Immer nur eine Nacht lang purgen ist doof, denkt sich eine Bürgerwehr. Sie nennt sich „Forever Purge“ und macht im ganzen Land Jagd auf alles, was ihnen nicht gefällt. In Texas jagen sie einige Menschen, die in Richtung Mexiko flüchten.
TV-Premiere. Gewohnt knalliges Exploitation-Kino, das damals, nach der Wahl von Joe Biden zum US-Präsidenten, etwas aus der Zeit gefallen war (ach, was waren wir damals naiv) und heute, angesichts der Reden von Republikanern und ihrem Umfeld, wieder erschreckend aktuell ist.
Und so ist der fünfte „The Purge“-Film, damals und heute, ein aktuelle politische Diskurse kommentierendes Roadmovie mit viel Action, Blut, Gewalt, einigen, eher wenig überraschenden Wendungen und starken Rollen für Native Americans, Mexikaner und Frauen.
New York, 1841: Solomon Northup wird von Sklavenhändlern entführt und in die Südstaaten verkauft.
Steve McQueens grandioser Film schildert die wahre Geschichte von Solomon Northup. Der vielfach ausgezeichnete und hochgelobte Film erhielt, unter anderem, den Oscar als Bester Film.
Rum-Boulevard (Boulevard du rhum, Frankreich/Italien/Spanien 1971)
Regie: Robert Enrico
Drehbuch: Robert Enrico, Pierre Pelegri
LV: Jacques Pécheral: Boulevard du Rhum, 1964
Während der Prohibition schmuggelt Kapitän Cornelius van Zeelinga (Lino Ventura) Alkohol nach Texas und Florida und erlebt etliche Abenteuer. Unter anderem mit dem von hm bewunderten Stummfilmstar Linda Larue (Brigitte Bardot).
Selten gezeigter, hier fast unbekannter Film des Teams Enrico/Ventura, der bei der Kritik nicht so gut ankam: „Die Rekonstruktion der späten 20er Jahre ist gelungen und der Film streckenweise recht amüsant – Wenn nur die Story nicht so langatmig und verworren wäre.“ (Lexikon des internationalen Films)
Halberstadt, DDR, Juli 1990: in Berlin und Bonn wird gerade die DDR abgewickelt, windige Händler verkaufen den DDRlern den Schrott, den sie im Westen schon lange nicht mehr loswerden und in einem kleinen Ort in Sachsen-Anhalt wird in der Sommerhitze vor sich hin gedöst. Ändern kann man eh nichts und passieren tut hier noch weniger.
Das ändert sich, als Republikflüchtling Volker (Ronald Zehrfeld) aus dem Westen, der ihm nicht gefiel, zurückkehrt und er wieder mit Maren (Sandra Hüller) anbandelt. Sie ist zusammen mit Robert (Max Riemelt). Die drei kennen sich seit ihrer Kindheit. Während sie versuchen, ihre Gefühle und Beziehungen zu klären, entdecken sie in einer von der NVA bewachten Tunnel- und Stollenanlage eine riesige Menge DDR-Papiergeld. Das inzwischen wertlose Geld wurde dort im Komplexlager 12 zum Vermodern abgelegt. Aus Spaß füllen sie ihre Rücksäcke mit dem Geld.
Kurz darauf erklärt ihnen einer der aus dem Westen kommenden Händler, dass sie selbstverständlich auch ungültige DDR-Mark annehmen. Im Gegensatz zu den Ostlern können sie sie noch einige Tage umtauschen.
Maren, Robert und Volker starten sofort einen riesigen Ware-gegen-DDR-Geld-Tauschhandel mit den Händlern. Schnell wird die gesamte Nachbarschaft daran beteiligt.
Wie wahr die Filmgeschichte ist, werden wir wahrscheinlich niemals erfahren. Aber es stimmt, dass in Halberstadt im Komplexlager 12 ungefähr 3000 Tonnen DDR-Papiergeld mit einem Nennwert von 109 Milliarden DDR-Mark zum Verrotten eingelagert wurden und dass eine unbekannte Zahl Scheine geklaut wurde. Zwei Diebe wurden gefasst und zu einer Bewährungsstrafe verurteilt. 2002 wurden die Banknoten verbrannt.
Aus diesem wahren Kern hätte man viel machen können. Natja Brunckhorst, Drehbuch und Regie, machte daraus eine überaus harmlose Schnurre, die mit einem guten Ensemble schamlos unter ihren Möglichkeiten bleibt.
„Zwei zu Eins“ ist kein Heist-Movie. Dafür interessiert sie sich zu wenig für den Ablauf der Diebstähle aus der bewachten Tunnelanlage. Es wird auch niemals spannend oder bedrohlich für die Diebe, die in einer atemberaubenden Geschwindigkeit ein großes und durchaus anspruchsvolles Betrugssystem mit vielen Mitwissern aufbauen. Es hätte eine Wendesatire werden können. Dafür hätte sie alles mehr zuspitzen müssen. Für ein Drama fehlen dann die dramatischen Verwicklungen und bei den Figuren die nötige Tiefe. Und für eine Komödie gibt es nicht genug gelungene Gags.
Zwei zu Eins(Deutschland 2024)
Regie: Natja Brunckhorst
Drehbuch: Natja Brunckhorst
mit Sandra Hüller, Max Riemelt, Ronald Zehrfeld, Ursula Werner, Peter Kurth, Martin Brambach, Kathrin Wehlisch, Olli Dittrich
Wie konnte das geschehen? Als Peter Weiss vor fast sechzig Jahren sein Theaterstück „Die Ermittlung. Oratorium in 11 Gesängen“ aus eigenen Aufzeichnungen, Zeitungsartikeln und Protokollen montierte, war das Stück die dichte Zusammenfassung des in Frankfurt am Main vom 20. Dezember 1963 bis zum 20. August 1965 stattgefundenen, von der Öffentlichkeit aufmerksam verfolgten ersten Frankfurter Auschwitz-Prozesses. Das Stück wurde am 19. Oktober 1965 in einer Ring-Uraufführung in fünfzehn west- und ostdeutschen Städten und in London erstmals aufgeführt. Es zeigt in seiner klaren Sprache das Terrorregime in einem KZ und die erbärmlichen Verteidigungsstrategien der Täter.
Heute ist „Die Ermittlung“ eine äußerst dichte Zusammenfassung des Prozesses und des Systems Konzentrationslager. Seit Weiss sein Oratorium geschrieben hatte, füllte die Forschung weitere Lücken aus. Es gibt Erklärungen, wie ganz normale Männer und Frauen damals diese und andere schreckliche Taten vollbringen konnten. Und vieles, was früher in der deutschen Gesellschaft geleugnet wurde und hoch umstritten war – auch weil die Täter noch lebten und teils an einflussreichen Stellen arbeiteten – ist heute nicht mehr umstritten. In neueren Dokumentarfilmen wird immer davon ausgegangen, dass die Deutschen ganz genau wussten, was geschah. Auch weil das spurlose Verschwinden von Millionen Mitbürgern und ein KZ vor der eigenen Haustür nicht zu übersehen waren.
Zuletzt zeigte Jonathan Glazer in der beeindruckenden Martin-Amis-Verfilmung „The Zone of Interest“ das ganz normale Leben von der Frau eines KZ-Lagerkommandanten neben dem KZ und wie alle ignorieren, was hinter den Mauern des Lagers geschieht.
In diesem Umfeld könnte ein Film wie „Die Ermittlung“ überflüssig sein. Die Informationen, die in dem Stück präsentiert werden, sind bekannt und sie wurden in den vergangenen Jahrzehnten in Dokumentarfilmen in einer leichter zu konsumierenden Form unzählige Male präsentiert. Auch das Theaterstück ist bekannt. Auf YouTube kann man sich mühelos die von Peter Schulze-Rohr 1966 für den NDR erstellte SW-Aufzeichnung des Stücks, die vor allem eine Abfolge sprechender Köpfe ist, ansehen.
RP Kahl fügt ihr nichts wesentlich neues hinzu. Auch er verfilmt lediglich, mit anderen Schauspielern, den Text des Stückes. Auch bei ihm ist die Kamera unauffällig. Manchmal ist seine Kamera, wenn sie die Schauspieler aufnimmt, anders positioniert, manchmal nicht. Da unterscheidet sich eine sechzig Jahre alte SW-Aufzeichnung für das Fernsehen wenig von einer neuen Inszenierung für das Kino. Das karge, stilisierte Bühnenbild ist moderner, ohne von den einzelnen Aussagen der Zeugen und Angeklagten abzulenken. Kahl verzichtet, wie zuletzt Glazer in „The Zone of Interest“ und wie Claude Lanzmann in dem Dokumentarfilmklassiker „Shoah“ auf das Zeigen des Grauens. In Kahls Film gibt es, wie in einer traditionellen Theateraufführung, nur Schauspieler, die ihren Text aufsagen.
Das macht die neue Verfilmung des Theaterstück für ein heutiges Publikum absolut sehenswert.
Über den Inhalt muss wohl nichts gesagt werden. Die Aussagen der Täter und Opfer sind heute immer noch schockierend und schwer erträglich. Auch der Film ist Dank seiner reduzierten, das Wort in den Mittelpunkt stellenden Inszenierung schwer erträglich. Das ist einmal die epische Länge von vier Stunden (die Pause hilft nur bedingt), die Menge an Informationen (auch wenn politisch und historisch informierte Bürger sie heute kennen sollten), die Menge an Details über den Tötungsapparat und die Arroganz der Täter, die sich mit einer Mischung aus Nicht-Wissen(-wollen) und Befehlsketten, die beachtet werden mussten von jeder Verantwortung freisprechen.
Die Verhandlung fand vom 20. Dezember 1963 bis zum 20. August 1965, keine zwanzig Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs, statt. Danach konnte kein Deutscher mehr die Existenz von Auschwitz leugnen. Heute dient die Erinnerung daran als Geschichtsstunde und als Warnung.
Im Kino läuft der Film in einer gekürzten dreistündigen und in einer vierstündigen Fassung, in der das gesamte Theaterstück mit einer Pause gezeigt wird. Diese Fassung kenne ich und diese Fassung sollte auch gesehen werden. Denn wer möchte sich schon eine gekürzte Fassung eines Theaterstücks ansehen?
P. S.: Vielleicht nehmen einige TV-Redakteure diese Aufzeichnung eines Theaterstücks zum Anlass, wieder verstärkt aktuelle Theaterstücke und Inszenierungen im Fernsehen zu präsentieren. Früher wurde das gemacht.
Die Ermittlung(Deutschland 2024)
Regie: RP Kahl
Drehbuch: Peter Weiss
LV: Peter Weiss: Die Ermittlung. Oratorium in 11 Gesängen, 1965 (Theaterstück)
mit Rainer Bock, Clemens Schick, Bernhard Schütz
(als Zeugen) Christian Kaiser, Dirk Ossig, Arno Frisch. Elisabeth Duda, Nicolette Krebitz, Attila Georg Borlan, Robert Mika, Marcel Hensema, Christiane Paul, Barbara Philipp, Klaudiusz Kaufmann, Marc Fischer, Andreas Anke, Dorka Gryllus, Marek Harloff, André Szymanski, Sabine Timoteo, Eva Maria Jost, Peter Lohmeyer, Thomas Meinhardt, Marco Hofschneider, Matthias Zera, Rony Herman, Axel Moustache, André Hennicke, Karl Markovics, Filipp Avdeev, Mark Zak, Ralph Schicha, Andreas Schröders, René Ifrah, Axel Sichrovsky, Peter Schneider, Jiří Mádl, Andreas Lechner, Axel Pape, Andreas Pietschmann, Tom Wlaschiha, Robert Hunger-Bühler
(als Angeklagte) Wilfried Hochholdinger, Thomas Dehler, Michael Rotschopf, Niels Bruno Schmidt, Christian Hockenbrink, Christian Pfeil, Tristan Seith, Torsten Ranft, Ronald Kukulies, Michael Schenk, Frank Röth, Nico Ehrenteit, Adam Venhaus, Till Wonka, Arndt Schwering-Sohnrey, Timo Jacobs, Lasse Myhr, Matthias Salamon
Länge: 241 Minuten (Originalfassung mit 11 Gesängen)
Geronimo – Eine Legende(Geronimo: An American Legend, USA 1993)
Regie: Walter Hill
Drehbuch: John Milius, Larry Gross
Ein junger West-Point-Absolvent erzählt, wie er die Jagd auf Geronimo erlebte. Der Indianerhäuptling kämpfte mehrere Jahre gegen die US-Armee, bevor er sich 1886 kampflos ergab.
Postmoderner Spät-Western. „Die Geschichte des letzten Indianeraufstands als elegisches Dokudrama: ohne übergroße Helden, ohne mythische Überzeichnung in Bild und Stil. Indianer und Soldaten agieren wie Gezeichnete, die bei allem, was sie tun und wofür sie kämpfen, nur verlieren. (…) Sie ahnen, dass ihre Zeit abgelaufen ist, und wissen, dass sie dennoch nicht aufgeben dürfen.“ (Norbert Grob: Geronimo, in Bernd Kiefer/Norbert Grob: Filmgenres: Western, 2003)
mit Jason Patric, Robert Duvall, Gene Hackman, Wes Studi, Matt Damon
Der am meisten erwartete Film des Jahres, der einzige Marvel-Film des Jahres und der Film, der das Marvel Cinematic Universe (MCU) retten soll. Denn nach dem Ende der enorm erfolgreichen 23 Kinofilme umfassenden Infinity-Saga, die 2019 endete, strauchelt Marvel. Viele seit Jahren bei den Fans beliebte Figuren wurden damals in den Ruhestand verabschiedet. Seitdem wurden viele neue Figuren, Gruppen und Welten eingeführt. Überzeugend war kaum einer der Filme und, auch wenn wir jetzt schon mehrere Filme und Streaming-Serien in der „Multiverse-Saga“ sind, wissen wir nach zehn Kinofilmen nur, dass es mehrere Universen (vulgo Multiverse) gibt und dass dieser erzählerische, aus den Marvel-Comics bekannte Kniff im MCU der beherzte Schritt in die absolute erzählerische Beliebigkeit war. Wenn bei den Fans etwas nicht funktioniert, wird es einfach im nächsten Film ignoriert und wenn der Drehbuchautor schlampt, wird einfach das Etikett „Multiverse“ draufgeklebt und alles ist in Ordnung.
Das soll jetzt mit dem dritten „Deadpool“-Film, der auch der erste „Deadpool“-Film im MCU ist, anders werden. Die ersten beiden „Deadpool“-Filme „Deadpool“ (2016, Regie: Tim Miller) und „Deadpool 2“ (2018, Regie: David Leitch) gehörten zum „X-Men“-Franchise. Gespielt wurde „Deadpool“ Wade Wilson, der Söldner mit der großen Klappe, immer von Ryan Reynolds. Wilson verfügt nach einem Experiment über wahnsinnig schnelle Selbstheilungskräfte. Und er ist seitdem so verunstaltet, dass er es vorzieht, in einem Ganzkörperkostüm herumzulaufen. Er ist ein unzuverlässiger, selbstironischer Erzähler, der immer wieder das Publikum direkt anspricht und über aktuelle Filme, andere Superhelden und was ihm so gerade einfällt, kalauert und oft ziemlich vulgär scherzt. Das war in den Comics neu, wurde von den Lesern gut angenommen und für die Filme nicht verändert. Deshalb erhielten die ersten beiden „Deadpool“-Filme in den USA ein R-Rating. Dort dürfen Unter-Siebzehnjährige sich die Filme nur in Begleitung eines Erwachsenen ansehen. Die Filme waren Kassenhits und auch der dritte „Deadpool“-Film sollte diese Freigabe erhalten. Das gelang den Machern. „Deadpool & Wolverine“ erhielt das von den Machern gewünschte R-Rating. In Deutschland ist er, wie die ersten beiden „Deadpool“-Filme, ab 16 Jahre freigegeben.
In dem neuesten „Deadpool“-Film, inszeniert von Shawn Levy („Real Steel“, „Free Guy“) hat Wade Wilson sich als Deadpool zur Ruhe gesetzt. Er lebt ein ruhiges, bürgerliches Leben, bis ihm Mr. Paradox (Matthew Macfadyen) von der Time Variance Authority (TVA) eröffnet, dass aufgrund bestimmter Ereignisse seine Welt bald stirbt. Wilson will das nicht akzeptieren. Er macht sich auf die Suche nach „Wolverine“ Logan (Hugh Jackman), einem quasi unsterblichem Mutanten mit ausfahrbaren, extrem tödlichen Stahlklingen. Eigentlich, also für uns hier auf der Erde-Erde, ist er 2017 in dem grandiosen Abschiedsfilm „Logan“ gestorben. Wolverine-Darsteller Jackman wollte sich nach siebzehn Jahren im X-Men-Universum anderen Projekten widmen. An diesem Filmtod ändert sich auch in „Deadpool & Wolverine“ nichts. Dafür buddelt Deadpool sogar die Leiche von Wolverine aus und unterhält sich mit Logans Skelett.
Aber im Multiverse gibt es genug andere Logans. Wilson muss nur die Welt mit dem für seine Zwecke richtigen Logan finden. Gedacht, getan und, nach langer Suche, gefunden. Gemeinsam, wenn sie sich nicht gerade verprügeln, erschießen und erstechen, was bei zwei Unsterblichen nicht so wahnsinnig zielführend ist, machen sie sich in verschiedenen Welten auf die Suche. In einer Wüstenwelt treffen sie auf Cassandra Nova (Emma Corrin), die telekinetisch und telepathisch begabte Zwillingsschwester von Charles Xavier, dem Gründer der X-Men. Neben Mr. Paradox ist sie – ich zögere sie Bösewichtin zu nennen – die zweite Antagonistin des Films.
„Deadpool“ war vor acht Jahren an der Kinokasse ein Überraschungserfolg. Im zweiten und dritten Film und in zahlreichen weiteren Auftritten wurde seitdem das Erfolgsrezept des ersten Films perfektioniert.
Und so bekommen die Fans von Deadpool und Wolverine, der hier sehr in Richtung selbstmitleidige Witzfigur geht, genau das, was sie erwarten, wünschen und in den kommenden Tagen und Wochen begeistert abfeiern werden.
Bei allen anderen ist „Deadpool & Wolverine“ dann eher wie die zehnte Platte einer erfolgreichen Band. Die erste Platte war genial, grandios, bahnbrechend und, wider alle Erwartungen, ein Riesenerfolg. Seitdem wird das Erbe verwaltet mit weiteren Platten, die sich kaum von dem erfolgreichen Debüt unterscheiden. Das ist auch in der neuesten Auflage des alten Rezepts nicht unbedingt schlecht, aber nie auch nur im Ansatz innovativ. Stattdessen gefallen die Macher sich in der Pflege der eigenen Legende. Es gibt zahlreiche Gastauftritte, Selbstzitate, wozu auch Bilder aus früheren Filmen mit Deadpool und Wolverine gehören, Witzeleien über Superheldenfilme, während und vor allem im Finale des Films vielen Deadpools und dem herzigen Hund Dogpool, der gefühlt mehr Leinwandzeit als die beiden Antagonisten des Films hat. Das ist das, was die Herzen der Fans entzückt, während alle anderen ernüchtert feststellen, dass der erste „Deadpool“-Film ungleich besser war.
Auch wenn Deadpool jetzt zum MCU gehört, hat er eigentlich nichts mit den anderen MCU-Filmen zu tun. „Deadpool & Wolverine“ bringt die sowieso still stehende Multiverse-Saga in keinster Weise voran. Er blödelt ein wenig über das Multiverse. Für die Fans von Marvel-Filmen, wozu in diesem Fall ausdrücklich auch Marvel-Filme gehören, die nicht zum MCU gehören, gibt es in dem dritten „Deadpool“-Film viele Anspielungen und Gastauftritte, bei denen oft unklar ist, wie sehr diese Gastauftritte ein Insider-Gag, eine Fortführung einer irgendwann früher begonnenen Geschichte oder eine mehr oder weniger konkrete Vorbereitung für einen neuen Superheldenfilm sind.
Im Abspann werden, sentimentale Gefühle bedienend, Szenen aus den „X-Men“-Filmen und den Dreharbeiten für diese Filme gezeigt. Nach dem Abspann gibt es dann noch eine Szene, die sich mit einem Detail aus „Deadpool & Wolverine“ beschäftigt.
Deadpool & Wolverine (Deadpool & Wolverine, USA 2024)
Regie: Shawn Levy
Drehbuch: Ryan Reynolds, Rhett Reese, Paul Wernick, Zeb Wells, Shawn Levy
LV: Charaktere von Rob Liefeld und Fabian Nicieza
mit Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin, Matthew Macfadyen, Morena Baccarin, Rob Delaney, Leslie Uggams, Karan Soni, Jon Favreau, Brianna Hildebrand, Jennifer Garner, Chris Evans, Aaron Stanford, Tyler Mane, Dafne Keen, Wunmi Mosaku
Die zwei Gesichter des Januars (The two Faces of January, Großbritannien/USA/Frankreich 2014)
Regie: Hossein Amini
Drehbuch: Hossein Amini
LV: Patricia Highsmith: The two Faces of January, 1964 (Unfall auf Kreta, Die zwei Gesichter des Januars)
Athen, 1962: Der kleine Betrüger Rydal (Oscar Isaac) schlägt sich als Fremdenführer durch, trifft das amerikanische Ehepaar Chester MacFarland (Viggo Mortensen) und Colette (Kirsten Dunst) und wird in einem Mordfall verwickelt. Denn auch Chester ist in betrügerische Geschäfte verwickelt.
Drehbuch: Volker Schlöndorff, Jean-Claude Carrière, Franz Seitz, Günther Grass (Dialogbearbeitung)
LV: Günter Grass: Die Blechtrommel, 1959
Die Geschichte von Blechtrommler Oskar Matzerath, der am 12. September 1927 als Dreijähriger beschließt, nicht weiter zu wachsen.
Ein Klassiker des deutschen Films, ausgezeichnet, u. a., mit der Goldenen Palme in Cannes und dem Oscar als bester ausländischer Film und ein Kassenerfolg.
Mit David Bennent, Mario Adorf, Angela Winkler, Daniel Olbrychski, Katharina Thalbach, Heinz Bennent, Andrea Ferréol, Fritz Hakl, Ernst Jacobi, Otto Sander, Charles Aznavour
Million Dollar Baby (Million Dollar Baby, USA 2004)
Regie: Clint Eastwood
Drehbuch: Paul Haggis
LV: F. X. Toole: Million Dollar Baby (Kurzgeschichte, erschienen in „Rope Burns“, 2000, Neuauflage zum Filmstart unter „Million Dollar Baby – Stories from the Corner“)
Sie ist zu alt für eine Boxkarriere und eine Frau. Das sind für den erfahrenen Boxcoach Frankie Dunn (Clint Eastwood) zwei gute Gründe, Maggie Fitzgerald (Hilary Swank) nicht zu trainieren. Aber die Kellnerin ist hartnäckig. Frankie traniert sie dann doch. Sie siegt. Bis ein Schlag im Boxring alles verändert.
Einer von Clint Eastwoods besten Filmen.
Mit Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Jay Baruchel, Mike Colter, Lucia Rijker, Anthony Mackie, Michael Peña
LV: Rainer Werner Fassbinder: Die bitteren Tränen der Petra von Kant, 1971
François Ozon verfilmt und interpretiert Rainer Werner Fassbinders sehr autobiographisches Stück „Die bitteren Tränen der Petra von Kant“. Grandios! Und überaus witzig.
Vorbemerkung 1: Ich kenne nur die ersten drei Folgen der aus zehn Folgen bestehenden ersten Staffel der TV-Serie „Those about to die“. D. h. alle Einschätzungen beziehen sich auf diese Folgen. Und selbstverständlich besteht die Möglichkeit, dass ich, sobald ich alle Folgen kenne, zu einer anderen Einschätzung komme.
Auch wenn ich das nicht glaube.
Vorbemerkung 2: Ich habe sie im Kino auf einer wirklich großen Leinwand gesehen. Das war toll, aber es war auch unübersehbar, dass die Serie für den kleinen Bildschirm inszeniert wurde. So sahen die Spezialeffekte auf der Kinoleinwand sehr schlecht aus. Auf einem kleineren Bildschirm fällt das möglicherweise nicht oder nicht so sehr auf.
Und jetzt kommen wir zur Kritik der ersten drei Stunden von „Those about to die“. Die von Roland Emmerich und Marco Kreuzpaintner in Italien in dem legendären Cinecittà Filmstudio inszenierte und von Robert Rodat („Saving Private Ryan“, „Der Patriot“, „Kursk“) erfundene und zur Hälfte geschriebene Serie (er schrieb die Drehbücher für die ersten drei und die letzten beiden Folgen) basiert auf Daniel P. Mannix‘ 1958 erschienenem Sachbuch „Those about to die“. Das Buch inspirierte auch Ridley Scotts „Gladiator“. In dem populärwissenschaftlichem Sachbuch schildert Mannix die Abläufe vor und hinter der Bühne eines Amphitheaters, wie dem Kolloseum, und dem Leben der Gladiatoren im alten Rom.
In der Serie ist das Leben im Amphitheater einer von vielen Handlungssträngen. 79 nach Christus und damit elf Jahre nach dem Tod von Nero, herrscht Kaiser Vespasian (Anthony Hopkins) über das Römische Reich. Seine Söhne kämpfen um die Thronnachfolge. Die anderen mächtigen Familien spekulieren ebenso auf den Thron. Entsprechend munter wird gegeneinander intrigiert.
Das Volk wird mit Brot und Spielen bei Laune gehalten.
Im Circus Maximus gib es Wagenrennen à la „Ben Hur“ und ebenso tödliche Gladiatorenkämpfe. Das Kolloseum ist noch im Bau. Die Massen sind begeistert und Tenax (Iwan Rheon), der Teilzeit-Erzähler der Geschichte, erklärt uns erst einmal, wie das Geschäft in einem Amphitheater funktioniert. Er selbst ist der große Strippenzieher in dem Theater. Er zählt die Wetteinnahmen, organisiert und manipuliert (wenn nötig) das nächste Rennen und er möchte einen Anteil an einem der vier Rennställe, die den Patriziern gehören, haben. Dann würde er noch mehr Geld verdienen. Dummerweise ist das einfacher gesagt als getan.
Aus Nordafrika kommen Cala (Sara Martins) und ihre drei Kinder nach Rom. Ihre beiden Töchter töteten in Notwehr einen römischen Soldaten. Danach wurden sie gefangen genommen. Sie sollen als Sklavinnen nach Rom gebracht werden. Ihr Sohn Kwame (Moe Hashim) wurde während der Jagd von römischen Soldaten gefangen genommen. Cala, eine Frau mit beachtlichen Talenten, will ihn befreien. Die beste Möglichkeit ist, dass er ein Gladiator wird.
In Rom zeigt er in einigen längeren Actionszenen ein beachtliches Talent als Gladiator. Währenddessen bewegt sie sich souverän zwischen den verschiedenen Schichten und Gruppen, die ihr bei der Befreiung ihrer Kinder helfen könnten.
Neben diesen Hauptgeschichten gibt es zahlreiche weitere Figuren und Subplots. Sie sind in den ersten drei Episoden noch nicht wirklich wichtig für die, zugegeben, kaum erkennbare Haupthandlung.
Insgesamt erzählen Haupt-Drehbuchautor Robert Rodat und die Regisseure Roland Emmerich (er inszenierte die ersten drei und die letzten beiden Folgen) und Marco Kreuzpaintner (ihm blieben die fünf Folgen dazwischen) gleichzeitig mindestens ein halbes Dutzend verschiedener Geschichten. Jede Figur bekommt dann in jeder Episode ihre fünf Minuten (oder weniger) Leinwandzeit. Durch die ständigen Wechsel zwischen den einzelnen Handlungssträngen vergeht die Zeit dann halbwegs schnell, auch wenn letztendlich wenig passiert. Es handelt sich dabei um die aus zahlreichen Soaps etablierte TV-Dramaturgie. Auch die Dialoge bewegen sich auf diesem Niveau; – wobei bei den im alten Rom spielenden Monumentalfilmen die Dialoge oft auch nicht besser waren und die Filmgeschichte sich ähnlich langsam und elliptisch bewegte. Das war bei den billigeren Sandalenfilmen dann anders. Sie sind kürzer und konzentrieren sich, mal mit, mal ohne mythische Wesen, mehr auf die Action und die spärlich bekleideten Frauen und halbnackten muskelbepackten Männer.
„Those about to die“ kann als Kreuzung zwischen Momumental- und Sandalenfilm betrachtet werden. Wobei Roland Emmerich das alles erstaunlich züchtig und blutfrei erzählt. Die wenigen Ausnahmen, in denen ein Gladiator einige Körperteile verliert, bestätigen den Eindruck, dass das alles vor sechzig Jahren nicht wesentlich anders inszeniert worden wäre. Die Bilder sind durchgehend zu dunkel. In den zahlreichen in Innenräumen spielenden Szenen, in denen Kerzen für die Beleuchtung sorgen, sind die Schauspieler noch erkennbar. Der Rest des Raumes versinkt im Dunkeln. Die Spezialeffekte sind, wie gesagt, lausig. Auf der großen Leinwand fällt das öfter unangenehm auf. Auf einem TV-Bildschirm mag das weniger stören. Und die Action – es gibt ungefähr eine große Actionszene pro Folge – ist für das Fernsehen inszeniert. So wird bei den Wagenrennen so lange zwischen Details hin- und hergeschnitten, bis der gesamte Verlauf des Rennens unklar ist.
Als anspruchsloser Zeitvertreib für Fans des alten Roms und bis zum Kinostart von „Gladiator II“ am 14. November 2024 mag der altmodische TV-Zehnteiler „Those about to die“ deren Zeit füllen. Mehr auch nicht.
Those about to die (Those about to die, USA/Deutschland 2024)
Regie: Roland Emmerich (1, 2, 3, 9, 10), Marco Kreuzpaintner (4, 5, 6, 7, 8)
Drehbuch: Robert Rodat (1, 2, 3, 9, 10), Charles Holland (4), Alex Carmedelle (5), Eva Gonzales Szigriszt (6), Jill Robi (7), Marissa Lestrade (8)
Erfinder: Robert Rodat
LV (Inspiration): Daniel P. Mannix: Those about to die, 1958 (Wiederveröffentlichung 2001 als „The Way of the Gladiator“)
mit Anthony Hopkins, Iwan Rheon, Sara Martins, Tom Hughes, Jojo Macari, Moe Hashim, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Rupert Penry-Jones, Gabriella Pession, Dimitri Leonidas
Als Vorbereitung für den am Mittwoch, den 24. Juli, startenden dritten „Deadpool“-Film „Deadpool & Wolverine“ (Besprechung geplant):
Pro7, 20.15
Deadpool (Deadpool, USA 2016)
Regie: Tim Miller
Drehbuch: Rhett Reese, Paul Wernick
LV: Charakter von Rob Liefeld und Fabian Nicieza
Wade Wilson sagt, dass „Deadpool“ der beste Superheldenfilm aller Zeiten ist und dass man, wenn man nur einen Superheldenfilm sehen will, „Deadpool“ sehen muss.
Für alle, die sich eben den Trailer angesehen haben und von dem dauerpräsenten „Wind of Change“ genervt waren. Der Scorpions-Song ertönt im Film nur einmal. Er wird von den ISS-Astronauten bei einer Kennenlern-Feier gesungen. Und da passt er sogar gut in die Filmgeschichte.
Die ist von Nick Shafir. 2020 stand sein Drehbuch auf der Black List, Hollywoods Liste der besten unverfilmten Drehbücher. Gabriela Cowperthwaite verfilmte es 2021. Umfangreiche, über ein Jahr dauernde Nachbearbeitungen folgten. Die Premiere war am 12. Juni 2023 auf dem Tribeca Film Festival. Und jetzt läuft der Weltraumthriller in unseren Kinos.
Der Thriller spielt ausschließlich auf der real existierenden Internationalen Raumstation ISS, die ab 1998 von der US-amerikanischen Raumfahrtbehörde NASA, der russischen Raumfahrtagentur Roskosmos, der europäischen Raumfahrtagentur ESA und weiteren Raumfahrtagenturen betrieben wird. Seit 2000 arbeiten auf ihr dauerhaft, mal mehr, mal weniger Astronauten verschiedener Länder.
Im Film „I. S. S.“ sind es sechs Astronauten: drei aus den USA, drei aus Russland. Komplettiert wird die Besatzung am Filmanfang durch die US-amerikanische Wissenschaftlerin Dr. Kira Foster. Kurz nachdem sie sich als sechstes Stationsmitglied eingerichtet hat und es eine kleine die Freundschaft, die Zusammenarbeit und den Zusammenhalt feiernde Kennenlern-Feier gibt, bricht auf der Erde ein Krieg aus. Während sie, Gordon Barrett, Christian Campbell, Weronika Vetrov, Nicholai Pulov und Alexey Pulov noch versuchen herauszufinden, was auf der Erde geschah, erhalten sie auf vertraulichen Kanälen von ihren jeweiligen Regierungen den Befehl, die Kontrolle über die Station zu übernehmen. Wie sie den Befehl ausführen, ist egal.
Und schon beginnen die drei amerikanischen und die drei russischen Wissenschaftler sich zu belauern. Ohne nennenswert zu Zögern und kaum behindert von freundschaftlichen und amourösen Banden versuchen sie sich umzubringen und so den Befehl auszuführen.
Dass die Astronauten mit einem Fingerschnipsen von nerdigen Wissenschaftlern zu eiskalten Killern werden, die teils elaborierte Mordpläne entwickeln, mag nicht besonders realistisch sein, kann aber für einen spannenden Thriller sorgen.
In diesem Fall gelingt das nicht wirklich. Dafür ist die Geschichte einfach in jeder Beziehung zu unglaubwürdig und zu konfus erzählt. Nerven tun in dem B-Picture die ständig leicht betrunken schwankende Kamera und die ebenso schwankenden Schauspieler, die so zeigen sollen, dass sie schwerelos durch die Station schweben.
I.S.S.(I.S.S., USA 2023)
Regie: Gabriela Cowperthwaite
Drehbuch: Nick Shafir
mit Ariana DeBose, Chris Messina, John Gallagher Jr., Masha Mashkova, Costa Ronin, Pilou Asbæk
Lou (Kristen Stewart) arbeitet in den ausgehenden achtziger Jahren in einer Kleinstadt in New Mexiko in einem abgeranztem Fitnessclub, dessen beste Zeit wahrscheinlich vier Monate vor der Eröffnung war. Jetzt ist es ein Sumpf aus Testosteron, Schweiß und Dummheit, in dem die Männer ihre Waffen kurz aus der Hand legen, um ihre Muskeln zu trainieren. Währenddessen säubert Lou die notorisch verstopfte Toilette, bringt den Müll weg und raucht eine Zigarette.
Eines Tages taucht Jackie (Katy O’Brian) auf. Die Kleinstadt ist für sie nur eine Zwischenstation auf ihrem Weg nach Las Vegas. Dort will sie an einem Wettbewerb teilnehmen. In dem Fitnessclub will sie dafür trainieren. Lou erblickt in ihr eine verwandte Seele. Sie verlieben sich und, weil Lou die Tochter des örtlichen Verbrecherbosses ist, beginnen die Dinge ziemlich schnell aus dem Ruder zu laufen. Aber die Wüste ist groß genug für einige Leichen.
Rose Glass‘ „Love Lies Bleeding“ ist reinster Pulp, präsentiert als mit Stars langsam erzähltes, stylish aussehendes Neo-Noir-B-Picture, das für Genrefans ziemlich vorhersehbar ist. Dass in diesem Fall ein lesbisches Paar im Mittelpunkt der Geschichte steht, ändert daran wenig. Letztendlich ist es egal, ob ein Mann für eine Frau tötet oder eine Frau für eine Frau tötet und dann die eine Gewalttat die nächste Gewalttat provoziert. Außerdem ist eine lesbische Liebesgeschichte auch für ein Mainstream-Publikum spätestens seit dem von den Wachowski-Geschwister inszenierten Neo-Noir „Bound – Gefesselt“ (1996) keine Sensation mehr.
Leider verlegt Glass („Saint Maud“) die Geschichte ins Jahr 1989. Dadurch wird aus einem kleinem, dreckigen Neo-Noir, der etwas über den aktuellen mentalen Zustand der USA aussagen könnte, ein historischer Film, der einfach nur eine weitere Geschichte über gewaltbereite Hinterwäldler erzählt, garniert mit Sex und Gewalt.
Love Lies Bleeding (Love Lies Bleeding, Großbritannien/USA 2024)
Regie: Rose Glass
Drehbuch: Rose Glass, Weronika Tofilska
mit Kristen Stewart, Katy O’Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris
Ob man Thomas Arslans neuen Film „Verbrannte Erde“ mag, hängt davon ab, ob man Profigangster wie Richard Starks Parker, der Archetyp des kalten Profigangsters, Garry Dishers Wyatt und Wallace Strobys Crissa Stone mag. Und, ja, das sind drei absolute Lektüreempfehlungen für hier schon exzessiv abgefeierte Serien, die auch in deutschen Übersetzungen gut erhältlich sind. Arslans zweiter Film um den Profiverbrecher Trojan steht knietief in dieser Tradition, filmisch verfeinert mit klassischen französischen Kriminalfilmen, vor allem natürlich denen von Jean-Pierre Melville.
Trojan, wieder adäquat verkörptert von Mišel Matičević, ist die sehr sehr gute filmische Ausgabe dieses Verbrechertyps, den es so wahrscheinlich nur in der Literatur und im Film gibt. Trojan ist ein am liebsten allein arbeitender Profi. Persönliche Gefühle haben bei seiner Arbeit nichts verloren. Gewalt vermeidet er. Probleme gibt es, wenn Amateure mitmachen oder andere Verbrecher ihn reinlegen wollen. Dann beginnt das große Sterben. Nicht weil Trojan zuerst schießt, sondern weil die anderen mit dem Töten beginnen oder eine Situation durch Dummheit, Inkompetenz und Gier so verschlimmern, dass Trojan sich nur mit Gewalt daraus befreien kann. Das war so in „Im Schatten“ und ist jetzt so in „Verbrannte Erde“.
Vor vierzehn Jahren hatte Trojan in Thomas Arslans hochgelobtem Gangsterfilm „Im Schatten“ seinen ersten Auftritt. Nach den Ereignissen verschwand er aus Berlin und verdiente an anderen Orten sein Geld mit Diebstählen. Jetzt hat er finanzielle Probleme. Er kehrt – wie Thomas Arslan, der seit „Im Schatten“ nicht mehr in Berlin drehte – zurück in ein verändertes Berlin. Er versucht alte Kontakte zu reaktivieren. Schließlich vermittelt Rebecca ihm einen vielversprechenden Job. Zusammen mit einem kleinen Team soll er aus dem Museum Dahlem das Gemälde „Frau vor der untergehenden Sonne“ von Caspar David Friedrich klauen. Der präzise geplante Diebstahl gelingt mitten in der Nacht ohne große Probleme, Verletzte oder Tote.
Danach beginnen die Probleme. Der anonyme Auftraggeber will sie nicht bezahlen, sondern bestehlen und ermorden. Dafür hat er einen skrupellosen Killer engagiert.
In „Verbrannte Erde“ bedient Arslan die Anforderungen des Gangsterfilms und der Berliner Schule, die sich, wieder einmal, überraschend gut ergänzen. Kennzeichnend für die Berliner Schule sind die Aufnahmen von Nicht-Orten. Es sind städtische Orte ohne eine Geschichte oder besondere, wiedererkennbare Merkmale, die dem Ort irgendeine Individualität verleihen würden. Tiefgaragen, Brachen, anonyme Wohnsiedlungen, die so in jeder deutschen Mittel- und Großstadt stehen, sind solche Nicht-Orte. Getroffen wird sich auch in billigen Hotels und Schnellimbissen. Trojan und die anderen Gangster sehen maximal unauffällig aus. Sie führen ein Leben in der Anonymität. Sie hinterlassen keine Spuren. Niemand soll sich an sie erinnern.
Es ist eine rein utilitaristische Welt. Und so faszinierend ein Besuch in dieser Welt ist, so ungern möchte man in ihr Leben. Das ist auch der Grund, weshalb Richard Starks Parker einerseits so wichtig für das Genre ist, so hoch angesehen ist und so wenige literarische Nachfolger gefunden hat. Stark (ein Pseudonym des ungemein produktiven Donald E. Westlake) hat eine Figur erfunden und gleichzeitig perfektioniert und an ihre Grenzen getrieben. Andere Autoren, wozu auch Arslan gehört, haben nur noch die Wahl, diese Formel auszufüllen oder zu verwässern. Dann hat der Profi eine Vergangenheit und er ist in ein Netz von familiären und anderen Beziehungen eingebunden. Das tat Wallace Stroby mit seinen vier Crissa-Stone-Romanen. Stone ist verheiratet (ihr Mann sitzt im Gefängnis) und Mutter (ihre Tochter ist bei ihrer Cousine). Solche Bindungen machen sie menschlicher, angreifbarer und für ein Mainstream-Publikum goutierbarer.
In „Verbrannte Erde“ ist Trojan, trotz Bekanntschaften, noch der eiskalte Einzelgänger, der innerhalb von Sekunden spurlos verschwinden kann. Wenn er und seine Kumpanen nicht den versprochenen Lohn für ihnen Diebstahl haben möchten. In Berlin, meistens nach Sonnenuntergang, entwickelt sich mit wenigen, sehr reduzierten Dialogen ein elegant gefilmtes Katz-und-Maus-Spiel, bei dem unklar ist, wer sich mit wem verbündet und wer überlebt. Und, in diesem Fall, wie Trojan überlebt.
Denn Thomas Arslan plant bereits einen weiteren Gangsterthriller mit Trojan. Deshalb wird „Verbrannte Erde“ als zweiter Film einer Trilogie beworben. Arslan sieht das zum Glück etwas anders. Für ihn sind die Filme keine klassische Trilogie, sondern eine lose Reihe. Im Presseheft sagt er dazu: „Das sind in sich abgeschlossene Filme, die durch die Hauptfigur und seine Tätigkeit verbunden sind.“
Ich freue mich schon darauf und hoffe, dass der dritte Trojan-Film mindestens genausogut wie „Im Schatten“ und „Verbrannte Erde“ wird.
Verbrannte Erde (Deutschland 2024)
Regie: Thomas Arslan
Drehbuch: Thomas Arslan
mit Mišel Matičević, Marie Leuenberger, Alexander Fehling, Tim Seyfi, Marie-Lou Sellem, Katrin Röver, Bilge Bingül
Drehbuch: Andrew Kevin Walker (nach einer Filmgeschichte von Kevin Yagher und Andrew Kevin Walker)
LV (Inspiration): Washington Irving: The Legend of Sleepy Hollow, 1820 (Die Sage von der schläfrigen Schlucht)
1799 soll Constable Ichabod Crane, ein Rationalist vor dem Herrn, in einem kleinen Dorf in der Nähe von New York mehrere Morde aufklären. Die Einheimischen behaupten, die Morde wurden von einem kopflosen Reiter begangen.
Schöner Horrorfilm von Tim Burton.
Hier zwei zeitgenössische Kritiken:
„Die perfekte Mischung aus haarsträubendem Grauen und schwarzem Humor, eine bis ins Detail perfektionistische Umsetzung und eine sichere Hand bei der Führung eines herausragenden Darstellerensembles machen aus ‚Sleepy Hollow‘ eine der ausgereiftesten Regiearbeiten Tim Burtons.“ (Steffen Heinke, Filmecho-Filmwoche)
„ein freudianisches Disneyland erschüttert vom Grand Guignol“ (Mariam Lau, Die Welt)
Die Musik ist von Danny Elfman; die Bilder sind von Emmanuel Lubezki.
mit Johnny Depp, Christina Ricci, Miranda Richardson, Michael Gambon, Casper Van Diem, Jeffrey Jones, Christopher Lee
Beginnen wir dieses Mal mit ungefähr anderthalb Vorinformationen: In „Twisters“ gibt es keine fliegenden Kühe. Und „Twisters“ ist, auch wenn der Film als „Sequel“ vermarktet wird, keine irgendwie geartete Fortsetzung von „Twister“. Da sind manche Rip-Offs, Kopien, Plagiate oder wie wir sie gerade diesen Monat nennen wollen, näher am Original als dieser Film. Sicher, hinter der Kamera gibt es vor allem bei der Produktionsfirma und dem Verleih eine Kontinuität, die die Titelwahl erklärt und im Film kann man auch ein, zwei Hinweise auf Jan de Bonts Blockbuster „Twister“ von 1996 entdecken. Mal offensichtlicher, wie „Dorothy V“ im Prolog, oder, einmal, die funktionale Kleidung der Heldin, mal wirklich versteckt, wie ein Cameo von Bill Paxtons Sohn James Paxton. Bill Paxton spielte in „Twister“ eine der Hauptrollen, den Sturmjäger Bill Harding. Diese Kleinigkeiten ändern nichts daran, dass die Macher von „Twisters“ einfach eine vollkommen eigenständige Geschichte über Tornadojäger in den USA erzählen, in der es, wie in anderen Filmen mit Tornados, vor allem um die Tornados geht.
Als Regisseur wurde Lee Isaac Chung engagiert. Von ihm ist das sehenswerte Einwandererdrama „Minari – Wo wir Wurzeln schlagen“. Feinfühlig erzählt er seine und die Geschichte seiner Familie in den achtziger Jahren in Arkansas. Mit ihm könnte ein als Sommer-Blockbuster geplanter Film mehr als Spektakel sein. Aber anderseits haben viele Indie-Regisseure in den vergangenen Jahren atemberaubend schnell ihre Seele an austauschbare Superheldenfilme verraten; – und rückblickend waren ihre Superheldenfilme dann die schlechteren Superheldenfilme. Erinnert sei an Chloé Zhaos „Eternals“ und Nia DaCostas „The Marvels“.
Drehbuchautor Mark L. Smith schrieb, meist mit anderen Autoren, die Drehbücher für „The Revenant“, „Operation: Overlord“ und „Das Erwachen der Jägerin“ (The Marsh King’s Daughter). Bis auf „The Revenant“ (wobei hier Regisseur Alejandro G. Iñárritu den entscheidenden Anteil hat) ist kein künftiger Klassiker dabei, aber einige interessante Wendungen dürften ihm schon einfallen.
Im Mittelpunkt von „Twisters“ stehen zwei Gruppen von Tornadojägern: die eine Gruppe wird von Tyler Owens (Glen Powell) angeführt. Er und seine Gruppe sind Hasardeure, für die die Fahrt mitten in einen Sturm ein großer Spaß ist, den sie auf YouTube vermarkten. Auf den ersten Blick wirkt er wie ein gut gebauter, arroganter, dummer Hallodri mit einem fotogenem Lächeln und einem großen Cowboyhut.
Die zweite Gruppe sucht nach einer Möglichkeit, mit der der Weg der Tornados besser vorhergesagt werden kann. Mit ihren Prognosen könnten sie Menschenleben retten. Dafür haben sie ein aus drei Teilen bestehendes Gerät gebaut, das, wenn diese Teile in der Nähe des Tornados an den richtigen Orten stehen, diesen Tornado analysieren kann. Das Gerät muss nur noch ausprobiert werden.
Helfen könnte ihnen Kate Carter (Daisy Edgar-Jones). Sie kann durch einen Blick in den Himmel und auf den nächsten Acker erspüren, wo ein Tornado entsteht und wohin er sich bewegt. Vor fünf Jahren endete ein von ihr an der Muskogee State University initiiertes Projekt, bei dem sie ein Gerät ausprobieren wollte, das irgendwie Tornados implodieren lässt, mit dem Tod von fast allen ihren an dem Projekt beteiligten Freunden. Heute verfolgt das Landei als Angestellte des United States Weather Service in New York in einem Büro vor einem Computer aus Tornados. Näher will sie diesen tödlichen Winden und ihrer tragischen Vergangenheit nicht mehr kommen.
Da taucht Javi (Anthony Ramos) bei ihr auf. Er war vor fünf Jahren bei ihrem Universitätsprojekt dabei. Sie waren damals die einzigen Überlebenden. Jetzt fragt er sie, ob sie ihnen, also der von ihm mitgegründeten, finanziell von Investoren gut ausgestatteten Firma StormPar, bei ihrem Projekt helfen könnte. Nach anfänglichem Zögern hilft sie Javi und StormPar.
Während die Stürme durch das Land toben, jagen die beiden Gruppen sich vor und hinter den Tornados über die grünen Wiesen von Oklahoma. Einen wirklichen Grund für die Konkurrenz gibt es nicht. Schließlich wollen sie aus verschiedenen Gründen in das Herz des Sturms. Sie sind wie kleine Kinder, die sich prügeln, obwohl das eine Kind Nudel und das andere Kind Pizza will.
Aber als Prämisse für einen Sommer-Blockbuster mit eindimensionalen Figuren, vorhersehbarer Story mit leichtem RomCom-Touch (denn selbstverständlich verlieben Kate und Tyler sich im Lauf des Films ineinander) und stürmischem Spektakel ist das ausreichend. Vor allem Tyler Owens hat nicht mehr Persönlichkeit als eine Werbefigur für eine kitschige Südstaaten-Romanze. Entsprechend rätselhaft bleibt seine Motivation. Sein öfters wiederholter Satz, dass er kein dummer Idiot sei, bleibt eine bloße Behauptung. Denn nie verrät er Kate (oder uns), warum er doch ein schlauer Kerl ist. Bei Kate Carter ist es etwas besser, aber auch nicht wirklich befriedigend. Glen Powell und Daisy Edgar-Jones können diese Defizite des Drehbuchs nicht ausgleichen.
Die meisten Mitglieder in ihren jeweiligen Teams bleiben vollkommen austauschbare Statisten. Entsprechend forciert wirken dann auch alle Szenen, die zeigen sollen, wie die einzelnen Teammitglieder sich untereinander verstehen. In Chungs Actionfilm ist nichts von der natürlichen Kameradie zu spüren, die in „Twister“ die Gruppe der von Jo Harding (Helen Hunt) angeführten Tornadojäger von der ersten Sekunde an so grundsympathisch macht. In „Twister“ sind sie Kumpels, die ein Abenteuer erleben wollen. In „Twisters“ sind sie – und das gilt für beide Tornadojäger-Gruppen – Angestellte, die für Geld einen Job erledigen.
Im Mittelpunkt von „Twisters“ stehen natürlich die titelgebenden Tornados, die auf der großen Leinwand annehmbar spektakulär aussehen und die innerhalb von Sekunden ganze Kleinstädte zerstören.
Dazu gibt es viel Americana und Country-Music. Und fertig ist ein Sommerblockbuster für die ganze Familie. Besondere Ambitionen, Überraschungen und etwaige Irritationen, die es beispielsweise in den Blockbustern von Roland Emmerich immer gibt, sind nicht erkennbar. Lee Isaac Chung erfüllt in seinem durchgehend altmodischem Blockbuster einfach den Wunsch des Publikums nach zwei Stunden Ablenkung. .
Twisters(Twisters, USA 2024)
Regie: Lee Isaac Chung
Drehbuch: Mark L. Smith (nach einer Geschichte von Joseph Kosinski, basierend auf von Michael Crichton und Anne-Marie Martin erfundenen Figuren)
mit Daisy Edgar-Jones , Glen Powell, Anthony Ramos, Brandon Perea, Maura Tierney, Harry Hadden-Paton, Sasha Lane, Daryl McCormack, David Corenswet, Paul Scheer (Flughafenpolizist am Filmende, aber sein Gesicht kommt mir so verdammt bekannt vor)
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 