In seiner Heimat ist Henrik Tikkanen heute, dreißig Jahre nach seinem Tod, immer noch bekannt. Bei uns ist er dagegen absolut unbekannt. Ältere Semester kennen vielleicht noch seine Frau Märta Tikkanen. Vor allem für ihren Roman „Wie vergewaltige ich einen Mann?“ (1975), der auch kurz darauf verfilmt wurde, und der in feministischen Kreisen diskutiert wurde.
Aber die Ereignisse, die Henrik Tikkanen in „Brändövägen 8 Brändö. Tel. 35“ schildert, fanden lange vor seiner Heirat mit Märta und seiner Karriere als politischer Karikaturist statt. In dem Buch erzählt er von seiner Kindheit und Jugend.
Tikkanen wurde 1924 als Kind einer vermögenden und angesehenen Familie geboren, die in Brändö, einem kleinen Ort bei Helsinki, lebt. Er gehört zur schwedischsprechenden Minderheit in Finnland: „Am besten wäre es, alles auf das Schicksal zu schieben, das mich in einem unmöglichen Land zur Welt kommen ließ, in dem knapp über drei Millionen Menschen leben, die eine Sprache sprechen, die kein anderer Mensch auf der Welt begreift. Damit nicht genug. In diesem Land sprechen meine Eltern eine andere Sprache, die lediglich ein Zehntel der Bevölkerung versteht. Die Ausdrucksweise meiner Eltern ist darüber hinaus von einer Art, die lediglich ein Hundertstel dieses Zehntels kapiert. Um den Rest des Volkes scheren sie sich ohnehin einen Dreck. Andererseits sind sie großzügig genug, das gesamte russische Volk zu hassen, das ihr nächster Nachbar ist. Selbstverständlich haben sie niemals versucht, Russisch zu lernen, sodass sie nicht ein Wort von dem verstehen, was zweihundert Millionen Menschen sagen und denken, und darauf sind sie stolz.“
Und weil Tikkanens Vater in Dresden studiert hatte und deshalb die Deutschen mochte, hatte Tikkanen ein deutsches Kindermädchen, das ihm als erste Sprache Deutsch beibrachte.
In einem Husarenritt geht es durch Tikkanens Kindheit und Jugend bis zum Kriegsende und die Familienmitglieder, die er herrlich respektlos als Ansammlung verkrachter Existenzen porträtiert, die aufgrund ihres Standes Narrenfreiheit genossen und reichlich Alkohol genossen.
In Finnland war „Brändövägen 8 Brändö, Tel. 35“, das mit dem Tod von Tikkanens Vater endet, ein Bestseller. Tikkanen schrieb in „Bävervägen 11 Hertonäs“ (1976) und „Mariengatan 26 Kronohagen“ (1977) seine Biographie fort.
Für uns ist der Roman eine kleine Entdeckung und ein Blick in ein anderes Skandinavien, vor allem ein Skandinavien abseits der dicken Kriminalromane und der alten Henrik-Ibsen-Stücke. Dank des scharfen satirischen Blicks und des ätzenden Sarkasmus ist „Brändövägen 8 Brändö, Tel. 35“ eine etwas andere Familiengeschichte, die mit treffenden Aphorismen über das Leben und die Politik gewürzt wird, wie „Zu versuchen, ein Land davon abzubringen, einen Krieg anzufangen, war außerdem eine Einmischung in dessen innere Angelegenheiten, doch zu kämpfen und das andere Land zu erobern war völlig in Ordnung.“
Allerdings empfiehlt es sich, das Buch mit dem Nachwort von Karl-Ludwig Wetzig, der die Biographie auch übersetzte, zu beginnen. Denn dort werden einige Hintergründe erklärt, die, als die Biographie 1975 erschien, allgemein bekannt waren, aber die wir nicht kennen.
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Henrik Tikkanen: Brändövägen 8 Brändö. Tel. 35
(übersetzt von Karl-Ludwig Wetzig)
Verbrecher Verlag, 2014
152 Seiten
22 Euro
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Originalausgabe
Brändövägen 8 Brändö. Tel. 35
1975
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Hinweis
Wikipedia über Henrik Tikkanen
Henrik Tikkanen, wohnhaft in „Brändövägen 8 Brändö. Tel. 35“
Januar 2, 2015TV-Tipp für den 2. Januar: Fargo – Blutiger Schnee
Januar 2, 2015
ZDFneo, 22.00
Fargo – Blutiger Schnee (USA 1996, Regie: Joel & Ethan Coen)
Drehbuch: Joel & Ethan Coen
Minnesota, im Winter: Autoverkäufer Jerry Lundegaard will an die Kohle von seinem Schwiegervater gelangen. Er lässt seine Frau von zwei strohdumm-gewalttätigen Verbrechern kidnappen. Selbstverständlich geht alles, was schief gehen kann, schief und die hochschwangere Polizeichefin Marge Gunderson darf Leichen einsammeln.
„Oh, jeez“, was für ein herrlich doppelbödiger, schwarzhumoriger Kriminalfilm. „Fargo“ gehört unbestritten zu den besten Werken der Coen-Brüder.
Mit Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Peter Stormare, Bruce Campbell (ungenannt)
Wiederholung: Samstag, 3. Januar, 02.40 Uhr (Taggenau!)
Hinweise
Wikipedia über “Fargo” (deutsch, englisch)
Meine Besprechung des Coen-Films “Inside Llewyn Davis” (Inside Llewyn Davis, USA/Frankreich 2013)
Die Coen-Brüder in der Kriminalakte
Neu im Kino/Filmkritik: Über David Ayers Weltkrieg-II-Film „Herz aus Stahl“
Januar 1, 2015
„Herz aus Stahl“ erfindet das Genre des Kriegsfilms nicht neu oder liefert umwerfend neue Erkenntnisse. Jedenfalls nicht, wenn man Filme wie „Steiner – Das eiserne Kreuz“ (von Sam Peckinpah) oder „The Big Red One“ (von Samuel Fuller) über den Zweiten Weltkrieg oder „Platoon“ (von Oliver Stone) über den Vietnamkrieg gesehen hat; um nur drei Filme zu nennen, die „Herz aus Stahl“ beeinflussten und die von Kriegsveteranen inszeniert wurden. Wobei Peckinpah keine Kampferfahrung hatte. „The Big Red One“ und „Platoon“ verarbeiten persönliche Erlebnisse. David Ayer ist vor allem für seine Drehbücher und Filme aus den innerstädtischen Kampfzonen von Los Angeles bekannt. „Training Day“, „The Fast and the Furious“, „Dark Blue“, „S. W. A. T. – Die Spezialeinheit“, „Harsh Times“, „Street Kings“, „End of Watch“ und zuletzt „Sabotage“ (okay, der war nicht gut). Immer geht es um Männergruppen, ihren Zusammenhalt, Macho-Rituale und auch den Kampf gegeneinander. Meistens sind seine Protagonisten Polizisten, die sich kaum von den Verbrechern, die sie bekämpfen sollen, unterscheiden. Ohne die Dienstmarke wäre diese Grenze zwischen Gut und Böse überhaupt nicht mehr vorhanden.
Alle seine Filme sind Kriegsfilme, die aber, bis auf „U-571“, in der Gegenwart in den USA spielten. In „Herz aus Stahl“ geht es nach Deutschland. Der Krieg ist fast vorbei, dennoch kämpfen die Deutschen bis zum letzten Mann und für die Amerikaner war es der letzte rundum gute Krieg.
Aber gerade weil Ayer seine bekannten Themen und Charaktere, gesättigt mit Erzählungen von Kriegsveteranen, in ein anderes Genre überträgt, entstehen interessante Verschiebungen und Irritationen. Sowohl in Ayers bekanntem Kosmos, als auch im Kriegsfilm.
So ist eine der grausamsten Szenen am Anfang. Die Mannschaft von Don ‚Wardaddy‘ Collier (Brad Pitt) hat, nach dem Tod eines Kameraden, einen neuen fünften Mann bekommen. Norman Ellison. Ein Junge, der den Krieg am Schreibtisch überleben wollte und der für den Einsatz nicht ausgebildet ist. Also gibt Wardaddy ihm einen verkürzten „Training Day“. Nach einem Gefecht soll er einen Deutschen erschießen. Er soll die Hemmung vor dem Töten verlieren. Er soll für seine Kameraden eintreten. Eigentlich will Wardaddy das Richtige: dem Jungen alles mitgeben, um im Krieg zu überleben und ihn im Schnellverfahren zu einem vollwertigen Teil seiner Mannschaft machen. Sie müssen sich auf den Neuling verlassen können.
Aber er will das Erreichen, indem Norman den Deutschen tötet. Er soll ihn hinterrücks exekutieren. Einen Mord begehen. Und dabei will er auch seinen Willen brechen.
Es gibt noch weitere grandiose Szenen, wie eine gruselige Mahlzeit bei zwei deutschen Frauen, die sich episodisch zu einer Chronik von 24 Stunden aus dem Krieg aneinanderreihen und der Logik von Gefecht und Vorbereitung auf das nächste Gefecht folgen, während sie in ihrem Sherman-Panzer im April 1945 durch Deutschland kurven und miteinander reden.
Da ist es schade, dass Ayer den Film nicht einfach, wie Sam Fuller in „The Big Red One“, mit dem Kriegsende enden lässt, sondern er eine Schlacht inszeniert, in der die Mannschaft des Panzers tapfer in den Heldentod marschiert, weil sie sich in den vergangenen Jahren niemals zurückgezogen haben und niemals ihren fahrunfähigen Panzer zurücklassen würden. Da wird der Antikriegsfilm dann doch zu einem Kriegsfilm, der die Tapferkeit des Soldaten feiert und all dem einen Sinn verleiht; wie Oliver Stone in „Platoon“, wenn am Filmende, nach dem Einsatz von Napalm, alle bis auf einige Amerikaner tot sind und, jedenfalls in dem Film, am Ende die Amerikaner den Krieg gewonnen haben. Diese Rechtfertigung hat Ayer nicht nötig. Immerhin spielt der Film während des Zweiten Weltkriegs und natürlich endet „Herz aus Stahl“ zwiespältiger.
Auffallend bei Ayers Film ist die historische Genauigkeit. Bei den Panzern und der Kleidung fällt das eher positiv auf. Die Leuchtspurmunition, die im Krieg eingesetzt wurde, um die Flugbahnen zu verfolgen, verleiht den nächtlichen Kämpfen dann die Ästhetik eines Computerspiels. Die blutigen Kopfschüsse und durch das Bild fliegenden Körperteile erinnern in ihrer Brutalität an aktuelle Zombie-Filme.
Und, bedingt durch die Konzentration auf eine Mannschaft die sich in einem Panzer durch Feindesland bewegt, wird „Herz aus Stahl“ dann auch zu einem Kriegsfilm, der auch zu einer anderen Zeit spielen könnte und eine seltsam verquere Moral hat. Denn Don Collier (Brad Pitt), Boyd Swan (Shia LaBeouf), Grady Travis (Jon Bernthal), Trini Garcia (Michael Pena) und Norman Ellison (Logan Lerman) haben keinen Überblick über die große Gefechtslage. Sie fahren von einem Gefecht zum nächsten. Die Kriegsziele werden niemals angesprochen. Die Deutschen treten nur als eine bedrohliche Masse ohne irgendwelche individuellen Eigenschaften auf. Es werden auch, abgesehen von einer Gruppe abgemagerte Gestalten, die durch ein Feld stolpern, keine Opfer der Nazi-Gräuel gezeigt. Es gibt auch keine Bilder der Konzentrationslager.
Es geht um Männer im Krieg, die zwischen ihnen entstehende Kameradschaft und ihre Weltsicht. Was sie vor dem Krieg getan haben oder was sie danach machen wollen, ist egal.
Das ist im Kriegsfilmgenre nicht neu, wurde aber selten so brutal gezeigt und weil die Eingangs erwähnten Filme schon lange nicht mehr im Kino laufen und teilweise selten im TV gezeigt werden, ist „Herz aus Stahl“ ein empfehlenswerter, aber auch harter und schonungsloser Kriegsfilm, der im Matsch nichts vom Mythos des heldenhaften Todes übrig lässt.
Bei David Ayer gibt es nicht die hemmungslose Glorifizierung des Kampfes. Der Krieg ist hier kein Spaß wie Quentin Tarantinos „Inglourious Basterds“, kein Leben in der Wiederholungsschleife, wie Doug Limans „Edge of Tomorrow“ (der ja unübersehbare Weltkrieg-II-Anspielungen hat), und auch kein „Saving Private Ryan“. Hier geht es nur um das Überleben im Feindesland und wie der Krieg Menschen verändert. Damals und heute.
Herz aus Stahl (Fury, USA 2014)
Regie: David Ayer
Drehbuch: David Ayer
mit Brad Pitt, Logan Lerman, Shia LaBeouf, Jon Bernthal, Michael Pena, Jim Parrak, Brad William Henke, Jason Isaacs, Kevin Vance, Alicia von Rittberg, Scott Eastwood
Länge: 134 Minuten
FSK: ab 16 Jahre
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Hinweise
Englische Homepage zum Film
Deutsche Homepage zum Film
Film-Zeit über „Herz aus Stahl“
Moviepilot über „Herz aus Stahl“
Metacritic über „Herz aus Stahl“
Rotten Tomatoes über „Herz aus Stahl“
Wikipedia über „Herz aus Stahl“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von David Ayers „End of Watch“ (End of Watch, USA 2012)
Meine Besprechung von David Ayers „Sabotage“ (Sabotage, USA 2014)
TV-Tipp für den 1. Januar: Blues Brothers
Dezember 31, 2014
ZDFneo, 21.40
Blues Brothers (USA 1980, Regie: John Landis)
Drehbuch: Dan Aykroyd, John Landis
Als die beiden Waisenkinder Jake und Elwood Blues erfahren, dass das katholische Waisenhaus, in dem sie aufwuchsen, wegen nicht gezahlter Grundsteuer verkauft werden soll, beschließen sie, das Geld zu beschaffen. Dafür müssen sie ihre alte Blues-Band wieder vereinigen. Doch nicht alle wollen sofort mitmachen, eine geheimnisvolle Frau will sie umbringen und die Polizei verfolgt sie.
Immer wieder gern gesehene Mischung aus Bluesfilm, Konzertfilm, Komödie und Action-Film. Die Blues-Brothers-Band gab es wirklich und nach dem Film verzichtete keine Blues-Band auf schwarze Anzüge, Hüte und Sonnenbrillen.
mit John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, Aretha Franklin, Steve Cropper, Donald Dunn, Murphy Dunne, Willie Hall, Tom Malone, Lou Marini, Matt Murphy, Alan Rubin, Carrie Fisher, Henry Gibson, John Candy, Kathleen Freeman, Twiggy, Frank Oz, Charles Napier, Chaka Khan, John Landis, John Lee Hooker, Walter Horton, Pinetop Perkins, Steven Spielberg, Mr. T (Debüt als Mann an der Straße) und noch viele weitere Musiker
Hinweise
Rotten Tomatoes über „The Blues Brothers“
Wikipedia über „The Blues Brothers“ (deutsch, englisch)
Blues Brothers Central (umfangreiche Fanseite)
TV-Tipp für den 31. Dezember: Pop around the Clock
Dezember 30, 20143sat, 06.00
Pop around the Clock
Same procedure as last year: 24 Stunden lang zeigt 3sat Konzerte bekannter Musiker und Bands, die oft erstmals und nur einmal im TV laufen. Ist also eine gute Gelegenheit, das Musikarchiv etwas aufzustocken.
Und wie in den vergangenen Jahren sind die interessanten Konzerne nicht um 20.15 Uhr. Da beschwört Frau Dion „The Power of Love“.
Interessanter sind da unter anderem Beth Hart & Joe Bonamassa (Live in Amsterdam 2013, 06.45 Uhr), Jeff Beck (Live in Tokyo 2014, 07.45 Uhr), The Rolling Stones (From the Vault – Live in 1981, 10.30 Uhr), Genesis (Three Sides Live – 1981, 11.30 Uhr), Dire Straits (On the Night – 1992, 14.00 Uhr), Ed Sheeran (Live in Dublin – 2014 [wir wollen uns ja nicht nur alte Säcke anhören], 15.00 Uhr), Sting (When the Last Ship Sails – New York 2013, 17.00 Uhr), Peter Gabriel (Back to the Front – 2013 [von ihm könnte auch mal ein altes Konzert gezeigt werden], 18.15 Uhr), Muse (Live at Rome 2013, 23.00 Uhr) und ZZ Top (Live at Montreux 2013, 02.15 Uhr).
Das vollständige Programm gibt es hier.
TV-Tipp für den 30. Dezember: Magnum: Wer braucht schon Schnee auf Hawaii?
Dezember 30, 2014
3sat, 21.45
Magnum: Wer braucht schon Schnee auf Hawaii? (USA 1980, Regie: Roger Young)
Drehbuch: Donald P. Bellisario, Glen A. Larson
Erfinder: Donald P. Bellisario, Glen A. Larson
Roman zum Film: Roger Bowdler: Don’t eat the Snow in Hawaii, 1981 (Kein Schnee auf Hawaii)
Ein früherer Armykamerad von Thomas Magnum soll ein Rauschgiftschmuggler gewesen sein. Magnum will die Ehre seines toten Freundes wieder herstellen.
Auftakt einer erfolgreichen Privatdetektiv-Krimiserie, die uns locker durch die achtziger Jahre begleitete. Der Drehort mit all seinen Annehmlichkeiten, die Gaststars, die Kommentare von Magnum und natürlich die Wohngemeinschaft von Privatdetektiv Magnum und Hausverwalter Higgins (gedeckt durch den immer abwesenden Brötchengeber) halfen, eine lockere Krimiserie abzuliefern, die in die Fußstapfen von „Detektiv Rockford“ trat.
mit Tom Selleck, John Hillerman, Roger E. Mosley, Larry Manetti, Pamela Susan Shoop, W.K. Stratton, Robert Loggia, Fritz Weaver, Judge Reinhold
Hinweise
Berühmte Detektive über Thomas Magnum
Thrilling Detectives über Thomas Magnum
Wikipedia über „Magnum“ (deutsch, englisch)
TV-Tipp für den 29. Dezember: Es geschah am hellichten Tag
Dezember 29, 2014Ein Tag mit Heinz-Rühmann-Filmen, wie „Das schwarze Schaf“ (um 15.30 Uhr und 02.15 Uhr) und „Der brave Soldat Schwejk“ (um 20.15 Uhr), und diesem Klassiker
3sat, 21.50
Es geschah am hellichten Tag (Deutschland 1958, Regie: Ladislao Vajda)
Drehbuch: Friedrich Dürrenmatt, Hans Jacoby, Ladislao Vajda
LV: Friedrich Dürrenmatt: Das Versprechen – Requiem auf den Kriminalroman, 1957
Kommissar Matthäi sucht den Mörder eines neunjährigen Mädchens.
Allseits bekannter Krimiklassiker mit Heinz Rühmann, Gert Fröbe und Siegfried Lowitz. Auch das Ausland war von dem Film begeistert: „Unter der hervorragenden Regie von Ladislao Vajda wird die Handlung pausenlos in einem unbarmherzigen und beklemmenden Tempo gesteigert und ist getragen von einem Dialog, der vor Gescheitheit blitzt und nur gelegentlich durch die, dem Dichter eigene, Melancholie gebremst wird.“ (Aufbau, New York, 1960)
Dürrenmatt war mit dem Ende des Filmes unzufrieden. Sein „Buch zum Film“ hat daher ein pessimistisches Ende
Hinweise
Wikipedia über „Es geschah am hellichten Tag“ und Heinz Rühmann
Meine Besprechung von Friedrich Dürrenmatts “Die Kriminalromane” (Sammelband)
Das „Mountain Home“ und „Die Farm“ sind unter Beschuss
Dezember 27, 2014Zwei Debüts, zwei kurze Thriller und zweimal die gleiche Prämisse: in einem Haus kämpfen mehrere Menschen gegen einen Schützen, der sie umbringen will. Einmal ist es ein Restaurant in den Bergen von Idaho, einmal eine Farm in Südafrika. Und beide Male verschwendet der Autor nicht viel Zeit mit Vorgeplänkel.
Abgesehen davon sind die beiden Romane sehr unterschiedlich geraten. Bracken MacLeods Geschichte „Mountain Home“ spielt in einem einsam gelegenem Diner in den Wäldern von Idaho, das vor allem damit wirbt, dass man im „Mountain Home Kitchen“ sein Essen ungestört von Handy-Telefonaten führen kann, weil es hier keinen Empfang gibt. Das Restaurant liegt an einem Abhang und versperrt Joanie Myer, einer Ex-Soldatin (12 Jahre United States Air Force, mit Kampfeinsätzen) und Scharfschützin, die Sicht auf die wunderschönen, unberührten Berge und Wälder. In dem Diner, gegen das sie erfolglos klagte, wird sie von dem aasigen Chef nicht bedient. Immerhin hat sie ein Hausverbot. Nur Lyn Lowry, eine junge Bedienung, die eigentlich Zeichnerin werden will, bedient sie. Joanie findet Lyn daher auch ganz sympathisch und eigentlich hoffte sie, dass Lyn bereits auf dem Heimweg ist, wenn sie ihren Racheplan in die Tat umsetzt und alle Menschen, die im „Mountain Home Kitchen“ sind, umbringt. Mit ihren ersten Schüssen tötet sie zwei geizige Gäste. Danach beginnen die Menschen im Diner um ihr Überleben zu kämpfen und Lyn wird ihre mal mehr, mal weniger akzeptierte Anführerin.
Schnell wissen die Eingeschlossenen, dass Joanie sie alle töten will. Sie will eine Botschaft senden. Erst später entdecken sie eine Bombe am neben dem Restaurant stehendem Gastank. Außerdem gibt es, um das Gebäude herum, Sprengfallen, die eine Flucht aus dem Haus in den Wald verhindern sollen.
„Mountain Home“ ist ein echter Pageturner, bei dem die Charaktere zwar sparsam, aber mehr als ausreichend charakterisiert sind, es einige überraschende Wendungen gibt und auch die Kriegseinsätze des US-Militärs und die Zusammenarbeit mit privaten Sicherheitsfirmen werden angesprochen. Das etwas über zweihundersteige Buch ist ein beeindruckendes Debüt, das neugierig auf die nächsten Bücher von Bracken MacLeod macht und sich vorzüglich für eine Verfilmung eignet.
„Die Farm“ von Max Annas liest sich schon wie ein Drehbuch, das mit dem ersten Schuss beginnt. Unbekannte schießen auf Franz Muller und Kobus Prins. Prins wird erschossen. Muller und alle anderen, die sich in dem Moment vor dem Farmhaus aufhalten, flüchten vor den Kugeln in das einsam gelegene Haus und beginnen sich zu wehren. Denn Waffen haben sie mehr als genug im Haus. Schnell gibt es auf beiden Seiten Leichen, die uns alle egal sind, weil wir oft nur ihren Namen kennen.
Denn die dürre Drehbuchprosa verrät uns nichts über die einzelnen Charaktere. Auch der Ort wird nicht näher beschrieben und die vielen Szenenwechsel werden normalerweise ohne Orts- und Namensnennungen (was es beides in einem Drehbuch gibt) eingeleitet. Diese knappe Sprache erschwert oft die Orientierung in der vorhersehbaren Geschichte und sie verhindert jede Identifikation mit den Charakteren.
Auch die Geschichte läuft, im Gegensatz zu „Mountain Home“, ohne Überraschungen ab. Die Schützen sind eine Bande von Verbrechern, die an die von ihnen im Haus vermuteten Wertsachen wollen. Die Eingeschlossenen wehren sich. Irgendwann kommen Nachbarn und auch die Polizei. Dazwischen gibt es einige Anmerkungen zur Situation in Südafrika, die ungefähr so tiefgründig wie eine Kurzmeldung in einer Zeitung sind.
Insgesamt verfolgt man die Geschichte, emotional desinteressiert, wie einen telegraphierten Kriegsbericht, bei dem einem die Namen der Gefallen nichts sagen und daher auch herzlich egal sind.
Dennoch steht „Die Farm“ von Max Annas bereits auf der KrimiZeit-Bestenliste. „Mountain Home“ von Bracken MacLeod sollte dort demnächst gebührend erwähnt werden.
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Bracken MacLeod: Mountain Home
(übersetzt von Christian Siege und Felix F. Frey)
Festa, 2014
224 Seiten
13,95 Euro
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Originaltitel
Mountain Home
Books of the Dead, 2013
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Max Annas: Die Farm
Diaphanes, 2014
192 Seiten
16,95 Euro
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Hinweise
Books of the Dead Press: Interview mit Bracken MacLeod
TV-Tipp für den 27. Dezember: Casino
Dezember 27, 2014
3sat, 22.00
Casino (USA 1995, Regie: Martin Scorsese)
Drehbuch: Martin Scorsese, Nicholas Pileggi
LV: Nicholas Pileggi: Casino: Love and Honor in Las Vegas, 1995 (Casino)
Biopic über die Mafia in Las Vegas in den Siebzigern
Kurz gesagt: ein Meisterwerk und Pflichttermin für Krimifans.
„Die einander ergänzenden Elemente von ‚Casino’, die genaue, materialistische Dokumentation, das Shakespeare-Drama von Macht und Fall, der Genrefilm und die Strindbergsche Seelenpein von Mann und Frau, zwischen denen eine unsichtbare Mauer steht, laufen alle auf die Feststellung hinaus, die Robert De Niro schon am Anfang getroffen hat: dass niemand gegen die Bank gewinnen kann. Das ist nicht nur konkrete Beschreibung einer ökonomisch-kriminellen Situation und soziale Metapher auf das Wesen des Kapitalismus, sondern auch ein philosophisches Gleichnis.“ (Georg Seeßlen: Martin Scorsese)
Mit Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods, Kevin Pollak, L. Q. Jones
Hinweise
Wikipedia über “Casino” (deutsch, englisch)
Drehbuch “Casino” von Nicholas Pileggi
Charlie Rose interviewt Nicholas Pileggi (2. November 1995 zu “Casino”)
Wikipedia über Martin Scorsese (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Martin Scorseses “Hugo Cabret” (Hugo, USA 2011)
Meine Besprechung von Martin Scorseses „The Wolf of Wall Street“ (The Wolf of Wall Street, USA 2013)
TV-Tipp für den 26. Dezember: Sherlock: Ein Skandal in Belgravia
Dezember 26, 2014
Eins Festival, 20.15
Sherlock: Ein Skandal in Belgravia (GB 2011, Regie: Paul McGuigan)
Drehbuch: Steven Moffat
Erfinder: Mark Gattiss, Steven Moffat
LV: Charakter und die Geschichten von Sir Arthur Conan Doyle
Sherlock Holmes soll wichtige Informationen von Irene Adlers (die einzige Frau, die Holmes jemals liebte) Smartphone sicher stellen.
Furioser Auftakt der zweiten, wieder aus drei spielfilmlangen Episoden bestehenden Staffel von „Sherlock“, in der Sherlock Holmes (Benedict Cumberbatch, Grandios!) und Dr. John Watson (Martin Freeman, Grandios!) in der Gegenwart ermitteln. Dieses Mal haben die beiden Serienerfinder Mark Gattiss und Moffat für ihre Geschichten sogar originale Holmes-Geschichten als Vorlage genommen. Jedenfalls teilweise.
Im Anschluss laufen „Die Hunde von Baskerville“ (um 21.45 Uhr) und „Der Reichenbachfall“ (um 23.15 Uhr); also die gesamte zweite „Sherlock“-Staffel.
mit Benedict Cumberbatch, Martin Freeman, Una Stubbs, Rupert Graves, Mark Gattiss, Lara Pulver
Hinweise
The Science of Deduction (Homepage von Sherlock Holmes)
Hartswood Film über „Sherlock“
Wikipedia über „Sherlock“ (deutsch, englisch)
Homepage von Sir Arthur Conan Doyle (Erben)
Krimi-Couch über Sir Arthur Conan Doyle
Kirjasto über Sir Arthur Conan Doyle
Wikipedia über Sir Arthur Conan Doyle (deutsch, englisch)
Sherlockian.net (Einstiegsseite mit vielen Links)
Facebook-Seite der deutschen Sherlock-Holmes-Gesellschaft
Thrilling Detective über Sherlock Holmes
Meine Besprechung von Arthur Conan Doyles “Sherlock Holmes Geschichten”, “Sherlock Holmes Kriminalgeschichten” und “The Adventures of Sherlock Holmes” (und hier eine Auflistung der in diesen Werken enthaltenen Geschichten)
Meine Besprechung von Anthony Horowitzs „Das Geheimnis des weißen Bandes“ (The House of Silk, 2011)
Meine Besprechung von „Sherlock: Ein Fall von Pink“ (A Study in Pink, GB 2010)
Meine Besprechung von „Sherlock: Eine Legende kehrt zurück – Staffel 1“ (Sherlock, GB 2010)
Meine Besprechung von “Sherlock: Eine Legende kehrt zurück -Staffel 2″ (GB 2012)
Meine Besprechung von “Sherlock: Ein Skandal in Belgravia” (A Scandal in Belgravia, GB 2012)
Neu im Kino/Filmkritik: „Exodus – Götter und Könige“ und ein biblischer Text
Dezember 25, 2014
Ich gestehe: Mit Bibelfilmen kann ich wenig anfangen. Meistens sind sie mir zu pathetisch und zu lang. Cecil B. DeMilles „Die zehn Gebote“ mit Charlton Heston als Moses bringt es auf 220 Minuten. Die müssen im Kino (oder vor dem Fernseher) erst einmal in einem Stück überlebt werden.
Dagegen ist Ridley Scotts „Exodus“ mit 151 Minuten fast ein Kurzfilm und „Batman“ Christian Bale als Moses geht auch in Ordnung. Er versprüht zwar eher das Charisma eines Beamten, aber da hat das Drehbuch und die Regie auch ein Wort mitgesprochen, als sie die allseits bekannte neu interpretierten.
Die Geschichte dürfte ja aus dem Religionsunterricht bekannt sein, die im Film so geht: Moses ist ein tapferer Soldat bei den Ägyptern. Er erfährt seine wahre Herkunft, wird in die Wüste geschickt, gründet eine Familie und hat eine Vision, die ihm eine Mission bescherrt. Er kehr zurück in seine alte Heimat und befreit, mit der Hilfe der legendären, von Gott geschickten zehn Plagen, sein unterdrücktes Volk aus dem Joch von Ramses, der ein unfähiger, machtgieriger Herrscher mit Ego-Problemen ist. Moses und sein Volk ziehen in die Wüste. Ramses verfolgt sie mit seinem Heer. Moses teilt das Wasser, dabei werden die letzten Reste von der äyptischen Streitmacht getötet. Auf einem Berg empfängt Moses die zehn Gebote und sie kommen in das gelobte Land.
Dass die Geschichte bekannt ist, spricht natürlich nicht gegen eine Neuinterpretation. Immerhin sind seit „Gladiator“ Sandalenfilme wieder in; in den USA sind tiefgläubige Christen, wenn der Film ihren Vorstellungen entspricht, eine nicht zu unterschätzende Zahl von Ticketkäufern und es ist nichts gegen eine gute Geschichte zu sagen. Die Geschichte von Moses quillt förmlich über vor guten Geschichte und potentiellen Konflikten, die für ein halbes Dutzend Filme ausreichen.
Aber „Exodus“ sieht auch in jeder Sekunde wie ein von einem Komitee gemachter Film aus. Ein Komitee, bei dem jedes Mitglied seine Ideen einbrachte und sich alle Mitglieder in einem Punkt einig waren: möglichst keine Konflikte. So werden die legendären Plagen in der Filmmitte, wie eine ungeliebte Pflichtaufgabe, in wenigen Minuten im Schnelldurchlauf abgehandelt. Dabei erzählen sie doch, wie der Kampf Moses und Ramses immer weiter eskalierte. Hier hätte ein Kampf um Herrschaft und Befreiung, auch mit aktuellen Bezügen, abgehandelt werden können. Stattdessen gibt es einige beeindruckende Bilder mit viel CGI und sonst nichts. Vor den Plagen darf Moses ein wenig Terrorist spielen und sich immer wieder mit einem Kind, das nur er sieht (jaja, Gott) unterhalten.
Davor, wenn Moses von seiner Herkunft erfährt und Jahre später seine Mission annimmt, hätte viel über echte und falsche Familien, über Beziehungen, Glaube und Zugehörigkeit gesprochen werden können. Immerhin sagt Moses sich von seiner Familie los, die ihn als Findelkind aufgenommen, erzogen und in ihre Pharaonenfamilie als Quasi-Sohn aufgenommen hat. Er zieht gegen sie in den Krieg. Er erklärt seinem Bruder, dem er am Filmanfang in einer ziemlich konfusen Schlacht das Leben rettete, die ewige Feindschaft, wenn er ihn nicht mit den hebräischen Sklaven von dannen ziehen lässt.
Auch später stellt sich die Frage, warum Ridley Scott und die vier genannten Drehbuchautoren aus dem Konflikt der beiden Brüder nichts gemacht haben. Denn deren Beziehung stehe, so die Macher, im Mittelpunkt des Films. Es ist ein dramaturgisch vollkommen leerer Mittelpunkt, der nur vom Willen der Drehbuchautoren vorangetrieben wird. Wenn Ramses Moses und das jüdische Volk, nachdem er ihnen die Freiheit schenkte, verfolgt, dann tut er das, weil es so im Drehbuch steht. Aber nicht, weil es psychologisch begründet ist.
In dem Moment läuft vor dem geistigen Auge schon lange ein zweiter Film ab: die Parodie auf diesen konsequent humorlosen Film, der mit eindimensionalen Klischeecharakteren bevölkert ist, die wir sofort vergessen und dem es gelingt, jeden, aber auch jeden aktuellen Bezug besser zu Vermeiden als der Teufel das Weihwasser.
Die Schauspieler können da nur noch hilflos in der Kulisse herumstehen oder chargieren. Besonders bedrückend ist der Auftritt von Sigourney Weaver, die in ungefähr drei Szenen kurz herumsteht und vielleich sogar ein Wort sagt. In einem anderen Film wäre das ein Cameo, das in der Werbung nicht erwähnt wird. Hier ist es eine groß beworbene Rolle, die sich darin erschöpft, dass Weaver ein Stück austauschbare Dekoration ist. Jedenfalls in der Kinoversion. Vielleicht war ihre Rolle in dem vierstündigen Rohschnitt größer, vielleicht gibt es im Bonusmateral der DVD, für die Ridley Scott dreißig Minuten ‚geschnittene Szenen‘ ankündigte, mehr von ihr zu sehen. Vielleicht sehen wir dann auch mehr von Ben Kingsley, der etwas mehr Filmzeit hat, aber aus seiner Rolle auch nichts herausholen kann.
Angesichts dieser konfliktfrei erzählten Geschichte, die jeden eigenen künstlerischen Zugriff vermissen lässt, mit überflüssigen neuen Szenen ist es absolut unwahrscheinlich, dass eine längere Version aus diesem Langweiler einen besseren Film macht. Dafür ist nicht zu viel falsch, sondern auf der erzählerischen Ebene nichts richtig gemacht worden.
Immerhin ist die Optik halbwegs beindruckend. Die Bilder erinnern an die Fotografien von Sebastião Salgado. Aber während in seinen SW-Bildern immer auch eine Anteilnahme und Sympathie für die Porträtierten vorhanden ist, bleibt bei Ridley Scott nur noch das Ornament der Masse übrig, das selbstverständlich in 3D präsentiert wird und damit auch jeder mitbekommt, dass es 3D ist (als ob nicht schon die dämliche Brille ausreichen würde) werden ständig Gegenstände in den Vordergrund geschoben, die in einem normalen Film nicht dort stehen würden.
Auch „Noah“ von Darren Aronofsky war ein schlechter Film. Aber im Gegensatz zu dem langweiligen Komitee-Film „Exodus“ hatte er immerhin so viele unglaubliche Szenen, dass ich mich fragte, ob die Macher beim Dreh irgendwelche Drogen genommen haben, um zum Beispiel auf ihre Stein-Transformers zu kommen.
Exodus – Götter und Könige (Exodus – Gods and Kings, USA 2014)
Regie: Ridley Scott
Drehbuch: Adam Cooper, Bill Collage, Jeffrey Caine, Steven Zaillian
mit Christian Bale, Joel Edgerton, John Turturro, Aaron Paul, Ben Mendelsohn, Maria Valverde, Ben Kingsley, Sigourney Weaver, Dar Salim, Golshifteh Farahani, Indira Varma
Länge: 151 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
–
Hinweise
Homepage zum Film
Deutsche Facebook-Seite zum Film
Film-Zeit über „Exodus“
Moviepilot über „Exodus“
Metacritic über „Exodus“
Rotten Tomatoes über „Exodus“
Wikipedia über „Exodus“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Ridley Scotts “Prometheus” (Prometheus, USA 2012)
TV-Tipp für den 25. Dezember: James Bond: Diamantenfieber
Dezember 25, 2014
ZDF, 23.20
JAMES BOND: Diamantenfieber (Großbritannien 1971, Regie: Guy Hamilton)
Drehbuch: Richard Maibaum, Tom Mankiewicz
LV: Ian Fleming: Diamonds are forever, 1956 (Diamantenfieber)
Eigentlich soll Bond nur einen Juwelenraub untersuchen. Aber Erzfeind Blofeld (schon wieder mit neuen Gesicht: Charles Gray) hat seine Finger drin.
Sean Connery kehrte für eine damals unglaublich hohe Summe zurück und spendete das Geld dem Scottish International Education Trust.
„Diamantenfieber“ ist insgesamt ein ziemlich lahmer Bond, bei dem nur die Autoverfolgungsjagd in Las Vegas in die Historie einging. Dreiundfünfzig Autos wurden geschrottet. Und die schwulen Killer Mr. Wint (Bruce Glover) und Mr. Kidd (Putter Smith) sind köstlich.
mit Sean Connery, Jill St. John, Charles Gray, Lana Wood, Bernard Lee, Lois Maxwell, Desmond Llewelyn, Bruce Glover, Putter Smith
Wiederholung: ZDFneo, Freitag, 26. Dezember, 03.00 Uhr (Taggenau!)
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Diamantenfieber“
Wikipedia über „Diamantenfieber“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Jeffery Deavers James-Bond-Roman “Carte Blanche” (Carte Blanche, 2011)
Meine Besprechung von William Boyds James-Bond-Roman “Solo” (Solo, 2013)
Meine Besprechung des James-Bond-Films „Skyfall“ (Skyfall, GB/USA 2012)
TV-Tipp für den 24. Dezember: Whatever Works – Liebe sich wer kann
Dezember 24, 2014Weil „Ist das Leben nicht schön?“ erst um 00.50 Uhr im ZDF läuft, „Stirb langsam 2“ und „Tödliche Weihnachten“ (Pro 7, ab 20.15 Uhr) nicht gerade friedliche Weihnachtsfilme sind, „Drei Nüsse für Aschenbrödel“ überall läuft, aber einige Betrachtungen über Gott und die Welt angebracht sind
Eins Festival, 21.35
Whatever Works (USA 2009, Regie: Woody Allen)
Drehbuch: Woody Allen
Dass Woody Allen das Skript für „Whatever Works“ bereits in den frühen Siebzigern schrieb, merkt man an einigen Stellen und oft wirkt „Whatever Works“ wie ein abgefilmtes Theaterstück, aber whatever, it works. Denn der schlechtgelaunte Misanthrop Boris Yellnikoff, der fast den Physik-Nobelpreis bekommen hätte und jetzt in Manhattan versucht, geistigen Tieffliegern (also eigentlich alle, die nicht Boris Yellnikoff heißen) Schach beizubringen, lässt seinen Welthass an der gesamten Nachbarschaft und auch den Zuschauern, die er direkt anspricht, aus. Bis er Melody kennen lernt, die wahrlich keine Intelligenzbestie ist.
Spaßige Unterhaltung
mit Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Adam Brooks, Henry Cavill, Ed Begley jr.
Hinweise
Film-Zeit über “Whatever Works”
Metacritic über „Whatever Works“
Rotten Tomatoes über „Whatever Works“
Wikipedia über „Whatever Works“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Woody Allens “To Rome with Love” (To Rome with Love, USA/Italien 2012)
Meine Besprechung von Woody Allens “Blue Jasmine” (Blue Jasmine, USA 2013)
Meine Besprechung von Woody Allens „Magic in the Moonlight“ (Magic in the Moonlight, USA 2014)
Meine Besprechung von John Turturros “Plötzlich Gigolo” (Fading Gigolo, USA 2013 – mit Woody Allen)
Cover der Woche
Dezember 23, 2014Einerseits offensichtlich, andererseits weil hier, nach einer strengen Auswahl, meine Weihnachtsgeschichte „Die Sache mit den Fabergé-Eiern“ wieder abgedruckt wurde. Es geht um einen Weihnachtsmann und wertvolle Fabergé-Eier in den falschen Händen.
Der Sammelband mit den 24 Berlin-Weihnachtskrimis erschien in der Edition Karo, kostet 14 Euro und kann auch hier bestellt werden.
Tim Berne’s Cornered spielt „Embraceable Me“
Dezember 22, 2014Das ist jetzt nicht gerade Easy Listening, aber verdammt gut, weil Avantgarde-Jazzer Tim Berne immer gut ist:
Die Band:
Ryan Ferreira (guitar)
Michael Formanek (bass)
Ches Smith (drums)
Tim Berne (alto saxophone)
Oscar Noriega (clarinets)
Matt Mitchell (piano)
Live aufgenommen am 12. Oktober 2014 im The Stone.
Mehr über Tim Berne findet ihr bei Screwgun Records (sein Label, außerdem veröffentlicht er bei ECM), AllMusic und Wikipedia (deutsch, englisch).
TV-Tipp für den 22. Dezember: Fedora
Dezember 22, 2014
Arte, 20.15
Fedora (Deutschland/Frankreich 1978, Regie: Billy Wilder)
Drehbuch: Billy Wilder, I. A. L. Diamond
LV: Thomas Tryon: Crowned Heads, 1976 (Kurzgeschichte)
Filmproduzent Barry Detweiler will den seit Jahren zurückgezogen auf Korfu lebenden Filmstar Fedora überzeugen, in seinem nächsten Film mitzuspielen.
„übersteigertes Melodram (…) das mit bitterem Spott einen Abgesang auf das Kino alter Schule anstimmt.“ (Lexikon des internationalen Films)
Ein zweites „Boulevard der Dämmerung“ ist Billy Wilders vorletzter Film nicht. Dafür war er damals von der Kritik zu wenig geliebt worden (damals erschien der Film altmodisch, neuere Kritiken sind da wesentlich positiver, teils euphorisch), er floppte an der Kinokasse und ist heute fast unbekannt. Dabei fand ich ihn, als ich ihn vor Ewigkeiten sah, ziemlich gut und, allein schon wegen der Besetzung, ist „Fedora“ einen Blick wert.
mit William Holden, Marthe Keller, José Ferrer, Hildegard Knef, Mario Adorf, Frances Sternhagen, Henry Fonda, Michael York, Stephen Collins, Gottfried John
Wiederholung: Dienstag, 23. Dezember, 11.10 Uhr
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Fedora“
Turner Classic Movies über „Fedora“
Wikipedia über „Fedora“ (deutsch, englisch)
TV-Tipp für den 21. Dezember: Die Marx Brothers – Animal Crackers
Dezember 21, 2014
Arte, 22.30
Die Marx Brothers – Animal Crackers (USA 1930, Regie: Victor Heerman)
Drehbuch: George S. Kaufman, Morrie Ryskind, Bert Kalmar, Harry Ruby
Während einer Party zu Ehren eines Afrikaforschers (Groucho Marx) verschwindet ein wertvolles Gemälde und das Chaos nimmt seinen Lauf.
Wie immer bei den Marx Brothers dient die Story nur als roter Faden für die immer noch zündenden Gags.
mit Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Zeppo Marx, Margaret Dumont
Hinweise
Arte über „Animal Crackers“
Rotten Tomatoes über „Animal Crackers“
TCM über „Animal Crackers“
Wikipedia über „Animal Crackers“ (deutsch, englisch)

Veröffentlicht von AxelB 




