JAMES BOND: Der Hauch des Todes (The Living Daylights, Großbritannien 1987)
Regie: John Glen
Drehbuch: Richard Maibaum, Michael G. Wilson
LV: Ian Fleming: The living daylights, 1962 (Duell mit doppeltem Einsatz/Der Hauch des Todes, Kurzgeschichte)
Bond soll einem russischen Agenten zur Flucht verhelfen. Aber dieser treibt ein doppeltes Spiel.
Der erste Bond mit Timothy Dalton ist ein rundum unterhaltsamer Agentenfilm für die ganze Familie. Es gibt etwas Action (jugendfrei), schöne Frauen (dito), Pferde, Exotik (na, so à la Karl May). Tja, man gab sich Mühe zum 25-jährigen Leinwandjubiläum.
Sogar einige Elemente der Fleming-Story wurden in „Der Hauch des Todes“ verwandt.
Kommenden Donnerstag zeigt Vox um 22.20 Uhr „Lizenz zum Töten“, Timothy Daltons zweiten und letzten Einsatz als James Bond.
Mit Timothy Dalton, Maryam d´Abo, Jeroen Krabbé, Joe Don Baker, John Rhys-Davies, Art Malik, Desmond Llewelyn, Robert Brown, Caroline Bliss, John Terry
Einige Seemeilen neben der fiktiven Karibikinsel Saint Marie, wo wechselnde aus England eingeflogene Ermittler „Death in Paradise“ aufklären, liegt Camoha, eine ebenso fiktive Insel, die als ebenso archetyische Karibikinsel beschrieben werden kann. Auf dieser Insel gibt es Touristen, christliche und andere Glaubensgemeinschaften, Revolten, Polizeigewalt und Korruption, viel Korruption.
Im Mai 1999 verlor Michael ‚Digger‘ Digson, der Ich-Erzähler in „Die Knochenleser“, bei dem Vergewaltigungsaufstand seine Mutter. Wahrscheinlich wurde sie ermordet. Als der sich Jahre später ziellos durch sein Leben treiben lassende hochintelligente Schulabbrecher Digson den Mord an einem Kind auf offener Straße beobachtet, trifft er Detective Superintendent Chilman. Der sieht in ihm Potential und bietet ihm eine Arbeit in einer noch zu gründenden Spezialeinheit der Polizei an. Schmackhaft macht er ihm die Arbeit unter anderem mit dem Hinweis, dass er in den Polizeiakten nach dem Mörder seiner Mutter suchen kann.
Neben diesen von Digson mehr oder weniger energisch vorangetriebenen Ermittlungen, erfahren wir auch, wie das Team ausgebildet und zu einem Team wird. Als Chilman in Pension geht (das ist auf Seite 88), hat er noch eine Aufgabe für sie. Sie sollen das schon länger zurückliegende Verschwinden von Nathan aufklären. Wahrscheinlich hat er nicht die Insel verlassen, sondern er wurde ermordet.
Bei diesem Fall soll ihnen Miss Stanislaus helfen. Sie ist zwar keine Polizistin, aber Chilman hat sie zu ihnen geschickt und der Polizeichef befiehlt ihnen, sie in ihre Einheit aufzunehmen.
„Die Knochenleser“ ist der erste „Kriminalroman“ von Jacob Ross. Der 1956 auf Grenada geborene Ross lebt seit 1984 im Vereinigten Königreich. Vor „Die Knochenleser“ veröffentlichte er bereits den Roman „Pynter Bender“ (ausgezeichnet als Bestes Debüt von der Society of Authors), Theaterstücke, Kurzgeschichten und Gedichte. „Die Knochenleser“ erhielt den damals neuen Jhalak Prize for Book of the Year by a Writer of Colour. Im darauffolgenden Jahr erhielt Reni Eddo-Lodge den Preis für „Warum ich nicht länger mit Weißen über Hautfarbe spreche“ (Why I’m no longer talking to White People about Race). Ihr Essay ist unbedingt lesenswert.
Über „Die Knochenleser“ kann das nicht gesagt werden. Ross erzählt seine Geschichte chronologisch, was in diesem Fall dazu führt, dass der für den Roman zentrale Kriminalfall erst sehr spät beginnt. In der ersten Hälfte des Buches erzählt er alles über Digsons Anwerbung, seine Ausbildung, seine Arbeit als Polizist, der Suche nach dem Mörder seiner Mutter und einige Seiten über die Ermittlungen im Fall Nathan. In der zweiten Hälfte geht es eher um den Mord an Bello Hunt, Diakon der Spirituellen Baptistenkirche Kinder des Einhorns. Auch hier scheint Ross sich für alles außer dem reichlich nebulösem Kriminalfall zu interessieren. Der wird eher nebenbei, kaum nachvollziehbar und im Off weitergesponnen.
Das könnte natürlich ausgeglichen werden durch die Sprache, eine intensive Beschreibung des Insellebens und interessante Figuren. Sprachlich hat mich der Roman nicht angesprochen und die überflüssige Verwendung des Dialekts genervt. Die Figuren sind eher unsympathisch und in ihrem Verhalten oft nervig. Das korrupte Inselleben haben wir so ähnlich schon in anderen und besseren Romanen gelesen, die in Entwicklungsländern spielen. Spontan fallen mir die in Südamerika und Afrika spielenden Kriminalromane von Yasmina Khadra, Janis Otsiemi, Gary Victor und, auch wenn sie keine Polizeikrimis schreibt, Claudia Piñeiro ein.
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Jacob Ross: Die Knochenleser
(übersetzt von Karin Diemerling)
Suhrkamp, 2022
384 Seiten
15,95 Euro
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Originalausgabe
The Bone Readers
Peepal Tree Press, Leeds/UK, 2016
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Die Übersetzung folgt der Sphere-Neuausgabe von 2018.
Packender und extrem schonungsloser Kriegsfilm über die Erlebnisse einer Besatzung eines US-Panzers während der letzten Tage des Zweiten Weltkriegs in Deutschland.
mit Brad Pitt, Logan Lerman, Shia LaBeouf, Jon Bernthal, Michael Pena, Jim Parrak, Brad William Henke, Jason Isaacs, Kevin Vance, Alicia von Rittberg, Scott Eastwood
Wiederholung: Donnerstag, 4. August, 01.15 Uhr (Taggenau! – Dann läuft das FSK-16-Werk wahrscheinlich ungekürzt.)
The good Liar – Das alte Böse (The good Liar, USA 2019)
Regie: Bill Condon
Drehbuch: Jeffrey Hatcher
LV: Nicholas Searle: The good Liar, 2016 (Das alte Böse)
Heiratsschwindler Roy Courtnay (Ian McKellen) hat ein neues Opfer: die vermögende Witwe Betty McLeish (Helen Mirren). Die ist allerdings nicht so naiv, wie sie tut.
TV-Premiere. Der Thriller ist, und das meine ich lobend, betuliches Schauspielerkino, das sich vor allem auf Mirren und McKellen blind verlassen kann und verlässt.
Sein letzter Film war „Plan 9 from Outer Space“ (Plan 9 aus dem Weltall), ein Werk von Ed Wood, das nicht gut, eigentlich sogar ziemlich schlecht, aber nicht so schlecht ist, wie man nach seinem Ruf als schlechtester Film aller Zeiten annehmen könnte. Immerhin wurde das Werk nach seiner Worst-Picture-Auszeichnung zum Kultfilm.
Sein bekanntester Film ist „Dracula“. Tod Browning inszenierte ihn 1931 für Universal Studios. Der Horrorfilm war ein Kassenerfolg, der erste einer Reihe legendärer, kommerziell sehr erfolgreicher Horrorfilme und er zeigte Bela Lugosi in der Rolle seines Lebens. Er hatte Graf Dracula schon vorher im Theater gespielt. Neben vielen anderen Rollen. Aber nach „Dracula“ war er letztendlich bis zu seinem Tod Graf Dracula aus Transsylvanien.
Koren Shadmi erzählt in seinem Comic „Lugosi – Aufstieg und Fall von Hollywoods Dracula“ das Leben von Bela Lugosi. Geboren wurde Lugosi am 20. Oktober 1882 in Lugos (Königreich Ungarn, Österreich-Ungarn) als Béla Ferenc Dezsö Blaskó. Er beginnt seine Schauspielerkarriere am Theater in Shakespeare-Stücken. In Budapest gründet er eine Schauspielergewerkschaft. 1919, nach dem Sturz der Regierung, nimmt deswegen der Druck auf ihn zu. Er flüchtet mit seiner damaligen Frau nach Wien. Von 1919 bis 1921 lebt er – diese kurze und für sein Leben unwichtige Phase wird im Comic übersprungen – in Berlin, spielt in mehreren Stummfilmen mit und tritt erstmals als Bela Lugosi auf. Danach zieht er in die USA. Zuerst lebt er in New York. 1927 hat er am Broadway seine erste Hauptrolle als Graf Dracula. Mit dem Stück geht er auf Tournee durch die USA. Als er von einer geplanten Verfilmung der „Dracula“-Geschichte hört, will er mitspielen. Er erhält die Rolle und wird zum Star.
An den großen Erfolg von „Dracula“ kann er in den nächsten Jahren nicht anknüpfen. Das lag, wie Shadmi zeigt, teils am Studio, aber zu einem größeren Teil an Lugosis Persönlichkeit. Zuerst war er, nach dem Erfolg von „Dracula“, sehr wählerisch bei der Auswahl seiner Rollen; später, als seine finanziellen Probleme wuchsen, nahm er jede Rolle an. Er legte niemals seinen „Dracula“-Akzent ab. Dieser starke Akzent schränkte das Spektrum der Rollen, die ihm angeboten wurden, ein. Er gab immer mehr Geld aus als er hatte. Er war fordernd und egozentrisch. Er war fünfmal verheiratet. Die kürzeste Ehe hielt nur wenige Tage. Die längste, mit Lillian Arch, über zwanzig Jahre von 1933 bis 1953. Und er war drogensüchtig.
Bela Lugosi stirbt am 16. August 1956 in Los Angeles. Er wurde 73 Jahre alt.
Koren Shadmis „Lugosi“ ist eine rundum überzeugende Comic-Biographie. Er verdichtet Lugosis Leben auf entscheidende Stationen, liefert dabei immer den notwendigen historischen Hintergrund und zeigt auch die problematischen Seiten von Lugosi. Er entschied sich, Lugosis Leben als SW-Geschichte zu erzählen. So wie wir Lugosi aus den SW-Filmen und von Bildern kennen. So wie das Hollywood der dreißiger, vierziger und fünfziger Jahre, das wir aus SW-Filmen und von SW-Fotos kennen, für uns heute aussieht.
Koren Shadmi: Lugosi – Aufstieg und Fall von Hollywoods Dracula
Einer flog über das Kuckucksnest (One flew over the Cuckoo’s Nest, USA 1975)
Regie: Milos Forman
Drehbuch: Lawrence Hauben, Bo Goldman
LV: Ken Kesey: One flew over the Cuckoo’s Nest, 1962 (Einer flog über das Kuckucksnest)
Ganove Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson) hat keine Lust auf Gefängnisarbeit. Er spielt den Verrückten. Zur Überprüfung seines Geisteszustands wird er in eine Nervenklinik eingewiesen – und gerät unter die Fuchtel von Schwester Ratched (Louise Fletcher).
Klassiker, der natürlich mühelos als Parabel auf eine reglementierte und Individualität unterdrückende Gesellschaft interpretiert werden kann.
Keseys Roman und Formans Verfilmung waren Publikumserfolge. 1976 war die Verfilmung bei den Oscars mit Auszeichnungen für Bester Film, Beste Regie, Bestes (adaptierte) Drehbuch, Bester Hauptdarsteller und Beste Hauptdarstellerin der große Gewinner.
mit Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Brad Dourif, Will Sampson, Danny DeVito, Scatman Crothers, Christopher Lloyd
Hausfrau Thelma und ihre Freundin, die Kellnerin Louise, brechen zu einem Wochenende ohne Männer auf. In einer Bar wird ein Mann zudringlich. In Notwehr erschießt Louise ihn. Weil ihnen das aber niemand glaubt, fliehen Thelma und Louise nach Mexiko. Verfolgt von der Polizei.
Ein feministisches Roadmovie, ein Kassen- und Kritikererfolg und inzwischen ein Klassiker.
Callie Khouri erhielt für ihr Drehbuch unter anderem den Oscar, einen Golden Globe und den Preis der Writers Guild of America. In ihren späteren Werken konnte sie an diesen Erfolg nicht anknüpfen.
mit Susan Sarandon, Geena Davis, Harvey Keitel, Michael Madsen, Brad Pitt
Die schwerste Aufgabe für den Superhund Krypto ist, morgens sein Herrchen Superman aufzuwecken und zum Gassi gehen/fliegen durch Metropolis zu überreden. Das ist die Stadt, in der Superman, wie wir aus unzähligen Comics und Filmen wissen, lebt und die dort lebenden Menschen vor Bösewichtern wie Lex Luthor beschützt.
Dieser Lex Luthor plant jetzt wieder eine Schandtat, die Superman mit seinen Freunden von der Justice League verhindern wollen. Durch eine Verkettung unglücklicher Umstände landet etwas von dem besonderem Kryptonit, das Lex Luthor erfunden hat und das Superman kampfunfähig machen soll, in einem Tierheim.
Das dort in einem Käfig eingesperrte Meerschweinchen Lulu kostet von diesem Kryptonit, bekommt Superkräfte und als angehende Superbösewichtin plant sie sofort viele böse Taten.
Das will Krypto verhindern. Helfen sollen ihm dabei die anderen Tiere aus dem Tierheim, nämlich der Hund Ace, das Hängebauchschwein PB, die Schildkröte Merton und das Eichhörnchen Chip, die alle gerne neue menschliche Freunde hätten.
„DC League of Super Pets“ ist ein Trickfilm für Kinder. Nach einem charmantem Anfang wird schnell deutlich, dass die Regiseure Jared Stern (u. a. Co-Autor „The Lego Batman Movie“) und Sam J. Levine sich im wesentlichen damit zufrieden geben, eine altbekannte Story noch einmal zu erzählen. Nur dass jetzt Tiere weitgehend die Rollen der Superhelden und des Superbösewichts übernehmen. Es gibt einige Witze, etwas Action und für Erwachsene ziemlich viel Langeweile aufgrund geistiger Unterforderung.
Die Film-“League of Super Pets“ basiert teilweise auf Comic-Figuren, die als League of Super Pets ihren ersten Auftritt 1962 hatten. Davor traten sie bereits in Einzelcomics auf.
DC League of Super-Pets(DC League of Super-Pets, USA 2022)
Regie: Jared Stern, Sam J. Levine (Ko-Regie)
Drehbuch: Jared Stern, John Whittington
mit (im Original den Stimmen von) Dwayne Johnson, Kevin Hart, Kate McKinnon, John Krasinski, Vanessa Bayer, Natasha Lyonne, Diego Luna, Marc Maron, Keanu Reeves, Thomas Middleditch, Ben Schwartz, Olivia Wilde, Alfred Molina, Lena Headey
(in der deutschen Fassung den Stimmen von) Emilia Schüle, Tahnee, Enissa Amani, Torsten Sträter
Frankreich, frühe achtziger Jahre: in der Provinz betreiben die Brüder Jerôme und Philippe einen Piratensender. Jerôme ist der allgemein bewunderte Zampano. Philippe der stille Beobachter und Macher im Hintergrund. Das beginnt sich zu ändern, als sie sich in die gleiche Frau, die mit einer kleinen Tochter aus Paris zurückgekehrte Marianne, verlieben und Philippe als Soldat nach West-Berlin muss. Er kann beim britischen Militärsender, wo er den schillernden Moderator Dany trifft, arbeiten. Er überzeugt ihn mit einer spontanen Improvisation aus Tonbändern, die er live wild zusammenschneidet und mit allen Effekten, die das Studio hergibt, verfeinert. Dieser Moment, also das Zusammenschneiden eines Drei-Minuten-Stücks in drei Minuten, ist natürlich reinste Fantasy. So etwas hätte damals Tage, wenn nicht sogar Wochen, gedauert. Es ist trotzdem einer der schönsten Momente in diesem an schönen Momenten reichen Film.
In dem Sender überwindet Philippe seine Scheu vor dem Mikrofon, erkundet die pulsierende Berliner Musikszene und kehrt als anderer Mensch zurück in sein Dorf, wo die alten und neue Probleme auf ihn warten.
Beim Ansehen von Vincent Maël Cardonas „Die Magnetischen“ hat man das Gefühl, die kaum fiktionalisierten Jugenderinnerungen des Regisseurs zu sehen. So gut trifft Cardona das Gefühl vom gottverlassenen Leben in der Provinz, in der damals noch länger als in den Großstädten auf die neuesten Singles und Langspielplatten von angesagten Bands gewartet wurde. Liebevoll zusammengestellte Mixtapes wurden unter Freunden ausgetauscht und bis zum gehtnichtmehr gehört. Piratensender und, nennen wir es, ‚besondere‘ Radiosender spielten diese Singles von unbekannten Bands, die von radiohörenden Jugendlichen aufgenommen wurden (wenn sie nicht gerade darüber fluchten, dass der blöde Moderator mal wieder in den Song gequatscht hatte). Es war die Zeit nach Punk und vor dem Internet.
Dabei hat Cardona diese Zeit nicht erlebt. Er kam 1980 in der Bretagne auf die Welt und schrieb das Drehbuch zusammen mit den ungefähr gleichaltrigen Romain Compingt, Chloé Larouchi, Maël Le Garrec, Rose Philippon und Catherine Paillé. Sie wollten, so Cardona, „ermessen inwiefern die digitale Revolution die Welt verändert hat, in die wir hineingeboren wurden“. Und da sind die frühen achtziger Jahre wirklich ein Blick in eine andere, eine vordigitale Zeit, die inzwischen lang genug zurückliegt, um nostalgisch verklärt zu werden.
Es ist auch ein Blick, der sich ausschließlich auf die Liebesgeschichte und die Musik konzentriert. Politik wird nicht erwähnt. Angesichts der damaligen Proteste gegen die etablierte Politik, bei denen Jugendliche eine wichtige Rolle spielten, ist diese Lücke erstaunlich. Diese Lücke führt dazu, dass die vielfältigen, intensiven Verflechtungen zwischen Protest, Jugendprotest, Musik und Popkultur ignoriert werden. In „Die Magnetischen“ wird das Unbehagen an und der Protest gegen die Gesellschaft auf eine ästhetische Dimension, auf eine Frage der richtigen Musik, reduziert.
Die Story selbst ist vernachlässigbar in dieser Charaktestudie, die die Beschreibung eines Zustandes und eines mentalen Ortes ist. Entsprechend plötzlich kommt das Ende, das nicht von einer dramaturgischen Notwendigkeit oder Hollywood-Drehbuchkonventionen, sondern von der Laufzeit des Films diktiert wird. Das Ende, um im Duktus des Films zu bleiben, des Tonbands ist erreicht. Die Musikkassette ist voll.
Insofern ist „Die Magnetischen“ ein gelungenes Mixtape, das bei Älteren wohlige Erinnerungen heraufbeschwört und Jüngeren einen Einblick in eine noch gar nicht so lange zurück liegende, aber ganz andere Zeit gewährt.
Die Magnetischen (Les magnétiques, Frankreich/Deutschland 2021)
Regie: Vincent Maël Cardona
Drehbuch: Vincent Maël Cardona, Romain Compingt, Chloé Larouchi, Maël Le Garrec, Rose Philippon, Catherine Paillé
mit Thimotée Robart, Marie Colomb, Joseph Olivennes, Fabrice Adde, Louise Anselme, Younès Boucif, Maxence Tual, Judith Zins, Philippe Frécon
Indiekino über „Die Magnetischen“ (Zeitzeuge Tom Dorow über den Film und wie politisch es damals zwischen Hausbesetzung, Straßenprotest und Clubbesuch in Berlin war)
Andere Regisseure hätten aus dieser Geschichte wahrscheinlich eines dieser fiebrigen Melodramen gemacht, in denen die Kamera den Protagonisten atemlos in verwackelten, Authentizität suggerierenden Nahaufnahmen verfolgt.
C.B. Yi wählt in seinem Spielfilmdebüt einen anderen Weg. „Moneyboys“ ist ein sehr gut aussehendes Slow-Cinema-Drama. C.B. Yi erzählt die Geschichte von Fei, einem jungen Mann, der aus einem Dorf kommt und in einer chinesischen Großstadt sein Geld als Sexarbeiter verdient. Er hat Sex mit anderen Männern und ist auch selbst schwul. Mit diesem gesellschaftlich geächtetem und auch verbotenem Lebensstil kann er seine Familie unterstützen. Die nimmt das Geld, möchte aber nicht wissen, wo es herkommt.
Diese fragile Balance gerät, ziemlich spät im Film, aus dem Gleichgewicht, als Fei von einem Jugendfreund besucht wird, der in der gleichen Branche Geld verdienen möchte, und Fei, noch später, seine erste große Liebe, den Mann, der ihn in das Sexgeschäft einführte, wieder trifft. Er ist inzwischen verheiratet und hat mehrere Kinder.
C.B. Yi erzählt Feis Geschichte in langen, meist bewegungslosen Totalen. In diesem Bühnenbild bewegen die Schauspieler sich kaum. Es sind Bilder, die deswegen für die große Leinwand komponiert sind. Auf einem kleinen Bildschirm wirken sie wie Standbilder und der Film wie ein Hörspiel, in dem viel geschwiegen und wenig erklärt wird.
C.B. Yi kam als Dreizehnjähriger aus China nach Österreich zu seinen Eltern in die Provinz. Später studierte er in der Filmakademie Wien bei Michael Haneke.
Während eines Auslandsstudiums in Peking lernte er Mitstudierende kennen, die mit der Sexarbeit das Geld für ihr Studium verdienten, ihre Familie unterstützen und es verschweigen. C.B. Yi wollte darüber einen Dokumentarfilm machen. Nachdem er von seinem Lehrer Michael Haneke auf die möglichen Folgen für seine Interviewpartner hingewiesen wurde, entschloss er sich, einen Spielfilm darüber zu drehen. Das ermöglichte ihm beim Umgang mit dem Tabu-Thema größere Freiheiten. Die nutzte er dann nicht für eine besonders dramatische Geschichte über das chinesische Strichermilieu, ihre Probleme in der Gesellschaft und wie sie vom Staat verfolgt werden. Natürlich zeigt C.B. Yi die dunklen Seiten der Prostitution und die Zwänge der Arbeit, bei der die Jungs mehr oder weniger viel Zeit mit ihren Freiern verbringen. Er zeigt auch, unaufdringlich, wie die Modernisierung das Leben in China verändert.
Im Mittelpunkt von C.B. Yis universeller, in Taiwan gedrehter Geschichte steht Feis Gefühlsleben. Für Slow-Cinema-Fans ist der dieses Jahr mit dem Max-Ophüls-Preis ausgezeichnete Film ein Fest.
Kiss the Cook – So schmeckt das Leben! (Chef, USA 2014)
Regie: Jon Favreau
Drehbuch: Jon Favreau
Nachdem Starkoch Carl (Jon Favreau) gefeuert wird, macht er sich mit seinem elfjährigem Sohn und seinem Sous-Chef in einem Imbisswagen auf den Weg von Miami quer durch die Südstaaten zurück nach Los Angeles.
„Kiss the Cook“ ist ein sympathisches Feelgood-Movie, in dem etliche Stars kurze, oft prägnante Auftritte haben und man mit den drei Männern im Imbisswagen „El Jefe“ gerne seine Zeit verbringt. Nur hungrig sollte man nicht sein.
mit Jon Favreau, Emjay Anthony, Sofia Vergara, John Leguizamo, Scarlett Johansson, Oliver Platt, Bobby Cannavale, Amy Sedaris, Dustin Hoffman, Robert Downey jr.
Julio Blanco hält in seiner Fabrik eine dieser salbadernden Reden, die Chefs bei wichtigen Anlässen halten und die ihre Angestellte klaglos über sich ergehen lassen. Der Chef des Familienunternehmens für Industriewaagen sagt, sie alle seien eine Familie, er betont erhaltene Auszeichnungen und deutet an, dass sie, also er, demnächst eine weitere Auszeichnung erhalten könnten. Nämlich den für exzellente Unternehmensführung, verliehen von der Regionalregierung. In den nächsten Tage werde das Auswahlkomitee überraschend die Firma besuchen und dann entscheiden, welcher der Finalisten den Preis erhalten wird.
Bis es soweit ist, vergehen noch einige Tage. Was an diesen Tagen geschieht, erzählt Fernando León de Aranoa („Loving Pablo“) in seiner sanften Satire „Der perfekte Chef“ in der Form einer Chronik. Wochentag folgt auf Wochentag. Figuren werden eingeführt. Manche von ihnen haben Probleme. Ereignisse werden präsentiert, ohne dass über eine lange Zeit deutlich wird, warum sie wichtig sind oder welche Entwicklungen sie auslösen könnten. Es ist wie die Lektüre eines Tagebuches, in das der Schreiber einfach einträgt, was ihm an dem Tag zugestoßen ist. Das ist im Fall von Blanco die Begegnung mit einer jungen, ehrgeizigen Praktikantin, die seine Tochter sein könnte (ist sie nicht). Die Bitte eines Angestellten um Hilfe in einer schwierigen Situation. Blanco hilft, weil ein guter, ein perfekter Chef, das tut. Und weil er das Problem mit einem Anruf lösen kann. Er ärgert sich über einen ehemaligen Angestellten, der lautstark vor dem Firmentor protestiert. Er ärgert sich noch mehr darüber, dass er nichts dagegen tun kann, weil der ehemalige Angestellte das auf einem Stück Land tut, auf dem er ungestört protestieren darf. Und er kümmert sich um die perfekte Ausrichtung der Waage am Firmentor.
Auf den ersten Blick wirkt Blanco wie ein Biedermann, der keiner Fliege etwas antun kann und der immer etwas überfordert von den verschiedenen Anforderungen und Wünschen seiner Angestellten ist. Bardem zeigt allerdings immer, dass das nur der äußere Schein ist. Blanco ist ein hochgradig egoistischer und egozentrischer Mann, der seine Interessen ummäntelt mit dem Wohl der Firma.
Diese Scheinheiligkeit des Firmeninhabers offenbart León de Aranoa schon in den ersten Minuten seiner schwarzen Satire, die eher zum Schmunzeln als zum Lachen anregt. Nach der entlarvenden Ansprache in der Firma zeigt León de Aranoa Blanco und seine Frau beim sonntäglichen Frühstück im Garten. Während sie essen, repariert ein Mann am Swimmingpool eine Pumpe. Auf die Frage seiner Frau, wer das sei, antwortet Blanco seelenruhig und mit einem leicht abschätzigem Tonfall, das sei einer seiner Angestellten. Auf die anschließend schüchtern von ebenjenem Angestellten vorgetragene Bitte, seinem wegen einer nächtlichen Schlägerei inhaftiertem Sohn zu helfen, reagiert Blanco zunächst ablehnend. Auf Bitten seiner Frau und weil ein guter Patriarch das tut, tätigt er dann gönnerhaft einen Anruf bei einem hochrangigem Freund. Das Problem ist gelöst und mindestens zwei Menschen sind Blanco einen Gefallen schuldig.
Alles was in den folgenden gut zwei Stunden über Blanco enthüllt wird, bestätigt nur den ersten Eindruck.
Aber dank Javier Bardems grandiosem Spiel ist „Der perfekte Chef“ sehenswert. Als Schauspielerkino, nicht als Satire.
Der perfekte Chef(El buen patrón, Spanien 2021)
Regie: Fernando León de Aranoa
Drehbuch: Fernando León de Aranoa
mit Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo, Martín Páez, Yaël Belicha, Mara Guil, Nao Albet, María de Nati
Sehenswertes Biopic über „Beach Boys“-Mastermind Brian Wilson, das sich auf zwei wichtige Abschnitte in Wilsons Leben konzentriert: die Arbeit an der legendären, die Popmusik verändernden LP „Pet Sounds“ und sein Leben in den 80er Jahren als Patient des gemeingefährlichen Dr. Eugene Landy, der nichts von Wilsons neuer Bekanntschaft hält.
„Love & Mercy“ ist nicht am chronologischen Abhandeln einer Musikerbiographie, sondern am Porträtieren eines schwierigen Charakters an zwei entscheiden Punkten seines Lebens interessiert.
Vielleicht liegen in einigen Antiquariaten oder auf staubigen Dachböden noch einige Exemplare von Charles Berlitz‘ „Das Bermuda-Dreieck: Fenster zum Kosmos?“ und thematisch ähnlichen Sachbüchern herum. Schließlich waren sie vor vierzig, fünfzig Jahren Besteller, die als „Sachbuch“ verkauft wurden, letztendlich aber eine Mischung aus wilder Spekulation und Seemannsgarn sind. Das Bermuda-Dreieck war damals populär und allgemein bekannt als das Gebiet im Atlantik zwischen Florida, Puerto Rico und Bermuda, in dem unglaublich viele Schiffe und Flugzeuge spurlos und unter mysteriösen Umständen verschwinden. Erklärt wurde das mit allem möglichen vom Wetter (uncool) bis hin zu Außerirdischen (cool).
Wenn jetzt ein Comic erscheint, der sich „Bermuda“ nennt und in eben jener Gegend spielt, dann ist klar, dass eben jene Mythologie ein Teil der von John Layman erfundenen, Nick Bradshaw gezeichneten und Len O’Grady sehr farbenfroh kolorierten Geschichte ist.
Während eines Flugs gerät ein Privatflugzeug mit Robert ‚Bobby‘ Randolph und seiner siebenjährige Schwester Andi in einen Gewittersturm. Gut dreihundert Kilometer vor der Küste wird das Flugzeug getroffen und stürzt in den Atlantik. Aber es stürzt nicht ins Meer, sondern auf eine Insel, die es nicht geben sollte.
Auf der Insel sind Urviecher, vulgo Dinosaurier und noch seltsamere Kreaturen, Nachfahren von vor Jahrhunderten gestrandeten Seeräubern und die rothaarige sechzehnjährige Bermuda, die alle Gefahren der Insel kennt.
Weil Bobby und Andi bei der Bruchlandung getrennt wurden, will Bobby seine Schwester finden. Das ist leichter gesagt als getan.
Während er und Bermuda, die dem gleichaltrigem Jungen notgedrungen hilft, auf der Insel allerlei Gefahren trotzen, wissen wir, dass Randolph Inc., die Firma von Bobbys Vaters, für den Sturm verantwortlich war und bald noch schlimmere Dinge passieren könnten.
„Bermuda“ ist eine fetzige Abenteuergeschichte mit einer taffen Heldin und wundervoll abgedrehten Bedrohungen, über die hier nichts verraten werden soll.
Die beste aller Welten (Österreich/Deutschland 2017)
Regie: Adrian Goiginger
Drehbuch: Adrian Goiginger
Starkes autobiographisches Drama über einen Jungen und seine drogensüchtige Mutter, die ihn in einer Sozialsiedlung am Stadtrand von Salzburg groß zieht. Sie sind arm. Aber sind sie auch glücklich?
Bald ist es soweit: der neue Film mit Brad Pitt startet Anfang August in den Kinos. Die Werbemaschine mit Trailern, Pressekonferenzen und Autogrammen auf dem roten Teppich läuft und erzeugt die notwendige Aufmerksamkeit für die Actionkomödie, die auf einem Roman von Kotaro Isaka basiert.
In Japan ist der 1971 geborene Isaka ein Bestsellerautor. Bis jetzt veröffentlichte er 24 Romane. Er erhielt mehrere Preise, unter anderem von den Mystery Writers of Japan, und mehrere seiner Bücher waren für den prestigeträchtigen Naoki-Preis nominiert. Übersetzungen erschienen bereits in den USA, China, Korea, Frankreich und Italien. Mehrere seiner Bücher wurden verfilmt.
„Bullet Train“, die Vorlage für die gleichnamige Verfilmung, erschien im Frühling auf Deutsch und es ist der erste ins Deutsche übersetzte Roman von Kotaro Isaka. Im Original erschien der Thriller bereits 2010. Für die Romangeschichte ist das Jahr egal. Sie spielt in einem etwas zeitlosem Paralleluniversum, in dem es Mobiltelefone und jugendliche Killer gibt und sich niemand darüber wundert.
Satoshi Oji, genannt „Der Prinz“, ist dieser jugendliche Killer. Er ist ein vierzehnjähriger hochintelligenter und hochgradig psychopathischer Schüler, der seine Mitschüler terrorisiert und bereits für mehrere Morde verantwortlich ist. Eines seiner Opfer ist Wataru Kimura. Der Sechsjährige liegt im Krankenhaus im Koma. Sein Vater Yuichi Kimura will Oji dafür töten. Früher war Kimura ein Profikiller, heute ist er ein alleinerziehender Alkoholiker.
Kimura steigt in Tokio in den Shinkansen Hayate. Neben ihm und Oji sind noch ungefähr drei weitere Killer im Zug, die nichts voneinander wissen, aber bis zur Endstation aufeinandertreffen. Einige von ihnen überleben die Begegnung nicht.
Die Prämisse von „Bullet Train“ – Ein Zug, fünf Killer, ein Koffer voller Geld: Wer überlebt? – ist so einfach wie genial. Schließlich hat sie, ohne dass der Autor lange überlegen muss, das Potential für einige Körperverletzungen, Straftaten und, selbstverständlich, Morde. Dass da schnell an eine Verfilmung gedacht wird, ist nachvollziehbar. Doch dazu später mehr. Bleiben wir zuerst bei dem Roman.
Er beginnt mit der Zugabfahrt. Fünf Seiten später befindet sich Kimura, gefesselt an einen Sitzplatz, in der Gewalt von Oji. Auf den nächsten Seiten stellt Isaka die anderen Killer vor, die ebenfalls in dem fast leeren Hochgeschwindigkeitszug mitfahren.
Das sind die beiden Killer Lemon und Tangerine, die oft für Zwillinge gehalten werden (sind sie nicht) und „Die Zitrusfrüchte“ genannt werden. Tangerine liebt klassiche Literatur. Lemon liebt eine alte Kinder-TV-Serie über Thomas, die kleine Lokomotive und seine Freunde. Er kennt alle Loks und ihre Eigenschaften. Bei ihnen ist Minegishi Junior, der von ihnen aus den Händen von Entführern befreite Sohn eines Gangsterbosses, und der Koffer mit dem Lösegeld. Dummerweise verschwindet der Koffer spurlos und Minegishi Junior verstirbt einfach so im Zug. Weil sein Vater Yoshio Minegishi einer dieser knallharten Gangsterbosse, der Fehler mit dem Tod bestraft, ahnen Lemon und Tangerine, dass das ihr Todesurteil ist.
Fünfter im Bunde ist Nanao, genannt „Der Marienkäfer“. Er soll einen Koffer klauen. Dummerweise ist er vom Pech verfolgt und damit eigentlich der ungeeignetste Mann für alle halb- und illegalen Aufträge.
Im Lauf der Geschichte stoßen weitere Killer, auch eine unscheinbar aussehende Killerin, mit teils sehr speziellen Mordmethoden dazu.
Das klingt jetzt nach einem großen Spaß: auf gut vierhundert Seiten machen sich ein über ein halbes Dutzend Killer während einer kurzen Zugfahrt in einem Hochgeschwindigkeitszug das Leben zur Hölle. Doch schnell wird „Bullet Train“ zu einer ziemlich eintönigen Zeitschinderei. Die Killer laufen immer wieder durch den Zug, lassen einen Koffer mal verschwinden, mal wieder auftauchen, nur um zu sehen, wie die anderen Passagiere darauf reagieren. Die Story bringt dieses Versteckspiel nicht voran.
Die Figuren bleiben bei diesem Hin- und Hergerenne im Zug eindimensionale Comicfiguren. Jede von ihnen hat ein, zwei Gimmicks (wie eine Leidenschaft für Thomas, die kleine Lokomotive, oder immerwährendes Pech), die ihnen einen Wiedererkennungswert, aber keine Persönlichkeit verschaffen. Sie haben keine weitergehende Motive, Ziele und Wünsche. Sie wollen nur einen Auftrag zu erledigen. Hindernisse werden aus dem Weg geräumt. Und wenn das Hindernis ein Mensch ist, wird dieser irgendwann getötet.
Problematisch ist die von Isaka gewählte Struktur. Er wechselt nämlich kontinuierlich zwischen den verschiedenen Killern. Etliche Ereignisse erzählt er aus mehreren Perspektiven. Beim Lesen stellt sich, weil wir die gleichen Ereignisse zuerst aus der Perspektive von dem einen Killer, dann aus der von einem anderen Killer noch einmal erfahren, schnell das Gefühl des Stillstands ein. Ich hatte beim Lesen sogar den Verdacht, dass ich, wenn ich nur die Geschichte von einem der Killer verfolgen und die anderen Kapitel überblättern würde, nichts wesentliches verpassen würde.
Gleichzeitig hatte ich das Gefühl, dass der Thriller mit seinen überraschenden Wendungen, die deutlich von asiatischen Actionfilmen und Mangas inspiriert sind, mir als Teenager gefallen hätte.
Die Rechte für die Verfilmung gingen dann nach Hollywood. Aus einem harten Actionthriller wurde letztendlich eine Actionkomödie. Aus den im Buch rein japanischen Killern wurde eine beachtliche Hollywood-Starbesetzung, die sich im Shinkansen das Leben zur Hölle macht und versucht, sich gegenseitig umzubringen. Also nicht die Schauspieler, sondern die von ihnen gespielten Figuren.
Kotaro Isaka: Bullet Train
(übersetzt von Katja Busson)
Hoffmann und Campe, 2022
384 Seiten
22 Euro
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Originalausgabe
Mariabitoru
Kadokawa, Tokio, 2010
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Die Verfilmung (startet am 4. August; die Besprechung gibt es zum Kinostart)
Eigentlich sollte das tolle Justizdrama „Vergiftete Wahrheit“ der heutige Tagestipp werden. Aber weil im Ersten das Halbfinale der Frauen-EM übertragen wird (wogegen wenig gesagt werden kann), ist die TV-Premiere von Todd Haynes‘ Film (mit einem grandiosem Mark Ruffalo in der Hauptrolle) jetzt nicht mehr für 22.50 Uhr, sondern für 23.45 Uhr angekündigt. Deshalb gibt es für die Nicht-Fußball-Fans, wieder einmal
Leonardo DiCaprio spielt einen Spion, der sich in die Gehirne von anderen Menschen einloggt. Jetzt soll er allerdings nichts ausspionieren, sondern eine schädliche Idee in das Gehirn seines Opfers implantieren.
Die Kritiker waren begeistert von “Batman“ Christopher Nolans Mindfuck. Die Zuschauer ebenso. Die Kinobetreiber zählten strahlend die verkauften Eintrittskarten. Denn „Inception“ ist ein inzwischen seltenes Beispiel für Blockbusterkino, bei dem man sein Gehirn nicht an der Kinokasse abgeben muss.
mit Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Ken Watanabe, Cillian Murphy, Tom Berenger, Marion Cotillard, Pete Postlethwaite, Michael Caine, Lukas Haas
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 