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Veröffentlicht von AxelB
3sat, 22.25
Wovon träumt das Internet? (Lo and Behold, Reveries of the Connected World, USA 2016,)
Regie: Werner Herzog
Drehbuch: Werner Herzog
Herzlichen Glückwunsch zum heutigen 75. Geburtstag, Werner Herzog!
Aus diesem Anlass zeigt 3sat, als TV-Premiere, seine Doku „Wovon träumt das Internet?“ (Werner Herzogs Streifzug durch das Internet) und, um 00.05 Uhr, seine Doku „Tod in Texas“ (2012, Werner Herzogs Besuche bei Todeskandidaten in texanischen Gefängnissen).
Der BR zeigt parallel, ab 23.30 Uhr seine Doku „Mein liebster Feind“ (über seine Filme mit Klaus Kinski).
Bei all den Dokus vergisst man leicht, das Werner Herzog eigentlich ein Spielfilmregisseur ist. Zum Beispiel drehte er mit Klaus Kinski 1972 in Peru „Aguirre, der Zorn Gottes“. Den Film zeigt der BR morgen; – also, genaugenommen und taggenau läuft der Film am Donnerstag, den 7. September, um 00.40 Uhr (VPS 00.39) und es ist ein Klassiker des deutschen Films.
Am Donnerstag, den 7. September, zeigt 3sat um 22.25 Uhr Herzogs Thrillerdrama „Bad Lieutenant – Cop ohne Gewissen“ (USA 2009).
Hinweise
3sat über „Wovon träumt das Internet?“
Rotten Tomatoes über „Wovon träumt das Internet?“
Wikipedia über „Wovon träumt das Internet?“
Meine Besprechung von Werner Herzogs „Königin der Wüste“ (Queen of the Desert, USA/Marokko 2015)
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Veröffentlicht von AxelB
Als Organisator bin ich da vielleicht etwas subjektiv, aber das ist ein tolles Podium und ich erhoffe mir einen sehr informativen Abend:
Mittwoch, 6. September, 19.00 Uhr, Robert-Havemann-Saal (Haus der Demokratie und Menschenrechte, Greifswalder Straße 4, Berlin)
Am 5. Juni 2013 veröffentlichte die britische Tageszeitung The Guardian“ den ersten Artikel über die weltweite Datenerfassung der NSA (National Security Agency). Die Informationen in dieser und etlichen weiteren Reportagen stammen aus dem Archiv des Whistleblowers Edward Snowden. Er lieferte erstmals Beweise für eine weltweite Überwachung. Auch Deutsche waren davon betroffen.
Noch vor der Bundestagswahl 2013 wollte die damalige Regierung die Überwachungsaffäre für beendet erklären.
Danach beschäftigte sich ein Untersuchungsausschuss des Bundestages mit der Überwachung der Bevölkerung durch die NSA und der Involvierung der deutschen Nachrichtendienste in den Skandal. Wir lernten Worte wie Five Eyes, Selektoren, Prism, Eikonal und Glo*** (bzw. Glotaic) kennen und erfuhren, was in Bad Aibling geschieht.
Vor wenigen Tagen veröffentlichte der Untersuchungsausschuss seinen in der Vorabfassung 1822-seitigen Abschlussbericht, der auch einen tiefen Einblick in die Arbeit der Dienste ermöglicht.
Am Mittwoch, den 6. September, um 19.00 Uhr im Robert-Havemann-Saal wollen wir, unter anderem, mit
Stephan Martin (Rechtsanwalt, Wissenschaftlicher Mitarbeiter bei MdB Martina Renner, Die Linke, für den NSA-Untersuchungsausschuss)
Prof. Dr. Kurt Graulich (Richter am Bundesverwaltungsgericht a. D., Honorarprofessor an der Humboldt-Universität, wissenschaftlicher Schwerpunkt im Sicherheitsrecht)
Dr. Peter Wolff (Gesprächskreis Nachrichtendienste in Deutschland, Sprecher der Arbeitsgruppe Recht und Ethik)
David Crawford (Senior Reporter, Correctiv)
über die Erkenntnisse des Ausschusses, welche Maßnahmen bereits ergriffen wurden, welche Maßnahmen von den Bundestagsabgeordneten gefordert werden, wie die Zusammenarbeit zwischen den Diensten aussehen soll und mit welchen Entwicklungen die deutschen und westlichen Nachrichtendienste in den kommenden Jahren konfrontiert werden, diskutieren.
Veranstalter: Humanistische Union Berlin-Brandenburg
Weiterführende Informationen
Untersuchungsausschuss des Bundestages
Bericht des Untersuchungsausschusses
Netzpolitik: der Bericht ohne die Schwärzungen
Wikipedia über den Untersuchungsausschuss
Humanistische Union: vorgänge Nr. 215: Geheimdienste vor Gericht
Deutscher Bundestag: Bilanz der Obleute des NSA-Untersuchungsausschusses
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Der Abend kann auch als Vorbereitung für die „Freiheit 4.0 – Rettet die Grundrechte“-Demonstration am Samstag, den 9. September, ab 12.00 Uhr auf dem Gendarmenmarkt in Berlin dienen. Alle Infos hier – und jetzt zum Mobilisierungsvideo
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Veröffentlicht von AxelB
Am 7. September erscheint der Actionthriller „Boston“. Es ist nach „Lone Survivor“ und „Deepwater Horizon“ der dritte Film, den Regisseur Peter Berg und mit Schauspieler Mark Wahlberg als Hauptdarsteller inszenierte. „Boston“ erzählt packend, immer entlang der Fakten und mit grandiosen Actionszenen die wahre Geschichte des Bombenanschlags auf den Boston Marathon am 15. April 2013 und der anschließenden Jagd auf die Täter.
Die einzige wirklich große Abweichung von der wahren Geschichte ist der von Mark Wahlberg gespielte Boston-Cop Tommy Saunders. Er verkörpert die Seele von Boston und er führt, als mehr oder weniger passiver Beobachter, durch die Geschichte.
Die DVD hat über zwei Stunden Bonusmaterial und sieht sehr gut aus.
Zum Kinostart widmete ich dem Film eine ausführliche Kritik. Das Bonusmaterial wird die Tage besprochen.
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Bis dahin dürft ihr euch an der Verlosung von DVD und Poster beteiligen.
Die Verlosung endet am Freitag, den 8. September, um Mitternacht (also um 23.59 Uhr).
In den Betreff müsst ihr „Verlosung Boston“ schreiben und in der Mail an info@axelbussmer.de muss eine deutsche Postadresse stehen.
Boston (Patriots Day, USA 2016)
Regie: Peter Berg
Drehbuch: Peter Berg, Matt Cook, Joshua Zetumer (nach einer Geschichte von Peter Berg, Matt Cook, Paul Tamasy und Eric Johnson)
mit Mark Wahlberg, Kevin Bacon, John Goodman, J. J. Simmons, Michelle Monaghan, Alex Wolff, Themo Melikidze, Jake Picking, Jimmy O. Yang, Rachel Brosnahan, Christopher O’Shea, Khandi Alexander
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DVD
Studiocanal
Bild: 2,40:1 (anamorph)
Ton: Deutsch, Englisch (Dolby Digital 5.1)
Untertitel: Deutsch
Bonusmaterial: Dokumentation „Boston Strong“, Featurettes „Die realen Vorbilder“/“Researching the Day – Der Dreh“/“Boston – Die Stadt der Champions“/“Die Schauspieler erinnern sich“/“Die Helden vor Ort“, Erweitertes Ende, Trailer, Wendecover
Länge: 124 Minuten
FSK: ab 16 Jahre
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Hinweise
Wikipedia über „Boston“ (deutsch, englisch) und den Anschlag (deutsch, englisch)
History vs. Hollywood über „Boston“
Meine Besprechung von Peter Bergs „Battleship“ (Battleship, USA 2012)
Meine Besprechung von Peter Bergs „Lone Survivor“ (Lone Survivor, USA 2013)
Meine Besprechung von Peter Bergs „Deepwater Horizon“ (Deepwater Horizon, USA 2016)
Meine Besprechung von Peter Bergs „Boston“ (Patriots Day, USA 2016)
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Veröffentlicht von AxelB
Arte, 20.15
Der Mann, der Sherlock Holmes war (Deutschland 1937, Regie: Karl Hartl)
Drehbuch: Robert A. Stemmle, Karl Hartl
LV: Figur von Sir Arthur Conan Doyle
Zwei kleine Detektive klären als Holmes und Watson ein Verbrechen auf – und Holmes-Erfinder Doyle schaut ihrem Treiben amüsiert zu.
Ein damals ungeheuer erfolgreicher und heute immer noch sehenswerter Ufa-Klassiker mit Hans Albers, Heinz Rühmann und dem Gassenhauer „Jawohl, meine Herren, so haben wir es gern“.
Arte zeigt die restaurierte Fassung
Danach ufat es weiter mit der Travestiekomödie „Viktor und Viktoria“ (Deutschland 1933, Regie: Reinhard Schünzel) und, um 23.40 Uhr, mit dem Stummfilmdrama „Die Liebe der Jeanne Ney (Deutschland 1927, Regie: Georg Wilhelm Papst).
Mit Hans Albers, Heinz Rühmann, Marieluise Claudius, Hansi Knoteck, Hilde Weisner, Siegfried Schürenberg, Paul Bildt
Hinweise
Arte über „100 Jahre UFA – Ganz großes Kino“
Filmportal über „Der Mann, der Sherlock Holmes war“
Wikipedia über „Der Mann, der Sherlock Holmes war“ (deutsch, englisch)
Homepage von Sir Arthur Conan Doyle (Erben)
Krimi-Couch über Sir Arthur Conan Doyle
Kirjasto über Sir Arthur Conan Doyle
Wikipedia über Sir Arthur Conan Doyle (deutsch, englisch)
Sherlockian.net (Einstiegsseite mit vielen Links)
Facebook-Seite der deutschen Sherlock-Holmes-Gesellschaft
Thrilling Detective über Sherlock Holmes
Meine Besprechung von Arthur Conan Doyles “Sherlock Holmes Geschichten”, “Sherlock Holmes Kriminalgeschichten” und “The Adventures of Sherlock Holmes” (und hier eine Auflistung der in diesen Werken enthaltenen Geschichten)
Meine Besprechung von Anthony Horowitz‘ „Das Geheimnis des weißen Bandes“ (The House of Silk, 2011)
Meine Besprechung von Anthony Horowitz‘ „Der Fall Moriarty“ (Moriarty, 2014)
Meine Besprechung von „Sherlock: Ein Fall von Pink“ (A Study in Pink, GB 2010)
Meine Besprechung von „Sherlock: Eine Legende kehrt zurück – Staffel 1“ (Sherlock, GB 2010)
Meine Besprechung von “Sherlock: Eine Legende kehrt zurück -Staffel 2″ (Sherlock, GB 2012)
Meine Besprechung von „Sherlock – Staffel 3“ (Sherlock, GB 2014)
Mein Hinweis auf „“Sherlock: Eine Legende kehrt zurück – Staffel 4“ (Sherlock, GB 2017)
Meine Besprechung von “Sherlock: Ein Skandal in Belgravia” (A Scandal in Belgravia, GB 2012)
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Veröffentlicht von AxelB
Sodele, die Krimibestenliste für den September (präsentiert von F.A.S. und Deutschlandfunk Kultur) ist draußen und diese literarischen Mordstaten empfehlen die Damen und Herren Kritiker:
1. Simone Buchholz – Beton Rouge (Platzierung im Vormonat: 5)
2. Ottessa Moshfegh: Eileen (Platzierung im Vormonat: /)
3. Zoë Beck – Die Lieferantin (Platzierung im Vormonat: 1)
4. Antonin Varenne – Die Treibjagd (Platzierung im Vormonat: 2)
5. Sven Heuchert – Dunkels Gesetz (Platzierung im Vormonat: /)
6. Graeme Macrae Burnet – Das Verschwinden der Adèle Bedeau (Platzierung im Vormonat: 8)
7. Lisa Sandlin: Ein Fall für Delpha (Platzierung im Vormonat: /)
8. Robert Hültner: Lazare und der tote Mann am Strand (Platzierung im Vormonat: 10)
9. Monika Geier – Alles so hell da vorn (Platzierung im Vormonat: 6)
10. Christian v. Ditfurth: Giftflut (Platzierung im Vormonat: /)
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Veröffentlicht von AxelB
ARD/ZDF/RTL/Sat.1, 20.15
TV-Duell: Merkel – Schulz
Ein Boxkampf ist es nicht und, obwohl es inzwischen schon eine Tradition ist, auch etwas seltsam. Denn da treten die Spitzenkandidaten der beiden größten Parteien gegeneinander an, als gäbe es in Deutschland ein Mehrheitswahlrecht. Dabei wird Deutschland, dank des Verhältniswahlrechts, eigentlich immer und überall von Koalitionen regiert.
Jedenfalls haben Angela Merkel (CDU) und Martin Schulz (SPD) 95 streng reglementierte Minuten, um für sich zu werben.
Am Montag dürfen dann die anderen voraussichtlich im Bundestag vertretenen Parteien gegeneinander antreten. Und zwar um 19.25 Uhr im ZDF (Bündnis 90/Die Grünen, CSU, Die Linke) und um 20.15 Uhr in der ARD als „Der Fünfkampf nach dem TV-Duell“ (dann sind auch FDP und AfD dabei). Die Runde war in den letzten Bundestagswahlkämpfen lebendiger als das Kanzlerduell.
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Veröffentlicht von AxelB
ZDFneo, 22.00
Roter Drache (USA 2002, Regie: Brett Ratner)
Drehbuch: Ted Tally
LV: Thomas Harris: Red Dragon, 1981 (Roter Drache)
FBI-Mann Will Graham jagt einen Serienkiller. Nur Hannibal Lecter kann ihm helfen.
Die zweite Verfilmung von „Red Dragon“, dem ersten Roman mit Menschenfresser Hannibal Lecter, ist meilenweit von der Qualität von „Manhunter“ (USA 1986, Regie/Buch: Michael Mann) entfernt. Optisch hält Ratner sich in seinem langatmig-langweiligen Starkino an den von Jonathan Demme in seiner Thomas-Harris-Verfilmung „Das Schweigen der Lämmer“ etablierten Look. Von der Story wiederholt Ratner nur Michael Manns eiskalten „Manhunter“, garniert mit überflüssigen Verweisen auf „Das Schweigen der Lämmer“.Und Anthony Hopkins in der Rolle seines Lebens.
Die andere Meinung: „Roter Drache ist ein erstklassiger Thriller.“ (Rheinische Post, 31. Oktober 2002)
Mit Anthony Hopkins, Edward Norton, Ralph Fiennes, Harvey Keitel, Emily Watson, Mary-Louise Parker, Philip Seymour Hoffman, Anthony Heald, Lalo Schifrin (als Dirigent, sein bislang einziger Filmauftritt)
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Roter Drache“
Wikipedia über „Roter Drache“ (deutsch, englisch)
Krimi-Couch über Thomas Harris
Meine Besprechung von Brett Ratners „Aushilfsgangster“ (Tower Heist, USA 2011)
Meine Besprechung von Brett Ratners „Hercules“ (Hercules, USA 2014)
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Veröffentlicht von AxelB
ZDFneo, 23.30
Kopfüber in die Nacht (USA 1985, Regie: John Landis)
Drehbuch: Ron Koslow
Ed Okin kann einfach nicht einschlafen. Also fährt er ins Flughafenparkhaus, eine Frau springt zuerst auf seine Motorhaube, dann auf seinen Beifahrersitz und fordert ihn auf, möglichst schnell abzuhauen. Denn sie wird von einigen Killern verfolgt. Ed gibt Gas und erlebt eine aufregende Nacht.
Grandiose Komödie mit einer gehörigen Portion Slapstick, viel Schwarzer Serie und einem beeindruckendem Aufgebot von Stars, die niemand kennt, weil sie als Kollegen von „Blues Brothers“-Regisseur John Landis hauptsächlich hinter der Kamera stehen (und standen).
„Landis (…) ist wieder ein amüsantes Vexierspiel aus ironisch montierten Versatzstücken unterschiedlicher Genres gelungen, das häufig augenzwinkernd mit Zitaten spielt.“ (Fischer Film Almanach 1986)
Eine sträflich unterschätzte, selten gezeigte Filmperle
Mit Jeff Goldblum, Michelle Pfeiffer, Stacey Pickren, David Bowie, Dan Aykroyd, David Cronenberg, John Landis, Waldo Salt, Bruce McGill, Rick Baker, Colin Higgins, Daniel Petrie, Paul Mazursky, Jonathan Lynn, Paul Bartel, Carl Perkins, Don Siegel, Jim Henson, Jack Arnold, Amy Heckerling, Roger Vadim, Lawrence Kasdan, Richard Farnsworth, Vera Miles, Irene Papas, Clu Gulager, Jonathan Demme, Carl Gottlieb
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Kopfüber in die Nacht“
Wikipedia über „Kopfüber in die Nacht“ (deutsch, englisch)
New York Times: Vincent Canby über “Into the Night” (22. Februar 1985)
Fast Rewind über “Into the Night”
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Veröffentlicht von AxelB
Dass Alain Gsponer in seiner Verfilmung die Geschichte von Ödön von Horváths „Jugend ohne Gott“ aus der Nazi-Zeit in die Zukunft verlegt, ist nicht das größte Problem des Films. Im Gegenteil. Diese Verlegung der Handlung aktualisiert die Geschichte und macht sie auch für ein neues Publikum zugänglich.
Das gleiche gilt für den Wechsel des Protagonisten. Im Roman ist es der Lehrer. Ein Ich-Erzähler, der seinen Schülern etwas beibringen will und in Konflikt mit der herrschenden Ideologie gerät. Danach soll er, wie ihm sein Schuldirektor sagt, seine Schüler „moralisch zum Krieg erziehen“.
Im Film ist er eine Nebenfigur. Zach, einer seiner Schüler, ist der Protagonist. Um ein junges Publikum zu erreichen, ist das eine kluge Entscheidung. Schließlich identifiziert man sich als Jugendlicher eher mit einem Gleichaltrigen als mit einem Lehrer. Vor allem mit einem Lehrer, der an seiner Aufgabe hadert und von Selbstzweifeln darüber geplagt ist.
Diese beiden Änderungen und einige weitere, zu denen ich gleich komme, machen dann aus Gsponers Film eine freie Verfilmung des Romans.
In dem Film – und ich muss jetzt in Teilen der Filmhandlung weit vorgreifen – fährt die Schulklasse des namenlosen Lehrers (Fahri Yardim) in die Berge zu einem Zeltlager. Durch verschiedene Tests ihrer Persönlichkeit sollen die Schüler ausgewählt werden, die sich für einen Platz an Eliteuniversität qualifizieren.
Alle bis auf Zach (Jannis Niewöhner) folgen willig und ohne darüber nachzudenken, der in der Gesellschaft propagierten Leistungsideologie. Er ist, obwohl beliebt, schon in der Klasse ein hochintelligenter Außenseiter. Sein wertvollster Besitz ist ein Tagebuch, dem er seine Gedanken und Gefühle anvertraut. Im Gegensatz zu seinen Klassenkameraden denkt er nach. Er nimmt die gesellschaftlichen Veränderungen wahr und sie gefallen ihm nicht. Denn hinter dem schönen Schein der egalitären Wohlstandswelt gibt es bittere Armut. Letztendlich ist die von Gsponer gezeichnete Welt eine dystopische Zwei-Klassen-Gesellschaft. Es ist eine diktatorische Leistungsgesellschaft, die gnadenlos unliebsame, nicht angepasste oder nicht leistungsfähige Menschen aussortiert.
In dem Zeltlager werden sie von dem Aufseher vor einer im Wald lebenden Bande Jugendlicher, die außerhalb ihrer Zone leben und sich mit Diebstählen über Wasser halten, gewarnt. Zach lernt das im Wald lebende Mädchen Ewa (Emilia Schüle) kennen. Er verliebt sich in die Wilde.
Dann verschwindet Zachs Tagebuch (Leser des Romans kennen den Dieb) und ein Klassenkamerad, mit dem er schon in den vergangenen Tage handgreifliche Auseinandersetzungen hatte, wird ermordet im Wald aufgefunden. Aber hat er ihn auch ermordet?
Das größte Problem von Gsponers von-Horváth-Verfilmung ist die Erzählweise. Anstatt die Geschichte, wie im Roman, einfach chronologisch vom Anfang bis zum Ende zu erzählen, gibt es zahlreiche Rückblenden, die einem zum Verständnis notwendige Informationen erst sehr spät geben und das Geschehen aus einer anderen Perspektive schildern. Das erschwert das Hineinfinden in die Geschichte und die Identifikation mit den Figuren. Das zeigt sich schon in den ersten Minuten. Der Film beginnt mit der Ankunft im Zeltlager und es wirkt, als ob sich die Jugendlichen nicht kennen. Dabei sind sie Klassenkameraden, die mit ihrem Klassenlehrer zu dem Camp gefahren sind und vor der Fahrt schon einen unliebsamen (vulgo nicht leistungsfähigen) Schüler aussortiert haben. Das setzt sich später fort, wenn wir erst später erfahren, wer das Tagebuch geklaut hat und ob der oder die Mordverdächtigen die Tat begangen haben.
Ein anderes Problem ist die zu sparsam gezeichnete dystopische Gesellschaft. Entsprechend diffus bleibt die Gesellschaftskritik.
Am Ende ist „Jugend ohne Gott“ ein weiterer gescheiterter Versuch eines deutschen Science-Fiction-Films, der nicht an seinem Budget, sondern an seinem Drehbuch und seiner Inszenierung scheitert. Jedenfalls in der Form, die im Kino läuft.
Jugend ohne Gott (Deutschland 2017)
Regie: Alain Gsponer
Drehbuch: Alex Buresch, Matthias Pacht
LV: Ödön von Horváth: Jugend ohne Gott, 1937
mit Jannis Niewöhner, Fahri Yardim, Emilia Schüle, Alicia von Rittberg, Jannik Schümann, Anna Maria Mühe, Rainer Bock, Katharina Müller Elmau, Iris Berben
Länge: 114 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
–
Die Vorlage
Ödön von Horváth: Jugend ohne Gott
Suhrkamp, 2017 (Movie Tie-In)
160 Seiten
5 Euro
–
Erstausgabe
Exil-Verlag, Amsterdam, 1937
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Die aktuelle Suhrkamp-Ausgabe basiert auf „Gesammelte Werke. Kommentierte Werkausgabe in Einzelbänden – Band 4: Prosa und Werke 1918 – 1938“ (Suhrkamp, 1988)
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Hinweise
Deutsche Facebook-Seite zum Film
Filmportal über „Jugend ohne Gott“
Moviepilot über „Jugend ohne Gott“
Wikipedia über „Jugend ohne Gott“ (die aktuelle Verfilmung, der Roman) und Ödön von Horváth (deutsch, englisch)
1 Kommentar | Buchkritiken, Filmkritiken | Verschlagwortet: Alain Gsponer, Alex Buresch, Alicia von Rittberg, Anna Maria Mühe, Ödön von Horváth, Emilia Schüle, Fahri Yardim, iris berben, Jannik Schümann, Jannis Niewöhner, Katharina Müller Elmau, Matthias Pacht, rainer bock | Permalink
Veröffentlicht von AxelB
Die Ausgangslage ist etwas kompliziert: Jedenfalls erklärt sich der inhaftierte Profikiller Darius Kincaid (Samuel L. Jackson) bereit in Den Haag am Internationalen Gerichtshof als Kronzeuge gegen den osteuropäischen Diktator Vladislav Dukhovich (Gary Oldman) auszusagen, wenn dafür Kincaids ebenfalls in Holland inhaftierte Frau Sonia (Salma Hayek) freigelassen wird. Kurz nachdem Kincaid, schwer bewacht von den Besten der Besten, das Gefängnis in Nordengland verlässt, wird der Konvoi überfallen. Bis auf die unerfahrene Interpol-Agentin Amelia Roussel (Elodie Yung), die Kincaid bewachen soll, und Kincaid, der im Alleingang mindestens die Hälfte der Angreifer tötet, sterben alle.
Roussel vermutet, dass sie verraten wurden und weil Kincaid nicht allein (sein Vorschlag) in 24 Stunden nach Den Haag fahren kann, bittet sie ihren Ex-Freund Michael Bryce (Ryan Reynolds) um Hilfe. Der Auftrag soll zu seiner Rehabilitierung beitragen. Denn früher war Bryce der beste Bodyguard, den man sich für Geld kaufen konnte.
Und ab diesem Moment bewegt sich „Killer’s Bodyguard“ in den sattsam bekannten Buddy-Movie-Gewässern. Bryce, ein manischer, alles vorausplanender Kontrollfreak, der Kincaid und alles was er verkörpert hasst, und Kincaid, für den, wie für Deadpool, die ganze Selbstmordaktion ein Riesenspaß ist, machen sich auf den Weg. Begleitet von einer Armada schießwütiger Gangster, unterbrochen von langen Streitgesprächen über Berufsethik und Beziehungen, die ein altes Ehepaar nicht besser hinbekommt.
Das ist ungefähr so tiefgründig wie eine Wasserpfütze und der Humor ist reichlich grob. Aber der von Tom Hughes („Red Hill“, „The Expendables 3“) inszenierte Film macht Spaß. In der deutschen Synchronisation stimmt die Chemie zwischen Bryce und Kincaid, während dem geübten Auge auffällt, dass Ryan Reynolds und Samuel L. Jackson erstaunlich selten gemeinsam im Bild sind.
Die Action ist weitgehend handgemacht. Von den Faustkämpfen über die Schießereien und Explosionen bis hin zu den Verfolgungsjagden in Autos und Booten durch die Grachten von Amsterdam. Das ist wunderschön altmodisch und, bei allem Exzess, doch glaubwürdig. Immerhin gibt es hier keine Superheldenaction, in der am Computer ganze Städte zerstört werden. Es gibt nur Autos, die danach Reif für den Schrottplatz sind. Bei einigen Actionszenen, wenn die Action in unmittelbarer Nähe der beiden Hauptdarsteller stattfindet, ist dann auch offensichtlich, dass hier Bilder übereinanderkopiert wurden. Globetrottern wird auch auffallen, dass die Macher sich bei den Orten einige Freiheiten nahmen.
„Killer’s Bodyguard“ ist einfach eine entspannende Buddy-Actionkomödie, in der laut geflucht und beleidigt und noch lauter geschossen und Gegenstände in die Luft gejagt werden und man jeden Gedanken an Anspruch schon vor dem ersten Auftritt von Samuel L. Jackson beerdigen sollte.
„Scheiße Ja.“ (Darius Kincaid, jugendfreie Version)
Und dann kann man zwei vergnügliche Stunden erleben. Mit einem Bier in der Hand und dem Gehirn auf Autopilot.
Killer’s Bodyguard (Hitman’s Bodyguard, USA 2017)
Regie: Tom Hughes
Drehbuch: Tom O’Connor
mit Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Gary Oldman, Salma Hayek, Elodie Yung, Joaquim de Almeida, Sam Hazeldine, Richard E. Grant
Länge: 119 Minuten
FSK: ab 16 Jahre
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Hinweise
Moviepilot über „Killer’s Bodyguard“
Metacritic über „Killer’s Bodyguard“
Rotten Tomatoes über „Killer’s Bodyguard“
Wikipedia über „Killer’s Bodyguard“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Tom Hughes‘ „The Expendables 3“ (The Expendables, USA 2014)
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Ein Bild sagt mehr als tausend Worte über den Zustand einer Beziehung
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Veröffentlicht von AxelB
Arte, 23.25
Scanners – Ihre Gedanken können töten (Kanada 1981, Regie: David Cronenberg)
Drehbuch: David Cronenberg
Das Frühwerk von David Cronenberg (geb. 15. März 1943) ist vielleicht nicht sein bester Film (er schrieb während des Drehs das Drehbuch), aber mit der Idee der durch Gedankenkraft explodierenden Köpfe hat er ein Bild geschaffen, das sich in das kollektive Gedächtnis eingebrannt hat. Auch wenn man niemals den Film gesehen hat.
Die Story selbst ist eine ziemlich verwirrende Geschichte um sich bekämpfende Gruppen von telepathisch besonders begabten Menschen, Scanner genannt, wie sie ihre Fähigkeiten einsetzen und einem bösen Konzern, der die Scanners für ihre Interessen ausnutzen will.
mit Jennifer O’Neill, Stephen Lack, Patrick McGoohan, Lawrence Dane, Michale Ironside, Robert A. Silverman
Wiederholung: Freitag, 8. September, 01.05 Uhr (Taggenau!; davor, um 23.35 Uhr zeigt Arte den Cronenberg-Film „Die Brut“)
Hinweise
Turner Classic Movies über „Scanners“
Rotten Tomatoes über „Scanners“
Wikipedia über „Scanners“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Marcus Stigleggers “David Cronenberg” (2011)
Meine Besprechung von David Cronenbergs „Cosmopolis“ (Cosmopolis, Frankreich/Kanada 2012)
Meine Besprechung von David Cronenbergs “Maps to the Stars” (Maps to the Stars, Kanada/USA/Deutschland/Frankreich 2014) (und die DVD-Kritik)
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Veröffentlicht von AxelB
Die TV-Anthologieserie „Tales from the Darkside“ lief von 1983 (Pilotfilm, regulär ab 1984) bis 1988 im US-TV und ab 1989 auch bei uns, bei Pro7. Sie war, wie alle Anthologiserien, die das weite Feld zwischen Horror, Unheimlichem, Übernatürlichem, Science-Fiction (selten) und Krimi (noch seltener) bespielen, von „The Twilight Zone“ (Unglaubliche Geschichten/Unwahrscheinliche Geschichten/Geschichten, die nicht zu erklären sind) beeinflusst. In einer halben Stunde (mit Werbung) wird eine kurze Geschichten mit einem überraschendem Ende erzählt.
Vor ein paar Jahren gab es Pläne, das Konzept unter dem altbekannten Titel wieder zu beleben. Horrorautor Joe Hill erarbeitete 2014/2015 Vorschläge, die drei Staffeln und eine Darkside-Mythologie beinhalteten. Das Projekt zerschlug sich und jetzt hat er seine damaligen Ideen als Comic veröffentlicht. Michael Benedetto ist für die Adaption, Gabriel Rodriguez für die Zeichnungen verantwortlich. In dem Sammelband „Tales from the Darkside“ sind drei Geschichten (zwei kurze, eine lange), die damals verfilmt werden sollten, enthalten.
In „Schlafwandler“ döst der junge Bademeister Ziggy, nach einer weiteren durchfeierten Nacht, bei der Arbeit ein und eine Frau ertrinkt. Geplagt von Schuldgefühlen kann Ziggy nicht mehr einschlafen. Die Menschen in seiner Umgebung schon.
In „Black Box“ (der langen Geschichte) steht Brian Newman, der auch in den beiden anderen Geschichten Kurzauftritte hat, im Mittelpunkt. Er hat einen boshaften Schattenzwilling, den er Großer Gewinner nennt, und er kann die Realität verändern. Zum Beispiel indem ein Pelz lebendig wird und seine Trägerin attackiert.
Jetzt bietet ihm der Konzern Briterside die Implantation eines Chips an, der ihn heilen kann. Durch die Operation soll sein Schattenzwilling verschwinden. Aber was ist, wenn der sich gegen die Folgen der Operation wehrt?
In „Ein offenes Fenster“ weicht die junge Joss einem plötzlich auf der Straße auftauchendem Mann (es ist Brian Newman) aus und fährt auf einem Grundstück einen Briefkasten um. Sie will sich bei den Hausbesitzern entschuldigen und wird von ihnen gleich als Babysitter engagiert. Die beiden Kinder starren nur auf ihr Tablet und wollen es unter keinen Umständen aus der Hand geben. Und das ist noch der harmlose Teil des Jobs.
Das sind drei hübsche kleine Horrorgeschichten. Auch wenn, für meinen Geschmack, vor allem bei der zweiten Geschichte schon zu sehr auf einen größeren zusammenhängenden Kosmos spekuliert wird, anstatt die Geschichten einfach für sich stehen zu lassen. Denn ob es eine Fortsetzung der ursprünglich auf vier Hefte, die in „Tales from the Darkside“ zusammengefasst sind, angelegten Mini-Serie gibt, ist ungewiss.
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Joe Hill/Gabriel Rodriguez: Tales from the Darkside – Geschichten aus der Schattenwelt
(übersetzt von Gerlinde Althoff)
Panini, 2017
108 Seiten
16,99 Euro
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Originalausgabe
Tales from the Darkside # 1 – 4
IDW, 2016
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Buchtipp
Eigentlich ist Joe Hill ein Romanautor und bei Heyne ist kürzlich sein neuer Roman „Fireman“ erschienen. Mit gut tausend Seiten Seiten, eng bedruckt und ohne Bilder, dürfte das genug Lesestoff für einige lange Tage sein.
Der titelgebende Fireman ist, so sagen die Gerüchte, ein Mann, der eine Seuche, die schon unzählige Menschen in Flammen aufgehen ließ, kontrollieren kann. Als die schwangere Harper Grayson infiziert wird, beschließt sie den Fireman in einer postapokalyptischen Welt zu suchen. Er soll ihr helfen. Aber gibt es ihn überhaupt?
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Joe Hill: Fireman
(übersetzt von Ronald Gutberlet)
Heyne, 2017
960 Seiten
17,99 Euro
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Originalausgabe
The Fireman
William Morrow, 2016
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Hinweise
Meine Besprechung von Joe Hill/Stephen King/Richard Mathesons „Road Rage“ (Road Rage, 2012)
3 Kommentare | Buchkritiken | Verschlagwortet: Gabriel Rodriguez, joe hill | Permalink
Veröffentlicht von AxelB
3sat, 22.25
Die innere Sicherheit (Deutschland 2000, Regie: Christian Petzold)
Drehbuch: Christian Petzold, Harun Farocki
Die 15-jährige Jeanne ist mit ihren Eltern ständig auf der Flucht. Denn diese sind gesuchte, ehemalige RAF-Terroristen. Jetzt müssen sie wegen Geldproblemen zurück nach Deutschland. Die alten Freunde sollen ihnen aus der finanziellen Misere helfen. Und Jeanne ist erstmals wirklich verliebt.
Mit dem genau beobachteten, die deutsche Wirklichkeit sezierenden Drama über vergangene Schuld, das Erwachsenwerden und Verpflichtungen hatte Christian Petzold seinen Durchbruch bei den Kritikern und dem Publikum (über 100.000 Zuschauer). Stellvertretend für die zahlreichen euphorischen Besprechungen: „bester deutscher Film des Jahres“ (Michael Althen, SZ, 31. Januar 2001)
Mit Julia Hummer, Barbara Auer, Richy Müller, Günther Maria Halmer
Hinweis
M Means Movie: Interview mit Christian Petzold (2001)
Wikipedia über “Die innere Sicherheit”
Meine Besprechung von Christian Petzolds “Phoenix” (Deutschland 2014)
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Veröffentlicht von AxelB
Weil in unseren Kinos am Donnerstag eine Verfilmung des Romans anläuft.
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Veröffentlicht von AxelB
Literaturstudent Toma verliebt sich in seine Mitstudentin Ana. Allerdings ist sie etwas neurotisch und neigt zu Panikattacken. Anfangs scheint das noch kein großes Problem zu sein. Auch dass ihre Eltern, ein Arbeiterpaar, und seine Eltern, ein Intellektuellenpaar, die Beziehung ablehnen, stört Toma nicht. Ana ist seine wahre Liebe.
Als Anas Panikattacken schlimmer werden, kümmert er sich immer mehr um sie. Und, später, um ihr Kind.
Diese auf den ersten Blick konventionelle Liebesgeschichte wird aus Tomas Sicht erzählt. Bei einem Psychiater auf der Couch. Und genau wie Therapiesitzungen nicht unbedingt einer stringenten Chronologie folgen, gibt es in „Ana, mon Amour“ immer wieder unvermittelte Zeitsprünge. Gleichzeitig wird, bei Bedarf, mit dem Psychiater jedes Detail erörtert. Warum Toma bei Anas Eltern mit Anas Vater in einem Bett schlafen muss und warum er für diese Nacht den Schlafanzug von Anas Vater anzieht.
Mit zunehmender Laufzeit wird dann auch unklarer, wie zuverlässig Toma als Erzähler ist. Also wie sehr seine Erzählungen beim Psychiater eine subjektiv gefärbte Sicht der tatsächlichen Ereignisse oder eine mehr oder weniger freie Erfindung sind. Einige Entwicklungen zwischen Toma und Ana erfolgen, nachdem Regisseur Cãlin Peter Netzer sich am Anfang sehr viel Zeit ließ, arg plötzlich und es ist, als ob Toma plötzlich eine vollkommen andere Personen beschreibt, die zufälligerweise wie Ana aussieht. Am Ende gibt es eine äußerst unvermittelte Wendung, die sogar Tomas Restzuverlässigkeit beim Erzählen seiner Beziehungsgeschichte in Frage stellt und dazu führt, dass keine der vorherigen Gewissheiten mehr existiert. Es ist, als ob man in einem Krimi zuerst einen Täter präsentiert bekommt und am Ende gesagt bekommt, dass eigentlich jeder und niemand der Täter gewesen sein könnte. Falls es überhaupt ein Verbrechen gab. Anything goes eben. Aber nicht als Aufforderung etwas zu tun, sondern als resignativ-schulterzuckende Verweigerung überhaupt irgendetwas zu tun oder irgendeine Position zur Geschichte einzunehmen. Das ist nach über zwei Stunden Filmzeit schon etwas frustrierend. Und, ich gebe es zu, am Ende des Films war ich richtig verärgert.
Es ist auch ein Film, der einen rein männlichen Blick auf die Frau hat. Ana ist für Toma durchgehend ein Objekt ohne einen eigenen Willen. Sie ist eine Projektion seiner Bedürfnisse. Er gestattet ihr kein eigenes Leben. Ana selbst darf nichts allein entscheiden oder tun; – – – was dann auch eine Erklärung für ihre erste Panikattacke wäre.
Cãlin Peter Netzer erhielt für seinen vorherigen Film „Muter & Sohn“ 2013 auf der Berlinale den Goldenen Bären. Für „Ana, mon Amour“ gab es dieses Jahr einen Silbernen Bären für den Schnitt.
Ana, mon Amour (Ana, mon Amour, Rumänien/Deutschland/Frankreich 2017)
Regie: Cãlin Peter Netzer
Drehbuch: Cãlin Peter Netzer, Cazar Paul Bâdescu, Iulia Lumânare
LV: Cezar Paul Bâdescu: Luminita, mon amour
mit Mircea Postelnicu, Diana Cavallioti, Carmen Tânase, Vasile Muraru, Tania Popa, Igor Caras Romanov, Adrian Titieni, Vlad Ivanov
Länge: 127 Minuten
FSK: ?
–
Hinweise
Filmportal über „Ana, mon Amour“
Moviepilot über „Ana, mon Amour“
Metacritic über „Ana, mon Amour“
Rotten Tomatoes über „Ana, mon Amour“
Wikipedia über „Ana, mon Amour“ (deutsch, englisch)
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Veröffentlicht von AxelB
3sat, 22.25
Die bleierne Zeit (Deutschland 1981, Regie: Margarethe von Trotta)
Drehbuch: Margarethe von Trotta
In ihrem dritten Spielfilm setzt sich Margarethe von Trotta mit der deutschen Nachkriegsgeschichte anhand der Biographie zweier im Zweiten Weltkrieg geborener Schwestern auseinander. Die Inspiration dafür waren Christiane und Gudrun Ensslin. Christiane Ensslin gehört zu den Mitbegründerinnen der Frauenzeitschrift „Emma“; Gudrun Ensslin wurde Mitglied der Roten Armee Fraktion (RAF). Und damit ist die Frage des Films doch offensichtlich.
„Die bleierne Zeit“ ist ein selten gezeigtes frühes Werk von Margarethe von Trotta, die damals für ihren Film als erste Frau in Venedig den Goldenen Löwen erhielt. Neben einigen weiteren Preisen. Erwähnenswert ist, im Rahmen des Deutschen Filmpreises von 1989, der Sonderfilmpreis „40 Jahre Bundesrepublik Deutschland“ (gemeinsam mit „Abschied von gestern“, „Die Brücke“ und „Die Ehe der Maria Braun“).
„In einer sehr differenziert angelegten Rekonstruktion wird – auch durch dokumentarische Einschübe, historische Filmausschnitte und durch Zitate – deutsche Geschichte und Zeitgeschichte, die uns hierzulande angeht, für ein Szenarium adaptiert, das sich konkret auf soziale und politische Realitäten bezieht. (…) Trotz der nicht völlig ’schlackenfreien‘ Realisation eines so komplexen, von rechts und links gleichermaßen beargwöhnten Unternehmens zählt ‚Die bleierne Zeit‘ zu den wenigen und wichtigen bundesdeutschen Filmen, die versuchen, einen Beitrag zur Aufarbeitung jüngster deutscher Vergangenheit zu leisten. (…) Dass der Film auch liberal-demokratische Positionen vertritt, ist der Trotta hier und da angelastet worden. Dass er keinen lupenreinen Klassenstandpunkt bezieht, wen sollte das wundern? Dennoch gehört er in unserer bundesdeutschen Filmlandschaft zu den beeindruckendsten, ehrlichsten und in manchen Sequenzen ungemein beklemmenden Zeitfilmen dieses Jahres.“ (Fischer Film Almanach 1982)
mit Jutta Lampe, Barbara Sukowa, Rüdiger Vogler, Verenice Rudolph, Luc Bondy, Doris Schade, Franz Rudnick
Hinweise
Filmportal über „Die bleierne Zeit“
Rotten Tomatoes über „Die bleierne Zeit“
Wikipedia über „Die bleierne Zeit“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Margarethe von Trottas “Hannah Arendt” (Deutschland 2012; DVD-Besprechung)
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Veröffentlicht von AxelB
Zum Kinostart schrieb ich, noch unter dem Eindruck der Oscar-Nacht, über „Moonlight“:
Als in der Oscar-Nacht der Gewinner für den „Besten Film des Jahres“ verkündet wurde, war niemand ernsthaft überrascht. Selbstverständlich war es „La La Land“. Bis kurz darauf, noch während der Dankesrede, der richtige Gewinner verkündet wurde: „Moonlight“. Ein Drama über einen afroamerikanischen Drogendealer im heutigen Florida. Ein wichtiger Film, der bereits etliche Preise gewann, aber auch ein sperriges Stück Kino ist, das einen gegen Null tendierenden Wohlfühlfaktor hat.
Barry Jenkins erzählt in „Moonlight“ die Geschichte von Chiron zwischen seinem zehnten Lebensjahr bis er Anfang Dreißig ist in drei großen Erzählblöcken. Gespielt wird er von Alex Hibbert (in „Little“), Ashton Sanders (in „Chiron“) und Trevante Rhodes (in „Black“). Erstmals begegnen wir dem zehnjährigen Chiron als er vor seinen Schulkameraden in ein leerstehendes Haus flüchtet und dabei von dem Drogenhändler Juan (Mahershala Ali) erwischt wird. Juan sieht irgendetwas in dem schüchternen Jungen, der von allen „Little“ genannt wird, und dessen Mutter Paula (Naomie Harris) drogenabhängig ist. Juan lädt Chiron zu sich nach Hause ein. Juan und seine Freundin Teresa (Janelle Monáe) versorgen ihn und geben ihm einen Zufluchtsort, zu dem er immer kommen kann.
In dem zweiten Segment entdeckt der sechzehnjährige Chiron, dass er homosexuell ist und in dem dritten Segment kann er schon eine erste Lebensbilanz ziehen. Er trifft auch wieder seinen alten Freund Kevin (André Holland, davor Jaden Piner und Jharret Jerome), den er bereits seit Kindertagen kennt.
Diese von Barry Jenkins gewählte Struktur und wie er die Geschichte fast schon dokumentarisch als teilnehmender Beobachter erzählt, führt dann dazu, dass der schweigsame Chiron noch verschlossener erscheint, als er eh schon ist. Er redet wenig, die Bilder müssen die Geschichte erzählen und diese wird einem in Bruchstücken präsentiert, in denen man sich mühsam aus Halbsätzen zusammenreimen muss, was in den Jahren zwischen den Kapiteln „Little“, „Chiron“ und „Black“ geschah.
Auf der Habenseite des Films ist allerdings der ungeschönte Blick auf das afroamerikanische Leben in Miamis Wohnbezirk Liberty City, wo der amerikanische Traum wahrscheinlich nie geträumt wurde; – wobei Barry Jenkins und Tarell Alvin McCraney, die sich vor dem Film nicht kannten, in Liberty City aufwuchsen und sie jetzt mit „Moonlight“ den amerikanischen Traum erleben. McCraney schrieb das bislang nicht aufgeführte Theaterstück „In Moonlight Black Boys look Blue“ ausgehend von eigenen Erfahrungen. Jenkins fühlte sich von dem Stück angesprochen; auch weil er Teile seiner eigenen Biographie darin erkannte. Für den Film schrieb er das Stück so umfassend um, dass man nichts mehr von seiner Bühnenherkunft spürt. Realisiert wurde der Film dann mit einem kleinen Budget (1,5 Millionen Dollar) vor Ort.
Der Lohn waren viel berechtigtes Kritikerlob und viele mehr oder weniger wichtige Preise, zuletzt Oscars für den besten Film, das beste adaptierte Drehbuch und den besten Nebendarsteller (Mahersha Ali), und, angesichts des Budgets, gute Einspielergebnisse. Durch den Oscar-Gewinn stieg das Interesse an dem Film wieder und der schon lange geplante deutsche Kinostart wenige Tage nach dem Oscar-Gewinn erweist sich jetzt als glückliche Fügung, die dem, wie gesagt, sperrigen Film die nötige Aufmerksamkeit verschafft.
Nach der Kinoauswertung (derzeit gut 450.000 Zuschauer in Deutschland und damit fast so viele Zuschauer wie „Abgang mit Stil“ und „The Great Wall“) erscheint „Moonlight“ jetzt auf DVD, Blu-ray und 2-Disc Limited Collectors Edition. Diese Ausgabe soll als Bonusmaterial ein insgesamt über einstündiges Making-of, ein Publikumsgespräch, ein Interview und einen Audiokommentar von Barry Jenkins und ein 24-seitiges Booklet enthalten.
Aber schon die abgespeckte Version des Bonusmaterials auf der normalen DVD überzeugt. Neben dem untertitelten Audiokommentar von Barry Jenkins gibt es ein mehrteiliges, gut vierzigminütiges Making-of „Bei den Dreharbeiten in Miami, die Schauspieler und die Musik von ‚Moonlight’“ und 26 Minuten Eindrücke von der Deutschland-Premiere in Berlin. Die knapp zwei Minuten vom roten Teppich sind vernachlässigbar. Die jeweils etwas über zwölf Minuten langen Ausschnitte aus dem Publikumsgespräch und dem Interview mit Barry Jenkins (beides dürfte auf der Collectors Edition ungeschnitten sein) sind dagegen sehr interessant und eine gute Ergänzung zum informativen und kurzweiligen Making-of, das auf die üblichen Werbesprüche und Lobhuddeleien verzichtet.
Damit ist das vorzügliche Bonusmaterial die passende Ergänzung zu einem Oscar-Gewinner, der den Preis wirklich verdient hat. Es ist eine ebenso individuelle, wie universelle Geschichte, die auch beim zweiten, dritten, vierten Ansehen überzeugt. Dann kann man sich auch auf das Spiel der Schauspieler, die Kamera und die Musik konzentrieren.
Schade ist in diesem Fall der Verzicht auf englischen Untertitel. Englische Untertitel sind zwar unüblich, wären aber bei dem von den Charakteren gesprochenem Slang eine gute Ergänzung zu den vorhandenen deutschen, französischen und italienischen Untertiteln.
Moonlight (Moonlight, USA 2016)
Regie: Barry Jenkins
Drehbuch: Barry Jenkins
LV: Tarell Alvin McCraney: In Moonlight Black Boys look Blue (Theaterstück)
mit Alex Hibbert, Ashton Sanders, Trevante Rhodes, Naomie Harris, Mahershala Ali, Janelle Monáe, Jaden Piner, Jharrel Jerome, André Holland
–
DVD
DCM
Bild: 2,35:1 (16:9 anamorph)
Ton: Deutsch, Englisch (Dolby Digital 5.1)
Untertitel: Deutsch, Französisch, Italienisch
Bonusmaterial: Bei den Dreharbeiten in Miami, die Schauspieler und die Musik von „Moonlight“, Deutschland-Premiere Berlin: Eindrücke vom roten Teppich und Gespräche mit Regisseur Barry Jenkins, Audiokommentar von Barry Jenkins, Trailer
Länge: 107 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
–
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Moonlight“
Wikipedia über „Moonlight“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Barry Jenkins‘ „Moonlight“ (Moonlight, USA 2016)
–
Barry Jenkins und das „Moonlight“-Team beim TIFF 2016
Barry Jenkins beim International Film Festival Rotterdam
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Veröffentlicht von AxelB
Arte, 20.15
Münchhausen (Deutschland 1943, Regie: Josef von Baky)
Drehbuch: Berthold Bürger (Pseudonym von Erich Kästner) (ungenannt)
Heute startet die uneingeschränkt empfehlenswerte Arte-Reihe „100 Jahre UFA – Ganz großes Thema“ mit einem fetten Themenabend. Es geht los mit „Münchhausen“ (in einer restaurierten Fassung), um 22.05 Uhr folgt die neue Doku „Maschinenraum des deutschen Films: 100 Jahre UFA“ und um 23.10 Uhr der gut zweistündige, ebenfalls restaurierte UFA-Dokumentarfilm „Wege zu Kraft und Schönheit“ von 1925, der den Rassenwahn der Nazis vorwegnahm.
Die nächsten Tage gibt es weitere UFA-Filme. Das vollständige Programm gibt es hier.
Über „Münchhausen“ muss ich wohl nichts sagen? Wir haben ja alle als Kinder Hans Albers auf der Kanonenkugel gesehen und später erfahren, was die Nazis den Machern dieses Prestigeprojekt alles erlaubten.
Mit Hans Albers, Hans Brausewetter, Marina von Ditmar, Käthe Haack, Brigitte Horney, Leo Slezak, Ilse Werner
Wiederholungen
Sonntag, 9. September, 09.30 Uhr
Mittwoch, 13. September, 14.00 Uhr
Hinweise
Arte über „100 Jahre UFA – Ganz großes Kino“
Wikipedia über „Münchhausen“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Erich Kästners „Die verschwundene Miniatur“ (1935/2009)
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Veröffentlicht von AxelB
Heute ist es, außer man hat sich mal mit Volkswirtschaft und Spekulationsblasen beschäftigt, unvorstellbar, dass Tulpenzwiebeln ein begehrtes Gut, ein Spekulationsobjekt mit unglaublichen Gewinnaussichten sind. Aber in den Niederlande kam es zwischen 1634 und 1637 zu einer Tulpenmanie, die noch heute in ökonomischen Lehrbüchern besprochen wird. Die Preise stiegen in kurzer Zeit ins Unermessliche. Auch weil schon damals an der Börse alles das gemacht wurde, was vor zehn Jahren zur Banken- und Finanzkrise führte.
Insofern ist „Tulpenfieber“, das während der Tulpenmanie in Amsterdam spielt, auch ein Lehrstück über das Funktionieren von Börsen und Spekulation. Im Film mehr als in Deborah Moggachs Roman.
Im Zentrum der von ihr erfundenen Geschichte steht die Mittzwanzigerin Sophia (Alicia Vikander). Sie ist mit dem deutlich älteren Gewürzhändler Cornelis Sandvoort (Christoph Waltz) verheiratet. Als er von ihnen ein Porträt malen lässt, verliebt sie sich in den Maler Jan van Loos (Dane DeHaan).
Im Haushalt der Sandvoorts ist auch das Dienstmädchen Maria (Holliday Grainger). Sie ist in den Fischhändler Willem (Jack O’Connell) verliebt. Als er glaubt, dass Maria ihn betrügt, begibt er sich auf große Seefahrt. Im Film wird er schanghait, im Buch ist es sein eigener Entschluss. Für die Handlung ist das Detail unerheblich. Tom Stoppard und Deborah Moggach veränderten in ihrem Drehbuch noch einige weitere Details. Wichtig ist vor allem, die Hinzuerfindung einer Äbtissin (Judi Dench), die Sophia erzog und die in ihrem Klostergarten Tulpenzwiebeln züchtet. Und Dr. Sorgh (Tom Hollander) hat im Film als Doktor eine größere Präsenz als im Film. Er hilft bei der Geburt und bei der Durchführung des verwegenen Plans von Sophia, Maria und Jan. Denn Maria will sich von Cornelis trennen, aber er würde niemals einer Scheidung zustimmen und er will unbedingt ein Kind haben. Und Maria will kein uneheliches Kind von dem Mann haben, der spurlos verschwunden ist.
Aber das sind kleinere Änderungen, die die Hauptgeschichte kaum beeinflussen. Wichtiger ist, obwohl Buch und Film zwischen verschiedenen Handlungssträngen und Erzählperspektiven wechseln, der Wechsel der Ich-Erzählerin. Im Roman ist es Sophia, die ja auch die Hauptperson der Geschichte ist. Im Film ist es die Dienstmagd Maria, die eine unglückliche Position zwischen direkt Beteiligte und unbeteiligte Beobachterin hat. Dadurch vergrößert sich die Distanz zwischen dem Geschehen auf der Leinwand und der emotionalen Involvierung des Zuschauers. Immer dann, wenn man ungehemmt mit Sophia mitfühlen möchte, unterbricht die Erzählerin den Handlungsfluss, die vieles nicht weiß, was wir als Zuschauer sehen. Gleichzeitig sinkt die Sympathie gegenüber Sophia. Sie ist zwar mit einem alten Mann verheiratet (laut Roman ist er 61 Jahre alt) und es war keine Liebesheirat; wobei die Idee einer Liebesheirat erst in der Romantik populär wurde. Aber Cornelis ist kein schlechter Mensch. Der Witwer ist vielleicht etwas unbeholfen und eitel, aber er hat seine erste Frau und seine beiden Kinder verloren. Von Maria will er nur einen Erben haben. Dafür erfüllt er ihr jeden Wunsch und ein Leben im Wohlstand. Denn Maria wuchs mittellos in einem Kloster auf. Diesen Menschen betrügt Maria dann und sie will ihm noch mehr Leid zufügen. Sie ist damit der Bösewicht des Films. Allerdings wird das im Film nicht thematisiert. Stattdessen sollen wir für sie Sympathie empfinden, weil sie verliebt ist und Liebe alles rechtfertigt. Das ist, wie in dem Science-Fiction-Film „Passengers“, eine problematische Ausgangslage, die im Film nie thematisiert wird.
Dazu kommt, dass Justin Chadwick („Mandela: Der lange Weg zur Freiheit“) nie die richtige Balance zwischen Liebes-, Krimi- und Finanzdrama findet und damit die Möglichkeiten verschenkt, die die Geschichte hätte. Aber diese Unentschlossenheit ist schon im Drehbuch angelegt, das sich nicht zwischen Liebes- und Finanzdrama entscheiden will und eine problematische Haltung zur Protagonistin Sophia hat.
Fans von historischen Liebesschmonzetten werden dagegen gut bedient. Die Schauspieler sind gut. Die Kulisse gefällt (auch wenn nur in Großbritannien gedreht wurde). Danny Elfman schrieb die Musik. Sie müssen nur akzeptieren, dass die Geschichte nicht das typische Schmonzettenende hat.
Tulpenfieber (Tulip Fever, USA/Großbritannien 2017)
Regie: Justin Chadwick
Drehbuch: Tom Stoppard, Deborah Moggach
LV: Deborah Moggach: Tulip Fever, 1999 (Tulpenfieber)
mit Alicia Vikander, Christoph Waltz, Judi Dench, Dane DeHaan, Cara Delevingne, Zach Galifianakis, Holliday Grainger, Tom Hollander, Jack O’Connell
Länge: 105 Minuten
FSK: ab 6 Jahre
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Die Vorlage
Deborah Moggach: Tulpenfieber
(übersetzt von Ursula Wulfekamp)
Insel Verlag, 2016
288 Seiten
10 Euro
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Frühere deutsche Ausgaben bei Verlag Fretz & Wasmuth (1999) und S. Fischer Verlag (2007)
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Originalausgabe
Tulip Fever
Verlag William Heinemann, London, 1999
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Hinweise
Moviepilot über „Tulpenfieber“
Metacritic über „Tulpenfieber“
Rotten Tomatoes über „Tulpenfieber“
Wikipedia über „Tulpenfieber“ (deutsch, englisch)
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Veröffentlicht von AxelB
Kriminalakte 