Anatomie eines Falls (Anatomie d’une chute, Frankreich 2023)
Regie: Justine Triet
Drehbuch: Justine Triet, Arthur Harari
Fiel Samuel Maleski aus dem Fenster oder half seine Frau Sandra Voyter etwas nach? Über zweieinhalb spannende Stunden rollt Justine Triet diesen Fall akribisch auf.
Die untreue Frau (La Femme infidéle, Frankreich/Italien 1968)
Regie: Claude Chabrol
Drehbuch: Claude Chabrol
Anwalt Charles glaubt, dass seine Frau Hélène ihn betrügt. Ein von ihm engagierte Privatdetektiv bestätigt Charles‘ Verdacht. Er besucht den Nebenbuhler und tötet ihn im Affekt. Wie wird seine Frau darauf reagieren?
Da wurde ja etwas Feines in den Archiven gefunden: das 1996er Loreley-Konzert von David Bowie.
David Bowie (vocals), Reeves Gabriels (guitar), Gail Ann Dorsey (bass), Zach Alford (drums) und Mike Garson (keyboard) spielen sich durch etliche seiner bekanntesten Songs.
Zur Einstimmung gibt es ab 23.35 Uhr die Doku „David Bowie – Der letzte Akt“ (Großbritannien 2025).
Der Manchurian Kandidat (The Manchurian Candidate, USA 2004)
Regie: Jonathan Demme
Drehbuch: Daniel Pyne, Dean Georgaris
LV: Richard Condon: The Manchurian Candidate, 1959 (Botschafter der Angst, Der Manchurian Kandidat)
Der weltumspannende Konzern “Manchurian Global” hat einer Golfkrieg-I-Einheit falsche Erinnerungen implantiert. So wollen sie den vielversprechenden Politiker Raymond Shaw ins Weiße Haus bringen. Doch Shaws ehemaliger Vorgesetzter Ben Marco zweifelt an seinen Erinnerungen und will die Wahrheit herausfinden.
Gut besetztes Remake des Kalter Krieg-Klassikers „Botschafter der Angst“ (USA 1962). Etliche der Nebendarsteller sind aus anderen Zusammenhängen oder aus verschiedenen hochkarätigen TV-Serien und Filmen bekannt. Der Film selbst ist gut – obwohl für mich die Prämisse heute (2004) schlechter funktioniert als vor über vierzig Jahren, als Frank Sinatra die Rolle von Denzel Washington spielte. Davon abgesehen gibt es zahlreiche grandiose Szenen (ich sage nur Meryl Streep), eine beeindruckende Vision des Informationsüberschusses, überraschende Verknüpfungen von Szenen und eine träumerische Stimmung. Fast immer könnte es sein, dass Ben Marco aus einem Alptraum aufwacht.
Insgesamt ist der Polit-Thriller „Der Manchurian Kandidat“ ein gelungenes, eigenständiges Remake, das besonders beim porträtieren der Verflechtung zwischen Politik und Wirtschaft ein gespenstisches Bild der USA entwirft.
Mit Denzel Washington, Meryl Streep, Liev Schreiber, Jon Voight, Kimberly Elise, Jeffrey Wright, Bruno Ganz, Vera Farmiga, Robyn Hitchcock (eigentlich Musiker), Al Franken (als TV-Interviewer fast als er selbst), Paul Lazar, Roger Corman, Zeljko Ivanek, Walter Mosley (eigentlich Krimiautor), Charles Napier, Jude Ciccolella, Dean Stockwell, Ted Levine, Miguel Ferrer, Sidney Lumet
Aisha lebt in Kairo im Ain-Sham-Viertel. Die 26-jährige Sudanesin versucht als häusliche Pflegekraft und Mädchen für alles über die Runden zu kommen. Ihre Tage sind von langen Fahrten durch Kairo und ihre Nächte von Schießereien zwischen verfeindeten Banden vor ihrer Haustür bestimmt. Für einen lokalen Gangsterboss stiehlt sie von ihren Kunden die Schlüssel.
Auf dem Papier klingt die Story interessant. Es werden auch all die Trigger-Worte für den kulturbewussten Horrorfilmfan genannt und das für das Plakat benutzte Bild einer jungen Frau mit einer Batman-Maske ist ein gerade wegen seiner Einfachheit neugierig machender Hingucker.
Aber am Ende entscheiden die Story und die Präsentation, ob ein Film gelungen ist. Morad Mostafa erzählt in seinem Spielfilmdebüt „Aisha can’t fly away“ das Leben seiner Protagonistin in schönster Slow-Cinema-Manier. Aisha fährt durch die Stadt. Sie putzt eine Wohnung. Sie sieht aus dem Fenster. Sie ist meistens allein; wenn sie unter Menschen ist, redet sie wenig. Und dann beginnt alles wieder von vorne, während die Straßengangs vor ihrer Haustür herumballern und sie dem lokalen Gangsterboss, der sie dafür mietfrei wohnen lässt, die Schlüssel von den Wohnungen besorgt, in denen sie arbeitet. Anschließend klaut er aus den Wohnungen die Wertsachen. Dass er glaubt, mit dieser Methode in mehrere Wohnungen einbrechen zu können, beweist, dass er ein ziemlicher Dummkopf ist. Denn natürlich fällt der Polizei auf, dass Aisha in all diesen Wohnungen arbeitete.
Als Aisha spät im Film Veränderungen an sich bemerkt, sie einen Kunden hat, der sie zu sexuellen Handlungen zwingt und die Grenze zwischen Realität und Fantasie etwas zu verschwimmen beginnt, wird aus dem Slow-Cinema-Sozialdrama ein bisschen ein ebenso langsam und distanziert erzählter, ebenso wortkarger Horrorfilm.
Flucht von Alcatraz (Escape from Alcatraz, USA 1979)
Regie: Don Siegel
Drehbuch: Richard Tuggle
LV: J. Campbell Bruce: Escape from Alcatraz, 1963
Frank Lee Morris plant das Unmögliche: eine Flucht von Alcatraz. Am 11. Juni 1962 gelingt dem Sträfling die Flucht; – jedenfalls verschwanden er und seinen beiden Mitflüchtlingen spurlos.
„Flucht von Alcatraz“ ist die fünfte und letzte Zusammenarbeit von Don Siegel und Clint Eastwood. Der auf einem wahren Fall beruhende, beklemmende und realistische Knastthriller wurde auf Alcatraz gedreht.
Danny Glover gibt hier in einer Nebenrolle als Häftling sein Filmdebüt.
Mit Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Roberts Blossom, Jack Thibeau, Fred Ward, Paul Benjamin, Larry Hankin, Bruce M. Fischer, Frank Ronzio, Danny Glover
Etliche Wow- und What-the-Fuck-Momente, einen nackten Zombie in voller Mannespracht (das sind die mit dem Rage-Virus Infizierten in dem „28 Days later“-Franchise letztendlich) und eine eher vernachlässigbare, vor sich hin plätschernde Story präsentiert Nia DaCosta dem Publikum in „28 Years later: The Bone Temple“. Ihr Horrrorfilm schließt unmittelbar an die Ereignisse von Danny Boyles „28 Years later“, der im Sommer im Kino lief, an. Aber man muss Boyles Film, der der Auftakt einer Trilogie ist, nicht gesehen haben, um den neuen Film zu verstehen.
Der zwölfjährige Spike (Alfie Williams), der am Ende des ersten Teils seine auf einer vom Festland abgetrennten Insel lebende Gemeinschaft und Familie verlies und sich einer Gruppe Jugendlicher anschloss, kämpft jetzt darum, in die von Sir Jimmy Crystal (Jack O’Connell) angeführte Gruppe aufgenommen zu werden. Gleichzeitig fragt Spike sich, ob er wirklich ein Mitglied dieser marodierenden Jugendgang werden will, die von einem offensichtlich machttrunkenem, minder begabtem Satanisten geführt wird.
Doktor Ian Kelson (Ralph Fiennes) forscht weiter und errichtet weiter den titelgebenden „Bone Temple“, eine riesige Installation von Knochen und Schädeln. Jetzt vermutet der bekennende Atheist, dass er ein Medikament gefunden hat, das die Infizierten wieder zu Menschen zurückverwandelt. Samson (Chi Lewis-Parry), der nackte riesige Alpha-Zombie aus „28 Years later“, ist dieser Zombie, der zum Menschen werden könnte. Bis dahin verbringen Samson und Kelson entspannte Nachmittage am Fluss. Kelson redet, Samson hört zu.
Nia DaCosta („Candyman“) erzählt diese beiden Plots parallel und vollkommen unabhängig voneinander in langen Erzählblöcken. Erst zum Ende führt sie die beiden Erzählstränge zu einem Finale zusammen, das eine beeindruckende Mischung aus Orgie und orgiastischem Heavy-Metal-Gottesdienst ist.
Diese Lärmorgie lockt seltsamerweise keine Zombiehorden an. Sowieso sind sie, egal wieviel Lärm die Menschen machen, in diesem Film seltsam abwesend. Bis auf wenige Momente sind sie nur noch eine abstrakte Gefahr.
Nach Dr. Kelsons Messe ist nur noch Zeit, um den dritten Teil anzudeuten. Wann der kommt, ist noch unklar. Klar ist, dass Alex Garland, der die Drehbücher zum ersten und zweiten „28 Years later“-Film schrieb und der zusammen mit Regisseur Danny Boyle diese Welt 2003 in „28 Days later“ erfand, wieder das Drehbuch schreibt. Ob er oder Danny Boyle die Regie führen wird, ist anscheinend noch unklar.
Doch zurück in die Gegenwart und damit zu DaCostas „The Bone Temple“. Der Horrorfilm überzeugt, wie schon „28 Years later“, als Abfolge eindrücklicher Szenen, die in einer liebevoll ausgemalten und gestalteten postapokalyptischen Welt spielen. Die kaum vorhandene Filmgeschichte erschöpft sich in zwei weitgehend getrennt voneinander präsentierten Charakterstudien. Erst am Ende treffen Dr. Kelson und Jimmy Crystal aufeinander. Spike ist das verbindende Glied zwischen dem ersten und dem dritten Film, der hier eine andere, ähnlich gewalttätige Gemeinschaft kennen lernt und wieder Dr. Kelson trifft.
P. S.: RTL II zeigt am Freitag, den 16. Januar, um 22.35 Uhr „28 Days later“. Wer also wissen will, wie alles begann. Oder wer noch einmal sehen will, wie Cillian Murphy durch ein menschenleeres London geht und sich fragt, in welchem Alptraum er gelandet ist.
28 Years later: The Bone Temple (USA 2026)
Regie: Nia DaCosta
Drehbuch: Alex Garland
mit Ralph Fiennes, Jack O’Connell, Alfie Williams, Erin Kellyman, Chi Lewis-Parry, Connor Newall, Erin Kellyman, Maura Bird, Ghazi Al Ruffai, Robert Rhodes, Emma Laird, Sam Locke
Millie Calloway (Sydney Sweeney) ist die titelgebende ‚Housemaid‘. In ihrer Bewerbung verschweigt sie, dass sie auf Bewährung aus dem Gefängnis entlassen wurde und ihr aktueller Wohnsitz ihr Auto ist. Dafür wirkt sie mit ihrer großen Brille wie eine ehrbare Studentin.
Ihrer künftigen Arbeitgeber, die vermögende Famillie Winchester, verschweigt ebenfall einiges. Sie besteht aus der etwas überspannten Nina Winchester (Amanda Seyfried), ihrem überaus gutaussehendem Sonnyboy-Man und Frauenschwarm Andrew (Brandon Sklenar), der seine Bürozeit offensichtlich vor allem in einem Fitnessstudio verbringt, und ihre pausbäckige Ekeltochter Cecilia (Indiana Elle). Die Geheimnisse der Winchesters werden – und das ist jetzt kein Spoiler, weil „The Housemaid – Wenn sie wüsste“ auf einem Bestseller beruht, ein Blick auf ein Regal in einer Buchhandlung, verrät, dass es mehrere „The Housemaid“-Thriller gibt und wer dann noch den Klappentext liest, sehr gut über die Filmgeschichte informiert ist – im Lauf des Films von Millie gelüftet und ziemlich endgültig gelöst. Wozu die Polizei rufen, wenn man so eine Haushaltshilfe hat.
„The Housemaid“ ist ein Vorstadt-Thriller und Erotik-Thriller, der mit 133 Minuten ungefähr dreißig Minuten zu lang ist. Bis zum, zugegeben, blutigen und entsprechend fetzigem Finalen vergeht einfach viel zu viel Zeit, in der die Filmgeschichte ohne ein erkennbares Ziel und Story über weite Strecken vor sich hin plätschert. Mal geht es mehr in die eine, dann in die andere Richtung. So als würden sie beim Drehen die Story entdecken und verschiedene Möglichkeiten verwerfen. Dazwischen dürfen Sydney Sweeney und Brandon Sklenar, wie es sich für einen Neunziger-Jahre-Erotik-Thriller im „Basic Instinct“-Fahrwasser gehört, ausführlich ihre gut gebauten Oberkörper ohne störende Bekleidung präsentieren.
Während der Film als Satire über, je nach Gusto, das vom äußeren Schein besessene US-Vorstadtleben oder den kompromisslos ausgetragenen Klassenkampf zwischen armen Angestellten und moralisch verkommenen stinkreichen Arbeitgebern versagt, er nie wirklich eine Liebesgeschichte zwischen einem Familienvater und seinem Hausmädchen oder ein Ehedrama sein möchte, erreicht er als überlanger Erotik-Thriller mit umgedrehten Geschlechterrollen und einigen ‚Überraschungen‘ mühsam die Ziellinie. Dass der vor allem für sei Komödien bekannte Paul Feig es auch in diesem Genre besser kann, bewies er 2018 mit „Nur ein kleiner Gefallen“ (A simple favor).
In den USA läuft der Thriller im Kino seit dem 19. Dezember ziemlich erfolgreich. Insofern ist diese Meldung keine Überraschung: demnächst wird der zweite „The Housemaid“-Thriller verfilmt. Wieder mit Sydney Sweeney in der Hauptrolle und Paul Feig als Regisseur.
The Housemaid – Wenn sie wüsste (The Housemaid, USA 2025)
Regie: Paul Feig
Drehbuch: Rebecca Sonnenshine
LV: Freida McFadden: The Housemaid, 2022 (Wenn sie wüsste)
mit Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone, Elizabeth Perkins, Indiana Elle, Amanda Joy Erickson, Megan Ferguson, Ellen Tamaki
Destination Wedding(Destination Wedding, USA 2018)
Regie: Victor Levin
Drehbuch: Victor Levin
Frank (Keanu Reeves) und Lindsay (Winona Ryder), die sich vom ersten Augenblick nicht ausstehen können, verbringen auf einer Hochzeit die meiste Zeit miteinander, weil sie die anderen Hochzeitsgäste noch weniger ausstehen können. So können sie wenigstens gemeinsam ablästern – und wir wissen schon von der ersten Begegnung der beiden Nicht-Turteltauben an, was passieren wird.
Regie: Andy Muschietti (eigentlich Andres Muschietti)
Drehbuch: Chase Palmer, Cary Fukunaga, Gary Dauberman
LV: Stephen King: It, 1986 (Es)
Alle 27 Jahre taucht in der Kleinstadt Derry, Maine, der Mörderclown Pennywise aus der Kanalisation auf und schnappt sich einige Kinder. Sieben Kinder, die sich der Club der Loser nennen, wollen nicht zu Pennywises Opfern werden.
Sehr gelungene und an der Kinokasse sehr erfolgreiche Verfilmung von Stephen Kings sehr dickem Horrorroman.
Der zweite Teil folgt am kommenden Mittwoch, den 21. Januar, um 22.35 Uhr.
mit Jaeden Lieberher, Jeremy Ray Taylor, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Wyatt Oleff, Bill Skarsgård, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert, Stuart Hughes
Grönland – Der neue Rohstoffrausch(Frankreich 2025)
Regie: Jean Yves Cauchard, Vivien Meltz
Drehbuch: Jean Yves Cauchard, Vivien Meltz
Brandneue und, angesichts der Schlagzeilen, brandaktuelle, knapp einstündige Doku über Grönland.
Die Doku wird im Rahmen eines Themenabends gezeigt, der um 20.15 Uhr mit „Ein Land unter Trump – Macht, Wandel, Widerstand“ (Deutschland 2025) beginnt und um 22.45 Uhr mit der 55-minütigen Doku „Trump, mein Vater und ich“ (Dänemark 2025) mehr oder weniger endet. Denn die anschließenden Dokus passen dazu: um 23.40 Uhr „Tracks East: Provokation und Empörung“, um 00.15 Uhr „8 m² Einsamkeit – Lebenslänglich in Virginia“ (USA 2016) und um 01.40 Uhr „Die USA und der Holocaust“ (USA 2022 – bis 03.25 Uhr werden die ersten beiden Teile der sechsteiligen Serie gezeigt).
Der schwarze Sergeant (Sergeant Rutledge, USA 1960)
Regie: John Ford
Drehbuch: James Warner Bellah, Willis Goldbeck
Arizona, 1881: Armee-Sergeant Braxton Rutlege (Woody Strode) soll ein weißes Mädchen vergewaltigt und ermordet haben. Vor einem extrem parteiischen Militärgericht wird sein Fall verhandelt.
Eine besondere Stellung erhält John Fords Western „Der schwarze Sergeant“ durch die Hautfarbe des Angeklagten. Es war der erste große Hollywood-Western in dem ein Schwarzer der Protagonist war und Rassismus thematisiert wurde.
Der Western, einer seiner letzten Filme, ist nicht John Fords bestes Werk und heute wohl eher von historischem Interesse. Schon damals wurde kritisiert, wie Ford die Rassenfrage behandelte.
Anschließend zeigt Arte um 22.00 Uhr die spielfilmlange Doku „Black Far West – Nicht alle Cowboys waren weiß“ (Frankreich 2022).
LV: Dorothy M. Johnson: The Hanging Tree, 1957 (Der Galgenbaum)
Montana, 1873: In dem Goldgräberdorf Skull Creek will Dr. Joseph Frail (Gary Cooper) seine Vergangenheit vergessen. Er hilft einer blinden Frau, wieder sehen zu können und verliebt sich in sie. Als ein Goldsucher sie vergewaltigen will, erschießt er ihn. Dafür soll er an dem titelgebendem Galgenbaum gehängt werden.
Selten gezeigter Western und „Coopers letzte große Western-Rolle“ (Holmer Dickens: Gary Cooper und seine Filme, 1982)
Von Dorothy M. Johnson sind auch die Vorlagen für „Der Mann, der Liberty Valance erschoss“ und „Ein Mann, den sie Pferd nannten“.
mit Gary Cooper, Maria Schell, Karl Malden, Ben Piazza, George C. Scott, Karl Swenson
Los Angeles, 1937: Evelyn Mulwray beauftragt Privatdetektiv Jake Gittes, das Verschwinden ihres Mannes, dem Chef der Wasserwerke, aufzuklären. Schnell gerät der kleine Detektiv in eine Verschwörung, die er nie ganz durchschaut.
Sozusagen die Essenz der Schwarzen Serie. Georg Seeßlen hält „Chinatown“ für den definitiven private eye-Film der siebziger Jahre.
Die Originale könnten im Rahmen einer kleinen Serie über die Schwarze Serie auch mal wieder gezeigt werden.
Mit Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Perry Lopez, John Hillerman, Diane Ladd, Roman Polanski, Bruce Glover, James Hong, Burt Young
Phillip Vandarpleog (Brendan Fraser) ist ein Schauspieler, den es im Kino immer so gibt. In Japan ist er immer noch bekannt für einen sieben Jahre alten Zahnpasta-Werbespot. Abgesehen davon ist seine Karriere seit Jahren nicht existent. Der in Tokio allein lebende, an Geldnot leidende US-Schauspieler hat also genug Zeit, um jeden anderen Job anzunehmen. In diesem Fall ist es, für eine „Rental Family“-Agentur in unterschiedliche Rollen zu schlüpfen. Entsprechend der Wünsche des Auftraggebers spielt er unterschiedliche Rollen. Mal direkt für den Auftraggeber, mal für Menschen, denen der Auftraggeber helfen möchte. Mal spielt Phillip den Bräutigam (die Eltern der lesbischen Auftraggeberin sind begeistert über den weißen Ehemann), mal den Vater (der echte ist abwesend, aber die Schule verlangt einen anwesenden Vater), mal einen Journalisten, der einen zunehmend dementen alten Schauspieler interviewen soll.
Diese Arbeit könnte für Phillip eine neue, gute und mühelose Einkunftsquelle sein. Er spielt den Menschen vor, was sie sehen wollen oder sehen sollen, macht sie glücklich und nimmt das Geld. Dummerweise fällt es ihm schwer, zwischen der Rolle und seinem emotionalem Investment in die Rolle zu unterscheiden. Er mischt sich in das Leben der Personen ein, für die er eine Rolle spielt.
Und schon haben wir eine Geschichte über zwei verschiedene Kulturen, kulturelle Missverständnisse und wie guter Wille und eine gehörige Portion Tollpatschigkeit, alles etwas aus dem Ruder laufen lassen. Hikari inszeniert dies feinfühlig als warmherziges Low-Key-Feelgood-Movie mit vorhersehbaren Verwicklungen und nur die guten Aspekte solcher ‚gemieteten Freunde‘ betonend. Brendan Fraser spielt diesen Phillip Vandarpleog etwas eindimensional als großes, schüchtern lächelndes Kind, das immer noch mit den japanischen Sitten und Gebräuchen fremdelt.
Rental Family (Rental Family, USA/Japan 2025)
Regie: Hikari
Drehbuch: Hikari, Stephen Blahut
mit Brendan Fraser, Takehiro Hira, Mari Yamamoto, Akira Emoto, Shannon Gorman
„basierend auf einer wahren Geschichte“ heißt es am Filmanfang. Treffender wäre „inspiriert von einer wahren Geschichte“. Oder, noch besser: man hätte diesen Hinweis vollständig weggelassen. Denn Craig Brewer, Autor und Regisseur von „Song Sung Blue“ nimmt sich, wie schon die flüchtige Lektüre der Wikipedia-Artikel über Mike Sardina und Claire Stingl/Claire Sardina (im Film Stengl) verrät, viele Freiheiten. Außerdem ist die Geschichte einer regional erfolgreichen Coverband nicht besonders einzigartig.
Und das ist „Lightning and Thunder“. Sie spielen die bekannten Mitsing-Gassenhauer von Neil Diamond nach. Kern und Gründer der Band sind Sänger Mike Sardina (Hugh Jackman), ein Vietnam-Veteran und trockener Alkoholiker, und Sängerin Claire Stengl (Kate Hudson). Sie ist die Liebe seines Lebens. Und umgekehrt. Beide haben Kinder aus früheren Beziehungen. Beide haben psychische Probleme. Beide schlagen sich mit schlecht bezahlten Jobs durchs Leben. Denn sie Leben für die Musik. Auf der Bühne können sie sich, wenn sie bekannte Songs anderer Künstler singen, verwirklichen.
In den frühen neunziger Jahren beginnen sie die Lieder von Neil Diamond zu interpretieren. In ihrem Heimatstaat Milwaukee kommen sie mit diesem Programm gut an. Einmal – und das dürfte der Höhepunkt ihrer Karriere gewesen sein – sind sie die Vorband von Pearl Jam.
Alles ist perfekt, bis es zu einem grotesken Unfall kommt, der, wie in „Million Dollar Baby“, aus der fröhlichen Aufsteigergeschichte einen ganz anderen Film macht.
Die ziemlich frei erfundene Geschichte spielt in den Neunzigern. Aber abgesehen von dem Auftritt von Pearl Jam sieht Brewers Milwaukee wie die siebziger Jahre mit etwas Patina aus. Die oft schon seit Jahrzehnten so oder so ähnlich existierenden Auftrittsorte, die schon etwas älteren Wohnungseinrichtungen, die funktionale Kleidung, Hugh Jackmans Frisur und natürllich die gespielten Songs, die teilweise schon in den Siebzigern Oldies waren, die das Publikum immer wieder gerne mitsingt, verleihen der Geschichte von Mike und Claire etwas Zeitloses. Brewer erzählt sie aufrichtig, mit spürbarer Sympathie für seine Figuren und ohne einen Anflug von Ironie. Wenn für Lightning und Thunder die Songs von Neil Diamond das Größte sind, was es gibt, dann erzählt Brewer es auch, ohne irgendeine Distanzierung, genau so.
„Song Sung Blue“ gefällt mit seinem spielfreudigem Ensemble, vor allem den beiden singenden Hauptdarstellern die jeden Neil-Diamond-Hit von der ersten bis zur letzten Note nachsingen, als Liebeserklärung an Cover-Bands und als aufbauendes Feelgood-Drama über die heilende Kraft von Musik.
mit Hugh Jackman, Kate Hudson, Michael Imperioli, Ella Anderson, Mustafa Shakir, Fisher Stevens, Jim Belushi, King Princess, Hudson Hensley, John Beckwith, Jackie Cox, Cecelia Riddett, Sean Allan Krill
Seit fünf Jahren – und damit seit dem Filmende von Roman Ric Waughs bei der Kritik und dem Publikum überraschend erfolgreicher Dystopie „Greenland“ – leben John Garrity (Gerard Butler), seine Frau Allison (Morena Baccarin) und ihr inzwischen fünfzehnjähriger Sohn Nathan (Roman Griffin Davis) in Grönland in einem Schutzbunker. Sie mussten dorthin flüchten, weil der Einschlag des Kometen Clarke auf der Erde das Klima, die Luft und die Landschaft veränderte. Die Welt, wie wir sie kennen, existiert nicht mehr. Radioaktivität, Stürme und unvorhersehbare Einschläge von weiteren Teilen des Kometen machen sie in weiten Teilen unbewohnbar. Das Leben im Bunker ist das neue Normal. Und, obwohl der Bunker langsam auseinanderbricht und sich zu viele Menschen mit zu wenig Nahrung in ihm aufhalten, werden weitere Menschen aufgenommen.
Ausgehend von den ihnen zur Verfügung stehenden lückenhaften Daten, verfechten Wissenschaftler die Theorie, dass an dem Ort, an dem Clarke in Südfrankreich einschlug, neues Leben, möglicherweise sogar in bislang ungeahnter Pracht und Vielfalt, entstehen könnte. Ein Garten Eden.
Als ein Erdbeben den Bunker zerstört, machen die Garritys und einige weitere Bunker -Bewohner sich auf den Weg zu dem Krater. Ihre erste Station ist Großbritannien, oder genauer gesagt, die jezt halb unter Wasser liegende Stadt Liverpool.
„Greenland 2“ schickt die Familie Garrity wieder auf die Reise. Nur dass sie dieses Mal nicht von Florida nach Grönland, sondern von Grönland nach Südfrankreich, ihrem neuen Sehnsuchtsort, gehen soll. Und wie es sich für eine Reisegeschichte gehört, ist der Weg das Ziel. Auf ihrer Reise treffen die Garritys ihnen mehr oder weniger freundlich gesonnene Menschen, die sich mehr oder weniger gut in dieser Welt eingerichtet haben und sie müssen viele Gefahren überstehen.
So weit, so konventionell. „Greenland 2“ ist, wie „Greenland“, dystopisches Katastrophenkino, das sich immer in den bekannten Genrekonventionen bewegt und sich dabei auf eine ganz normale Familie ohne besondere Eigenschaften und Fähigkeiten konzentriert. Das ist immer wieder kitschig, manchmal auch brutal und die Spezialeffekte sind immer wieder erstaunlich schlecht. Für die Ansichten zerstörter Großstädte gilt dies nicht. Und die Landschaftsaufnahmen – es wurde auf Island gedreht – gefallen.
Gefallen tut auch, dass es Regisseur Ric Roman Waugh, auch dank des Drehbuchs und den in ihren Rollen glaubwürdigen Schauspielern, gelingt, mit wenigen Strichen Figuren zu zeichnen, die schnell eine eigene Identität erhalten und als klar unterscheidbare Individuen im Gedächtnis bleiben. Das gilt sogar für Figuren, die nur einen kleinen Auftritt (wie eine im Rollstuhl sitzende Frau) oder, kurz vor dem Ziel ihrer Reise, nur einen sekundenlangen Auftritt als Leiche haben. Und es gibt einige gute Action- und Suspense-Szenen. Beispielsweise bei der der Logik des Spannungskinos gehorchenden Überquerung des Ärmelkanals.
Das alles bewegt sich, bodenständig und ohne besondere Innovationen, in dem bekannten Rahmen solcher Filme. Angenehm überraschend ist dagegen die Sicht der Macher auf diese Welt und die Gesellschaft nach der Apokalypse.
Im Gegensatz zu gängigen negativen US-amerikanischen Dystopien entwerfen die Macher von „Greenland 2“ eine positive Dystopie. In US-Dystopien werden nach einer Katastrophe meist alle zivilisatorischen Errungenschaften auf den Müllhaufen der Geschichte geworfen. Gemeinschaften sind faschistoide, religiöse und kultische Zwangsgemeinschaften mit einem skrupellosen, oft auch durchgeknalltem Diktator als Anführer. Es gilt das gnadenlos durchgesetzte Recht des Stärkeren. Eine Kugel ersetzt jedes Argument. In „Greenland 2“ wird dagegen immer der Wert von Zusammenarbeit, Vertrauen, Mitmenschlichkeit und Hilfsbereitschaft betont. Es geht, ausgehend von der Kleinfamilie, um den Aufbau von friedlichen Gemeinschaften und einer inklusiven Gesellschaft in einer Welt, in der eben diese Gesellschaften und das Leben auf der Erde durch eine Katastrophe vernichtet wurden. Die Garritys bewegen sich auf ihrer Reise von Grönland nach Südfrankreich durch eine Welt, in der Gewalt allgegenwärtig ist und die Menschheit um ihr Überleben kämpft. Trotzdem werden christliche und humanistische Werte immer noch befolgt und es haben sich mehr oder weniger große, mehr oder weniger beständige Notgemeinschaften gebildet. Staatliche und quasi-staatliche Strukturen bestehen ebenfalls weiterhin; in welchem Umfang bleibt in dem Film, der sich auf die Erlebnisse einer Familie konzentriert, allerdings im Dunkeln. Auch für den überaus normalen und gewöhnlichen Familienvater John Garrity sind Gewalt und Gegengewalt niemals das präferierte Mittel um seine Familie zu beschützen und an das Reiseziel zu gelangen.
Das macht „Greenland 2“ zu einem europäischen Gegenentwurf zu US-amerikanischen Dystopien. Es macht den Katastrophenfilm auch zu einer überraschend positiven Dystopie.
P. S. 1: Als Titel ist „Greenland“, wenn man ihn als ‚Grönland‘ übersetzt, sinnfrei. Wenn man ihn als ‚Grünes Land‘ übersetzt, ist das etwas anderes.
P. S. 2: Der Film wurde, wie gesagt, auch auf Island gedreht. Im Film ist Island untergegangen.
Greenland 2(Greenland 2: Migration, USA 2025)
Regie: Ric Roman Waugh
Drehbuch: Chris Sparling, Mitchell LaFortune
mit Gerard Butler, Morena Baccarin, Roman Griffin Davis, Amber Rose Revah, William Abadie, Sophie Thompson, Trond Fausa, Nelia Valery Da Costa, Ken Nwosu, Denez Raoul
Ein Scharfschütze erschießt in Pittsburgh am helllichten Tag fünf Menschen. Als Täter wird der Ex-Soldat James Barr verhaftet, der nur fordert, dass Jack Reacher geholt wird. Und Reacher, ein Ex-Militärpolizist, der immer unter dem Radar bleibt, taucht kurz darauf in Pittsburgh auf. Allerdings nicht, um Barr zu helfen.
2016 hatte Tom Cruise in „Jack Reacher: Kein Weg zurück“ (Jack Reacher: Never go back) seinen zweiten und bislang letzten Auftritt als Jack Reacher. 2022 übernahm Alan Ritchson (1,88 Meter) für Amazon Prime die Rolle für eine bei den Fans beliebte, insgesamt nur okaye Streamingserie.
mit Tom Cruise, Rosamund Pike, Richard Jenkins, David Oyelowo, Werner Herzog, Jai Courtney, Vladimir Sizov, Joseph Sikora , Michael Raymond-James, Alexia Fast, Josh Helman, Robert Duvall, Lee Child (Cameo als Polizist)
Zweite Kinowoche des Jahres und zweiter empfehlenswerter Arthaus-Film des Jahres. Denn heute startet Jafar Panahis mit vielen Preisen – beginnend mit der Goldene Palme in Cannes und, zuletzt, drei Gotham Awards und einem AFI Award -, zahlreichen Nominierungen – unter anderem für den Golden Globe und den Europäischen Filmpreis in den wichtigen Kategorien – und Vorschusslorbeeren bedachter neuer Film „Ein einfacher Unfall“. Wie seine vorherigen Filme drehte der Iraner ihn in seinem Heimatland in Teheran und Umgebung unter erschwerten Bedingungen. Seit über zwanzig Jahren ist er als Regimegegner Repressionen ausgesetzt. Seine Filme wurden im Iran verboten. Er wurde mehrmals inhaftiert und mit einem Arbeitsverbot belegt. Panahi antwortete darauf mit Filmen, die er unter dem Radar des Regimes drehte und die weltweit gefeiert wurden. Das Arbeitsverbot wurde inzwischen aufgehoben. Aber Panahi geht davon aus, dass die Behörden seine Filme weiterhin nicht genehmigen würden und er keine Drehgenehmigung erhalten würde. Deshalb drehte er auch seinen neuesten Film „Ein einfacherUnfall“ ohne eine Drehgenehmigung. Probleme gab es, wie er in einem Interview im Presseheft sagt, nicht. Und dem fertigen Film, der sich auf wenige Personen und Schauplätze und das Dilemma der Personen konzentriert, merkt man diese Beschränkungen nicht an.
Die Filmgeschichte beginnt mit einer zufälligen Begegnung. Als ein Ehemann und Vater sein Auto nach einem Unfall mitten in der Nacht in eine Werkstatt bringt, glaubt der Mechaniker Vahid, dass dieser Mann ihn im Gefängnis folterte. Er hat sein Gesicht nie gesehen, aber er erkennt ‚Holzbein‘ an dem unverkennbarem Quietschen seiner Beinprothese. Jetzt will Vahid sich an dem Folterer rächen. Er verfolgt ihn, entführt ihn und will ihn in der Wüste lebendig vergraben.
Als dieser seine Unschuld beteuert, beginnt Vahid zu zweifeln. Er sucht einige Menschen auf, die damals mit ihm im Gefängnis waren. Sie wurden ebenfalls von Eghbal, so nannte sich ihr Folterer im Gefängnis, gefoltert. Sie sollen ihm die Gewissheit geben, die er für seinen Mord benötigt.
Anhand dieser Personen, die verschiedene Oppositionsgruppen und Haltungen zur Frage des Tyrannenmords repräsentieren, und die für einen Tag eine Gemeinschaft bilden, entwirft Jafar Panahi ein Bild des Irans und der Opfer des Terrorregimes. In der Geschichte konzentriert er sich in langen Szenen auf die Ausgangsfrage und das für die betroffenen Personen daraus entstehende Dilemma. Plötzlich stehen sie konkret vor der Frage, ob sie den Menschen wirklich töten wollen und können, der sie im Auftrag der Regierung folterte. Aus einer Rachefantasy, die sie vielleicht hatten, wird plötzlich die reale Option, sich zu rächen.
„Ein einfacher Unfall“ ist ein sehenswerter Film mit zwei Problemen. Für mich war von der ersten Sekunde an klar, dass Vahid und die anderen im Film gezeigten Opfer des Folterer, eine Gruppe sympathischer, harmlos-gutwilliger Menschen, nicht in der Lage sein werden, ihn zu töten. Das raubte der Geschichte einen großen Teil seiner Spannung.
Das zweite Problem ist das von Jafar Panahi gewählte offene Ende. Er bricht, je nach Lesart, etwas zu früh oder zu spät ab.
Ein einfacher Unfall(Yek taṣādof-e sāde, Iran/Frankreich/Luxemburg 2025)
Regie: Jafar Panahi
Drehbuch: Jafar Panahi
mit Vahid Mobasseri, Mariam Afshari, Ebrahim Azizi, Hadis Pakbaten, Majid Panahi, Mohamad Ali Elyasmehr, Georges Hashemzadeh, Delmaz Najafi, Afssaneh Najmabadi
Nymphomaniac – Teil 1 (Nymphomaniac – Volume 1, Dänemark/Deutschland/Frankreich/Schweden 2013)
Regie: Lars von Trier
Drehbuch: Lars von Trier
Joe (Charlotte Gainsbourg) erzählt einem älteren Mann, der ihr verständnisvoll zuhört, wie sie zur Nymphomanin wurde. Zwischen ihren Erinnerungen unterhalten sie sich tiefsinnig über ihr Leben und analysieren es in einer köstlichen Mischung aus Tief- und Flachsinn.
3sat zeigt heute und morgen ab 22.25 Uhr die Kinofassung von Lars von Triers „Nymphomaniac“. Beide Teile erschienen auch in einem deutlich längeren Director’s Cut.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 