Arte, 22.50 Woodstock(USA 1970, Regie: Michael Wadleigh)
Drehbuch: Michael Wadleigh
Verdammt langer, verdammt selten gezeigter Film (der den Oscar als bester Dokumentarfilm erhielt) über ein legendäres Musikfestival mit einem Haufen legendärer Bands und Musiker. Im Film treten auf: Richie Havens, Joan Baez, The Who, Sha-Na-Na, Joe Cocker, Country Joe and the Fish, Arlo Guthrie, Crosby Stills & Nash, Ten Years After, John Sebastian, Santana, Sly & the Family Stone, Jimi Hendrix, Canned Heat, Jefferson Airplane, Janis Joplin und Canned Heat. Und wer die beiden „Woodstock“-CDs hat, kann noch einige weitere Musiker hören.
Am Schnitt arbeiteten unter anderem Martin Scorsese (der ja später noch einige Konzerte filmte) und Thelma Schoonmaker mit. Beide werden auch als „Assistant Director“ aufgeführt.
Arte zeigt heute den 216-minütigen Director’s Cut. Die Kinoversion dauerte nur 184 Minuten. Hinweise Rotten Tomatoes über „Woodstock“
Wikipedia über „Woodstock“ (deutsch, englisch)
All Music über „Woodstock“ und „Woodstock Two“
Vor fünf Jahren, nachdem fast zeitgleich einige gute deutsche Kriminalspielfilme und Dominik Grafs TV-Serie „Im Angesicht des Verbrechens“ erschienen, wurde auf einer Tagung von der „Lust am Genre“ gesprochen und auch gefragt, warum es kein deutsches Genrekino gibt. Krimis laufen im Fernsehen in verschiedenen Serien und Reihen bis zum Abwinken. Science-Fiction und Horror existieren vor allem als Erinnerung an die seeligen Stummfilm- und frühen Tonfilmtage, als „Das Cabinet des Dr. Caligari“, „Dr. Mabuse, der Spieler“, „Das Testament des Dr. Mabuse“, „Metropolis“ und „M – Mörder unter uns“ gedreht wurden. In den Sechzigern und frühen Siebzigern waren dann die Edgar-Wallace-Filme und ihre zahlreichen mehr oder weniger direkten Ableger (Jerry Cotton, Kommissar X, St.-Pauli-Filme) an der Kinokasse erfolgreich, während Horror und Science-Fiction schon lange in andere Länder abgewandert waren.
Seitdem gab es immer wieder Versuche, deutsche Genrefilme zu drehen. Die meisten waren und sind höchstens schlechte Imitate besserer Filme. Meistens liegt es am Drehbuch und einem nervigen Stilwillen des Regisseurs, der überhaupt nicht zur Handlung passt. Da ist dann das pseudo-coole Spiel der Schauspieler auch egal.
Vor dieser Folie ist Özgür Yilderims dritter Spielfilm, nach dem Gangsterfilm „Chiko“ und der Musikkomödie „Blutzbrüdaz“, eine durchaus erfreuliche Überraschung. Das heißt jetzt nicht, dass „Boy 7“ ein Film ist, den man sich unbedingt ansehen muss. Dafür ist die Story dann doch zu bekannt und zu sehr auf ein jugendliches Publikum zugeschnitten.
Der PC-Nerd Samuel ‚Sam‘ Lubota („Knallhart“ David Kross) wird, nachdem er beim Manipulieren der Abi-Noten einer Klassenkameradin erwischt wurde, in eine ländlich gelegene Besserungsanstalt, die Kooperation X, geschickt. Dort werden sie nur noch mit ihrem Geschlecht und einer Nummer angesprochen. Er wird zu ‚Boy 7‘. Er fügt sich schnell in die hierarchisch strukturierte Gesellschaft ein. Immerhin sollen hier seine Fähigkeiten so eingesetzt werden, dass er zu einem wertvollen Mitglied der Gesellschaft wird. Der Anstaltsleiter, Direktor Thomas Fredersen, verspricht ihm sogar, wenn er das Programm erfolgreich absolviert, eine gut dotierte Stelle in einer Bank.
Aber dann bemerkt Sam, dass einige seiner Mitinsassen unter seltsamen Umständen sterben oder ihr Gedächtnis verlieren.
Yilderim erzählt diese Geschichte in mehreren Rückblenden, die einen in die Geschichte hineinziehen. Denn der Film beginnt gleich mitten in der Geschichte: Sam wird in einem U-Bahn-Schacht wach. Er erinnert sich an nichts. Aber er wird von der Polizei als Mörder gejagt. Auf einer Toilette entdeckt er ein von ihm geschriebenes Buch, das er dort vorher versteckte. In dem Tagebuch erzählt er sich und uns die Vorgeschichte. Garniert mit einigen hübschen Spitzen, denn er liest sein Buch Emilia (aka Girl 8) vor, die ebenfalls in der sektenähnlichen Besserungsanstalt war und die sich ebenfalls an nichts erinnern kann. Diese Konstruktion ist ein kluger erzählerischer Schachzug, weil wir wissen wollen, wie Sam in diese Situation kommen konnte und ob er der jungen Frau, die er auf seiner Flucht getroffen hat, vertrauen kann.
Dennoch geraten die Rückblenden, wenn Details aus dem Internatsleben breit ausgebreitet werden, etwas zu lang. Was auch daran liegt, dass die Charaktere eher blass geraten sind. Aber die Schauspieler spielen unverkrampft, die Dialoge sind natürlich (es handelt sich also nicht um hölzern-papierne Beamtensprache und die Jugendlichen müssen nicht in einem hippen Jugendslang sprechen), die Sets sehen gut aus (so befindet sich die Kooperation X im – Reisetipp – Schloss Nordkirchen) und die Story steht im Mittelpunkt.
Sogar den Stilwillen von Yildirim, der seine Kamera gerne in einer Schräglage hält, um ein expressionistisches „Dr. Caligari“-Gefühl heraufzubeschwören, verzeiht man da. Immerhin nervt es weniger als eine Wackelkamera und die Bilder (Kamera: Matthias Bolliger) und zahlreiche Anspielungen im Film und bei den Namen verweisen auf die deutschen Filmklassiker, in deren Tradition Yildirim seinen Film sieht. Und das ist nicht die schlechteste Referenz. Auch wenn in „Boy 7“ die Manipulation der Insassen nicht mehr mittels Hypnose erfolgt.
Natürlich ist „Boy 7“ eine weitere Variation der bekannt-erfolgreichen Dystopien, in denen ein Jugendlicher (oft weiblich) gegen eine verbrecherische Erwachsenenwelt kämpfen muss. „Die Tribute von Panem – The Hunger Games“ und „Die Bestimmung“ (The Divergent Series), beides Romantrilogien, die als vier Filme ins Kino kommen, sind die erfolgreichsten. Weniger erfolgreich waren, um nur zwei Filme zu nennen, „Maze Runner“ (der zweite Teil läuft am 24. September an) und „Seelen“. Und, wie die genannten Filme, basiert „Boy 7“ auf einem Jugendbuch-Bestseller, der eine in sich abgeschlossene Geschichte erzählt. Eine Fortsetzung ist ziemlich ausgeschlossen.
Unter den deutschen Genreexperimenten der letzten Jahre gehört „Boy 7“ zu den gelungeneren Filmen. Auch wenn er sich an ein jugendliches Publikum richtet und er mit den zahlreichen, deutlich höher budgetierten Vorgängern zu kämpfen hat. Aber immerhin bewahrt uns das vor einem CGI-Gewitter.
P. S.: Zeitgleich inszenierte Lourens Blok mit einer anderen Besetzung eine niederländische Version der Geschichte.
Boy 7 (Deutschland 2015)
Regie: Özgür Yildirim
Drehbuch: Philipp Delmaar, Marco van Geffen, Özgür Yildirim
LV: Mirjam Mous: Boy 7, 2009 (Boy 7)
mit David Kross, Emilia Schüle, Jens Harzer, Jörg Hartmann, Liv Lisa Fries, Ben Münchow, Nina Petri
Länge: 104 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Kinostart: 20. August 2015
– Hinweise
Wikipedia über Özgür Yildirim
– Die Kinotour – oder, wo ich einen Film und die Macher schon vor dem Kinostart sehen kann:
Samstag, 15. August
CINESTAR Ingolstadt (Am Westpark 2, 85057 Ingolstadt)
Vor Ort: David Kross, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 16:00 Uhr
–
Samstag, 15. August
CINEMAXX Augsburg (Willy-Brandt-Platz 2, 86153 Augsburg)
Vor Ort: David Kross, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 17:00 Uhr
–
Samstag, 15. August
MATHÄSER München (Bayerstraße 3-5, 80336 München)
Vor Ort: David Kross, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 19:30 Uhr
–
Sonntag, 16. August
Premiere im COMMERZ REAL CINEMA Düsseldorf (Robert-Lehr-Ufer, 40479 Düsseldorf)
Vor Ort: David Kross, Emilia Schüle, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim, Romanautorin Mirjam Mous
Filmstart: 21:25 Uhr
–
Montag, 17. August
CINEMAXX Mannheim (N7 17, 68161 Mannheim)
Vor Ort: David Kross, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 18:00 Uhr
–
Montag, 17. August
KINOPOLIS Sulzbach (Taunus) (Am Main-Taunus-Zentrum, 65843 Sulzbach (Taunus))
Vor Ort: David Kross, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 20:30 Uhr
–
Dienstag, 18. August
ASTOR GRAND CINEMA Hannover (Nikolaistraße 8, 30159 Hannover)
Vor Ort: David Kross, Emilia Schüle, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 19:30 Uhr
–
Dienstag, 18. August
C1 CINEMA Braunschweig (Lange Straße 60, 38100 Braunschweig)
Vor Ort: David Kross, Emilia Schüle, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 20:00 Uhr
–
Mittwoch, 19. August
CINEMAXX DAMMTOR Hamburg (Dammtordamm 1, 20354 Hamburg)
Vor Ort: David Kross, Emilia Schüle, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 19:00 Uhr
–
Donnerstag, 20. August
CUBIX Berlin (Rathausstraße 1, 10178 Berlin) (Endlich!!!)
Vor Ort: David Kross, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 19:30 Uhr
–
Donnerstag, 20. August
CINESTAR Leipzig (Petersstraße 44, 04109 Leipzig)
Vor Ort: David Kross, Ben Münchow, Regisseur Özgür Yildirim
Filmstart: 20:30 Uhr
LV: Elmore Leonard: Out of sight, 1996 (Zuckerschnute, Out of sight)
Auf der Flucht verbringt Jack Foley im Kofferraum einige Zeit mit Debputy U. S. Marshal Karen Sisco. Zwischen ihnen funkt es gewaltig. Als Jack in Detroit seinen letzten Coup plant, erscheint auch Karen auf der Bildfläche.
Hochgelobte und uneingeschränkt empfehlenswerte Leonard-Verfilmung mit George Clooney, Jennifer Lopez, Ving Rhames, Don Cheadle, Dennis Farina, Luis Guzman
Von Elmore Leonards Homepage: “Out of Sight, like Get Shorty, was a totally happy film experience for Elmore. The Get Shorty production team and writer: Danny DeVitos Jersey Films and screenwriter Scott Frank, once again collaborated on an Elmore Leonard project. Jersey signed Steven Soderbergh to direct and he cast George Clooney and Jennifer Lopez in the lead roles. (…) Clooney and Lopez added considerable sizzle to Out of Sight. Steve Zahn is hilarious as a stoner car thief; Ving Rhames, Don Cheadle and Isaiah Washington are all deadly and cool. Albert Brooks was a pleasant surprise. He makes the most out of the Ripley character. It was Scott Frank who took Ripley, off-stage in the book, and made him a key character. After Scott finished his screenplay, Elmore disagreed with the Ripley move and the ´happy´ movie ending, but admitted he was right after seeing the finished film. Out of Sight has a great look thanks to Steven Soderberghís masterful direction and Scott Frank’s savvy script. The film was a critical success but a box office so-so because of an unfortunate summer release date.”
Herzlichen Glückwunsch zum Geburtstag, Wim Wenders!
ZDF, 01.10 Bis ans Ende der Welt (Deutschland/Frankreich/Italien 1991, Regie: Wim Wenders)
Drehbuch: Peter Carey, Wim Wenders (nach einer Originalidee von Wim Wenders und Solveig Dommartin)
1999 (also damals in der Zukunft): eine nuklearer Satellit verläßt seine Umlaufbahn und er könnte das Ende der Welt bedeuten. Während die Menschheit auf ihr Ende wartet, verfolgt eine Frau einen Mann über den halben Globus bis nach Australien. Er zeichnet mit einer Spezialkamera Bilder auf, die Blinde sehen können.
Das ist etwas für die Nachteulen (und den Recorder): Wim Wenders Epos „Bis ans Ende der Welt“, das nach der Pressemitteilung des ZDF heute in seiner Langfassung seine Free-TV-Premiere erlebt (nach der OFDB lief der Film allerdings schon einmal im Fernsehen: nämlich vor zehn Jahren auf EinsFestival). In jedem Fall gehört der Film in der Kino- und der Langfassung zu seinen selten gezeigten Werken.
1991 lief im Kino eine dreistündige Fassung, die nicht so gut ankam, die ich aber, bei all ihren Schwächen, faszinierend finde.
„In ‚Bis ans Ende der Welt‘ synthetisiert Wenders zahlreiche traditionelle Filmgenres wie Science-Fiction, Romanze, Abenteuer-, Kriminal- und Musikfilm zu einer Art Gesamtkunstwerk, zu dem prominente Musiker und Bands von Peter Gabriel über Patti Smith und U2 bis zu den Talking Heads Exklusivsongs komponiert haben. Sein Stammkameramann Robby Müller hat dazu wieder brillante Bilder, vor allem von den grandiosen australischen Landschaften, eingefangen. (…) Bei allem Respekt für die enorme Kraftanstrengung bleibt am Ende doch ein zwiespältiger Eindruck, der sich vielleicht durch die Langfassungrevidieren läßt.“ (Fischer Film Almanach 1992)
„Wenders bleibt der Regisseur, der mit jedem neuen Projekt viel wagt. Trotz aller Widersprüche ist ‚Bis ans Ende der Welt‘ ein Film, der sich aus der Kinolandschaft als ein wichtiger Versuch heraushebt, wenn mit ihm auch nicht der erhoffte große Entwurf und Abschluß gelungen ist. Am Ende ist die größte Sensation des Films: daß es ihn tatsächlich gibt.“ (Stefan Kolditz: Bis ans Ende der Welt, in Peter W. Jansen/Wolfram Schütte, Hrsg.: Wim Wenders, 1992)
Immerhin hatte Wenders das Projekt bereits 1977 nach „Der amerikanische Freund“ begonnen. Das Budget betrug 23 Millionen Dollar (sein teuerster Film). Der Film wurde auf vier Kontinenten an 120 Drehtagen gedreht und 600 Menschen waren beteiligt.
Erst zehn Jahre später veröffentlichte Wenders die gut fünfstündige Fassung, die heute gezeigt wird, und die auch die ursprüngliche und schon beim Kinostart angekündigte Fassung ist.
Mit Solveig Dommartin, Chick Ortega, Eddy Mitchell, Ernie Dingo, William Hurt, Sam Neill, Rüdiger Vogler, Elena Smirnowa, Lois Chiles, Jeanne Moreau, Max von Sydow Hinweise Filmportal über „Bis ans Ende der Welt“ Rotten Tomatoes über „Bis ans Ende der Welt“
Wikipedia über „Bis ans Ende der Welt“ (deutsch, englisch)
ZDFneo, 20.15 Father Brown: Der mysteriöse Agent/Der Fluch der Mumie (Großbritannien 2015, Regie: Paul Gibson, Matt Carter)
Drehbuch: Rob Kinsman, Jude Tindall
Erfinder: Rachel Flowerday, Tahsin Guner
LV: Charakter von Gilbert Keith Chesterton
Bleiben wir in den Fünfzigern, bewegen uns aber von den sonnigen italienischen Stränden (an denen Mr. Ripley gestern mordete) in die ebenso sonnige englische Provinz, in der Father Brown Mördern auf ihrem Weg zur Sühne hilft.
In „Der mysteriöse Agent“, der Auftaktepisode der dritten Staffel der lauschigen BBC-Krimiserie, will Father Brown (Mark Williams) herausfinden, wer einen Restaurator ermordete. Der Tote restaurierte im Anwesen von Lord Masters dessen Gemäldesammlung. Schwierig wird der Fall für unseren naseweisen geistlichen Ermittler, weil die Polizei versucht, die Tat zu vertuschen und der britische Geheimdienst ebenfalls involviert ist.
Auch wenn es dieses Mal um Geheimdienste und ihren Kampf gegen die bösen Kommunisten geht, ändert sich in der Welt von Father Brown wenig. Der Ton bleibt humorvoll, das Erzähltempo gemächlich und die aus den vorherigen Staffeln bekannten Charaktere sind wieder dabei.
ZDFneo zeigt die fünfzehn Folgen der dritten Staffel donnerstags in Doppelfolgen.
mit Mark Williams (Father Brown), Sorcha Cusack (Mrs. McCarthy), Nancy Carroll (Lady Felicia), Alex Price (Sid Carter), Tom Chambers (Inspector Sullivan), John Burton (Sgt Goodfellow)
– Bonushinweis
Wem das zu wenig „Father Brown“ ist und wer die Folgen in der englischen Fassung sehen möchte, sollte zur DVD „Father Brown – Staffel 2“, in der die zehn Fälle der zweiten Staffel enthalten sind, kaufen. Sie hält, auch wenn Father Brown Geister und Bewohner einer Irrenanstalt trifft, das Niveau der ersten Staffel und die dritte Staffel scheint das Niveau der zweiten Staffel zu halten. Da ist es doch beruhigend, dass der die Kirchenoberen ihren Geistlichen nicht aus seiner Gemeinde Kembleford abziehen wollen und die vierte „Father Brown“-Staffel bereits angekündigt ist.
„Father Brown – Staffel 3“ erscheint am 5. Oktober 2015.
–
Father Brown – Staffel 2
Polyband
Bild: 1,78:1 (16:9)
Ton: Deutsch, Englisch (Dolby Digital 5.1)
Untertitel: Deutsch
Bonusmaterial: –
Länge: 466 Minuten (10 x 46 Minuten) (3 DVDs)
FSK: ab 12 Jahre
Zombies sind schon nervig. Vor allem wegen ihrer Essgewohnheiten und ihres oft rudelhaften Auftretens. Aber fünf Jahre nachdem die ersten Untoten über die Erde stampften, ist Manhattan eine sichere Festung gegen sie geworden. Regiert wird die Stadt von Bürgermeister Chandrake, der ein Vampir ist. Das weiß allerding,s außer den anderen Vampiren seines Clans, niemand. Und das ist auch die größte Überraschung in der von George A. Romero erfundenen Comicserie „Empire of the Dead“, die natürlich bruchlos an seine Spielfilme und die in ihnen etablierte Zombie-Mythologie anknüpft.
Neben dem Chandrake-Clan ist die Ärztin Penny Jones eine der Hauptpersonen des Comics. Sie versucht herauszufinden, ob es ein friedliches Zusammenleben zwischen Menschen und Untoten geben kann. Als sie Xavier, einen zum Zombie mutierten Polizisten, trifft und dieser anscheinend immer noch über Empathie und Intelligenz verfügt, hat sie ein vielversprechendes Forschungsobjekt, das auch Einfluss über andere Zombies gewinnt.
Und dann, aber das wissen die New Yorker im zweiten Akt von „Empire of the Dead“ nicht, lauert vor den Toren der Stadt eine aus den Südstaaten kommende Rebelleneinheit darauf, die Stadt zu überfallen. Sie wartet nur noch auf das Einverständnis ihrer in der Stadt undercover lebenden Anführerin.
Nachdem der erste Akt von „Empire of the Dead“ in die Welt einführte, plätschert der zweite Akt reichlich spannungslos zwischen den verschiedenen Handlungsorten und angedeuteten Handlungssträngen hin und her. Im Mittelpunkt steht dabei, soweit davon gesprochen werden kann, ein mäßig interessanter Bürgermeisterwahlkampf, während im Hintergrund, als neue Bedrohung, eine Gruppe Südstaatler darauf wartet, endlich New York zu überfallen.
Insofern ist der zweite Akt nur die Vorbereitung für den dritten Akt, der auch die auf fünfzehn Hefte angelegte Miniserie beendet. In den USA erscheint das finale Heft von „Empire of the Dead“ am 26. August 2015. Der Sammelband „Act Three“ ist für Oktober angekündigt. Die deutsche Ausgabe dürfte kurz danach erschienen.
– George A. Romero/Dalibor Talajic: Empire of the Dead – Zweiter Akt (übersetzt von Joachim Körber) Panini, 2015 116 Seiten
14,99 Euro
– Originalausgabe
Empire of the Dead: Act Two # 1 – 5
Marvel, November 2014 – März 2015
–
Hinweise
Der talentierte Mr. Ripley (USA 1999, Regie: Anthony Minghella)
Drehbuch: Anthony Minghella
LV: Patricia Highsmith: The talented Mr. Ripley, 1955 (Nur die Sonne war Zeuge, Der talentierte Mr. Ripley)
Eigentlich sollte der mittellose Tom Ripley den reichen Reedersohn Dickie Greenleaf nur aufspüren und wieder nach Hause bringen. Aber sie sehen sich so verdammt ähnlich und Ripley gefällt das Leben als reicher Müßiggänger.
Zweite Verfilmung des ersten Tom Ripley-Romanes (hier: Matt Damon, 1960 in der legendären Erstverfilmung „Nur die Sonne war Zeuge“ von René Clement war es Alain Delon) – dieses Mal als klassisches Hollywood-Kino, welches die Atmosphäre der 50er perfekt rekonstruiert. „Der talentierte Mr. Ripley“ ist im Wesentlichen nettes, etwas langatmiges, nicht sonderlich fesselndes Ausstattungskino.
Der Film war unter anderem für den Edgar Alan Poe Award nominiert.
Mit Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Jude Law, Cate Blanchett, Philip Seymour Hoffman, Jack Davenport, James Rebhorn, Philip Baker Hall, Lisa Eichhorn
ZDFkultur, 20.15/23.40 Biester (Frankreich/Deutschland 1995, Regie: Claude Chabrol)
Drehbuch: Claude Chabrol, Caroline Eliacheff
LV: Ruth Rendell: A Judgment in Stone, 1977 (Urteil in Stein)
Die wohlhabenden Lelièvres schätzen Sophie als Hausmädchen. Dabei wissen sie nichts über ihre Perle. Ganz im Gegensatz zur Postbeamtin Jeanne.
Chabrols ruhiger Thriller blickt einmal mehr hinter die Kulissen der Provinz-Bourgeoisie. Der Ausgang seines „marxistischen Thrillers“ (Chabrol über Biester) ist letal. „Der sozialen Hinrichtung der Repräsentanten der Unterschicht folgt die körperliche Hinrichtung der Bourgeoisie. Das ist der totale Krieg zwischen den Klassen. Und Chabrol setzt ihn unverhüllt in Szene.“ (Fischer Film Almanach 1996)
Mit Isabelle Huppert, Sandrine Bonnaire, Jean-Pierre Cassel, Jacqueline Bisset
Der neue Comic von Autor Andy Diggle und Zeichner Jock, denen wir die grandiosen „Losers“ verdanken, ist eigentlich ein ziemlich alter. Denn im Original erschien „“Green Arrow: Year One“ bereits 2007 und er war die Inspiration für die seit 2012 laufende TV-Serie „Arrow“; was sich deutlich an einer Story-Linie der ersten Staffel und der fast schon inflationären Verwendung des Nachnamens Diggle zeigt. Oh, und China White ist dabei.
Doch die Serie, die im deutschen TV bei Vox läuft, soll uns hier nicht weiter interessieren. In der abgeschlossenen Comicserie „Green Arrow: Das erste Jahr“ erzählen Andy Diggle und Jock, wie aus Oliver Queen, einem vergnügungssüchtigem, egozentrischem, ziellos durch das Leben driftendem, den Adrenalinkick suchendem Milliardenerbe, der für die Gerechtigkeit kämpfende ‚Green Arrow‘ wird.
Auf einer Auktion ersteht Oliver den Langbogen von Howard Hill, einem Kunstschützen, der Errol Flynn in dem legendären Abenteuerfilm „Robin Hood, König der Vagabunden“ (The Adventures of Robin Hood, USA 1938) in den Szenen mit Pfeil und Bogen doubelte.
Weil er bei dieser Auktion betrunken aus der Rolle des gesitteten Playboys fiel, beschließt er, seinen Bodyguard und Vertrauten Hackett bei einer Bootstour zu den Fidschis zu begleiten. Dummerweise wollte Hackett die Bootstour benutzen, um mit 14 Millionen Dollar, die er von Oliver geklaut hat, zu verschwinden. Als Oliver das erfährt, kämpfen sie auf der Luxusyacht miteinander und Hackett wirft den schwer verletzten Playboy über Bord.
Aber Oliver stirbt nicht. Er wird an den Strand einer Insel gespült. Er richtet sich dort ein, erledigt mit einem Bogen Tiere und entdeckt eine riesige Mohnplantage. Auf der Plantage schuften die Einheimischen. Betrieben wird sie von Chien Na-Wei, auch bekannt als China White, einer ebenso schönen wie skrupellosen Drogenhändlerin. Sie wird von Hackett begleitet.
Der bislang selbstsüchtige Oliver will sich jetzt nicht nur an Hackett für den Verrat rächen, sondern auch den Einheimischen helfen. Er wird zu Green Arrow.
„Green Arrow: Das erste Jahr“ ist ein flotter Actionthriller, der – und da verrate ich wohl kein großes Geheimnis – auf der Insel in einem blutigen Kampf zwischen Oliver und der Drogenbande mündet. Aber wer hätte ernsthaft von den Erfindern der „Losers“ etwas anderes erwartet?
– Andy Diggle/Jock: Green Arrow: Das erste Jahr (übersetzt von Marc Schmitz) Panini, 2015 148 Seiten
14,99 Euro
– Originalausgabe
Green Arrow: Year One # 1 – 6
DC Comics, 2007
(2008 als Sammelband)
–
Hinweise
Drehbuch: Daniel Waters, Robert Reneau, Peter M. Lenkov
In der Gegenwart bekriegen sich der Polizist Spartan und der Serienkiller Phoenix mit erheblichen Kollateralschäden. Deshalb werden sie beide in einen Tiefschlaf versetzt. Als sie in einer Zukunft, in der alles sauber, ordentlich, gesittet und gewaltfrei ist, aufwachen, setzten sie, zum Entsetzen der tugendhaften Bürger, ihren Zweikampf fort.
Vergnüglicher SF-Film mit etwas Satire und viel Action.
Der Film war für einen Saturn Award als bester Film von der Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror Films nominiert.
Mit Sylvester Stallone, Wesley Snipes, Sandra Bullock, Nigel Hawthorne, Benjamin Bratt, Denis Leary
Tele 5, 20.15 Schlimmer geht’s immer (USA 2001, Regie: Sam Weisman)
Drehbuch: Matthew Chapman
LV: Donald E. Westlake: What’s the worst that could happen, 1996
Bei einem Einbruch erwischt zu werden ist schlimm. Als der Hausbesitzer, der unglaublich reiche Medienzar Fairbanks, von Cafferty auch noch einen eigentlich wertlosen Freundschaftsring zurückfordert, sieht der ertappte Einbrecher rot. Denn der Ring war ein Geschenk seiner Freundin. Cafferty beginnt Fairbanks auszurauben.
Hollywood hat’s mal wieder vermasselt: „Irgendwann einmal muss dieser Stoff ein gewisses Quantum an Originalität besessen haben, immerhin überzeugte er einen Verleger, der ihn als Roman veröffentlichte. Und die Produzenten versichern, dass sie sich schon vorher die Rechte an einer Verfilmung gesichert hätten. Dann aber muss etwas schief gelaufen sein, denn Sam Weisman, bisher mehr oder weniger erfolgreich im Inszenieren von sinnfreiem Entertainment, liefert hier nicht mehr als öden Leerlauf ab.“ (Kistner, AZ, 13. 12. 2001 – der offensichtlich Westlake nicht kennt).
„What’s the worst thing that could happen“ ist der neunte Dortmunder-Krimi von Donald E. Westlake und selbstverständlich ein pures Lesevergnügen. Auch die erste Fassung des Drehbuchs von Matthew Chapman soll gut gewesen sein.
Es hält sich hartnäckig das Gerücht, der Film wäre in deutschen Kinos gelaufen; unter dem Titel „Schlimmer geht´s nimmer“.
Davon abgesehen ist „Schlimmer geht’s immer“ natürlich als Startpunkt für einen Donald-Westlake/Richard-Stark-Lesemarathon geeignet.
Denn „What’s the Worst that could happen?“ ist einer von Donald Westlakes grandiosen, witzigen John-Dortmunder-Einbrecherromanen.
Mit Martin Lawrence, Danny DeVito, John Leguizamo, William Fichter, Glenne Headley, Richard Schiff, Bernie Mac Wiederholung: Montag, 10. August, 02.25 Uhr (Taggenau!) Hinweise Rotten Tomatoes über „Schlimmer geht’s immer“
Wikipedia über „Schlimmer geht’s immer“ (deutsch, englisch)
Als Don Winslow in den USA schon seit einigen Jahren abgefeiert wurde, war er vom deutschen Buchmarkt komplett verschwunden. Erst Suhrkamp änderte das vor sechs Jahren mit „Pacific Private“, „Pacific Paradise“ und „Frankie Machine“ und dann erschien im September 2010 Don Winslows Opus Magnum; was man halt so sagt, wenn das Buch deutlich dicker als die anderen Werke des Abgefeierten ist und die deutsche Kritik war entsprechend euphorisch. Aus dem Hinterkopf war der Tenor der Besprechungen:
Meisterwerk
Meisterwerk
Meisterwerk
Meisterwerk
Meisterwerk
Meisterwerk
und manchmal auch
Bester Roman des Jahres
Bester Roman des Jahrzehnts
Nur „der Roman, der das Genre neu erfindet“ wurde, glaube ich (wenn ich mich irre: sagt es in den Kommentaren), nie geschrieben. Das wird dafür seit einigen Jahren bei jeder zweiten neuen TV-Serie gesagt.
Eine negative Kritik gab es nur im „Spiegel“ (wenn es irgendwo einen richtigen Verriß gab, verratet es ebenfalls in den Kommentaren).
„Tage der Toten“ stand auf dem ersten Platz der „Buchkultur“-Liste der Krimis, die man in diesem Sommer (also damals diesem) lesen sollte. Naja, mit siebenhundert Seiten empfiehlt er sich schon wegen des Umfangs als Strandlektüre.
Er stand auf dem ersten Platz der Jahresbestenliste der KrimiWelt-Juroren (inzwischen KrimiZeit).
Die Ausbeute an Preisen war dagegen überschaubar: es gab den deutschen Krimipreis und, in Japan, den Maltese Falcon Award
und wie liest sich „Tage der Toten“ zehn Jahre nach seiner US-Publikation und fünf Jahre nach seiner deutschen Veröffentlichung?
Gut.
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.
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Ausführlicher?
Gut, aber nicht so überragend, wie man nach dem Presseecho meinen könnte. Die wenigen Preise und Nominierungen (so war „Tage der Toten“ nicht für den Edgar nominiert) verraten schon etwas und natürlich hat ein megadickes Buch auch immer etwas von einer Fleißarbeit. So als möchte der Autor, wenn er seine normale Seitenlänge massiv überschreitet, sagen: Seht her, ich kann den großen amerikanischen Roman, das Buch, das alles über unsere Gesellschaft verrät, schreiben. Und diese Anstrengung ist dann auch auf jeder Seite spürbar.
Nach den fünf Neal-Carey-Romanen, „Manhattan“ (Isle of Joy) und den beiden California-Noirs „Bobby Z“ (The Death and Life of Bobby Z) und dem mit dem Shamus ausgezeichnete „Die Sprache des Feuers“ (California Fire and Life) legte Don Winslow eine sechsjährige Veröffentlichungspause ein, in der er „Tage der Toten“ (The Power of the Dog) schrieb. Er erzählt von dem Kampf zwischen DEA-Agent Art Keller und dem mexikanischem Drogenbaron Adán Barrera zwischen 1975 und, ohne den 2004 spielenden Epilog, 1999.
Dazu kommen noch einige wichtige Nebencharaktere: die Prostituierte Nora Hayden, die zu Barreras Geliebten wird, der irische, im Hell’s Kitchen in New York aufgewachsene Gangster Callan, der auch in Südamerika mordet, und, weil in Südamerika ohne die Religion überhaupt nichts geht, der katholische Geistliche Vater Parada, der zum Erzbischof von Guadalajara wird.
Außerdem zeichnet Don Winslow die Verflechtungen zwischen nord- und südamerikanischer Politik nach. Denn, – das geriet in den letzten Jahren im Rahmen des Antiterrorkampfes etwas aus dem öffentlichem Fokus -, die USA betrachteten Südamerika seit Ewigkeiten als ihren Hinterhof. Sie mischten sich ungefragt in die dortige Politik ein. Sie stürzten Staatsoberhäupter und unternahmen, im Rahmen der Dominotheorie alles, damit es im Süden keine linken Regierungen (die natürlich alles kommunistisch waren) gibt. Und sie führten eine (erfolglosen) Antidrogenkrieg, der das Wort Krieg wirklich verdient hatte.
Es ist also ein großes Epos, das Don Winslow hier schreiben will. Es ist auch ein nur leicht fiktionalisiertes Geschichtsbuch, das einen heute noch mehr als 2005 verdrängten und auch vergessenen Krieg in Erinnerung ruft. Die Menge an Fakten, die Winslow, der bekennende Geschichts-Geek, ausbreitet, ist schon beeindruckend, hat aber auch etwas von einem Geschichtsbuch, in dem ohne große Unterschiede das Wichtige und das Unwichtige aufgenommen wurde. Unter den Details und breit geschilderten Szenen, wie geplanten, aus verschiedenen Perspektiven geschilderten Verhaftungen oder einer tödlichen Rache, gehen dann schon einmal die großen Linien verloren.
Vom Tonfall liest sich „Tage der Toten“ wie eine lange Reportage, die damit auch das von Don Winslow oft benutzte Präsens rechtfertigt. Es ist für Zeitungsberichte die normale Erzählzeit. Der gewitzte und pointierte Tonfall seiner vorherigen und späteren Romane findet sich hier nicht. „Tage der Toten“ ist, verglichen mit den gerade gelesenen Neal-Carey-Romanen, erschreckend dröge.
Storytechnisch erinnert „Tage der Toten“ dann an eine dieser langen TV-Serie, in der bestimmte Ereignisse breit gezeigt werden, während in einer gerafften Zusammenfassung andere Ereignisse schnell zusammengefasst werden und bestimmte Charaktere über viele Seiten vollkommen aus der Handlung verschwinden. Das gilt auch erstaunlich oft für den Protagonisten Art Keller, der damit erstaunlich blass bleibt. Sowieso bleiben alle Charaktere eher blass.
Dieses Jahr erschien, fast zeitgleich, „Das Kartell“ (The Cartel), die Fortsetzung von „Tage der Toten“ und ich bespreche es die Tage.
Von der Verfilmungsfront gibt es auch Neuigkeiten: „Frankie Machine“ (The Winter of Frankie Machine, 2006) soll jetzt von William Friedkin verfilmt werden. Er möchte es, mit einem kleinen Budget, als harten Thriller verfilmen. Don Winslow soll am Drehbuch mitarbeiten.
Don Winslow: Tage der Toten (übersetzt von Chris Hirte) Suhrkamp, 2010 704 Seiten
9,99 Euro (Taschenbuchausgabe)
– Originalausgabe
The Power of the Dog
Alfred A. Knopf, 2005
–
Arte, 21.50 No Direction Home: Bob Dylan (Großbritannien/USA 2005, Regie: Martin Scorsese)
Gut 210-minütige Doku über Bob Dylans frühe Jahre von seine Anfängen in Minnesota, der Greenwich-Village-Folk-Szene und seinem Verrat an der Folk-Szene, als er die akustische Gitarre gegen die E-Gitarre tauschte. Der Film endet 1966 mit Dylans Motorradunfall, nach dem er mehrere Jahre nicht mehr tourte.
Martin Scorsese gelang mit Konzertmitschnitten, historischen Aufnahmen und vielen aktuellen Interviews, die teilweise schon Jahre, bevor Scorsese sich an den Schnitt machte, geführt wurden, ein ebenso kurzweiliger wie informativer Film, der trotz der vielen Informationen nicht alles erklärt. Eigentlich bleiben viele Punkte sogar erstaunlich offen in dem von Sympathie getragenem Werk.
mit Bob Dylan, Joan Baez, Dave Van Ronk, Allen Ginsberg, Suze Rotolo Wiederholung: Dienstag, 18. August, 00.20 Uhr (Taggenau!) Hinweise Rotten Tomatoes über „No Direction Home: Bob Dylan“
Wikipedia über „No Direction Home: Bob Dylan“ (deutsch, englisch)
Eine auf Hawaii spielende – und hier fangen die Schwierigkeiten schon an. Denn Cameron Crowe, der ja einige gute Filme inszenierte, hat sich wohl gedacht, wenn ich Hawaii und eine gute Besetzung habe, dann erledigt sich der Rest von alleine. Und die Schauspieler haben sich wohl gedacht, wenn der Regisseur von „Singles – Gemeinsam einsam“, „Jerry Maguire: Spiel des Lebens“, „Almost Famous – Fast berühmt“ und „Vanilla Sky“, eines seiner Drehbücher an einem der schönsten Orte des Planeten inszeniert, sind wir gerne dabei. Bradley Cooper, Emma Stone, Rachel McAdams, Bill Murray und Alec Baldwin sagten zu. Und sie hatten auch, wie man in der so entstandenen Komödie „Aloha – Die Chance auf Glück“ sieht, ihren Spaß.
Davon abgesehen ist „Aloha“ ein Film, der sich nie entscheiden kann, welche Geschichte er in welchem Tonfall er erzählen möchte. Und so pendelt „Aloha“, obwohl ein komödiantischer Ton vorherrschend ist, ziellos zwischen naivem Fünfziger-Jahre-Abenteuerfilm mit leicht kolonialistischer Attitüde, Liebesfilm, öfter in Richtung Romantic Comedy gehend, seltener in Richtung ernstes Drama gehend, und Politthriller. Mal ernst, mal lustig. Gerne auch in einer Szene. So wechselt Emma Stone als Air-Force-Pilotin Allison Ng bruchlos zwischen stocksteifem, humorlosem Army-Aufpasser zu gickeldem Mädchen zu einer an alle Mythen und Geister Hawaiis glaubenden Einheimischen und damit zwischen mehreren, einander widersprechenden Anlagen ihrer Rolle. Andere Charaktere werden mit nervigen Marotten, die im Drehbuch vielleicht lustig aussahen, im Film aber nur nervig sind, ausgestattet: ein Soldat schweigt immer (weil wir Männer ja so schweigsam sind), ein anderer hat einen Tick, weshalb er seine Finger immer vor seinem Gesicht bewegt.
Bradley Cooper bemüht sein einfach nur, entspannt anwesend zu sein. Was ihm auch gut gelint. Er spielt Brian Gilcrest, einen Ex-Soldaten, der jetzt Militärberater für den Milliardär Carson Welch (Bill Murray) ist. Auf Hawaii, wo Gilcrest früher stationiert war, soll er jetzt für Welch und mit Hilfe des US-Militärs irgendein Projekt mit Raketen zum Abschluss bringen. Begleitet bei seinem Auftrag wird Gilcrest von Allison Ng, die auf ihn aufpassen soll.
Für dieses Projekt muss Gilcrest mit zur Unabhängigkeitsbewegung gehörenden Ureinwohnern über irgendwelche Überflugrechte für Raketen verhandeln, die uns hier nicht weitere interessieren müssen. Cameron Crowe interessierten sie und die damit verbundenen erzählerischen Möglichkeiten auch nicht. Eher schon interessierte er sich für Gilcrests Wiederbegegnung mit seiner alten Freundin Tracy Woodside (Rachel McAdams), die inzwischen glücklich verheiratet ist und zwei kurz vor der Pubertät stehende Kinder hat.
Und dann ist da noch die deutlich jüngere Ng, die, immerhin ziehen sich Gegensätze an, sein ‚Love Interest‘ ist. Diese Geschichte zwischen Gilcrest und Ng funktioniert dann auch noch am Besten, weil man bei „sie lernen sich kennen – sie zanken sich – sie lieben sich“ wenig falsch machen kann. Auch wenn man die Dreharbeiten als Urlaub betrachtete, ein höchstens halbfertiges Drehbuch hatte und hoffte, mit den sympathischen Schauspielern und einigen unterhaltsamen Szenen über die Runden zu kommen.
„Aloha“ ist wirklich nur für beinharte Hawaii-Fans und Komplettisten eines der beteiligten Künstler sehenswert. Alle anderen können getrost auf den konfusen Film verzichten.
Eiskalte Morde zwischen schwitzenden Leibern könnte es auch bei den August-Empfehlungen der KrimiZeit-Bestenliste-Juroren geben:
1 (1) Merle Kröger: Havarie
2 (-) Newton Thornburg: Cutter und Bone
3 (-) Friedrich Ani: Der namenlose Tag (erscheint am 8. August!)
4 (5) Gary Victor: Soro
5 (10) Antonin Varenne: Die sieben Leben des Arthur Bowman
6 (3) Don Winslow: Das Kartell
7 (8) Wu Ming: 54
8 (6) Carol O’Connell: Kreidemädchen
9 (-) Petros Markaris: Zurück auf Start
10 (-) Dror Mishani: Die Möglichkeit eines Verbrechens
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In ( ) ist die Platzierung vom Vormonat.
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„Cutter und Bone“ ist die lange überfällige deutschsprachige Wiederveröffentlichung eines Klassikers. Newton Thornburgs in den USA 1976 erschienener Noir wurde für diese Ausgabe neu übersetzt.
Tja, und dann müssen auch noch Ani, Varenne und Winslow abgefeiert werden…
3sat, 22.35 Paris, Texas(Deutschland/Frankreich 1984, Regie: Wim Wenders)
Drehbuch: Sam Shepard
Nachdem Travis vier Jahre spurlos verschwunden war, kehrt er zurück. Sein achtjähriger Sohn Hunter ist inzwischen bei seinem Bruder in Los Angeles. Seine Frau Jane ist in Houston. Travis macht sich Hunter auf die Suche nach ihr.
In Cannes erhielt Wenders für „Paris, Texas“ die Goldene Palme. Auch an der Kinokasse war „Paris, Texas“, trotz seiner moralisch abstrusen Geschichte, ein Erfolg. In Deutschland sahen sich über eine Million Menschen den Film an.
Ry Cooder schrieb die spartanische Musik. Robby Müller fand die einprägsamen Americana-Bilder, in denen die USA ein Sehnsuchtsort ist und die Mutter-Kind-Zusammenführung von Travis, dem letzten Cowboy, der wortkarg seine Mission erledigt, als logisch erscheint.
Einer von Wim Wenders‘ schönsten und besten Filmen.
mit Harry Dean Stanton, Natassja Kinski, Hunter Carson, Aurore Clement, Dean Stockwell, Bernhard Wicki Hinweise Filmportal über „Paris, Texas“ Rotten Tomatoes über „Paris, Texas“
Wikipedia über „Paris, Texas“ (deutsch, englisch)
Bis zum nächsten James-Bond-Film, für den schon eifrig die Werbetrommel gerührt wird, dauert es noch einige Wochen, aber Ethan Hunt (einer dieser kulturlosen Amis) empfiehlt sich als mehr als vollwertiger Ersatz.
Ethan Hunt, für alle, deren popkulturelle Bildung im negativen Bereich ist, ist er beste Agent der supergeheimen IMF (Impossible Mission Force), die irgendwie zum US-Geheimdienst gehört. Ihre ersten Einsätze hatte sie in der legendären TV-Serie „Mission: Impossible“ (Kobra, übernehmen Sie. USA 1966 – 1973). Von 1988 bis 1990 gab es eine TV-Neuauflage, die bei uns als „In geheimer Mission“ lief, und 1996 den ersten Spielfilm: „Mission: Impossible“ von Brian De Palma mit Tom Cruise in der Hauptrolle. Seitdem baute Cruise die Serie in mehreren Filmen, immer mit verschiedenen Regisseuren (John Woo, J. J. Abrams, Brad Bird und jetzt Christopher McQuarrie) aus. Und, auch wenn die Stories schwächelten, die Actionszenen waren immer überzeugend, weil sie handgemacht waren und sind und Tom Cruise gerne auch die Rolle des Stuntmans übernimmt. Auch in dem inzwischen fünften „Mission: Impossible“-Film „Rogue Nation“. Deshalb gehören die zahlreichen Actionszenen, die wesentlich mitreisender als die computergenerierten Superheldenkämpfe der anderen Blockbuster, zu den Höhepunkten des Films.
Dieses Mal ist, dank des cleveren Christopher McQuarrie („Jack Reacher“, „Operation Walküre“ und das Drehbuch für „Edge of Tomorrow“), auch die Story gelungen und die zahlreichen filmischen Anspielungen erfreuen das Herz des Filmfans. Erwähnt sei nur die in der Wiener Oper spielende Konzertszene, die deutlich auf Alfred Hitchcocks legendäre Konzertszene in „Der Mann, der zuviel wusste“ anspielt, ihr aber, weil wir alle Hitchcocks Suspense-Szene kennen, einen eigenen Dreh verleiht.
Sowieso führt McQuarrie, der wie zu seinen vorherigen Filmen auch das Drehbuch schrieb, die Geschichte gelungen fort. Weil sich seit den Sechzigern die Zeiten geändert haben und die unauffälligen Aktion der IMF bedenkliche Kollateralschäden aufweisen, soll die geheime Abteilung geschlossen werden. CIA-Direktor Alan Hunley (Alec Baldwin) will diesen unkontrollierbaren Störfaktor seiner Geheimdienstarbeit auflösen.
Aber nicht nur er hat seine Rechnung ohne Ethan Hunt (Tom Cruise), der spurlos verschwunden ist, und seine Vertrauten – es sind wieder Computernerd Benji (Simon Pegg), Luther Stickell (Ving Rhames) und William Brandt (Jeremy Renner) – gemacht. Denn Hunt hat jetzt die Beweise, dass das „Syndikat“ existiert. Es ist eine Art Anti-IMF. Eine von Solomon Lane (Sean Harris) geführte Gruppe von Geheimagenten, die alle angeblich tot sind und die ihre Missionen nicht für die freie Welt, sondern für den Meistbietenden, vulgo die Bösen, durchführen.
Hunt verfolgt ihn, globetrottend, nach Wien, verschiedenen Orten in Marokko und London, das am Ende altmodischer als das viktorianische London Sherlock Holmes‘ aussieht. Immerhin ist Lane ein ehemaliger britischer Geheimagent und, nun, die Ursprünge von dem „Syndikat“ sind sehr britisch. Begleitet wird Hunt bei seiner Hatz, mal mehr, mal weniger eng, von der geheimnisvollen Ilsa Faust (Rebecca Ferguson), deren Loyalitäten unklar sind.
Nachdem ich von dem vorherigen „Mission: Impossible“-Film „Phantom Protokoll“ wegen der holprigen und wenig durchdachten Story enttäuscht war, hat mir „Rogue Nation“ dank der schlüssigen Story, den gelungenen Anspielungen, dem Humor, den guten Schauspielern, ihrem unverkrampft-lässigem Zusammenspiel und der realistischen Actionszenen (die auch, weil man ja den Star bei der Arbeit zeigen will, selten geschnitten wurden, gut gefallen.
Auch Paramount Pictures hat der Film gefallen. Schon jetzt kündigten sie einen sechsten „Mission: Impossible“-Film an. Die Dreharbeiten könnten schon nächstes Jahr beginnen. P. S.: Demnächst in Cruise-Land: Im Moment dreht Tom Cruise mit Doug Liman den Thriller „Mena“. Danach spielt er in „Never go Back“ wieder Jack Reacher. Die Regie übernimmt dieses Mal Edward Zwick (Ausnahmenzustand, Last Samurai).
„Jack Reacher“ war, laut Presseheft, „eine der profitabelsten Produktionen des Jahres 2012“. Das weltweite Einspiel betrug 218 Millionen Dollar.
Michael Finkel (Jonah Hill) ist ein geachteter Reporter der „New York Times“. Einer, der die aufsehenerregenden Titelgeschichten schreibt und die wichtigen Reporterpreise erhält. Jetzt recherchiert er in Afrika über Sklavenhandel.
Michael Finkel (James Franco) ist ein sich in Mexiko entspannender Urlauber, der mit einer Frau anbändelt und von der Polizei verhaftet wird. Denn in Wirklichkeit ist dieser Michael Finkel der gesuchte Verbrecher Christian Longo. Er soll in seinem Heimatdorf in Oregon seine Frau und seine drei Kinder ermordet haben.
Zurück in New York schreibt der echte Finkel eine aufsehenerregende Titelgeschichte über seine Recherchen. Dummerweise hat er dabei etwas geschwindelt. Er verliert sofort seinen Job und zurück im heimischen Montana, bei seiner Freundin, sucht er erfolglos nach einer neuen Arbeit. Da erfährt er von Longo, der seine Identität geklaut hat.
Finkel wittert eine große Story. Vor allem nachdem Longo bereit ist, sich exclusiv mit ihm zu unterhalten.
Im Mittelpunkt von „True Story“, der auf der wahren Geschichte von Longo und Finkel basiert, die sich so 2002/2003 zutrug und von Finkel 2005 in dem True-Crime-Bestseller „True Story“ geschildert wurde, steht die Beziehung zwischen Finkel und Longo. Vor allem ihre langen Gespräche miteinander. Dabei gerät Finkel immer mehr in den Bann des charismatischen Longo, bis er sogar an seine Unschuld glaubt.
Und das ist das große Problem von „True Story“, der auch einfach als eine letztendlich langweilige Variante von „Kaltblütig“ gesehen werden kann. In „Kaltblütig“ (In Cold Blood) erzählt Truman Capote von seinen Recherchen über einen brutalen, die USA schockierenden Mehrfachmord in Holcomb, Kansas im November 1959 und seiner zunehmend problematischen Beziehung zu den Tätern Richard Hickcock und Perry Smith. Capotes Buch wurde ein Bestseller, der zur Blaupause für das True-Crime-Genre wurde, mehrfach verfilmt wurde und auch die Entstehungsgeschichte des Buches wurde mehrfach in verschiedenen Medien, zum Beispiel dem grandiosen Spielfilm „Capote“, erzählt. Aber während in „Kaltblütig“ auch und vor allem die Hintergründe zu dem Mord und das Umfeld beleuchtet werden, konzentriert Rupert Goold sich auf die Beziehung von Finkel zu Longo, der einfach seine Version der Geschichte erzählt, in der er unschuldig ist. Alles sei ein elaboriertes Komplott gegen ihn.
Finkel, den wir am Filmanfang als hartnäckigen Journalisten kennen lernten, glaubt ihm, ohne die Geschichte zu überprüfen. Aber gerade diese Überprüfung, die zum Handwerk jedes guten Journalisten gehört, hätte „True Story“ die Tiefe verleihen können, die er jetzt nicht hat.
So hat „True Story“ etliche gut beobachtete Szenen, mit Jonah Hill und James Franco zwei überzeugend ihre Charaktere verkörpernde Schauspieler und eine durchaus interessante Beziehung zwischen zwei Charakteren, die sich gegenseitig benutzen. Allerdings wird ihre Beziehung schnell zu einer zunehmend uninteressanten Groupie-Geschichte mit einem erstaunlich naiv-weltfremden Reporter.
Lady Vengeance – Leben für die Rache (Sudkorea 2005, Regie: Park Chan-wook)
Drehbuch: Park Chan-wook, Jeong Seo-Gyeong
Geum-ja saß dreizehn Jahre im Gefängnis für den Mord an einem kleinen Jungen, den sie nicht begangen hat. Jetzt will sie sich an dem wirklichem Täter, einem honorigem Englischlehrer, rächen.
Ein weiteres Meisterwerk des Regisseurs von „Joint Security Area“, „Sympathy for Mr. Vengeance“ und „Oldboy“. Die Kritiker waren vom Abschluß der Rachetrilogie des Südkoreaners begeistert, die zahlenden Zuschauer ebenso – und das Erste zeigte die TV-Premiere, wie erwartet, nach Mitternacht.
Mit Lee Yeong-ae, Choi Min-sik, Oh Dal-su, Kim Shi-hoo, Kim Bu-seon
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 