Ein Mann, den sie Pferd nannten(A man called horse, USA 1970)
Regie: Elliot Silverstein
Drehbuch: Jack DeWitt
LV: Dorothy M. Johnson: A man called horse, 1950 (Kurzgeschichte, Erstveröffentlichung in Collier’s, Nachdruck 1953 in dem Sammelband „Indian Country“)
Ein englischer Aristokrat wird von Sioux gefangen genommen. Mit der Zeit erwirbt er sich den Respekt der Indianer.
Enorm erfolgreicher Western, der damals als erster authentischer Indianerfilm beworben wurde. Es gab Input von Experten und im Film wird fast nur Sioux gesprochen (jedenfalls in der Originalfassung), trotzdem warfen die Sioux ihm zahlreiche Verfälschungen und Fehler vor.
mit Richard Harris, Judith Anderson, Jean Gascon, Manu Tupou, Corinna Tsopei
Wenn ich nur einen Satz über „One Battle after another“ schreiben darf: Sobald ich im Dezember meine Jahresbestenliste erstelle, wird Paul Thomas Andersons neuer Film darauf stehen.
Und nun gibt es einige erklärende Sätze:
Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio) gehört zur French 75. Die radikale linksrevolutionäre Gruppe verübt in den USA Anschläge, überfällt zwecks Revolutionsfinanzierung Banken und befreit im großen Stil ICE-Häftlinge. Bislang starb bei ihren Aktionen niemand. Die führenden Köpfe der diffus organisierten Gruppe sind schwarze Frauen. In eine von ihnen, Perfidai Beverly Hills (Teyana Taylor), ist Bob verliebt. Sie wird von ihm schwanger. Kurz nach der Geburt ihrer Tochter erschießt sie während eines Banküberfalls einen Wachmann.
Danach tauchen alle Gruppenmitglieder an verschiedenen Orten unter. Die French 75 gibt es nur noch in Erzählungen.
Sechzehn Jahre später lebt Bob mit seiner Tochter Willa (Chase Infiniti) irgendwo in der Provinz in einer Hütte im Wald. Er ist ein paranoider Kiffer und liebevoller Vater, der alles für Willa tut. Willa ist eine beliebte Schülerin, die glaubt, ihre Mutter sei tot.
Da erfährt Bob, dass der ebenso fanatische wie verklemmte und überaus gefährliche Colonel Steven J. Lockjaw (Sean Penn) frühere Mitglieder der French 75 tötet. Jetzt stehen er und seine Tochter ganz oben auf Lockjaws Liste. Mit einem Riesenaufgebot an Gesetzeshütern und der Lizenz exzessiv Gewalt anzuwenden, begibt er sich zu dem Ort, an dem Bob lebt. Deandra (Regina Hall), ein Mitglied von French 75, kommt ebenfalls in die Kleinstadt. Sensei Sergio St. Carlos (Benicio del Toro) ist schon in Baktan Cross. Er ist nicht nur der Willas Karatelehrer, sondern auch der in sich ruhende, niemals den Überblick verlierende Kopf des örtlichen, Illegalen helfenden Untergrund-Netzwerk.
Als ob das noch nicht genug Probleme und sich bekämpfende Gruppen und Gruppierungen wären, ist Lockjaw ein glühender Rassist, der gerade darauf hofft, in den elitären, sehr geheimen, überaus rechten Christmas Adventures Club aufgenommen zu werden. Eine Todsünde, die eine Aufnahme in die politische Geheimgesellschaft hundertfünfzigprozentig verhindern würde, wäre, wenn er Sex mit einer Schwarzen gehabt hätte. Seit Jahren vermutet Lockjaw, dass er Willas Vater ist. Eine Vaterschaft wäre für die Rassenreinheit noch verwerflicher als einmaliger Sex mit einer Nichtweißen.
Und das ist nur das sich langsam entfaltende Set-Up des knapp dreistündigen, überaus kurzweiligen Abenteuers zwischen Action, Comedy und Satire über die heutigen Vereinigten Staaten von Amerika.
Paul Thomas Anderson sagt, sein in der Gegenwart spielender Film sei von Thomas Pynchons „Vineland“, einem 1990 erschienenem, 1984 spielendem Porträt über die Reagan-Ära, inspiriert. Das bezieht sich nicht auf die Handlung, sondern auf Pynchons Erzählhaltung, den postmodernen Umgang mit der Pop- und Kulturgeschichte, den ironischen Brechungen, den satirischen Übertreibungen, der unberechenbaren Abfolge absurder Ereignisse, die zu weiteren absurden Ereignissen führen, der liebevollen Respektlosigkeit (Ja, Leonardo DiCaprio spielt fast den ganzen Film mit der auf dem Plakat abgebildeten Bekleidung und Frisur) und der lakonischen Verwendung von Genre-Topoi.
Es geht auch um Terrorismus von Links, organisiert in vielen verschiedenen Gruppen und bemerkenswert gut organisiert, und um eine entfesselte Staatsmacht. Die schöne Verschwörungstheorie von Gruppen, die im Hintergrund die Geschicke der Welt lenken, taucht wieder auf. In Andersons Film nennen die rassistischen selbsternannten Herrenmenschen ihre Geheimgesellschaft Christmas Adventures Club. Innerhalb von Sekunden demaskiert Anderson sie und macht sie zum Gespött.
Mit bewundernswerter Leichtigkeit wechselt Anderson in seinem detailreich erzähltem Film zwischen den verschiedenen Handlungssträngen und Stilen, ohne dass man jemals den Überblick über die ziemlich chaotische Abfolge absurder Ereignisse verliert. Jeder Schauspieler hat zahllose grandiose Auftritte. Der gesamte schwarzhumorige Film ist, auch wenn der in der Vergangenheit spielende Anfang etwas ziellos wirkt, eine Abfolge erinnerungswürdiger Szenen.
Bei diesem satirischen Porträt der US-Gesellschaft, inszeniert als furiose Polit-Thriller/Actionkomödie, vergehen die hundertsechzig Minuten wie im Flug.
Und alle, die von Andersons grandioser Thomas-Pynchon-Verfilmung „Inherent Vice“ begeistert waren, dürften auch von seinem zweiten Pynchon-Film begeistert sein.
One Battle after another (One Battle after another, USA 2025)
Regie: Paul Thomas Anderson
Drehbuch: Paul Thomas Anderson
LV (Inspiration): Thomas Pynchon: Vineland, 1990 (Vineland)
mit Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio Del Toro, Regina Hall, Teyana Taylor, Chase Infiniti, Wood Harris, Alana Haim, Shayne McHayle, D. W. Moffett
Fotograf Richard Billingham erzählt in seinem präzise fotografiertem Filmdebüt die Geschichte seiner Eltern Ray und Liz, die in Birmingham zur unteren Arbeiterklasse gehören. Es sind deprimierende Bilder aus deinem deprimierendem Leben. Danach möchte man, um sich besser zu fühlen, mindestens ein Feelbad-Movie sehen.
Am 4. April 1984 startete in den US-Kinos – der deutsche Kinostart war am 14. Mai 1987 unter dem deutschen Titel „Atomic Hero“ (der Videotitel war dann „Atomic-Monster-Hero“) – ein billigst produzierter Horrorfilm mit Comedy-Teilen (teils absichtlich, teils unabsichtlich) und schlechten Spezialeffekten. Aber, so die Rechnung der Macher, mit genug Gore, Fun und Sex, bzw. dem offen gezeigtem Versprechen darauf, dürften genug Jugendliche ins Kino gehen, um den Film zu refinanzieren. Und so geschah es. „The Toxic Avenger“ (so der inzwischen auch hier bekanntere Originaltitel) entwickelte sich für Troma zu einem veritablen Hit mit mehreren Fortsetzungen, einem Musical und dem Ruf eines Kultfilms.
Der titelgebende Held des Films ist Melvin Ferd, die von allen gehänselte Putzkraft in dem angesagten Fitness-Studio von Tromaville, einem Kaff mit Manhattan als Skyline. Nach einem vulgären Streich der jugendlichen Besucher des Studios springt Melvin aus einem Fenster und landet in einem mit nuklearem Abfall gefülltem Fass. Er mutiert zum Toxic Avenger und beginnt seinen Feldzug gegen das örtliche Verbrechen.
Zum Kinostart urteilte der Fischer Film Almanach, wie auch andere Kritiker: „Sexistischer, instinkloser Horror-Schocker (…) Primitive Spekulation statt überzeugender Provokation.“ Also genau der Film für orientierungslose Teenager, die den Playboy noch nicht kaufen dürften, und orientierungssüchtige Studierende, die ihr Studium in der Mitternachtsvorstellung des Studentenkinos verbringen. Die Besucher von Autokinos sind ja mit anderen Dingen beschäftigt.
Ich sah den Film Jahre nach dem Kinostart im Kino im Rahmen einer Trash-Reihe. Der schlechte Film gefiel mir, weil ich einen schlechten Film erwartete und bekam.
Seit Jahren wurde mit verschiedenen Regisseuren und Schauspielern über ein Remake gesprochen. Natürlich mit einem größeren Budget, mehr Professionalität vor und hinter der Kamera, bekannten Schauspielern und flankiert von einer Werbekampagne, die betont, wie sehr der neue Film in der Tradition des alten Films steht.
Gedreht wurde, bleiben wir bei dem altmodischem Wort, das Remake vom 21. Juni 2021 bis, je nach Quelle, irgendwann zwischen dem 14. August und 21. September 2021 in Bulgarien in Sofia. Die Premiere war am 21. September 2023 auf dem Fantastic Fest in Austin, Texas. Dass der Film erst jetzt in die Kinos kommt (der US-Kinostart war vor vier Wochen am 29. August 2025) lag daran, dass die Macher zunächst keinen Verleih fanden. Zu blutig und gewalttätig sollte der Film sein.
Jetzt können wir prüfen, ob das stimmt.
Die Story bleibt, trotz teilweise weitreichender Veränderungen, weitgehend gleich. So wurde aus der offensichtlich geistig zurückgebliebenen, bei seiner Mutter lebenden, von allen schikanierden Putzkraft des Fitnessclubs ein alleinerziehender, kleinwüchsiger, an einem tödlichen Gehirntumor leidender, überaus liebevoller Vater, der als Hausmeiser eines bösen, die Umwelt verschmutzenden Pharmaunternehmens arbeitet. Beide Male fällt er in ein mit toxischem Abfall gefülltes Behältnis und verwandelt sich zum titelgebenden Toxic Avenger. Im Original kämpft er fortan primär gegen die Straßekriminalität und die böse Teenie-Clique aus dem Fitness-Studio. Im Remake kämpft er gegen die korrupten oberen Zehntausend des Ortes, vor allem gegen den bösen Boss des Pharmaunternehmens und seine schmierigen Helfer. Am Ende sind es nur andere Kostüme für die weitgehend gleiche Geschichte.
„The Toxic Avenger“ tappt in die erwartbaren Fallen. Die erste ist, dass hier bewusst ein schlechter Film gemacht werden soll. Das aber gut gemacht. Das funktioniert bestenfalls begrenzt. Bei Trash-Filmen besteht beim Ansehen ein großer Teil des Spaßes aus der Diskrepanz zwischen dem, was die Macher erreichen wollen und dem, was sie erreichen. Es ist also das Beobachten eines ungewollten Scheiterns. Sie wollen einen guten Film machen. Sie können es nicht. Aber die Begeisterung und der Wille dazu sind erkennbar.
Jetzt wollen Profis einen schlechten Filmen machen. Sie können es besser, aber sie spielen schlecht und nennen es Overacting. Die Spezialeffekte sind, obwohl sie besser sein könnten, schlampig.
Immerhin gibt es einige blutige Gore-Effekte. Aber ohne den Spaß früherer Blutorgien, für die die Schauspieler und das gesamte Set in eine blutrote Sauce getaucht wurden.
Das nächste Problem ist, dass hier ein Witz wieder erzählt wird. Die Idee des Original-“The Toxic Avenger“ einen Hausmeister mit seinem Wischmopp zum Rächer zu machen, ist ebenso grandios wie bescheuert. Beim Remake bleibt nur das Gefühl, den Gag schon einmal gesehen zu haben und der Eindruck, dass hier kein dreckiger Wischmopp sondern bunte Pixel in das Gesicht des Bösewichts gedrückt werden.
Die Dialoge und die Leistungen der Schauspieler sind schlecht. Kevin Bacon als Bösewicht aus der Schule der Superschurken-Parodien überzeugt. Peter Dinklage ist der Held. Von seiner Körpergröße ist er vor und nach der Verwandlung das komplette Gegenteil des riesenhaften Original-Toxic-Avengers. Sein Spiel ist überraschend unglaubwürdig. Das gilt für die Teile, in denen er den liebevollen Vater spielt. Wenn er zum Toxic Avenger mutiert, schlüpft Luisa Guerreiro in die Rolle des verunstalteten Rächers. Dinklage sprach seine Dialoge später ein. Durchgängig bleibt das Gefühl, dass hier nichts zusammenpasst.
Weil der Original-“Toxic Avenger“ mit unbekannten Schauspielern und Laien auf der Straße und in existierenden Orten gedreht wurde, macht ihn das inzwischen auch zu einem Zeitdokument über die frühen achtziger Jahre in den USA. Das Remake wurde in Bulgarien im Studio gedreht. Der Schmutz der Straße wurde also gegen die Sauberkeit eines Studios außerhalb der USA ausgetauscht.
Der Original-“Toxic Avenger“ wollte gut sein und scheiterte an den üblichen B-und C-Movie-Verdächtigen: Regie, Drehbuch, Schauspieler, Drehzeit.
Das Remake hat gute Leute die im Geist des Originals und mit vielen Anspielungen einen schlechten Film machen wollen. Das funktioniert nicht gut. Auch nicht als Parodie auf – eine Parodie. Denn selbstverständlich ist der Original-“Toxic Avenger“ auch eine Parodie auf Superheldenfilme, in denen der Superheld der gute Engel der Nachbarschaft sind und Bösewichter verkloppen.
The Toxic Avenger(The Toxic Avenger, USA 2023)
Regie: Macon Blair
Drehbuch: Macon Blair (basierend auf „The Toxic Avenger“ von Lloyd Kaufman)
mit Peter Dinklage, Kevin Bacon, Elijah Wood, Taylour Paige, Jacob Tremblay, Julia Davis, Spencer Wilding, David Yow, Luisa Guerreiro (Toxic Avenger)
Manchester by the Sea(Manchester by the Sea, USA 2016)
Regie: Kenneth Lonergan
Drehbuch: Kenneth Lonergan
Als sein Bruder Joe ins Krankenhaus kommt, muss der introvertierte Einzelgänger Lee Chandler (Casey Affleck) nach Manchester by the Sea zurückkehren, sich seiner Vergangenheit stellen und die Vormundschaft für Joes sechzehnjährigen Sohn übernehmen. Dabei will er nur wieder zurück nach Boston und in seine selbstgewählte Isolation zurückkehren.
Stilles, sehr intensives Drama. Zum Kinostart empfahl ich den Film jedem, der es hören oder auch nicht hören wollte.
Die wandernde Erde II (liúlàng dìqiú II, China 2023)
Regie: Frant Gwo
Drehbuch: Yang Zhixue, Gong Geer, Frant Gwo, Ruchang Ye
LV (Idee): Cixin Liu: liúlàng dìqiú (Kurzgeschichte, Erstveröffentlichung in Science Fiction World, Juli 2000) (deutsche Veröffentlichung: Die wandernde Erde, 2019)
Was geschah, bevor die Erde sich, um einer explodierenden Sonne zu entgehen, auf die hundert Generationen dauernde Wanderschaft in ein anderes Sonnensystem begab?
Dieses gut dreistündige Science-Fiction-Spektakel beantwortet diese Frage höchst kurzweilig im Geist von Roland Emmerich.
Und weil dieser zweite Teil die Vorgeschichte zum ersten Teil erzählt, muss man sich den ersten Teil nicht vor dem zweiten Teil ansehen.
Der Nachtportier – Ein legendärer Skandalfilm(Italien/Frankreich 2025)
Regie: Adolfo Conti
Drehbuch: Adolfo Conti
Als 1974 Liliana Cavanis „Der Nachtportier“ zuerst in Frankreich und Italien in den Kinos startete, entwickelte sich ihr Spielfilm über eine SM-Liebesgeschichte zwischen einer jüdischen KZ-Überlebenden (Charlotte Rampling) und einem nach dem Krieg in einem Nobelhotel als Nachtportier arbeitendem SS-Offizier (Dirk Bogarde), der sie als Kind im KZ zu einer Geliebten machte, schnell zu einem Skandalfilm – und Kassenhit.
In dieser brandneuen 55-minütige Doku wird, mit Statements von Liliana Cavani und Charlotte Rampling, die Geschichte des Films und seiner Wirkung nacherzählt.
Ich selbst fand den Nazi-Sexploitation-Film, als ich ihn vor einigen Jahren sah, vor allem als langweilig, unausgegoren und insgesamt veraltet. Aber das ist das Schicksal von Skandalen: was früher für Empörung sorgte, ist heute kein Schulterzucken mehr wert.
Weil die TV-Premiere von „John Wick: Kapitel 4“ zwar zu einer durchaus noch akzeptablen Uhrzeit ist – Pro7 zeigt den Actionfilm um 22.25 Uhr – , der Sender um die Uhrzeit aber nur eine gekürzte Fassung zeigt (die sich direkt anschließende Nachtwiederholung um 01.35 Uhr soll ungekürzt sein), empfehle ich diesen Filmklassiker
3sat, 23.15
Anatomie eines Mordes (Anatomy of a Murder, USA 1959)
Regie: Otto Preminger
Drehbuch: Wendell Mayes
LV: Robert Traver: Anatomy of a Murder, 1958 (Anatomie eines Mordes)
Provinzanwalt Paul Biegler verteidigt einen Soldaten, der einen Barbesitzer erschossen haben soll.
Der gut dreistündige Film (die deutsche Version wurde um elf Minuten gekürzt) basiert auf dem dicken Roman des ehemaligen Richters John D. Voelker (1903 – 1991), der in dem Justizkrimi einen seiner Fälle fiktionalisiert. Beide Werke schöpfen ihre Spannung aus dem minutiösen Verfolgen der Vorbereitung und dem anschließenden Gerichtsverfahren. Im Buch umfasst die Verhandlung fast zwei Drittel der Geschichte. Der Film war damals wegen seiner Sprache und dem Thema (Vergewaltigung) kontrovers. Die Schauspielerleistungen des Gerichtsdramas wurden einhellig gelobt. James-Stewart-Biograph Howard Thompson nennt es seine beste Leistung. Der Filmrichter wurde von Richter Joseph N. Welch (er verteidigte 1954 die US Army gegen Senator Joseph McCarthy und trug zum Sturz des Senators bei) gespielt. Gedreht wurde vor Ort. Duke Ellington schrieb die Musik.
Ein Klassiker
Mit James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, Arthur O’Connell, Eve Arden, Kathryn Grant, George C. Scott, Duke Ellington
Three Kings – Es ist schön, König zu sein(Three Kings, USA 1999)
Regie: David O. Russell
Drehbuch: David O. Russell (nach einer Story von John Ridley)
Irak, 1991, kurz nach dem Golfkrieg: drei US-Soldaten suchen, zwecks Aufbesserung der eigenen Rentenkasse, abseits von jedem Dienstprotokoll, in der Wüste die Goldbarren, die Saddam Hussein in Kuwait klaute.
„Eine im Grenzbereich von Realismus und Absurdität angesiedelte Darstellung des modernen Kriegs zwischen High Tech, politischer Konfusion, ökologischem Desaster und eingefleischter Konsum-Ideologie.“ (Lexikon des internationalen Films)
Auch mir gefiel vor 25 Jahren (Schon so lang her?) die Kriegssatire, die ich seitdem immer mal wieder gucken wollte. Unter anderem wegen der Besetzung und der Inszenierung.
Einer der ersten Filme von David O. Russell. Danach inszenierte er „I heart Huckabees“ (2004), „The Fighter“ (2010), „Silver Linings Playbook“ (2012), „American Hustle“ (2013), „Joy“ (2015) und zuletzte „Amsterdam“ (2022).
mit George Clooney, Mark Wahlberg, Ice Cube, Spike Jonze, Cliff Curtis, Nora Dunn, Jamie Kennedy
LV: Thomas Berger: Little Big Man, 1964 (Der letzte Held)
Der 121-jährige Exscout Jack Crabb, der als Indianer Little Big Man hieß, erzählt einem Historiker sein Leben zwischen Indianern und Weißen – und man verirrt sich hoffnungslos und extrem kurzweilig im Dickicht zwischen Fakten und Mythen, zwischen Verklärung und Entzauberung des Wilden Westens.
Der satirische Klassiker ist eine grandiose Mythenentzauberung und -bestätigung.
Dustin Hoffman spielte Jack Crabb vom jungen bis zum alten Mann.
mit Dustin Hoffman, Faye Dunaway, Martin Balsam, Richard Mulligan, Chief Dan George, Jeff Corey
Remo Manfredini (Nahuel Pérez Biscayart) war ein gefeierter Jockey. Jetzt ist er ein bei der Mafia hoch verschuldeter, exzessiver Drogenkonsument mit wachsendem Schuldenberg. Mit einem Sieg würde er ein Comeback feiern und könnte seine Schulden abbezahlen.
Aber die Dinge sind nicht so einfach und Regisseur Luis Ortega („Der schwarze Engel“) hat in seinem neuesten Film „Kill the Jockey“ erkennbar kein Interesse am Erzählen einer herkömmlichen Geschichte. Schon in den ersten Minuten zeigt er, dass alles in Richtung absurder Surrealismus mit abgespacten Tanzszenen, durchgehend unbeeindruckt agierenden Schauspielern (auch wenn sie gerade vom Bett aufstehen und ein Stockwerk tiefer fallen) und einem ausgedehntem Einführungskurs in überraschende Drogenverstecke auf dem Weg zur Rennstrecke geht. Das ist voller Einfälle, witzig, grotesk, fantastisch und absolut kurzweilig irgendwo zwischen Surrealismus, Pedro Almodovar, Wes Anderson und witzigem Giorgios Lanthimos.
In der Mitte, wenige Filmminuten nachdem Remo bei einem Pferderennen die Rennstrecke verlässt und auf einem unglaublich wertvollem Pferd in die dunkle Stadt hineingaloppiert, verlässt Ortega seinen Minimalstplot endgültig. Er lässt Remo als Dolores durch Buenos Aires irren und ich hatte zunehmend den Eindruck, dass Ortega sein gesamtes kreatives Potential in der grandiosen ersten Hälfte verschossen hat. Das macht „Kill the Jockey“, nach einem überzeugenden Anfang, zu einem letztendlich enttäuschendem Film.
Schade.
Kill the Jockey (El Jockey, Argentinien/Mexiko/Spanien/Dänemark/USA 2024)
Regie: Luis Ortega
Drehbuch: Luis Ortega, Fabian Casas, Rodolfo Palacios
mit Nahuel Pérez Biscayart, Ursula Corberó, Daniel Gimenez Cacho, Daniel Fanego, Osmar Núñez, Roberto Carnaghi, Luis Ziembrowski, Jorge Prado, Adriana Aguirre, Roly Serrano, Mariana Di Girolamo
Hoch verschuldet und mit einem halbseidenem Bewährungshelfer als Betreuer verlässt der Immobilienbetrüger Thomas Bellmann (Christoph Maria Herbst) das Gefängnis. Da erfährt der Waise, der seine Mutter nie kannte, dass sie ihn in ihrem Testament berücksichtigt hat und er ihr Haus erbt. Mit dem Erlös aus dem Verkauf wäre er finanziell saniert. Die Sache hat nur zwei Haken. Seine Mutter ist noch nicht tot. Aber sie liegt im Sterben. Und in dem Haus wohnt Roland Krantz (Nico Randel). Er hat ein lebenslanges Wohnrecht. Thomas denkt sich, dass er seinen Bruder aus dem Haus vertreiben kann. Er muss Roland und den Rest der Welt nur überzeugen, dass der Junge mit dem Down-Syndrom in einer betreuten Wohngemeinschaft oder einem Heim viel besser aufgehoben ist.
Dummerweise kommt der bekennende Schlagerfan Roland – „Sunny“ ist sein im Film in neun verschiedenen Fassungen dauerpräsentes Lieblingslied -, sehr gut allein zurecht. Er arbeitet in einer Werkstatt. Er trainiert in einem Verein für eine Meisterschaft im Gewichtheben. Er hat Freunde. Seine ihm wohlgesonnene Betreuerin Yessim Bayrak (Sesede Terziyan) hilft ihm ein wenig bei der Organisation seines Alltags. Und er weiß sehr genau, was er will und wie sein durchstrukturiertes und entsprechend geordnetes Leben ablaufen soll. Ein neuer Bruder gehört erst einmal nicht dazu.
Ausgehend von diesem Zusammenprall zweier unterschiedlicher Brüder erzählen Regisseur Hanno Olderdissen und Autor Clemente Fernandez-Gil (der selbst einen Sohn mit Down-Syndrom hat) eine durchgehend erwartbare Feelgood-Geschichte und die mit harmlosen Witzen garnierte, ebenso vorhersehbare Wandlung eines Betrügers zum guten Menschen.
Dass sie die Rolle von Roland mit Nico Randel, der das Down-Syndrom hat, besetzt haben, ist lobenswert. Seine Szenen gehören auch zu den besten Szenen des Films. Allerdings ist er viel zu selten im Bild und der Humor ist durchgehend viel zu nett.
Viel respektloser thematisierten die Komödien „Wir sind Champions“ (Campeones, Spanien 2018) und „Was ist schon normal?“ (Un p’tit truc en plus, Frankreich 2024) den Zusammenprall von ’normalen‘ und körperlich und geistig behinderten Menschen. In „Wir sind Champions“ soll ein cholerischer Trainer als Strafe eine chronisch erfolglose Basketball-Mannschaft trainieren. Der Film war ein Kinohit. In den vergangenen Jahren entstanden mehrere Remakes. In „Was ist schon normal?“ tauchen zwei flüchtige Verbrecher in einer Behindertengruppe unter, die auf dem Weg zu einem Urlaub in den Bergen ist. Auch diese Komödie war ein Erfolg. Das deutsche Remake von Marc Rothemund soll am 3. September 2026 im Kino starten. Alle diese Filme entstanden in Zusammenarbeit mit Behinderten. Es herrscht ein respektvoll-rauer Ton, gerne auch mal in Richtung Klamauk und Slapstick. Es gibt keine Scheu vor vermeintlichen Tabus. Jede Figur ist erinnerungswürdig, einzigartig und bekommt ihr Fett weg.
Verglichen mit diesen Filmen bleibt „Ganzer halber Bruder“ gerade so auf halber Strecke stehen.
Ganzer halber Bruder (Deutschland 2025)
Regie: Hanno Olderdissen
Drehbuch: Clemente Fernandez-Gil
mit Christoph Maria Herbst, Nico Randel, Sesede Terziyan, Michael Ostrowski, Tristan Seith, Martin Brambach, Tanja Schleiff, Rudolf Kowalki, Anja Herden
Der Beginn von Christian Petzolds neuestem Spielfilm „Miroirs No. 3“ ist etwas seltsam und auch arg gekünstelt.
Zusammen mit ihrem Freund fährt die Klavierstudentin Laura (Paula Beer) ins Berliner Umland. Weil sie keine Lust auf ein Wochende mit seinen Freunden hat, streiten sie sich und er will sie zum Bahnhof fahren. Von dort kann sie den nächsten Zug nach Berlin nehmen. Auf einer einsamen Landstraße verunglücken sie. Ihr Freund stirbt. Sie überlebt ohne eine Kratzer, geht zu dem wenige Meter von dem Unfallort stehendem Haus und fragt die ihr bis dahin vollkommen unbekannte Betty (Barbara Auer), ob sie bei ihr einige Tage bleiben kann. Die allein in dem Haus lebende Betty ist einverstanden. In den folgenden Tagen erfährt Laura langsam mehr über Betty, ihren Mann Richard (Matthias Brandt) und ihren Sohn Max (Enno Trebs). Die beiden Männer betreiben in der Nähe eine Autowerkstatt. Sie wohnen dort und sind in offensichtlich illegale Geschäfte verwickelt. Sie alle versuchen, vor allem schweigend, den Verlust ihrer Tochter und Schwester verarbeiten. Anscheinend sah sie wie Laura aus.
In jedem Film gibt es Logiklücken und Auslassungen. Manchmal muss halt einfach etwas geglaubt werden, dass die Geschichte funktioniert. Manchmal gibt es am Ende eine gute Erklärung für bestimmte Lücken. In „Miroirs No. 3“ ist das nicht der Fall. Das beginnt mit dem Autounfall. Es wird nie erklärt, wie es auf der Landstraße dazu kam. Wir sehen nur das davor, wenn der Wagen über die Straße fährt, und das danach, wenn der Wagen, als sei er für ein Gemälde sorgfältig arrangiert worden, auf einem Feld auf der Seite liegt.
Danach wird Laura von Betty aufgenommen und lebt einige Tage mit ihr. Die Polizei, ihre Freunde und auch ihre Eltern glänzen durch Abwesenheit. Es ist, als ob sie über keinerlei Beziehungen verfügt, oder, wie in seinem Film „Yella“, als ob sie bei dem Unfall gestorben ist und sich jetzt in einem Zwischenzustand zwischen Leben und Tod befindet. Dann würde der Film ab dem Unfall in Lauras Kopf spielen.
Das Geheimnis in Bettys Familie wird erst relativ spät in dem enervierend langsam erzählten Film angedeutet. Einerseits ist es ziemlich offensichtlich, andererseits wird es nie wirklich enthüllt. Es ist eine Leerstelle, über die Betty, Richard und Max schweigen und sich stumme Vorwürfe machen. Hier gibt Petzold einfach zu wenig Informationen, um mit den Figuren mitfühlen zu können.
Dazwischen wird viel Musik gehört, Klavier gespielt (wir erinnern uns: Laura studiert Klavier) und Fahrrad gefahren.
Natürlich hat ein Film von Christian Petzold dank der Inszenierung, der vielen bewusst gewählten Anspielungen und Querverweise innerhalb des Films und zu anderen Werken und den in ihren Rollen versinkenden Schauspieler (die wir in diesem Fall alle aus früheren Petzold-Filmen kennen) immer eine gewisse Qualität. Aber dieses Mal dehnt er eine Idee von einem Film auf Spielfilmlänge. Am Ende ist „Miroirs No. 3“ sein schwächster Film.
Vielleicht sollte er mal wieder einen Kriminalfilm drehen.
Miroirs No. 3(Deutschland 2025)
Regie: Christian Petzold
Drehbuch: Christian Petzold
mit Paula Beer, Barbara Auer, Matthias Brandt, Enno Trebs
Damit hätte wohl niemand mehr gerechnet. Zwölf Jahre nach seinem letzten Kinofilm „Die andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht“ führt der am 1. November 1932 geborene Edgar Reitz noch einmal bei einem Spielfilm Regie. Und es ist, das sei zugegeben, ein kleiner Film mit wenigen Schauplätzen – eigentlich nur einem Zimmer – und einem Co-Regisseur, der ihm mehr oder weniger umfangreich helfend zur Seite stand.
Weil Königin Charlotte ein Bild von ihrem früheren Lehrer Gottfried Wilhelm Leibniz will, erklärt sich der Universalgelehrte 1704 bereit, für ein solches Gemälde Modell zu stehen. Denn Leibniz (Edgar Selge) hat, wie schon während der ersten Sitzung schnell deutlich wird, wenig Lust, tagelang bewegungslos in einem kleinen Kellerzimmer herumzustehen und sich von der niederländischen Malerin Aaltje van de Meer (Aenne Schwarz) porträtieren zu lassen. Er sagt es ihr. Sie antwortet. Und schnell wird aus den geplanten Sitzungen ein wortreich ausgetragenes Duell zwischen dem Philosophen und der Zeichnerin.
Dieses im Zentrum des Films stehende philosophische Gespräch zwischen dem Gelehrten und der Malerin regt auch die Zuschauer zum Nachdenken über die Ansichten von Leibniz an.
Deshalb funktioniert „Leibniz – Chronik eines verschollenen Bildes“ prächtig als glänzend gespieltes und sehr zurückhaltend inszeniertes Quasi-Theaterstück/Hörspiel.
Der Weg von der ersten Idee bis zum fertigen Film war lang und schwierig. Edgar Reitz („Heimat“) und Gert Heidenreich begannen kurz nach ihrer Zusammenarbeit bei „Die andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht“ mit der Arbeit an einem Film über Leibniz. Die Realisierung des ersten Drehbuchs hätte unfinanzierbare 25 Millionen Euro gekostet. Danach folgten mehrere neue Drehbuchentwürfe, deren Realisierung immer günstiger geworden wäre. Zuletzt entschlossen sie sich, ausgehend von einer schon im damaligen Drehbuch stehenden Anfangsszene über eine Sitzung für ein Porträt, diese Szene zu einem Spielfilm auszubauen. Dieses Drehbuch konnte dann realisiert werden.
Über die Dreharbeiten sagt Edgar Reitz in einem im Presseheft abgedrucktem Gespräch mit Robert Fischer: „Wir bauten die komplette Szenerie in einem Münchener Studio. Ich hatte außerhalb der Dekoration meine sogenannte Combo, also die Regiekabine mit Kontrollmonitor und Sprechfunkverbindung zu meinem Team. Dieser Arbeitsraum lag hinter der Tapetentür, die im Film in die ’schwarze Kammer‘ führt. Der geheimnisvolle schwarze Raum war während der sechs Wochen Drehzeit mein ‚Denkzentrum‘.
Dort saß ich täglich viele Stunden in völliger Dunkelheit vor einem Bildschirm und konnte das Kamerabild, den Lichtaufbau und die Proben beobachten. Mit einem Mikrofon konnte ich wahlweise mit dem Kameramann, den Schauspielern oder meinem Assistenten kommunizieren. Dem Kameramann gab ich meine Anweisungen über seine Kopfhörer. Ich konnte ihm also sagen, geh näher ran, nimm das Ding da links noch mit ins Bild und so weiter. Mein Alter spielte bei den Arbeitsabläufen natürlich eine Rolle, denn mit 92 Jahren kann man nicht mehr wie früher täglich zehn Stunden neben der Kamera stehen und die Schauspieler mit Blickkontakt führen.
Ich musste also irgendwo sitzen; wenn man aber irgendwo sitzt, bewegt sich das Geschehen leicht von einem weg. Eine große Hilfe war deswegen mein eigens aus Altersgründen engagierter Co-Regisseur Anatol Schuster. Anatol ist ein junger Filmemacher, der schon drei Spielfilme geschaffen hat und deswegen in engster Verbindung mit mir in der Lage war, an sämtlichen meiner künstlerischen Überlegungen teilzunehmen.
Anatol war derjenige, der alle Abläufe und Drehtage koordiniert hat. Die Proben konnten wir immer aus doppelten Perspektiven verfolgen: Gleichzeitig am Monitor und stehend neben der Kamera. Vielleicht hätte ich den Film nicht körperlich durchgestanden, wenn ich Anatol nicht an der Seite gehabt hätte.“
Leibniz – Chronik eines verschollenen Bildes (Deutschland 2025)
Regie: Edgar Reitz, Anatol Schuster (Co-Regie)
Drehbuch: Gert Heidenreich, Edgar Reitz
mit Edgar Selge, Aenne Schwarz, Lars Eidinger, Barbara Sukowa, Antonia Bill, Michael Kranz
In ihrem dritten Spielfilm erzählt Céline Sciamma eine Geschichte aus der Pariser Banlieu: eine Sechzehnjährige schließt sich einer Mädchengang an. Gemeinsam versuchen sie herauszufinden, wer sie sind und sein wollen. Konflikte inclusive.
Die Kritik war einhellig begeistert, z. B.: „Genau komponiert und einfallsreich dramatisiert“ (Lexikon des internationalen Films; dort steht er auch in der Liste der besten Kinofilme des Jahres 2015)
Drehbuch: Gillian Flynn, Steve McQueen (basierend auf der gleichnamigen TV-Serie von Lynda La Plante)
Was ihre Männer könne, können Veronica, Linda und Alice auch. Vor allem weil sie tot sind und ihre Witwen Geldprobleme haben. Also ruft Veronica die anderen Witwen zusammen und sie beschließen, den nächsten Einbruch, den ihre Männer geplant hatten, durchzuführen. Mit weiblicher Finesse.
Schnörkellose, top besetzte Genre-Kost von Steve McQueen, der vorher „Hunger“, „Shame“ und „12 Years a Slave“ inszenierte. „Widows – Tödliche Witwen“ ist sein „Inside Man“.
mit Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Colin Farrell, Daniel Kaluuya, Jackie Weaver, Robert Duvall, Liam Neeson, Brian Tyree Henry, Garrett Dillahunt, Carrie Coon, Jon Bernthal, Manuel Garcia-Rulfo, Lukas Haas
Halbneuer Titel, aber ausgehend von der Länge läuft diese Fassung
MDR, 22.55
The Outsiders: The complete Novel (The Outsiders, USA 1983/2005)
Regie: Francis Ford Coppola
Drehbuch: Kathleen Knutsen Rowell
LV: S. E. Hinton: The Outsiders, 1967 (Die Outsider)
Tulsa, Oklahoma, sechziger Jahre (mit fünfziger Jahre Feeling): Die proletarischen Greaser und die aus dem wohlhabenden Teil der Stadt stammenden Socs leben ihre Feindschaft immer wieder in Schlägereien aus. Als dabei einer der Socs zufällig stirbt, müssen zwei in die Tat involvierte Mitglieder der Greasers aus der Stadt flüchten.
Jugendrama, das damals bei der Kritik nicht gut ankam. Die längere „The complete Novel“-Fassung rehabilierte das aus heutiger Sicht sehr prominent besetzte, edel fotografierte Jugenddrama vollständig.
mit C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise, Leif Garrett, Glenn Withrow, Tom Waits, S. E. Hinton
auch bekannt als „Coppola’s The Outsiders – Rebellen ohne Grund“ (Kinotitel) bzw. „Die Outsider“ (Kinotitel)
Der Adler ist gelandet(The Eagle has landed, Großbritannien 1976)
Regie: John Sturges
Drehbuch: Tom Mankiewicz
LV: Jack Higgins: The Eagle has landed, 1975 (Der Adler ist gelandet)
1943: während des Zweiten Weltkriegs soll eine von Oberst Kurt Steiner (Michael Caine) geführte Einheit Fallschirmjäger in England in einem englischen Küstenort Premierminister Winston Churchill entführen. Das schwierige Unternehmen gestaltet sich, zu unserem Vergnügen als Zuschauer, schwieriger als erwartet.
Top besetzter, spannender Abenteuerfilm, in dem der Krieg zum Spielplatz für echte Männer mutiert.
„Der Adler ist gelandet“ ist der letzte Spielfilm von John Sturges, dem Regisseur von „Stadt in Angst“ (Bad Day at Black Rock, 1955), „Zwei rechnen ab“ (Gunfight at the O.K. Corral, 1957), „Der alte Mann und das Meer“ (The Old Man and the Sea, 1958), „Der letzte Zug von Gun Hill“ (Last Train from Gun Hill. 1959) und selbstverständlich die Klassiker „Die glorreichen Sieben“ (The Magnificent Seven, 1960) und „Gesprengte Ketten“ (The Great Escape, 1963).
Anschließend, um 22.20 Uhr, zeigt Arte die 55-minütige Doku „Sir Michael Caine – Vom Arbeiterkind zum Hollywoodstar“ (Deutschland 2021).
mit Michael Caine, Donald Sutherland, Robert Duvall, Jenny Agutter, Donald Pleasence, Anthony Quayle, Jean Marsh, Sven-Bertil Taube, Judy Geeson, Siegfried Rauch, Treat Williams, Larry Hagman
Das Piano (The Piano, Australien/Neuseeland/Frankreich 1993)
Regie: Jane Campion
Drehbuch: Jane Campion
Um 1850 herum wird die stumme Ada nach Neuseeland zwangsverheiratet. Ihr ihr vollkommen unbekannter Ehemann, der Plantagenbesitzer Stewart, nimmt sie und Adas neunjährige Tochter Flora auf. Adas heißgeliebtes Piano lässt er als unnötigen Ballast am Strand zurück. Stewarts Nachbar Baines holt das Piano in sein Haus. Er bietet Ada eine Möglichkeit an, wie sie wieder an ihr Piano kommen könnte.
Jane Campions Durchbruch beim globalen Kinopublikum und immer noch ihr bekanntester Film.
mit Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin, Kerry Walker
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 