Weil die TV-Premiere von „John Wick: Kapitel 4“ zwar zu einer durchaus noch akzeptablen Uhrzeit ist – Pro7 zeigt den Actionfilm um 22.25 Uhr – , der Sender um die Uhrzeit aber nur eine gekürzte Fassung zeigt (die sich direkt anschließende Nachtwiederholung um 01.35 Uhr soll ungekürzt sein), empfehle ich diesen Filmklassiker
3sat, 23.15
Anatomie eines Mordes (Anatomy of a Murder, USA 1959)
Regie: Otto Preminger
Drehbuch: Wendell Mayes
LV: Robert Traver: Anatomy of a Murder, 1958 (Anatomie eines Mordes)
Provinzanwalt Paul Biegler verteidigt einen Soldaten, der einen Barbesitzer erschossen haben soll.
Der gut dreistündige Film (die deutsche Version wurde um elf Minuten gekürzt) basiert auf dem dicken Roman des ehemaligen Richters John D. Voelker (1903 – 1991), der in dem Justizkrimi einen seiner Fälle fiktionalisiert. Beide Werke schöpfen ihre Spannung aus dem minutiösen Verfolgen der Vorbereitung und dem anschließenden Gerichtsverfahren. Im Buch umfasst die Verhandlung fast zwei Drittel der Geschichte. Der Film war damals wegen seiner Sprache und dem Thema (Vergewaltigung) kontrovers. Die Schauspielerleistungen des Gerichtsdramas wurden einhellig gelobt. James-Stewart-Biograph Howard Thompson nennt es seine beste Leistung. Der Filmrichter wurde von Richter Joseph N. Welch (er verteidigte 1954 die US Army gegen Senator Joseph McCarthy und trug zum Sturz des Senators bei) gespielt. Gedreht wurde vor Ort. Duke Ellington schrieb die Musik.
Ein Klassiker
Mit James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, Arthur O’Connell, Eve Arden, Kathryn Grant, George C. Scott, Duke Ellington
Three Kings – Es ist schön, König zu sein(Three Kings, USA 1999)
Regie: David O. Russell
Drehbuch: David O. Russell (nach einer Story von John Ridley)
Irak, 1991, kurz nach dem Golfkrieg: drei US-Soldaten suchen, zwecks Aufbesserung der eigenen Rentenkasse, abseits von jedem Dienstprotokoll, in der Wüste die Goldbarren, die Saddam Hussein in Kuwait klaute.
„Eine im Grenzbereich von Realismus und Absurdität angesiedelte Darstellung des modernen Kriegs zwischen High Tech, politischer Konfusion, ökologischem Desaster und eingefleischter Konsum-Ideologie.“ (Lexikon des internationalen Films)
Auch mir gefiel vor 25 Jahren (Schon so lang her?) die Kriegssatire, die ich seitdem immer mal wieder gucken wollte. Unter anderem wegen der Besetzung und der Inszenierung.
Einer der ersten Filme von David O. Russell. Danach inszenierte er „I heart Huckabees“ (2004), „The Fighter“ (2010), „Silver Linings Playbook“ (2012), „American Hustle“ (2013), „Joy“ (2015) und zuletzte „Amsterdam“ (2022).
mit George Clooney, Mark Wahlberg, Ice Cube, Spike Jonze, Cliff Curtis, Nora Dunn, Jamie Kennedy
LV: Thomas Berger: Little Big Man, 1964 (Der letzte Held)
Der 121-jährige Exscout Jack Crabb, der als Indianer Little Big Man hieß, erzählt einem Historiker sein Leben zwischen Indianern und Weißen – und man verirrt sich hoffnungslos und extrem kurzweilig im Dickicht zwischen Fakten und Mythen, zwischen Verklärung und Entzauberung des Wilden Westens.
Der satirische Klassiker ist eine grandiose Mythenentzauberung und -bestätigung.
Dustin Hoffman spielte Jack Crabb vom jungen bis zum alten Mann.
mit Dustin Hoffman, Faye Dunaway, Martin Balsam, Richard Mulligan, Chief Dan George, Jeff Corey
Remo Manfredini (Nahuel Pérez Biscayart) war ein gefeierter Jockey. Jetzt ist er ein bei der Mafia hoch verschuldeter, exzessiver Drogenkonsument mit wachsendem Schuldenberg. Mit einem Sieg würde er ein Comeback feiern und könnte seine Schulden abbezahlen.
Aber die Dinge sind nicht so einfach und Regisseur Luis Ortega („Der schwarze Engel“) hat in seinem neuesten Film „Kill the Jockey“ erkennbar kein Interesse am Erzählen einer herkömmlichen Geschichte. Schon in den ersten Minuten zeigt er, dass alles in Richtung absurder Surrealismus mit abgespacten Tanzszenen, durchgehend unbeeindruckt agierenden Schauspielern (auch wenn sie gerade vom Bett aufstehen und ein Stockwerk tiefer fallen) und einem ausgedehntem Einführungskurs in überraschende Drogenverstecke auf dem Weg zur Rennstrecke geht. Das ist voller Einfälle, witzig, grotesk, fantastisch und absolut kurzweilig irgendwo zwischen Surrealismus, Pedro Almodovar, Wes Anderson und witzigem Giorgios Lanthimos.
In der Mitte, wenige Filmminuten nachdem Remo bei einem Pferderennen die Rennstrecke verlässt und auf einem unglaublich wertvollem Pferd in die dunkle Stadt hineingaloppiert, verlässt Ortega seinen Minimalstplot endgültig. Er lässt Remo als Dolores durch Buenos Aires irren und ich hatte zunehmend den Eindruck, dass Ortega sein gesamtes kreatives Potential in der grandiosen ersten Hälfte verschossen hat. Das macht „Kill the Jockey“, nach einem überzeugenden Anfang, zu einem letztendlich enttäuschendem Film.
Schade.
Kill the Jockey (El Jockey, Argentinien/Mexiko/Spanien/Dänemark/USA 2024)
Regie: Luis Ortega
Drehbuch: Luis Ortega, Fabian Casas, Rodolfo Palacios
mit Nahuel Pérez Biscayart, Ursula Corberó, Daniel Gimenez Cacho, Daniel Fanego, Osmar Núñez, Roberto Carnaghi, Luis Ziembrowski, Jorge Prado, Adriana Aguirre, Roly Serrano, Mariana Di Girolamo
Hoch verschuldet und mit einem halbseidenem Bewährungshelfer als Betreuer verlässt der Immobilienbetrüger Thomas Bellmann (Christoph Maria Herbst) das Gefängnis. Da erfährt der Waise, der seine Mutter nie kannte, dass sie ihn in ihrem Testament berücksichtigt hat und er ihr Haus erbt. Mit dem Erlös aus dem Verkauf wäre er finanziell saniert. Die Sache hat nur zwei Haken. Seine Mutter ist noch nicht tot. Aber sie liegt im Sterben. Und in dem Haus wohnt Roland Krantz (Nico Randel). Er hat ein lebenslanges Wohnrecht. Thomas denkt sich, dass er seinen Bruder aus dem Haus vertreiben kann. Er muss Roland und den Rest der Welt nur überzeugen, dass der Junge mit dem Down-Syndrom in einer betreuten Wohngemeinschaft oder einem Heim viel besser aufgehoben ist.
Dummerweise kommt der bekennende Schlagerfan Roland – „Sunny“ ist sein im Film in neun verschiedenen Fassungen dauerpräsentes Lieblingslied -, sehr gut allein zurecht. Er arbeitet in einer Werkstatt. Er trainiert in einem Verein für eine Meisterschaft im Gewichtheben. Er hat Freunde. Seine ihm wohlgesonnene Betreuerin Yessim Bayrak (Sesede Terziyan) hilft ihm ein wenig bei der Organisation seines Alltags. Und er weiß sehr genau, was er will und wie sein durchstrukturiertes und entsprechend geordnetes Leben ablaufen soll. Ein neuer Bruder gehört erst einmal nicht dazu.
Ausgehend von diesem Zusammenprall zweier unterschiedlicher Brüder erzählen Regisseur Hanno Olderdissen und Autor Clemente Fernandez-Gil (der selbst einen Sohn mit Down-Syndrom hat) eine durchgehend erwartbare Feelgood-Geschichte und die mit harmlosen Witzen garnierte, ebenso vorhersehbare Wandlung eines Betrügers zum guten Menschen.
Dass sie die Rolle von Roland mit Nico Randel, der das Down-Syndrom hat, besetzt haben, ist lobenswert. Seine Szenen gehören auch zu den besten Szenen des Films. Allerdings ist er viel zu selten im Bild und der Humor ist durchgehend viel zu nett.
Viel respektloser thematisierten die Komödien „Wir sind Champions“ (Campeones, Spanien 2018) und „Was ist schon normal?“ (Un p’tit truc en plus, Frankreich 2024) den Zusammenprall von ’normalen‘ und körperlich und geistig behinderten Menschen. In „Wir sind Champions“ soll ein cholerischer Trainer als Strafe eine chronisch erfolglose Basketball-Mannschaft trainieren. Der Film war ein Kinohit. In den vergangenen Jahren entstanden mehrere Remakes. In „Was ist schon normal?“ tauchen zwei flüchtige Verbrecher in einer Behindertengruppe unter, die auf dem Weg zu einem Urlaub in den Bergen ist. Auch diese Komödie war ein Erfolg. Das deutsche Remake von Marc Rothemund soll am 3. September 2026 im Kino starten. Alle diese Filme entstanden in Zusammenarbeit mit Behinderten. Es herrscht ein respektvoll-rauer Ton, gerne auch mal in Richtung Klamauk und Slapstick. Es gibt keine Scheu vor vermeintlichen Tabus. Jede Figur ist erinnerungswürdig, einzigartig und bekommt ihr Fett weg.
Verglichen mit diesen Filmen bleibt „Ganzer halber Bruder“ gerade so auf halber Strecke stehen.
Ganzer halber Bruder (Deutschland 2025)
Regie: Hanno Olderdissen
Drehbuch: Clemente Fernandez-Gil
mit Christoph Maria Herbst, Nico Randel, Sesede Terziyan, Michael Ostrowski, Tristan Seith, Martin Brambach, Tanja Schleiff, Rudolf Kowalki, Anja Herden
Der Beginn von Christian Petzolds neuestem Spielfilm „Miroirs No. 3“ ist etwas seltsam und auch arg gekünstelt.
Zusammen mit ihrem Freund fährt die Klavierstudentin Laura (Paula Beer) ins Berliner Umland. Weil sie keine Lust auf ein Wochende mit seinen Freunden hat, streiten sie sich und er will sie zum Bahnhof fahren. Von dort kann sie den nächsten Zug nach Berlin nehmen. Auf einer einsamen Landstraße verunglücken sie. Ihr Freund stirbt. Sie überlebt ohne eine Kratzer, geht zu dem wenige Meter von dem Unfallort stehendem Haus und fragt die ihr bis dahin vollkommen unbekannte Betty (Barbara Auer), ob sie bei ihr einige Tage bleiben kann. Die allein in dem Haus lebende Betty ist einverstanden. In den folgenden Tagen erfährt Laura langsam mehr über Betty, ihren Mann Richard (Matthias Brandt) und ihren Sohn Max (Enno Trebs). Die beiden Männer betreiben in der Nähe eine Autowerkstatt. Sie wohnen dort und sind in offensichtlich illegale Geschäfte verwickelt. Sie alle versuchen, vor allem schweigend, den Verlust ihrer Tochter und Schwester verarbeiten. Anscheinend sah sie wie Laura aus.
In jedem Film gibt es Logiklücken und Auslassungen. Manchmal muss halt einfach etwas geglaubt werden, dass die Geschichte funktioniert. Manchmal gibt es am Ende eine gute Erklärung für bestimmte Lücken. In „Miroirs No. 3“ ist das nicht der Fall. Das beginnt mit dem Autounfall. Es wird nie erklärt, wie es auf der Landstraße dazu kam. Wir sehen nur das davor, wenn der Wagen über die Straße fährt, und das danach, wenn der Wagen, als sei er für ein Gemälde sorgfältig arrangiert worden, auf einem Feld auf der Seite liegt.
Danach wird Laura von Betty aufgenommen und lebt einige Tage mit ihr. Die Polizei, ihre Freunde und auch ihre Eltern glänzen durch Abwesenheit. Es ist, als ob sie über keinerlei Beziehungen verfügt, oder, wie in seinem Film „Yella“, als ob sie bei dem Unfall gestorben ist und sich jetzt in einem Zwischenzustand zwischen Leben und Tod befindet. Dann würde der Film ab dem Unfall in Lauras Kopf spielen.
Das Geheimnis in Bettys Familie wird erst relativ spät in dem enervierend langsam erzählten Film angedeutet. Einerseits ist es ziemlich offensichtlich, andererseits wird es nie wirklich enthüllt. Es ist eine Leerstelle, über die Betty, Richard und Max schweigen und sich stumme Vorwürfe machen. Hier gibt Petzold einfach zu wenig Informationen, um mit den Figuren mitfühlen zu können.
Dazwischen wird viel Musik gehört, Klavier gespielt (wir erinnern uns: Laura studiert Klavier) und Fahrrad gefahren.
Natürlich hat ein Film von Christian Petzold dank der Inszenierung, der vielen bewusst gewählten Anspielungen und Querverweise innerhalb des Films und zu anderen Werken und den in ihren Rollen versinkenden Schauspieler (die wir in diesem Fall alle aus früheren Petzold-Filmen kennen) immer eine gewisse Qualität. Aber dieses Mal dehnt er eine Idee von einem Film auf Spielfilmlänge. Am Ende ist „Miroirs No. 3“ sein schwächster Film.
Vielleicht sollte er mal wieder einen Kriminalfilm drehen.
Miroirs No. 3(Deutschland 2025)
Regie: Christian Petzold
Drehbuch: Christian Petzold
mit Paula Beer, Barbara Auer, Matthias Brandt, Enno Trebs
Damit hätte wohl niemand mehr gerechnet. Zwölf Jahre nach seinem letzten Kinofilm „Die andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht“ führt der am 1. November 1932 geborene Edgar Reitz noch einmal bei einem Spielfilm Regie. Und es ist, das sei zugegeben, ein kleiner Film mit wenigen Schauplätzen – eigentlich nur einem Zimmer – und einem Co-Regisseur, der ihm mehr oder weniger umfangreich helfend zur Seite stand.
Weil Königin Charlotte ein Bild von ihrem früheren Lehrer Gottfried Wilhelm Leibniz will, erklärt sich der Universalgelehrte 1704 bereit, für ein solches Gemälde Modell zu stehen. Denn Leibniz (Edgar Selge) hat, wie schon während der ersten Sitzung schnell deutlich wird, wenig Lust, tagelang bewegungslos in einem kleinen Kellerzimmer herumzustehen und sich von der niederländischen Malerin Aaltje van de Meer (Aenne Schwarz) porträtieren zu lassen. Er sagt es ihr. Sie antwortet. Und schnell wird aus den geplanten Sitzungen ein wortreich ausgetragenes Duell zwischen dem Philosophen und der Zeichnerin.
Dieses im Zentrum des Films stehende philosophische Gespräch zwischen dem Gelehrten und der Malerin regt auch die Zuschauer zum Nachdenken über die Ansichten von Leibniz an.
Deshalb funktioniert „Leibniz – Chronik eines verschollenen Bildes“ prächtig als glänzend gespieltes und sehr zurückhaltend inszeniertes Quasi-Theaterstück/Hörspiel.
Der Weg von der ersten Idee bis zum fertigen Film war lang und schwierig. Edgar Reitz („Heimat“) und Gert Heidenreich begannen kurz nach ihrer Zusammenarbeit bei „Die andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht“ mit der Arbeit an einem Film über Leibniz. Die Realisierung des ersten Drehbuchs hätte unfinanzierbare 25 Millionen Euro gekostet. Danach folgten mehrere neue Drehbuchentwürfe, deren Realisierung immer günstiger geworden wäre. Zuletzt entschlossen sie sich, ausgehend von einer schon im damaligen Drehbuch stehenden Anfangsszene über eine Sitzung für ein Porträt, diese Szene zu einem Spielfilm auszubauen. Dieses Drehbuch konnte dann realisiert werden.
Über die Dreharbeiten sagt Edgar Reitz in einem im Presseheft abgedrucktem Gespräch mit Robert Fischer: „Wir bauten die komplette Szenerie in einem Münchener Studio. Ich hatte außerhalb der Dekoration meine sogenannte Combo, also die Regiekabine mit Kontrollmonitor und Sprechfunkverbindung zu meinem Team. Dieser Arbeitsraum lag hinter der Tapetentür, die im Film in die ’schwarze Kammer‘ führt. Der geheimnisvolle schwarze Raum war während der sechs Wochen Drehzeit mein ‚Denkzentrum‘.
Dort saß ich täglich viele Stunden in völliger Dunkelheit vor einem Bildschirm und konnte das Kamerabild, den Lichtaufbau und die Proben beobachten. Mit einem Mikrofon konnte ich wahlweise mit dem Kameramann, den Schauspielern oder meinem Assistenten kommunizieren. Dem Kameramann gab ich meine Anweisungen über seine Kopfhörer. Ich konnte ihm also sagen, geh näher ran, nimm das Ding da links noch mit ins Bild und so weiter. Mein Alter spielte bei den Arbeitsabläufen natürlich eine Rolle, denn mit 92 Jahren kann man nicht mehr wie früher täglich zehn Stunden neben der Kamera stehen und die Schauspieler mit Blickkontakt führen.
Ich musste also irgendwo sitzen; wenn man aber irgendwo sitzt, bewegt sich das Geschehen leicht von einem weg. Eine große Hilfe war deswegen mein eigens aus Altersgründen engagierter Co-Regisseur Anatol Schuster. Anatol ist ein junger Filmemacher, der schon drei Spielfilme geschaffen hat und deswegen in engster Verbindung mit mir in der Lage war, an sämtlichen meiner künstlerischen Überlegungen teilzunehmen.
Anatol war derjenige, der alle Abläufe und Drehtage koordiniert hat. Die Proben konnten wir immer aus doppelten Perspektiven verfolgen: Gleichzeitig am Monitor und stehend neben der Kamera. Vielleicht hätte ich den Film nicht körperlich durchgestanden, wenn ich Anatol nicht an der Seite gehabt hätte.“
Leibniz – Chronik eines verschollenen Bildes (Deutschland 2025)
Regie: Edgar Reitz, Anatol Schuster (Co-Regie)
Drehbuch: Gert Heidenreich, Edgar Reitz
mit Edgar Selge, Aenne Schwarz, Lars Eidinger, Barbara Sukowa, Antonia Bill, Michael Kranz
In ihrem dritten Spielfilm erzählt Céline Sciamma eine Geschichte aus der Pariser Banlieu: eine Sechzehnjährige schließt sich einer Mädchengang an. Gemeinsam versuchen sie herauszufinden, wer sie sind und sein wollen. Konflikte inclusive.
Die Kritik war einhellig begeistert, z. B.: „Genau komponiert und einfallsreich dramatisiert“ (Lexikon des internationalen Films; dort steht er auch in der Liste der besten Kinofilme des Jahres 2015)
Drehbuch: Gillian Flynn, Steve McQueen (basierend auf der gleichnamigen TV-Serie von Lynda La Plante)
Was ihre Männer könne, können Veronica, Linda und Alice auch. Vor allem weil sie tot sind und ihre Witwen Geldprobleme haben. Also ruft Veronica die anderen Witwen zusammen und sie beschließen, den nächsten Einbruch, den ihre Männer geplant hatten, durchzuführen. Mit weiblicher Finesse.
Schnörkellose, top besetzte Genre-Kost von Steve McQueen, der vorher „Hunger“, „Shame“ und „12 Years a Slave“ inszenierte. „Widows – Tödliche Witwen“ ist sein „Inside Man“.
mit Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Colin Farrell, Daniel Kaluuya, Jackie Weaver, Robert Duvall, Liam Neeson, Brian Tyree Henry, Garrett Dillahunt, Carrie Coon, Jon Bernthal, Manuel Garcia-Rulfo, Lukas Haas
Halbneuer Titel, aber ausgehend von der Länge läuft diese Fassung
MDR, 22.55
The Outsiders: The complete Novel (The Outsiders, USA 1983/2005)
Regie: Francis Ford Coppola
Drehbuch: Kathleen Knutsen Rowell
LV: S. E. Hinton: The Outsiders, 1967 (Die Outsider)
Tulsa, Oklahoma, sechziger Jahre (mit fünfziger Jahre Feeling): Die proletarischen Greaser und die aus dem wohlhabenden Teil der Stadt stammenden Socs leben ihre Feindschaft immer wieder in Schlägereien aus. Als dabei einer der Socs zufällig stirbt, müssen zwei in die Tat involvierte Mitglieder der Greasers aus der Stadt flüchten.
Jugendrama, das damals bei der Kritik nicht gut ankam. Die längere „The complete Novel“-Fassung rehabilierte das aus heutiger Sicht sehr prominent besetzte, edel fotografierte Jugenddrama vollständig.
mit C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise, Leif Garrett, Glenn Withrow, Tom Waits, S. E. Hinton
auch bekannt als „Coppola’s The Outsiders – Rebellen ohne Grund“ (Kinotitel) bzw. „Die Outsider“ (Kinotitel)
Der Adler ist gelandet(The Eagle has landed, Großbritannien 1976)
Regie: John Sturges
Drehbuch: Tom Mankiewicz
LV: Jack Higgins: The Eagle has landed, 1975 (Der Adler ist gelandet)
1943: während des Zweiten Weltkriegs soll eine von Oberst Kurt Steiner (Michael Caine) geführte Einheit Fallschirmjäger in England in einem englischen Küstenort Premierminister Winston Churchill entführen. Das schwierige Unternehmen gestaltet sich, zu unserem Vergnügen als Zuschauer, schwieriger als erwartet.
Top besetzter, spannender Abenteuerfilm, in dem der Krieg zum Spielplatz für echte Männer mutiert.
„Der Adler ist gelandet“ ist der letzte Spielfilm von John Sturges, dem Regisseur von „Stadt in Angst“ (Bad Day at Black Rock, 1955), „Zwei rechnen ab“ (Gunfight at the O.K. Corral, 1957), „Der alte Mann und das Meer“ (The Old Man and the Sea, 1958), „Der letzte Zug von Gun Hill“ (Last Train from Gun Hill. 1959) und selbstverständlich die Klassiker „Die glorreichen Sieben“ (The Magnificent Seven, 1960) und „Gesprengte Ketten“ (The Great Escape, 1963).
Anschließend, um 22.20 Uhr, zeigt Arte die 55-minütige Doku „Sir Michael Caine – Vom Arbeiterkind zum Hollywoodstar“ (Deutschland 2021).
mit Michael Caine, Donald Sutherland, Robert Duvall, Jenny Agutter, Donald Pleasence, Anthony Quayle, Jean Marsh, Sven-Bertil Taube, Judy Geeson, Siegfried Rauch, Treat Williams, Larry Hagman
Das Piano (The Piano, Australien/Neuseeland/Frankreich 1993)
Regie: Jane Campion
Drehbuch: Jane Campion
Um 1850 herum wird die stumme Ada nach Neuseeland zwangsverheiratet. Ihr ihr vollkommen unbekannter Ehemann, der Plantagenbesitzer Stewart, nimmt sie und Adas neunjährige Tochter Flora auf. Adas heißgeliebtes Piano lässt er als unnötigen Ballast am Strand zurück. Stewarts Nachbar Baines holt das Piano in sein Haus. Er bietet Ada eine Möglichkeit an, wie sie wieder an ihr Piano kommen könnte.
Jane Campions Durchbruch beim globalen Kinopublikum und immer noch ihr bekanntester Film.
mit Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin, Kerry Walker
Oli „Beule“ Schröder (Janek Rieke) betreibt in Norddeutschland eine schlecht gehende Bootswerkstatt. Deshalb heuert er immer wieder für fünf Monate auf einem Schiff an. Insgesamt ist er etwas überfordert von den alltäglichen Problemen, seiner schwangeren Frau, die durch die Schwangerschaft ein ganz anderer Mensch wird, die ihn darüber hinweg tröstende Tankstellenwärterin, die plötzlich Besitzansprüche erhebt, und seine Kumpels, die ihn immer wieder verprügeln. Beule lässt dann seinen Frust an Zigarettenautomaten und Mülltonnen aus.
Zuerst einmal muss ich den Hut ziehen vor dem Engagment von Janek Rieke, der hier die Hauptrolle übernahm, Regie führte, das Drehbuch schrieb und auch produzierte. Nachdem das Projekt von allen Förderinstitutionen abgelehnt wurde, kratzten er und die anderen Produzenten alles Geld zusammen und machten den Film ohne Fördergelder und ohne einen Verleih. Gedreht wurde vom 16. Januar bis zum 12. Februar 2019. Die Premiere war am 2. Oktober 2022 auf dem Filmfest Hamburg. Und jetzt läuft er im Kino. Das ist eine beachtliche Leistung.
Der Film selbst ist dann weniger beachtlich. Es ist, soweit erkenn- und nachvollziehbar, eine chaotische, nie überzeugende Geschichte von Liebe und Freundschaft. Die Figuren sind, bei allen gewollten Überzeichnungen, in sich nicht stimmig. Die sich aus ihren Begegnungen entwickelnde Geschichte bleibt, immer mit der nächsten Pointe im Blick, beliebig. Es werden halt vor allem Sketche aneinandergereiht und, wenn man nicht mehr weiter weiß, wird Gewalt angewendet gegen Sachen und Menschen. Der Humor tendiert, ohne ein bestimmtes Ziel, durchgängig zu grobem Klamauk und übertriebener Farce.
Janek Rieke ist vor allem als Schauspieler bekannt. Von 2010 bis 2015 spielte er in der Kirmiserie „Der Kriminalist“ in 42 Folgen Kommissar Max Winter. In „Herr Lehmann“, „Die weiße Massai“, „Jerry Cotton“ und „Einmal Hans mit scharfer Soße“ spielte er mit. „Beule – Zerlegt die Welt“ ist sein zweiter Spielfilm als Regisseur. Sein Regiedebüt war 1997 die Beziehungskomödie „Hartetest“, ebenfalls nach seinem Drehbuch und mit ihm in der Hauptrolle.
Beule – Zerlegt die Welt(Deutschland 2022)
Regie: Janek Rieke
Drehbuch: Janek Rieke
mit Janek Rieke, Julia Hartmann, Max Giermann, Nilam Farooq, Freya Tampert, Hans Löw, Gerdy Zint
Es gibt sie noch: Gauchos. Nicht nur im Film, sondern auch in der Realität und nicht als Touristenattraktion. Die von Michael Dweck und Gregory Kershaw in ihrem wundervollem Dokumentarfilm „Gaucho Gaucho“ porträtierten Gauchos leben und arbeiten wie ihre Vorfahren.
Sie sind Cowboys, die in einigen Ländern in Südamerika Vieh hüten und ein traditionelles Leben zelebrieren. Freiheit ist ihnen wichtiger als Besitz.
Dweck und Kershaw beobachteten für ihren Film über mehrere Jahre einige Gauchos, die in der Region Salta im Nordwesten Argentiniens leben. Es ist eine karge und menschenleere Landschaft. Die Gauchos leben dort ein von der Moderne weitgehend unberührtes Leben. Wenn man nicht wüsste, dass das Regieduo mit der Recherche für diesen Film erst Anfang 2021 begann und die Bilder entsprechend später aufgenommen hat, könnte man glauben, sie seien vor mindestens fünfzig Jahren aufgenommen oder für einen klassischen SW-Western inszeniert worden.
„Gaucho Gaucho“ ist kein traditioneller Dokumentarfilm, sondern mehr ein beobachtendes Stimmungsstück. Dweck und Kershaw beobachten in wunderschönen, oft überhöhten SW-Bildern die Gauchos bei ihrer Arbeit, inszenieren sie, wenn sie durch die Landschaft reiten, als mythische Figuren und lassen sie von ihrem Leben und ihren Traditionen erzählen. Das Regieduo dokumentiert in betörend schönen Bildern eine untergehende Lebensweise. Dass eine der Protagonisten, die 17-jährige Guada, unbedingt eine Gaucha werden will, ändert daran nichts.
Wegen der Bilder sollte der Film unbedingt auf der größtmöglichen Leinwand gesehen werden.
Official Secrets (Official Secrets, Großbritannien/USA 2019)
Regie: Gavin Hood
Drehbuch: Gregory Bernstein, Sara Bernstein, Gavin Hood
LV: Marcia Mitchell, Thomas Mitchell: The Spy who tried to stop a War: Katharine Gun and the secret plot to sanction the Iraq Invasion, 2008
Spannender, auf wahren Begebenheiten beruhenden Polit-Thriller: Katharine Gun, Übersetzerin beim britischen Nachrichtendienst GCHQ, wird 2003 von ihrem Arbeitgeber angeklagt, gegen den Official Secrets Act verstoßen zu haben. Sie gab, über Umwege, eine Mail des US-amerikanischen Geheimdienstes weiter, in der sie aufgefordert werden, fünf Mitgliedstaaten des UN-Sicherheitsrats auszuspionieren. Die Staaten sollen erpresst werden, der US-Invasion in den Irak zuzustimmen.
Nein, die Überschrift ist kein Spoiler, sondern die Prämisse des Films: in einer dystopischen USA müssen jedes Jahr fünfzig, zufällig ausgeloste Jungen ihren Bundesstaat bei einem Marsch vertreten. Der Marsch endet, wenn nur noch einer lebt.
Stephen King schrieb die Geschichte bereits 1966/67. Damals war er Freshman an der Universität. Er veröffentlichte sie 1979 als Richard Bachman. Francis Lawrence, der Regisseur von vier (von fünf) „Die Tribute von Panem“-Filmen verfilmte den düsteren Roman über ein gnadenloses Auswahlverfahren als überraschend düsteren Film und ohne offensichtliche Aktualisierungen. Es ist unklar, wann der Film spielt. Nichts weißt auf die Gegenwart oder die nahe Zukunft hin. Alles sieht so aus, wie es schon zur Entstehungszeit des Romans aussah. Über die Gesellschaft, die den alljährlichen Todesmarsch gutheißt, erfahren wir auch nichts.
Vertreten wird das Regime durch den Major (Mark Hamill). Er erfand den Todesmarsch. Jetzt hält er gegenüber den Jungen während des Marsches immer wieder kernig-salbungsvolle Reden, die direkt aus dem Redenplatitütdenbuch für Offiziere stammen könnten und mit denen junge Männer in den Tod geschickt werden. King und Lawrence legen sich allerdings nicht auf eine Interpretation fest. Sie konzentrieren sich auf die den Wettbewerb, der letztendlich nur fünfzig Tote kennt.
Die Geschichte ist, ausgehend von der Prämisse und der anfänglichen Vorstellung der Todeskandidaten, absolut vorhersehbar. Überraschend ist nicht, wer überlebt (und einen Akt sinnlosen Widerstands leistet), sondern höchstens wer wann einen sinnlosen, aber den Regeln gehorchenden Tod stirbt. Die Regeln sind denkbar einfach: wer zu langsam geht, wird verwarnt. Wer dreimal verwarnt wurde, scheidet aus.
Trotzdem ist der erste Tod ein Schock. Als einer der Teilnehmer zu langsam geht, erhält er schnell hintereinander drei Verwarnungen und wird von einem gesichtslosen Soldaten, entsprechend den Regeln, erschossen. Ab dem Moment ist klar, dass Francis Lawrence nichts beschönigen oder heroisieren wird. Wer zu langsam geht, wird erschossen. Warum er zu langsam geht, ist egal. Die Notdurft wird während des Gehens verrichtet. Wunden, Krämpfe und Blasen werden ignoriert. Geschlafen wird bestenfalls im Gehen.
Beim Gehen unterhalten sich die Teilnehmer über ihr Leben und ihre Wünsche. In diesen Momenten werden sie zu Individuen. Sie kommen sich auch näher – und wissen, dass dies nur eine Freundschaft für wenige Stunden ist.
Die Landschaft durch die sie dabei marschieren ist das US-amerikanische Hinterland mit Feldern so weit das Auge reicht. Am Straßenrand stehen manchmal abrissreife Bretterbuden und ausgeschlachtete Schrottautos. Es ist ein menschenleerer Landstrich, der den Abstieg hinter sich hat. Auch das Wetter passt sich der allgemeinen Trostlosigkeit an.
Hoffnungsloser war schon seit Ewigkeiten kein Hollywood-Mainstreamfilm mehr. „The long walk – Todesmarsch“ hat keine tröstliche Botschaft, keinen Ausweg und auch keine glänzende Oberfläche, die einen über die nihilistische Botschaft hinwegsehen lassen könnte. War in den „Die Tribute von Panem“-Dystopien der tödliche Wettbewerb noch ein vor großer Kulisse inszeniertes Spektakel, ist in „The long Walk“ der Tod nicht mehr als eine Blutlache auf einer einsamen Landstraße.
Francis Lawrence zeigt in seinem neuesten, strikt chronologisch gedrehtem Drama nur fünfzig junge Männer, die durch eine langweilige Landschaft marschieren und sterben. Das ist nicht schön oder heroisch, aber absolut sehenswert.
The long Walk – Todesmarsch(The long Walk, USA 2025)
Regie: Francis Lawrence
Drehbuch: JT Mollner
LV: Richard Bachman (Pseudonym von Stephen King): The long Walk, 1979 (Todesmarsch)
mit Cooper Hoffman, David Jonsson, Garrett Wareing, Tut Nvuot, Charlie Plummer, Ben Wang, Roman Griffin Davis, Jordan Gonzalez, Joshua Odjick, Josh Hamilton, Judy Greer, Mark Hamill
Ein Noir aus dem Hause Coen. Mit einer Privatdetektivin als Heldin und bewusst die Hardboiled-Privatdetektiv-Tradition zitierend. Was kann da schon schiefgehen?
Nun, beginnen wir erst einmal mit einigen notwendigen Informationen. „Honey don’t!“ ist kein Film der Coen-Brüder, sondern der zweite Film der von Ethan Coen zusammen mit seiner Frau Tricia Cook geplanten lesbischen B-Movie-Trilogie. Sie lassen sich von alten Pulp-Geschichten und auch den Klassikern des Genres inspirieren und erzählen sie aus lesbischer Perspektive nach. Margaret Qualley übernahm wieder die Hauptrolle. Die vielversprechende Idee wurde schon in „Drive-Away Dolls“, dem ersten Film der Trilogie, schlecht umgesetzt. „Honey don’t!“ ist nicht besser, sondern sogar schlechter.
Es geht um die in Kalifornien in Bakersfield arbeitende offen lesbische Privatdetektivin Honey O’Donahue (Margaret Qualley), die mehr über den Tod eines Paares herausfinden will, das offensichtlich ermordet in einem verunglückten Auto gefunden wurde. Die Toten haben etwas mit einer geheimnisvollen, offensichtlich aus Europa kommenden Frau und dem öligen Reverend Drew Devlin (Chris Evans) zu tun. Devlin ist das Oberhaupt des zur Pfingstbewegung gehörenden „Four-Way Temple“. Diese Gemeinschaft ist keine traditionelle Glaubensgemeinschaft, sondern ein ihm auch sexuell höriger Kult und die Tarnung für verschiedene verbrecherische Aktivitäten. Neben dem den Film beginenden Autounfall, bei dem zwei Menschen starben, muss O’Donahue sich mit weiteren Fällen, teils beruflicher, teils privater Natur, herumschlagen. Außerdem beginnt sie eine Affäre mit Police Officer MG Falcone (Aubrey Plaza).
Viel mehr kann über die Story nicht verraten werden, weil sie ziemlich schnell in einer Unmenge nicht zusammenhängender Plots und Szenen zerfleddert. Die Ausgangsfrage wird schnell ignoriert. Ähnlich ergeht es den später begonnenen Plots. Das Ende ist die Conclusio eines vorher nicht erkennbaren Plots. Dazwischen gibt es slapstickhaft übertrieben blutige und auch mal tödliche Gewalt, viel Sex mit für eine US-Produktion erstaunlich viel nackter Haut und Witze, die nicht witzig sind.
Der größte Witz ist dabei, dass in „Honey don’t!“ die Rolle des hartgesottenen Privatdetektiv, die früher beispielsweise von Humphrey Bogart gespielt wurde, dieses Mal von einer Frau gespielt wird und dass diese Frau sexuell äußerst rege ist, jede Frau anbaggert und mit ihr Sex hat. Sie steht damit ihren männlichen Vorbildern in nichts nach. Allerdings kann sie Sätze sagen, die ein Mann in der gleichen Situation heute nicht mehr sagen kann; – falls er sie überhaupt jemals sagen konnte. Sie kann durch die Polizeistation gehen und lautstark verkünden: „I like girls!“.
Dass O’Donahue eine offen bekennende Lesbe ist, wäre vielleicht vor vierzig Jahren, als „Remington Steele“ im TV lief und Sara Paretsky und Sue Grafton den lesenden Krimifans ihre weiblichen Privatdetektive vorstellten, neu gewesen. Heute ist diese Idee nicht mehr neu oder provozierend. Schließlich gab es schon 2019 die ABC-TV-Serie „Stumptown“, in der die offen bisexuelle Privatdetektivin Dex Parios in Portland, Oregon, ihre Fälle löste. Greg Rucka erfand sie 2009 als Comicfigur.
Die von Coen und Cooke erfundene ‚Geschichte‘ erschöpft sich in einer beliebigen Aneinanderreihung von aus der Zeit gefallenen Klischees, garniert mit, als neuer Zutat, lesbischem Sex. Dabei demonstrieren Ethan Coen und Tricia Cooke ständig ihr Noir-Wissen, ohne es produktiv einzusetzten. Dass sie es können – Tricia Cooke arbeitet seit „Miller’s Crossing“ mit den Coens zusammen und ist seit 1993 mit Ethan verheiratet – bewiesen sie unter anderem in „Blood Simple“ (1984), „Raising Arizona“ (1987), „Miller’s Crossing“ (1990), „Barton Fink“ (1991), „Fargo“ (1996), „The Man Who Wasn’t There“ (2001) und „No Country for Old Men“ (2007).
Angesichts dieser Filmographie ist „Honey don’t!“ erschreckend misslungen. An dem langweiligem Debakel ändern auch eine gelungene Titelsequenz (einige halten sie für den besten Teil des Films), etliche für sich betrachtet durchaus gelungene Szenen, damit verbundene Zitate und Anspielungen, und die stilbewusste Ausstattung nichts.
Ethan Coens zweiter Solo-Spielfilm ist eine vollkommen verunglückte Noir-Pastiche, die schnell ihren Plot zugunsten einer weitgehend vollkommen beliebigen Zusammenstellung von Irgendetwas-mit-Kriminalfilm-Szenen aus dem Auge verliert und die nichts von der erzählerischen Meisterschaft der Filme der Coen-Brüder hat. Diese lesbische B-Moive-Noir-Komödie demonstriert nachdrücklich, wie wichtig die Zusammenarbeit von Joel und Ethan Coen für das gelingen ihrer Filme war.
Nach „Honey don’t!“ kann man nur hoffen, dass die beiden Brüder schnell wieder zusammen arbeiten. Auch wenn es davor noch den dritten und abschließenden Teil dieser B-Movie-Trilogie geben wird.
Honey don’t!(Honey don’t!, USA 2025)
Regie: Ethan Coen
Drehbuch: Ethan Coen, Tricia Cooke
mit Margaret Qualley, Aubrey Plaza, Chris Evans, Charlie Day, Kristen Connolly, Billy Eichner, Gabby Beans, Talia Ryder, Jacnier, Don Swayze, Josh Pafchek, Lena Hall, Lera Abova, Kale Browne
White Sands – Der große Deal (White Sands, USA 1991)
Regie: Roger Donaldson
Drehbuch: Daniel Pyne
New Mexico: in der Wüste werden eine Leiche und, neben ihr, ein Koffer voller Geld entdeckt. Sheriff Ray Donezal (Willem Dafoe) will den Fall aufklären. Er nimmt die Identität des Toten an.
Zutreffend, aber die Top-Besetzung verschweigend, urteilte der Fischer Film Almanach zum Kinostart: „Ein wirrer Plot als Vorwand für vertraute Actionspielchen.“
mit Willem Dafoe, Mickey Rourke, Mary Elizabeth Mastrantonio, Samuel L. Jackson, M. Emmet Walsh, Mimi Rogers, James Rebhorn, Maura Tierney, Beth Grant
Der Krieg des Charlie Wilson (Charlie Wilson’s War, USA 2007)
Regie: Michael Nichols
Drehbuch: Aaron Sorkin
LV: George Crile: Charlie Wilson’s War: The Extraordinary Story of the Largest Covert Operation in History, 2003 (Der Krieg des Charlie Wilson)
Auf Tatsachen basierende, von der Kritik abgefeierte und für viele Preise nominierte Polit-Komödie über den liberal-demokratischen Kongressabgeordneten Charlie Wilson, der in den Achtzigern half den afghanischen Widerstand gegen die Sowjets finanziell und mit Waffen zu unterstützten.
Die Folgen – nun, heute kennen wir die weitere Geschichte von Afghanistan, den Taliban und von Al-Qaida.
Mit Tom Hanks, Julia Roberts, Philip Seymour Hoffmann, Amy Adams, Ned Beatty, Emily Blunt, Michael Spellman
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 