebenbeinzählender Chronist von ihrer ersten Begegnung mit der fremden Welt des Orients bis zu ihrer Beratertätigkeit während des Ersten Weltkriegs strikt chronologisch dem Lauf der Jahre, die zu Jahrzehnten werden, erzählt was halt so nacheinander auf ihren Reisen durch die Wüste geschah.
Am Ende bleibt nur die Frage, was Werner Herzog bei der „Königin der Wüste“ geritten hat? Wollte er wirklich seinen austauschbaren Hollywood-Orientfilm abliefern, der weniger Seele als eine Auftragsproduktion verströmt und der nur als Bewerbungsfilm für den nächsten Inga-Lindström-Film taugt? Sogar Jean-Jacques Annauds Orient-Kitsch „Black Gold“ war besser.
Königin der Wüste(Queen of the Desert, USA/Marokko 2015)
Regie: Werner Herzog
Drehbuch: Werner Herzog
mit Nicole Kidman, James Franco, Robert Pattinson, Damian Lewis, Jay Abdo, Holly Earl, David Calder, Jenny Agutter, Mark Lewis Jones
Länge: 129 Minuten
FSK: ab 0 Jahre
– Hinweise
Beginnen wir mit den guten Punkten: Camille Delamarres zweiter Spielfilm „The Transporter Refueled“ ist besser als sein Debüt „Brick Mansions“, was jetzt nicht unbedingt eine Kunst ist. Die Actionszenen, hauptsächlich Nahkämpfe mit bloßen Händen und herumliegenden Gegenständen und Autoverfolgungsjagden, sind konventioneller gefilmt als man es zuletzt aus den Luc-Besson-Produktionen, wie „Taken 3“ und „The Gunman“, kannte. Man kann ihnen besser folgen und bei den Autocrashs sieht man wirklich, wie die Autos (Polizeiautos scheinen besonders gerne Unfälle zu bauen) schrottplatzreif demoliert werden. Der Film ist auch, wegen des Humors, angenehm kurzweilig geraten. Wirklich niemand der Beteiligten scheint die Geschichte sonderlich ernst genommen zu haben.
Aber, wieder einmal, ist das aus der Luc-Besson-Fabrik kommende Drehbuch erschreckend schlampig zusammengestoppelt. Im wesentlichen geht es um eine Gruppe gutaussehender Ex-Prostituierter, die sich an einem osteuropäischem Gangsterboss und Zuhälter und seinen Vertrauten rächen wollen. Für einige ihrer Aktionen brauchen sie einen Fahrer und da engagieren sie Frank Martin (Ed Skrein in der Rolle, mit der Jason Statham bekannt wurde), der für seine Pünktlichkeit, seine gepflegte Kleidung und seine Regeln bekannt ist. Deshalb macht er auch gleich bei seinem ersten Auftrag für die schöne Auftraggeberin Stress. Denn die beiden Pakete, die er abholen soll (und, so eine seiner Regeln, deren Aussehen und Inhalt ihm egal sind), sind keine Koffer, sondern zwei schöne Blondinen, die Zwillingsschwestern seiner Auftraggeberin sein könnten. Und die will er zunächst nicht transportieren. Er tut es dann doch und er hilft ihnen, etwas später und gegen jede seiner Regeln, sogar im Kampf gegen den Bösewicht. Dass sie seinen Vater (Ray Stevenson) entführt haben, ist zwar eine nette Drehbuchidee, die man schnell fallen lässt. Denn der Vater, ein Schwerenöter vor dem Herrn und Ex-Geheimagent (mit Einsätzen an allen Brennpunkten der vergangenen Jahrzehnte), genießt die Gesellschaft der Damen zu sehr, um auch nur eine Sekunde seine Geiselnahme glaubhaft erscheinen zu lassen.
Diese Geschichte dient natürlich nur dazu, die Damen und Südfrankreich fotogen ins Bild zu setzen und einen roten Faden für die Actionszenen zu liefern. Aber auch hier zeigt sich immer wieder, dass die Macher nicht eine Sekunde über die innere Logik der Geschichte und ihrer Figuren nachgedacht haben.
So gibt es eine große Actionszene, die damit beginnt, dass unser Held sich in einem Hinterzimmer mit einigen übergewichtigen Hausmeistern kloppt. Plötzlich geht der Kampf in einem Gang mit Aktenschränken weiter. Martin benutzt die Schubladen, um seine Gegner zu besiegen. Dann sind wir plötzlich wieder in dem Hinterzimmer und Martin kloppt sich immer noch oder schon wieder mit den Hausmeistern. Warum er wieder in dem Zimmer ist und warum er so lange braucht, um sie zu besiegen: keine Ahnung. Aber es kommt noch besser. Kurz darauf besteigt Martin in einer Garage sein Auto. Seine Mitpassagiere, drei gutaussehende Frauen, sitzen schon ungeduldig wartend drin. Da tauchen etliche schlechtgelaunte Türsteher-Typen auf, die ihre Flucht verhindern wollen. Martin lässt sein Auto langsam auf die Ausfahrt zurollen, steigt aus und schlägt die durchtrainierten Handlanger mit ein, zwei schnellen Schlägen zu Boden, während auch der gutwilligste Zuschauer sich fragt, warum er das nicht auch einige Minuten früher, bei den wesentlichen untrainierteren Männern gemacht hat.
Ein weiteres großes Problem des Films ist, dass die Macher mit „The Transporter Refueled“ an die drei Jason-Statham-“Transporter“-Spielfilme, die auch die Vorlage für eine kurzlebige TV-Serie (mit Chris Vance als Transporter) waren, anknüpfen wollen. So gibt es etliche Szenen (zum Beispiel: der Transporter verkloppt in einer Tiefgarage eine Gruppe Bösewichter, die um sein Auto herumlungern), die Figur und sein Regelwerk (das hier penetrant zitiert wird), die direkt aus „The Transporter“ übenommen wurden und die in „The Transporter Refueled“ vor allem stören. Sie hätten besser einen neuen Charakter – einen Ex-Soldaten, der jetzt an der Côte d’Azur lebt und halbseidene Geschäfte macht – erfunden und ihn in ein neues Abenteuer geschickt. Ein Abenteuer, bei dem das Drehbuch vorher einem Plausibiltätstest unterzogen wird und bei dem man die Jahreszahlen angepasst hätte. Denn es gibt keinen Grund, warum die Filmgeschichte nicht in der Gegenwart, sondern 2010 spielt.
P. S.: Läuft auch einige Tage im CineStar IMAX im Sony Center (Potsdamer Straße 4, 10785 Berlin) und im Filmpalast am ZKM IMAX in Karlsruhe (Brauerstraße 40, 76135 Karlsruhe) in der deutschen und der englischen Fassung auf der supergroßen IMAX-Leinwand, die dem Film mehr Größe verleiht.
Während der Hochsommer seine Abschiedsvorstellung einleitet, verkünden die KrimiZeit-Juroren ihre September-Bestenliste:
1) Friedrich Ani: Der namenlose Tag
2) Dror Mishani: Die Möglichkeit eines Verbrechens
3) Newton Thornburg: Cutter und Bone
4) Andreas Kollender: Kolbe
5) Merle Kröger: Havarie
6) Antonin Varenne: Die sieben Leben des Arthur Bowman
7) Petros Markaris: Zurück auf Start
8) William Shaw: Kings of London
9) Jax Miller: Freedom’s Child
10) Michael Robotham: Um Leben und Tod
–
Hübsche Liste. Auch ohne Don Winslows „Das Kartell“.
Einiges will ich die Tage abfeiern.
Außerdem den neuen Roman „Der Wintertransfer“ (Tropen) von Philip Kerr, der im Fußballmilieu spielt und der Start einer neuen Serie mit Fußballtrainer Scott Manson ist (und es nicht auf die KrimiZeit-Bestenliste schaffen wird) und den neuen Kryszinski-Roman „Trailerpark“ (Rotbuch) von Jörg Juretzka (der es ebenfalls nicht auf die Krimizeit-Bestenliste schaffen wird) und „Mr. Duckworth sammelt den Tod“ (Kunstmann, erschient am 9. September) von Tim Parks (der es als Abschluss einer Trilogie über einen Hochstapler ebenfalls nicht auf die KrimiZeit-Bestenliste schaffen wird) und jetzt kommen wir zu den Büchern, die es auf die Oktober-KrimiZeit-Bestenliste schaffen könnten, Celil Okers „Lass mich leben, Istanbul – Ein Fall für Remzi Ünal“ (Unionsverlag), William McIlvanneys dritter und letzter Laidlaw-Roman „Fremde Treue“ (Kunstmann, erscheint am 9. September), James Lee Burkes dritter Hackberry-Holland-Roman „Glut und Asche“ (Heyne, erscheint Mitte September), Seamus Smyths „Spielarten der Rache“ (pulp master, – muss ich noch mehr sagen?) und Bill Moodys „Der Spion, der Jazz spielte“ (polar; – da lohnt sich auch die Suche nach seinen älteren, fast nur noch antiquarisch erhältlichen Jazz-Krimis, die im Unionsverlag erschienen).
Hm, und dann gibt es noch neues von Stephen King, einen James-Bond-Roman von Anthony Horowitz und die Fortschreibung der Romane eines gewissen Stieg Larsson.
Wann soll ich das alles lesen???
Kabel 1, 20.15 Spiel auf Zeit (USA 1998, Regie: Brian De Palma)
Drehbuch: David Koepp (nach einer Geschichte von Brian De Palma und David Koepp)
Während eines Boxkampfs in einem Casino in Atlantic City wird der Verteidigungsminister erschossen. Kurz darauf stirbt der Attentäter. Rampensau-Cop Rick Santoro (Nicolas Cage) reißt die Ermittlungen an sich und als er sich die Videoaufzeichnungen der Kampfarena ansieht, entdeckt er Unstimmigkeiten.
Der Anfang, eine gut viertelstündige Plansequenz Szene mit Nicolas Cage und dem Tatort im Mittelpunkt, ist grandios und atemberaubend. Danach dekonstruiert De Palma in einem atemberaubendem Tempo diese Sequenz bis kein Bild mehr auf dem anderen bleibt.
„Inhaltlich an klassischen Verschwörungsfilmen orientiert, ist der Parforcerittt vor allem eine gekonnte Studie, wie man mit Film manipulieren und die Wahrnehmung beeinflussen kann.“ (Fischer Film Almanach 1999)
Damals freute man sich noch auf den neuen Film mit Nicolas Cage und den neuen Film von Brian De Palma.
mit Nicolas Cage, Gary Sinise, John Heard, Carla Gugino, Stan Shaw, Kevin Dunn, Lou Logan, Michael Rispoli, Joel Fabiani, Luis Guzmán Wiederholung: Freitag, 4. September, 00.40 Uhr (Taggenau!) Hinweise Rotten Tomatoes über „Spiel auf Zeit“
Wikipedia über „Spiel auf Zeit“ (deutsch, englisch) Brian De Palma in der Kriminalakte
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 