Arte, 21.10
Arbeit ohne Sinn (The happy worker, Finnland 2022)
Regie: John Webster
Buch: John Webster, Eveliina Kantola
Unzufrieden mit ihrer Arbeit? Sie sind nicht allein. Warum immer mehr Menschen mit ihrer Arbeit im Büro, den Inhalten und der Struktur, unzufrieden sind, versucht John Webster in seinem spielfilmlangen Dokuessay herauszufinden.
Hinweis
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Veröffentlicht von AxelB
Die Hollywood Foreign Press Association (HFPA) hat vorher die Nominierungen für die 80. Golden Globes veröffentlicht. Die Preisverleihung ist am 10. Januar 2023.
BEST MOTION PICTURE – DRAMA
AVATAR: THE WAY OF WATER (Walt Disney Studios Motion Pictures)
THE FABELMANS (Universal Pictures)
TÁR (Focus Features)
TOP GUN: MAVERICK (Paramount Pictures)
(weil ich schon alle Filme kenne: Steven Spielbergs „The Fabelmans“, eine Quasi-Biopic über seine Kindheit und Jugend, dürfte den Preis erhalten.)
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BEST MOTION PICTURE – MUSICAL OR COMEDY
BABYLON (Paramount Pictures)
THE BANSHEES OF INISHERIN (Searchlight Pictures)
EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE (A24)
GLASS ONION: A KNIVES OUT MYSTERY (Netflix)
(hier kenne ich nicht alle Filme. Erstaunlicherweise sind sie dieses Mal sogar wirklich „Komödien“. Trotzdem geht mein Votum an Martin McDonaghs Schwarze Komödie „The Banshees of Inisherin“.)
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BEST MOTION PICTURE – ANIMATED
GUILLERMO DEL TORO’S PINOCCHIO (Netflix)
INU-OH (GKIDS)
MARCEL THE SHELL WITH SHOES ON (A24)
PUSS IN BOOTS: THE LAST WISH (Universal Pictures)
TURNING RED (Walt Disney Studios Motion Pictures)
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BEST MOTION PICTURE – NON-ENGLISH LANGUAGE (FORMERLY FOREIGN LANGUAGE)
ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT (GERMANY) (Netflix)
ARGENTINA, 1985 (ARGENTINA) (Amazon Prime Video)
CLOSE (BELGIUM / FRANCE / NETHERLANDS) (A24)
DECISION TO LEAVE (SOUTH KOREA) (MUBI)
RRR (INDIA) (Variance Films)
(allein weil „RRR“ derzeit ein weltweites Phänomen ist, dürfte er den Preis erhalten.)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A MOTION PICTURE – DRAMA
CATE BLANCHETT (TÁR)
OLIVIA COLMAN (EMPIRE OF LIGHT)
ANA DE ARMAS (BLONDE)
MICHELLE WILLIAMS (THE FABELMANS)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A MOTION PICTURE – DRAMA
AUSTIN BUTLER (ELVIS)
BRENDAN FRASER (THE WHALE)
HUGH JACKMAN (THE SON)
BILL NIGHY (LIVING)
JEREMY POPE (THE INSPECTION)
–
BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A MOTION PICTURE – MUSICAL OR COMEDY
LESLEY MANVILLE (MRS. HARRIS GOES TO PARIS)
MARGOT ROBBIE (BABYLON)
EMMA THOMPSON (GOOD LUCK TO YOU, LEO GRANDE)
MICHELLE YEOH (EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE)
–
BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A MOTION PICTURE – MUSICAL OR COMEDY
DIEGO CALVA (BABYLON)
DANIEL CRAIG (GLASS ONION: A KNIVES OUT MYSTERY)
COLIN FARRELL (THE BANSHEES OF INISHERIN)
RALPH FIENNES (THE MENU)
–
BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE IN ANY MOTION PICTURE
ANGELA BASSETT (BLACK PANTHER: WAKANDA FOREVER)
KERRY CONDON (THE BANSHEES OF INISHERIN)
JAMIE LEE CURTIS (EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE)
DOLLY DE LEON (TRIANGLE OF SADNESS)
–
BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A SUPPORTING ROLE IN ANY MOTION PICTURE
BRENDAN GLEESON (THE BANSHEES OF INISHERIN)
BARRY KEOGHAN (THE BANSHEES OF INISHERIN)
BRAD PITT (BABYLON)
KE HUY QUAN (EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE)
EDDIE REDMAYNE (THE GOOD NURSE)
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BEST DIRECTOR – MOTION PICTURE
JAMES CAMERON (AVATAR: THE WAY OF WATER)
DANIEL KWAN, DANIEL SCHEINERT (EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE)
BAZ LUHRMANN (ELVIS)
MARTIN MCDONAGH (THE BANSHEES OF INISHERIN)
STEVEN SPIELBERG (THE FABELMANS)
(Uhuh, Steven Spielberg?)
–
BEST SCREENPLAY – MOTION PICTURE
TODD FIELD (TÁR)
DANIEL KWAN, DANIEL SCHEINERT (EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE)
MARTIN MCDONAGH (THE BANSHEES OF INISHERIN)
SARAH POLLEY (WOMEN TALKING)
STEVEN SPIELBERG, TONY KUSHNER (THE FABELMANS)
(Auch ohne „Women talking“ zu kennen, könnte Spielberg hier wieder gewinnen. Auch wenn ich Martin McDonagh den Drehbuch- und den Regiepreis gönnen würde. Aber seine Komödie ist gegenüber Spielbergs nostalgischen Kindheits- und Jugenderinnerungen dann doch eine arg schwere Kost.)
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BEST ORIGINAL SCORE – MOTION PICTURE
CARTER BURWELL (THE BANSHEES OF INISHERIN)
ALEXANDRE DESPLAT (GUILLERMO DEL TORO’S PINOCCHIO)
HILDUR GUÐNADÓTTIR (WOMEN TALKING)
JUSTIN HURWITZ (BABYLON)
JOHN WILLIAMS (THE FABELMANS)
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BEST ORIGINAL SONG – MOTION PICTURE
“CAROLINA” — WHERE THE CRAWDADS SING (Music by: Taylor Swift, Lyrics by: Taylor Swift)
“CIAO PAPA” — GUILLERMO DEL TORO’S PINOCCHIO (Music by: Alexandre Desplat, Lyrics by: Roeban Katz, Guillermo del Toro)
“HOLD MY HAND” — TOP GUN: MAVERICK (Music by: Lady Gaga, BloodPop, Benjamin Rice, Lyrics by: Lady Gaga, BloodPop)
“LIFT ME UP” — BLACK PANTHER: WAKANDA FOREVER (Music by: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson, Lyrics by: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson)
“NAATU NAATU” — RRR (Music by: M.M. Keeravani, Lyrics by: Kala Bhairava, Rahul Sipligunj)
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(Ist noch jemand beim Lesen der Namen? Denn nach den Spielfilm-Nominierungen kommen die TV-Nominierungen. )
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BEST TELEVISION SERIES – DRAMA
BETTER CALL SAUL (AMC+/AMC)
THE CROWN (NETFLIX)
HOUSE OF THE DRAGON (HBO MAX)
OZARK (NETFLIX)
SEVERANCE (APPLE TV+)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A TELEVISION SERIES – DRAMA
EMMA D’ARCY (HOUSE OF THE DRAGON)
LAURA LINNEY (OZARK)
IMELDA STAUNTON (THE CROWN)
HILARY SWANK (ALASKA DAILY)
ZENDAYA (EUPHORIA)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A TELEVISION SERIES – DRAMA
JEFF BRIDGES (THE OLD MAN)
KEVIN COSTNER (YELLOWSTONE)
DIEGO LUNA (ANDOR)
BOB ODENKIRK (BETTER CALL SAUL)
ADAM SCOTT (SEVERANCE)
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BEST TELEVISION SERIES – MUSICAL OR COMEDY
ABBOTT ELEMENTARY (ABC)
THE BEAR (FX)
HACKS (HBO MAX)
ONLY MURDERS IN THE BUILDING (HULU)
WEDNESDAY (NETFLIX)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A TELEVISION SERIES – MUSICAL OR COMEDY
QUINTA BRUNSON (ABBOTT ELEMENTARY)
KALEY CUOCO (THE FLIGHT ATTENDANT)
SELENA GOMEZ (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
JENNA ORTEGA (WEDNESDAY)
JEAN SMART (HACKS)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A TELEVISION SERIES – MUSICAL OR COMEDY
DONALD GLOVER (ATLANTA)
BILL HADER (BARRY)
STEVE MARTIN (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
MARTIN SHORT (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
JEREMY ALLEN WHITE (THE BEAR)
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BEST TELEVISION LIMITED SERIES, ANTHOLOGY SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION
BLACK BIRD (APPLE TV+)
DAHMER – MONSTER: THE JEFFREY DAHMER STORY (NETFLIX)
THE DROPOUT (HULU)
PAM & TOMMY (HULU)
THE WHITE LOTUS (HBO MAX)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A LIMITED SERIES, ANTHOLOGY SERIES, OR A MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION
JESSICA CHASTAIN (GEORGE & TAMMY)
JULIA GARNER (INVENTING ANNA)
LILY JAMES (PAM & TOMMY)
JULIA ROBERTS (GASLIT)
AMANDA SEYFRIED (THE DROPOUT)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A LIMITED SERIES, ANTHOLOGY SERIES, OR A MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION
TARON EGERTON (BLACK BIRD)
COLIN FIRTH (THE STAIRCASE)
ANDREW GARFIELD (UNDER THE BANNER OF HEAVEN)
EVAN PETERS (DAHMER – MONSTER: THE JEFFREY DAHMER STORY)
SEBASTIAN STAN (PAM & TOMMY)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE IN A LIMITED SERIES, ANTHOLOGY SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION
JENNIFER COOLIDGE (THE WHITE LOTUS)
CLAIRE DANES (FLEISHMAN IS IN TROUBLE)
DAISY EDGAR-JONES (UNDER THE BANNER OF HEAVEN)
NIECY NASH (DAHMER – MONSTER: THE JEFFREY DAHMER STORY)
AUBREY PLAZA (THE WHITE LOTUS)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A SUPPORTING ROLE IN A LIMITED SERIES, ANTHOLOGY SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION
F. MURRAY ABRAHAM (THE WHITE LOTUS)
DOMHNALL GLEESON (THE PATIENT)
PAUL WALTER HAUSER (BLACK BIRD)
RICHARD JENKINS (DAHMER – MONSTER: THE JEFFREY DAHMER STORY)
SETH ROGEN (PAM & TOMMY)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE IN A MUSICAL-COMEDY OR DRAMA TELEVISION SERIES
ELIZABETH DEBICKI (THE CROWN)
HANNAH EINBINDER (HACKS)
JULIA GARNER (OZARK)
JANELLE JAMES (ABBOTT ELEMENTARY)
SHERYL LEE RALPH (ABBOTT ELEMENTARY)
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BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A SUPPORTING ROLE IN A MUSICAL-COMEDY OR DRAMA TELEVISION SERIES
JOHN LITHGOW (THE OLD MAN)
JONATHAN PRYCE (THE CROWN)
JOHN TURTURRO (SEVERANCE)
TYLER JAMES WILLIAMS (ABBOTT ELEMENTARY)
HENRY WINKLER (BARRY)
–
Für alle dir durchgehalten hagen, gibt es jetzt eine Liste, in der Steht, wie viele Nominierungen jeder Spielfilm erhalten hat. Die TV-Nominierungen lasse ich mal weg:
The Banshees of Inisherin 8
Everything Everywhere All at Once 6
Babylon 5
The Fabelmans 5
Elvis 3
Guillermo del Toro’s Pinocchio 3
TÁR 3
Avatar: The Way of Water 2
Black Panther: Wakanda Forever 2
Glass Onion: A Knives Out Mystery 2
The Menu 2
RRR 2
Top Gun: Maverick 2
Triangle of Sadness 2
Women Talking 2
All Quiet on the Western Front 1
Argentina, 1985 1
Blonde 1
Close 1
Decision to Leave 1
Empire of Light 1
Good Luck to You, Leo Grande 1
The Good Nurse 1
The Inspection 1
Inu-Oh 1
Living 1
Marcel the Shell with Shoes On 1
Mrs. Harris Goes to Paris 1
Puss in Boots: The Last Wish 1
She Said 1
The Son 1
Turning Red 1
The Whale 1
Where the Crawdads Sing 1
White Noise 1
The Woman King 1
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Veröffentlicht von AxelB
ARD, 00.20
Alles ist Eins. Außer der 0. (Deutschland 2020)
Regie: Klaus Maeck, Tanja Schwerdorf
Drehbuch: Klaus Maeck, Tanja Schwerdorf
TV-Premiere (zu einer unmöglichen Uhrzeit) der sehr gelungenen, informativen und kurzweiligen Doku über den 1981 gegründeten Chaos Computer Club und seinen visionären Gründer Wau Holland, der die Utopie eines freien Internets hatte. Noch bevor die Welt das Internet kannte.
Hinweise
Filmportal über über „Alles ist Eins. Außer der 0.“
Moviepilot über „Alles ist Eins. Außer der 0.“
Wikipedia über Wau Holland und den Chaos Computer Club
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Veröffentlicht von AxelB
Arte, 20.15
Catch me if you can (Catch me if you can, USA 2002)
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: Jeff Nathanson
LV: Frank Abagnale (mit Stan Redding): Catch me if you can: The Amazing True Story of the Youngest and Most Daring Con Man in the History of Fun and Profit, 1980 (Mein Leben auf der Flucht, Catch me if you can)
Spielberg erzählt kurzweilig die wahre Geschichte des Hochstaplers Frank Abagnale. Der Film „ist eine swingende, schwerelose Krimikomödie, die durch Tempo, Charme und Verspieltheit überzeugt.“ (Berliner Zeitung, 30. Januar 2003)
Mit Leonardo DiCaprio, Tom Hanks, Christopher Walken, Martin Sheen, Nathalie Baye, James Brolin, Jennifer Garner
Wiederholung: Freitag, 16. Dezember, 14.15 Uhr
Hinweise
Wikipedia über “Catch me if you can” (deutsch, englisch)
Rotten Tomatoes über “Catch me if you can”
History vs. Hollywood überprüft den Wahrheitsgehalt der Hochstaplergeschichte
Meine Besprechung von Steven Spielbergs “Gefährten” (War Horse, USA 2011)
Meine Besprechung von Steven Spielbergs “Lincoln” (Lincoln, USA 2012)
Meine Besprechung von Steven Spielbergs „BFG – Big Friendly Giant (The BFG, USA 2016)
Meine Besprechung von Steven Spielbergs „Die Verlegerin“ (The Post, USA 2017)
Meine Besprechung von Steven Spielbergs „Ready Player One“ (Ready Player One, USA 2018)
Meine Besprechung von Steven Spielbergs „West Side Story“ (West Side Story, USA 2021)
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Veröffentlicht von AxelB
Was hat Maria Schrader vor „She said“ gemacht? Nun:
NDR, 20.15
Ich bin dein Mensch (Deutschland 2021)
Regie: Maria Schrader
Drehbuch: Jan Schomburg, Maria Schrader
LV: Emma Braslavsky: Ich bin dein Mensch, 2019 (Kurzgeschichte, in „2029 – Geschichten von Morgen“)
Die Wissenschaflerin Alma soll über mehrere Wochen mit einem humanoiden Roboter zusammenleben und anschließend einen Forschungsbericht über die gemeinsame Zeit verfassen. Es geht um die Frage, ob humanoide Roboter Menschenrechte bekommen sollen.
„Ich bin dein Mensch“ ist ein feiner, auf der Berlinale abgefeierter, zum Nachdenken anregender Science-Fiction-Film und einer der besten deutschen Filme des Jahres. Er erhielt, unter anderem, vier deutsche Filmpreise als bester Film, für die beste Regie, das beste Drehbuch und die beste Hauptrolle.
Mehr in meiner ausführlichen Besprechung.
mit Maren Eggert, Dan Stevens, Sandra Hüller, Hans Löw, Wolfgang Hübsch, Annika Meier, Falilou Seck, Jürgen Tarrach, Henriette Richter-Röhl, Monika Oschek
Hinweise
Filmportal über „Ich bin dein Mensch“
Moviepilot über „Ich bin dein Mensch““
Rotten Tomatoes über „Ich bin dein Mensch“
Wikipedia über „Ich bin dein Mensch“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Maria Schraders „Ich bin dein Mensch“ (Deutschland 2021)
Meine Besprechung von Maria Schraders „She said“ (She said, USA 2022)
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Veröffentlicht von AxelB
Der 1936 in der Bronx, New York City, geborene Don DeLillo zählt zu den wichtigsten zeitgenössischen US-amerikanischen Schriftstellern. „Americana“, seinen ersten Roman, veröffentlichte er 1971. 1985 hatte er mit „Weißes Rauschen“ (White Noise) seinen Durchbruch. Zu seinen seitdem erschienenen Werken gehören „Sieben Sekunden“ (Libra, 1988), „Mao II.“ (1991), „Unterwelt“ (Underworld, 1997; allein schon wegen seines Umfangs von knapp tausend Seiten erschlagend) und „Cosmopolis“ (2003). Er gehört zu der sehr losen Gruppe der Postmodernisten – und das ist auch schon die Erklärung, warum die IMDb nur sechs Verfilmungen auflistet. Zwei sind Originaldrehbücher ohne eine literarische Vorlage. Zwei sind Kurzfilme. Eine Verfilmung ist eine französische Produktion, die bei uns anscheinend nie gezeigt wurde. Die bekannteste DeLillo-Verfilmung ist David Cronenbergs „Cosmopolis“. Sie basiert auf einem zweihundertseitigem Buch, in dem DeLillo eine ziemlich gradlinige Geschichte erzählt. Das erleichtert die Verfilmung. Denn normaleweise sind die Bücher der Postmodernisten, wozu auch Thomas Pynchon, Kurt Vonnegut, Joseph Heller und Paul Auster gehören, unverfilmbar. Aber eine grandiose Lektüre.
Der neueste Versuch einen Roman von Don DeLillo zu verfilmen, ist von Noah Baumbach. Er nahm sich „Weißes Rauschen“ vor. Netflix gab ihm das Geld und dort ist die Satire ab dem 30. Dezember zu sehen. Bis dahin kann sie im Kino angesehen werden. Das ist der Ort, für den Baumbach seinen Film inszenierte. Denn jedes Bild ist für die große Leinwand komponiert. Einige Bilder entfalten erst dort ihre volle Wirkung.
Die Story hat Baumbach von DeLillo übernommen. Im Mittelpunkt steht Jack Gladney (Adam Driver). Er ist in der Provinz im College-on-the-Hill Professor für Geschichte, Experte für Adolf Hitler, verheiratet mit Babette (Greta Gerwig) und Erzieher von vier aus unterschiedlichen Ehen stammenden Kindern. Vor allem mit seinem Kollegen Murray Siskind (Don Cheadle), Experte für Elvis Presley und Autounfälle in Filmen, redet er über alles, was gerade an tages- und gesellschaftspolitisch wichtigen Themen diskutiert werden kann.
Der Film zeigt ihn im Gespräch mit seiner Frau und seinen Kindern und mit seinen Kollegen. Am Frühstückstisch, in der Universität und im Lebensmittelgeschäft.
In der Mitte des Films ereignet sich, wie im Roman, das „Airborne Toxic Event“. Bei einem Zugunfall treten unbekannte, möglicherweise tödliche, aber vielleicht auch vollkommen harmlose Gase aus. Als die Wolke sich ihrem Ort nähert, zwingt die Regierung alle Einwohner, sofort ihre Wohnung zu verlassen. In einem Ferienlager verbringen die Gladneys mit vielen anderen Menschen, die ebenfalls vor der Giftwolke geflüchtet sind, einige Tage. Nach einem Alarm flüchten sie kopflos. Gladney will auf ihrer Flucht vor der Wolke nicht mit den anderen Menschen in einem Stau stehen. Er wählt kopflos eine andere Route, steuert sein Auto mit seiner Familie panisch durch den Wald in einen Fluss. Sie treiben etwas flussabwärts und stehen etwas später im Stau.
Seine Frau Babette betrügt ihn und nimmt Dylar, eine Droge, über die nichts bekannt ist und die erhebliche Nebenwirkungen hat. Aber sie könnte Menschen helfen, die unter Todesangst leiden. Sie könnte mit dem Wissen der Regierung ausprobiert werden; – oder nicht.
Und dann endet der Film in einer Tanzszene in einem Supermarkt.
Das ist keine Geschichte im traditionellem Sinn, sondern eine ermüdende Abfolge von Ereignissen, die auch in irgendeiner anderen Reihenfolge präsentiert werden könnten. Oft wird auf eindeutige Erklärungen zugunsten eines Potpourris alternativer Erklärungen, absurder Erklärungen, Nicht-Erklärungen oder Verschwörungstheorien verzichtet. Es gibt Konsumkritik und Kritik am ‚american way of life‘, die vor gut vierzig Jahren neu war. Heute wirkt sie wie die nostalgische Erinnerung an eine bessere und einfachere Zeit. Natürlich ist alles immer etwas absurd und, wie der Chemieunfall, eine Verkettung unglaublicher Zufälle.
Noah Baumbachs „Weißes Rauschen“ wirkt immer wie eine textnahe Inszenierung des Romans für die Fans des Romans, die sich an den Gemeinsamkeiten und Unterschieden abarbeiten können. Denn DeLillos Themen, seine Sprache und der Aufbau des Romans sind jederzeit erkennbar. Baumbach garniert das mit einigen filmischen und popkulturellen Anspielungen.
Als eigenständige Interpretation versagt diese Verfilmung dann. Einmal weil der 136-minütige Film zu nah an dem plotlosen Roman ist; einmal weil die in dieser Satire formulierte Kritik an der US-amerikanischen Gesellschaft eine Welt kritisiert, die es vor vierzig Jahren gab.
Weißes Rauschen (White Noise, USA 2022)
Regie: Noah Baumbach
Drehbuch: Noah Baumbach
LV: Don DeLillo: White Noise, 1985 (Weißes Rauschen)
mit Adam Driver, Greta Gerwig, Don Cheadle, Raffey Cassidy, Sam Nivola, May Nivola, Lars Eidinger, Andre Benjamin, Jodie Turner-Smith, Barbara Sukowa
Länge: 136 Minuten
FSK: ab 16 Jahre
–
Jetzt im Kino. Ab 30. Dezember auf Netflix.
–
Hinweise
Moviepilot über „Weißes Rauschen“
Metacritic über „Weißes Rauschen“
Rotten Tomatoes über „Weißes Rauschen“
Wikipedia über „Weißes Rauschen“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Noah Baumbachs „Frances Ha“ (Frances Ha, USA 2012)
Meine Besprechung von Noah Baumbachs „Gefühlt Mitte Zwanzig“ (While we’re young, USA 2014)
Meine Besprechung von Noah Baumbachs „Mistress America“ (Mistress America, USA 2015)
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Veröffentlicht von AxelB
Als die „New York Times“-Journalistinnen Jodi Kantor und Megan Twohey im Mai 2017 begannen, über von Harvey Weinstein begangene sexuelle Übergriffe zu recherchieren, ahnten sie nicht, welche Wirkung ihre Arbeit entfalten sollte. Oft folgte auf entsprechende Enthüllungen nichts. Immer können die Betroffenen gegen die Geschichte klagen.
Vor der Veröffentlichung einer solchen Enthüllungsgeschichte müssen deshalb stichhaltige und überzeugende Beweise gesammelt werden. Und das war in diesem Fall schwierig. In ihrem Buch „She said“ erzählen die beiden Journalistinnen Jodi Kantor und Megan Twohey ausführlich von diesen Schwierigkeiten. Maria Schrader erzählt in ihrer Verfilmung des Buches noch ausführlicher davon.
Mit seinem Bruder gründete Harvey Weinstein Miramax. 2005 verließen sie die in dem Moment zu Disney gehörende Firma und gründeten The Weinstein Company. Vor allem in den Neunzigern krempelten sie den US-Independent-Filmmarkt vollkommen um. Ihre Filme waren Kassenhits. Sie machten Stars und erhielten alle wichtigen Filmpreise. Zu den von den Weinsteins teils produzierten, teils verliehenen Filmen gehören die Filme von Quentin Tarantino („Reservoir Dogs“, „Pulp Fiction“, „Jackie Brown“ undsoweiter), „Sex, Lügen und Video“, „Das Piano“, „Clerks“, „Der englische Patient“, „Good Will Hunting“, „Shakespeare in Love“, „„Gangs of New York“ und auch „Scream“.
Um ihre Filme ans Publikum zu bringen waren sie nicht zimperlich. Harvey Weinstein war, wenn man ältere Berichte durchliest, wohl schon immer ein Choleriker, den man lieber zum Freund als zum Feind hatte. Gerüchte über sexuelle Übergriffe gab es schon lange. Aber das waren letztendlich nur Gerüchte.
Die beiden Reporterinnen mussten also betroffene Frauen finden, sie zum Reden bringen und Beweise finden. Viele Frauen schwiegen. Sie hatten Geld erhalten und exorbitant weitreichende Verschwiegenheitserklärungen unterschrieben. Andere wollten nicht darüber reden oder nicht namentlich genannt werden. Und es war schwierig, Beweise, wie Geldzahlungen, Verträge, Anzeigen oder DNA-Spuren, zu finden, die Harvey Weinstein eindeutig belasteten.
Deshalb wussten Kantor und Twohey auch nach einer wochenlangen intensiven Recherche immer noch nicht, ob sie überhaupt eine Story hatten, die sie veröffentlichen konnten. Das änderte sich mit der Zeit.
Am 5. Oktober 2017 veröffentlichten sie einen 3300 Worte langen Artikel über ihre Recherche.
In ihrem Film erzählt Maria Schrader, nach einem Drehbuch von Rebecca Lenkiewicz („Ida“), diesen Weg vom Beginn ihrer Recherche bis hin zur Veröffentlichung einer Reportage, die einen Dammbruch-Effekt hatte. Danach sprachen immer mehr Frauen über sexuelle Übergriffe am Arbeitsplatz. #MeToo wurde zu einer weltweiten Bewegung. Und Harvey Weinstein wurde angeklagt und zu langen Haftstrafen verurteilt.
Welche Beweise die beiden Journalistinnen hatten, erzählen Kantor und Twohey in ihrem Sachbuch „She said“. Sie schreiben auch ausführlich über Auswirkungen ihrer ersten Reportage über Harvey Weinstein. Sie erzählen, was Weinstein tat, wie er und sein Umfeld ihn schützten und seine Verfehlungen über Jahrzehnte vertuschten. Ihr glänzend geschriebenes und auch bedrückendes Sachbuch ist ein auf jeder Seite überzeugendes journalistisches Werk. Sie präsentieren die Ergebnisse ihrer Recherche, die sie in einen größeren Kontext einfügen, immer nachvollziehbar, gut strukturiert und gut geschrieben.
(Ronan Farrow, der damals ebenfalls zur gleichen Zeit über Weinstein recherchierte und anschließend sein Buch „Durchbruch – Der Weinstein-Skandal, Trump und die Folgen“ veröffentlichte, ist dagegen nur ein vernachlässigbares, oft nervig ich-bezogenes Werk.)
Maria Schraders Film ist das Making-of zum Buch. Sie zeigt die zähe Arbeit und den Ethos investigativer Journalisten. Ihr Filmdrama „She said“ steht unübersehbar in der Tradition von Reporter-Filmen wie „Die Unbestechlichen“ und „Spotlight“. Die Qualität dieser Meisterwerke erreicht ihr Film allerdings nie. Das liegt an einer Inszenierung, die einfach zu klein für die Kinoleinwand ist. Immer sehen die sprechenden Köpfe nach Fernsehen aus.
Schrader folgt der Recherche von Kantor und Twohey. Aber während die Journalistinnen sich im Buch nur dann namentlich erwähnen, wenn es unbedingt nötig ist, sind sie im Film jederzeit im Bild. Durch die Entscheidung, auch das Privatleben von Kantor und Twohey zu zeigen, verschiebt sich der Fokus des Films noch stärker von den Opfern hin zu den beiden Journalistinnen. Sie sind Mütter von kleinen Mädchen, verheiratet und sie werden viel zu oft in ihrer Freizeit von ihren Quellen angerufen. Das wirkt schnell so, als sei die Recherche größtenteils in ihrer Freizeit erfolgt. Oder als ob sie nicht zwischen Beruf- und Privatleben trennen könnten.
In „Spotlight“ erfuhren wir nichts das Privatleben der „Boston Globe“-Journalisten, die über den jahrzehntelangen Missbrauch von Kindern durch katholische Priester und die ebenso lange Vertuschung durch die Erzdiözese berichten wollten. Und das war gut so.
Die Entscheidung, Weinsteins Taten nicht zu zeigen, ist nachvollziehbar. Auch wenn in den Momenten im Film immer ein Hauch von „er sagte, sie sagte“ bleibt und es nur Hörensagen ist, ist das verschmerzbar. Die Berichte, vor allem die Berichte in Kantor/Twoheys Buch, sind allein für sich genommen überzeugend und in ihrer Menge erdrückend. Sie brauchen keine weiteren Dramatisierungen.
Auch die Entscheidung, Harvey Weinstein nicht zu zeigen, ist nachvollziehbar. Ihm soll im Film kein Podium gegeben werden. In der Originalfassung ist einmal seine Stimme zu hören. Am Ende, wenn er das Gebäude der New York Times betritt, wird er schemenhaft von hinten gezeigt.
Weil die Macher gleichzeitig darauf verzichten, weitere Informationen über Weinstein zu geben, wird nie deutlich, wie mächtig und einflussreich er war. Er war nicht irgendein Hollywood-Produzent, sondern ein sehr mächtiger, einflussreicher und auch abseits der Traumfabrik gut vernetzter Hollywood-Produzent. Cineasten muss das nicht erklärt werden, aber welcher normale Kinobesucher interessiert sich für Produktionsfirmen und Produzenten? Die meisten interessieren sich noch nicht einmal für die Namen der Regisseure.
Maria Schraders Film ist eine seriöse, filmisch biedere Aufarbeitung der Recherche. Ein Making-of eben.
Das Buch von Jodi Kantor und Megan Twohey erzählt die Geschichte des seit den frühen neunziger Jahren bestehenden Systems Weinstein. Sie schreiben auch über die Auswirkungen ihrer Zeitungsartikel. Ihre Reportagen (und die zeitgleich von Ronan Farrow erschienenen Reportagen) waren der Beginn einer weltweiten Diskussion über sexuelle Belästigung am Arbeitsplatz und an anderen Orten und der Beginn der weltweiten #MeToo-Bewegung. Ihr Buch sollte unbedingt gelesen werden. Der Film ist dann das optionale Bonusmaterial.
She said (She said, USA 2022)
Regie: Maria Schrader
Drehbuch: Rebecca Lenkiewicz (basierend auf der „New York Times“-Recherche von Jodi Kantor, Megan Twohey und Rebecca Corbett und dem Buch „She Said“ von Jodi Kantor und Megan Twohey)
LV: Jodi Kantor/Megan Twohey: She said, 2019 (#MeToo; zum Filmstart als „She said“ veröffentlicht)
mit Carey Mulligan, Zoe Kazan, Patricia Clarkson, Andre Braugher, Jennifer Ehle, Samantha Morton, Angela Yeoh, Ashley Judd, Sean Cullen
Länge: 129 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
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Die Vorlage (jetzt als Taschenbuch mit dem Filmcover)
Jodi Kantor/Megan Twohey: She said – Wie das Schweigen gebrochen wurde und eie ‚MeToo-Bewegung begann
(übersetzt von Judith Elze und Katrin Harlass)
Tropen, 2022
448 Seiten
12 Euro
–
Deutsche Erstausgabe
#Me Too – Von der ersten Enthüllung zur globalen Bewegung
Tropen, 2020
–
Originalausgabe
She said. Breaking the Sexual Harassment Story that helped ignite a Movement
Penguin Press, New York, 2019
–
Hinweise
Rotten Tomatoes über „She said“
Wikipedia über „She said“ (deutsch, englisch), die Buchvorlage und den Weinstein-Skandal (deutsch, englisch)
Perlentaucher über Jodi Kantor/Megan Twoheys „She said“
Bookmarks über Jodi Kantor/Megan Twoheys „She said“
Meine Besprechung von Maria Schraders „Ich bin dein Mensch“ (Deutschland 2021)
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Veröffentlicht von AxelB
Tele 5, 20.15
Mars Attacks! (Mars Attacks!, USA 1996)
Regie: Tim Burton
Drehbuch: Jonathan Gems, Tim Burton (ungenannt)
LV: Topps Company: 55-teilige Sammelkartenserie aus den Sechzigern (Neuauflage 1994)
Außerirdische besuchen die Erde. Der Präsident und einige Wissenschaftler glauben an ein friedliches Zusammenleben der Welten, aber die Marsmenschen wollen einfach nur alles kaputtmachen.
Schön schräge, respektlose Satire und Liebeserklärung an die Science-Fiction-Filme der Fünfziger. Burtons Werk wurde damals als Gegenentwurf zu dem patriotisch-ironiefreien Roland Emmerich-Werk „Independence Day“ gesehen. Einmal dürfen sie raten, welcher Film der bessere ist. Und einmal, welcher Film das bessere Einspielergebnis hat.
„Eine der kompromisslosesten Demontagen des Hollywood-Kinos.
Zuerst wären da die Schauspieler zu nennen, eine Crew voller Berühmtheiten, denen nacheinander Schreckliches passiert: Sie alle scheiden in kürzester Zeit dahin, sterben einen wenig ruhmreichen Tod. (…) Mars Attacks! Karikiert nicht nur die patriotische, militaristische Variante des Invasionsfilms, sondern auch die ‚liberale’ Spielart, die den Außerirdischen mit pazifistisch und neuerdings esoterisch motiviertem Wohlwollen begegnet.“ (Helmuth Merschmann: Tim Burton)
Mit Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Martin Short, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox, Rod Steiger, Tom Jones (als er selbst), Lukas Haas, Natalie Portman, Jim Brown, Sylvia Sidney, Pam Grier, Joe Don Baker, Christina Applegate, Jerzy Skolimonkski (Regisseur, als Dr. Zeigler), Barbet Schroeder (Regisseur, als französischer Präsident),
Wiederholung: Sonntag, 11. Dezember, 16.20 Uhr
Hinweise
Die Vorlage für den Film: die Sammelkarten der Topps Company
Rotten Tomatoes über „Mars Attacks!“
Wikipedia über „Mars Attacks!“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von Tim Burtons „Big Eyes“ (Big Eyes, USA 2014)
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Veröffentlicht von AxelB
Beginnen wir mit einigen wichtigen Informationen über diesen Horrorfilm:
Die Kinofassung ist uncut. Die DVD/Blu-ray-Fassung wurde um drei Minuten gekürzt und ist ebenfalls ab 18 Jahre freigegeben. Eine ungekürzte Fassung, über die sonst noch nichts bekannt ist, soll im ersten Quartal 2023 als UHD/BD-Mediabook erscheinen.
Damit ist klar, dass „Terrifier 2“ kein Film für Zartbesaitete ist.
Der Verleih hypt das Werk zum „Skandalfilm des Jahres“.
Nun ja. Die große Zeit der Skandalfilme, in denen Filme für wochen- oder sogar monatelange erregte Diskussionen sorgten, ist schon lange vorbei. Außerdem hat „Terrifier 2“ bislang keine mir bekannte Diskussion entfacht. Weder um den Inhalt, noch um die beachtliche Brutalität des Gezeigten. Darüber wurde zuletzt ausführlich in den achtziger Jahren diskutiert, als Videocassetten die Wohnzimmer eroberten und Horror-, Zombie- und Sexfilme plötzlich von Minderjährigen ohne irgendeine Kontrolle durch Erwachsene gesehen werden konnten. In Großbritannien war das die Zeit der „Video Nasties“, in Deutschland wurden brutale Horrorfilme indiziert und es gab erregte Diskussionen über die Menschenwürde von Zombies; also ob das Zeigen der Enthauptung eines Zombies mit dem Zeigen der Enthauptung eines Menschen vergleichbar ist.
Diese Zeiten sind lange vorbei. Daran ändert auch ‚Art, the Clown‘ nichts. Er mordet sich höchst blutig durch Halloween. Damien Leone zeigt das, wieder einmal, mit großer Liebe zu handgemachten Effekten und zum Horrorkino der siebziger und achtziger Jahre. Wenn in „Terrifier 2“ nicht ab und an ein Smartphone im Bild wäre, könnte man glauben, der Film sei vor vierzig Jahren entstanden, als die Nacht im Neonlicht erstrahlte und Synthesizer der letzte Schrei waren. John Carpenter popularisierte sie für den Horrorfilm. In „Terrifier 2“ sind sie wieder zu hören.
Die Story, die Damien Leone für seinen neuesten Film schrieb, ist vernachlässigbar. Ein Jahr nach den Ereignissen von „Terrifier“ ist Art, der Clown in Miles County ein urbaner Mythos. An Halloween habe die einen Angst vor seiner Rückkehr und einer weiteren leichengesättigten Nacht. Die anderen verkleiden sich als Art. Deshalb erschrecken einige seiner Opfer in Miles County nicht, als sie ihm begegnen.
Einige seiner potentiellen Opfer, vor allem Sienna Shaw und ihr jüngerer Bruder Jonathan, werden ausführlicher vorgestellt. Aber letztendlich geht es nur darum, dass Art, der Clown sich durch die Stadt mordet. Möglichst blutig. Gerne mit einem Messer. Aber er nimmt auch alle anderen Gegenstände, die sich als Hieb- oder Stichwaffe eignen.
„Terrifier 2“ ist der vierte Auftritt dieses Horrorclowns. Seinen ersten Auftritt hatte er 2008 als Nebenfigur in Damien Leones Kurzfilm „The 9th Circle“. 2011 folgte der Kurzfilm „Terrifier“. Beide Kurzfilme verwendete Leone in seinem Spielfilmdebüt „All Hallow’s Eve“ (2013).
2016 inszenierte er den Spielfilm „Terrifier“, der fast vollständig im Keller eines verlassenen, heruntergekommenen Mietshauses spielt und mit einem kaum vorhandenem Budget gedreht wurde. Nämlich angeblich 35.000 US-Dollar. Für „Terrifier 2“ hat er jetzt 250.000 US-Dollar. Das ist immer noch so gut wie nichts, aber es erlaubt Leone, die Handlung an mehreren Orten spielen zu lassen. Besonders wichtig sind ein Fernsehstudio, das es so wohl nur in der Fantasie gibt, das Haus der Familie Shaw, eine Schule, in der Jonathan den Clown mit einem ähnlich gekleideten weiblichem Clown sieht, ein Laden, in dem Halloween-Verkleidungen verkauft werden, ein Club, in dem eine Halloween-Party stattfindet, und ein verlassener Vergnügungspark, in dem das Finale spielt. Bis dahin begeht der Clown mehr Morde als im ersten Film. Auch die Laufzeit ist länger. „Terrifier“ war 85 Minuten; „Terrifier 2“ ist epische 138 Minuten. Trotzdem vergeht die Zeit recht schnell. Nur das Finale ist etwas lang geraten. Art, der Clown darf wieder und wieder auferstehen und weiter gegen Sienna kämpfen, die ihn so oft tötet, dass ich irgendwann mit dem Zählen aufhörte.
Art, der Clown ist ein Bösewicht, den man nicht so leicht vergisst. Er tritt immer in einem schwarz-weißem Phantomimenkostüm auf. Er trägt einen neckischen kleinen Hut. Er hat eine grotesk lange Nase. Sein Gesicht ist unter der Maske nicht zu erkennen. Wo sein Mund ist, ist ein Grinsen. Er bewegt sich äußerst elegant, leichtfüßig und oft tänzelnd durch die Stadt. Er hat immer etwas verspieltes. Seine Taten sind brutal, aber seine Bewegungen, Gesten und Mimik verleihen ihnen immer eine witzige Note, irgendwo zwischen unschuldig kindlichem und tiefschwarzem Humor. David Howard Thornton, der ihn schon im ersten „Terrifier“-Spielfilm spielte, hat Erfahrung als Phantomime und dieses Wissen setzt er hier ein, um die Grausamkeit der Taten zu mindern und dem Clown eine menschliche Note zu verleihen.
Eben diese Verbindung aus unschuldiger, Kinder zum Lachen bringender Phantomime und grausamen Morden macht Art, den Clown zu einem erinnerungswürdigem Filmbösewicht, der selbstverständlich zurückkehren wird.
Insgesamt ist „Terrifer 2“ in jeder Beziehung besser als sein Vorgänger. Und damit ein Fest für Fans des gut abgehangenen Splatterfilms, die auf die Frage „Mehr oder weniger Blut?“ immer mit „Mehr spritzendes Blut ist immer gut.“ antworten.
Alle, die mehr oder etwas anderes von einem Film erwarten, können getrost auf diesen Horrorfilm verzichten.
Terrifier 2 (Terrifier 2, USA 2022)
Regie: Damien Leone
Drehbuch: Damien Leone
mit David Howard Thornton, Lauren LaVera, Jenna Kannell, Catherine Corcoran, Kailey Hyman, Samantha Scaffidi, Katie Maguire
Länge: 138 Minuten
FSK: ab 18 Jahre
–
Hinweise
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Veröffentlicht von AxelB
Arte, 00.55
Stromboli (Stromboli, terra di dio, Italien/USA 1949)
Regie: Roberto Rossellini
Drehbuch: Roberto Rossellini
Um ein italienisches Flüchtlingslager verlassen zu können, heiratet die Litauerin Karin Bjorsen einen Fischer, der auf der kargen Vulkaninsel Stromboli lebt. Als Karin Stromboli zum ersten Mal sieht, ist sie entsetzt. So hat sie sich ihr neues Leben nicht vorgestellt. Und es wird noch schlimmer.
Klassiker, der auch in der Arte Mediathek angesehen werden kann.
mit Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponza
Hinweise
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Veröffentlicht von AxelB
Das Sowjetische Ehrenmal im Tiergarten (an der Straße des 17. Juni, wenige Meter vom Brandenburger Tor) aus einer ungewohnten Perspektive. Gefällt mir besser als die unzählige Male fotografierte Vorderseite.
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Veröffentlicht von AxelB
Kabel Eins, 20.15
Die Verurteilten (The Shawshank Redemption, USA 1994)
Regie: Frank Darabont
Drehbuch: Frank Darabont
LV: Stephen King: Rita Hayworth and the Shawshank Redemption, in Different Seasons, 1982 (Pin up; Die Verurteilten in „Frühling, Sommer, Herbst und Tod“; einer Sammlung von vier Novellen)
Ein unschuldig verurteilter Bankmanager flüchtet nach jahrelanger Kleinarbeit aus dem Gefängnis.
Eindrucksvolles Gefängnisdrama, das beim Kinostart nicht als „Stephen-King-Film“ beworben wurde. Zu Recht, denn damals stand Kings Name fast ausschließlich für minderwertige Horrorfilme.
„Die Verurteilten“ ist inzwischen ein äußerst beliebter und erfolgreicher Film. In dem All-Time-Great-Ranking der Internet Movie Database steht er derzeit auf Platz 1; – was einen dann doch etwas an dieser Liste zweifeln lassen kanne. Auch wenn der zweite und vierte Platz von „Der Pate“ und „Der Pate 2“ belegt werden.
Mit Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler, Clancy Brown, Gil Bellows, Mark Rolston, James Whitmore, Jude Ciccolella
Wiederholung: Donnerstag, 8. Dezember, 01.40 Uhr (Taggenau!)
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Die Verurteilten“
Wikipedia über „Die Verurteilten“ (deutsch, englisch)
Mein Porträt zu Stephen Kings Geburtstag
Meine Besprechung von Stephen Kings/Richard Bachmans „Qual“ (Blaze, 2007)
Meine Besprechung von Stephen Kings „Colorado Kid“ (The Colorado Kid, 2005)
Meine Besprechung von Joe Hill/Stephen King/Richard Mathesons „Road Rage“ (Road Rage, 2012)
Meine Besprechung der auf Stephen Kings Novelle “The Colorado Kid” basierenden TV-Serie “Haven”
Meine Besprechung von Kimberly Peirces Stephen-King-Verfilmung “Carrie” (Carrie, USA 2013)
Meine Besprechung von Tod Williams‘ Stephen-King-Verfilmung „Puls“ (Cell, USA 2016)
Meine Besprechung von Andy Muschiettis „Es“ (It, USA 2017)
Meine Besprechung von Mike Flanagans „Stephen Kings Doctor Sleeps Erwachen“ (Doctor Sleep, USA 2019) (wahrscheinlich einer der Filmtitel, die kein Mensch an der Kinokasse vollständig ausgesprochen hat)
Meine Besprechung von Stephen Kings „Doctor Sleep“ (Doctor Sleep, 2013)
Meine Besprechung von Stephen Kings „Später“ (Later, 2021)
Stephen King in der Kriminalakte, in seinem Trailer-Park und auf Europa-Tour
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Veröffentlicht von AxelB
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Veröffentlicht von AxelB
Wieder einmal ging sie bei mir unter: die monatliche Krimibestenliste von Deutschlandfunk Kultur. Deshalb gibt es heute zwei Krimibestenlisten. Beginnen wir chronologisch mit der November-Liste:
1) Yves Ravey: Die Abfindung
Übersetzt von Holger Fock und Sabine Müller
110 Seiten
20,00 Euro
Liebeskind
–
2) Oliver Bottini: Einmal noch sterben
432 Seiten
25,00 Euro
Dumont
–
3) Cherie Jones: Wie die einarmige Schwester das Haus fegt
Aus dem Englischen übersetzt von Karen Gerwig
325 Seiten
25,00 Euro
CulturBooks
–
4) Friedrich Ani: Bullauge
267 Seiten
23,00 Euro
Suhrkamp
–
5) Garry Disher: Stunde der Flut
Übersetzt von Peter Torberg
333 Seiten
24,00 Euro
Unionsverlag
–
6) Michael Mann, Meg Gardiner: Heat 2
Aus dem Englischen von WolfgangThon
688 Seiten
14,00 Euro
HarperCollins
–
7) Chuah Guat Eng: Echos der Stille
Aus dem Englischen von Michael Kleeberg
463 Seiten
28,00 Euro
Wunderhorn
–
8) Mick Herron: London Rules
Übersetzt von Stefanie Schäfer
485 Seiten
18,00 Euro
Diogenes
–
9) Frauke Buchholz: Blutrodeo
263 Seiten
18,00 Euro
Pendragon
–
10) Matthias Wittekindt: Die rote Jawa
221 Seiten
19,90 Euro
Kampa
–
Das war der November. Der Dezember bringt diese Empfehlungen:
1) Matthias Wittekindt: Die rote Jawa
221 Seiten
19,90 Euro
Kampa
–
2) Gu Byeong-mo: Frau mit Messer
Übersetzt von Wibke Kuhn
286 Seiten
22,99 Euro
Ullstein
–
3) Attica Locke: Pleasantville
Übersetzt von Andrea Stumpf
452 Seiten
26,00 Euro
Polar
–
4) Johannes Groschup: Die Stunde der Hyänen
265 Seiten
16,00 Euro
Suhrkamp
–
5) Frauke Buchholz: Blutrodeo
264 Seiten
18,00 Euro
Pendragon
–
6) Oliver Bottini: Einmal noch sterben
432 Seiten
25,00 Euro
Dumont
–
7) Yves Ravey: Die Abfindung
Übersetzt von Holger Fock und Sabine Müller
110 Seiten
20,00 Euro
Liebeskind
–
8) Friedrich Ani: Bullauge
267 Seiten
23,00 Euro
Suhrkamp
–
9) Sara Paretsky: Schiebung
Übersetzt von Else Laudan
509 Seiten
25,00 Euro
Ariadne im Argument-Verlag
–
10) Garry Disher: Stunde der Flut
Übersetzt von Peter Torberg
333 Seiten
24,00 Euro
Unionsverlag
–
Mick Herrons „London Rules“ und Garry Dishers „Stunde der Flut“ liege noch unbesprochen bei mir herum. Mit Garry Disher habe ich vor einigen Wochen interviewt. Das wird also eine etwas andere Besprechung werden.
Die neuen Werke von Sara Paretsky und Attica Locke liegen noch ungelesen bei mir herum.
Gleiches gilt für Tade Thompsons neuen Roman. Er ist vor allem als Science-Fiction-Autor bekannt. Mit „Fern vom Licht des Himmels“ hat er einen im Weltall spielenden Rätselkrimi geschrieben.
Und Anthony Horowitz hat einen neuen James-Bond-Roman geschrieben. „Mit der Absicht zu Töten“ heißt das Werk und Horowitz sagt, es sei sein letzter Bond-Roman.
Aber zunächst bin ich noch mit Honoré de Balzacs „Verlorene Illusionen“ beschäftigt. Gut tausend Seiten, kein Mord, sondern ein Sittengemälde des Lebens in der Provinz und in Paris in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Die sehenswerte Verfilmung startet am 22. Dezember.
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Veröffentlicht von AxelB
HR, 00.10
Casino (Casino, USA 1995)
Regie: Martin Scorsese
Drehbuch: Martin Scorsese, Nicholas Pileggi
LV: Nicholas Pileggi: Casino: Love and Honor in Las Vegas, 1995 (Casino)
Biopic über die Mafia in Las Vegas in den Siebzigern.
Kurz gesagt: ein Meisterwerk und Pflichttermin für Krimifans.
„Die einander ergänzenden Elemente von ‚Casino’, die genaue, materialistische Dokumentation, das Shakespeare-Drama von Macht und Fall, der Genrefilm und die Strindbergsche Seelenpein von Mann und Frau, zwischen denen eine unsichtbare Mauer steht, laufen alle auf die Feststellung hinaus, die Robert De Niro schon am Anfang getroffen hat: dass niemand gegen die Bank gewinnen kann. Das ist nicht nur konkrete Beschreibung einer ökonomisch-kriminellen Situation und soziale Metapher auf das Wesen des Kapitalismus, sondern auch ein philosophisches Gleichnis.“ (Georg Seeßlen: Martin Scorsese)
Martin Scorseses neuer Film „Killers of the Flower Moon“ soll 2023 in Cannes gezeigt werden.
Mit Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods, Kevin Pollak, L. Q. Jones
Hinweise
Wikipedia über “Casino” (deutsch, englisch) und Martin Scorsese (deutsch, englisch)
Drehbuch “Casino” von Nicholas Pileggi
Charlie Rose interviewt Nicholas Pileggi (2. November 1995 zu “Casino”)
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Veröffentlicht von AxelB
Als der Film vor über vierzig Jahren in die Kinos kam, spielte er in der Zukunft. Heute spielt er in einer Vergangenheit, die so niemals Realität wurde.
In dem Film-1997 ist Manhattan ein Gefängnis, in dem die Verbrecher herrschen. Die Polizei bewacht die Ausgänge. Als das Flugzeug des US-Präsidenten über der Insel abstürzt, muss eine Rettungsmission losgeschickt werden. Diese besteht aus einem Mann: dem rauhbeinigen Häftling und hochdekoriertem Ex-Soldaten Snake Plissken. Wenn er den US-Präsidenten und eine für den Weltfrieden wichtige Tonbandkassette aus Manhattan herausholt, wird ihm seine restliche Strafe erlassen. Damit Plissken den Selbstmordauftrag erledigt, werden ihm zwei Sprengkapseln in seine Halsschlagader implantiert.
Regisseur John Carpenter schrieb die Geschichte in den siebziger Jahren während der Watergate-Affäre. Verfilmen konnte er sein Drehbuch erst einige Jahre später. In dem Moment hatte er sich mit den Kinofilmen „Assault – Anschlag bei Nacht“, „Halloween – Die Nacht des Grauens“ und „The Fog – Nebel des Grauens“ einen glänzenden Ruf bei Genrefans und auch dem breiteren Publikum erarbeitet.
Der düstere Science-Fiction-Thriller „Die Klapperschlange“ war bei der Kritik und dem Publikum ein Erfolg. Schnell wurde er zu einem immer wieder gern gesehenem Kultfilm, der 1996 die überflüssige Fortsetzung „Escape from L. A.“ erhielt. In den vergangenen Jahren gab es selbstverständlich einige Analysen und Texte zum Film. Aber im Vergleich zu Ridley Scotts ein Jahr später im Kino angelaufenem „Blade Runner“ erstaunlich wenige.
Insofern füllt John Walshs „Die Klapperschlange – Escape from New York: Die Entstehungsgeschichte des Kultfilms“ zwei Lücken und formuliert einen Auftrag an einen unbekannten Schreiber. Nämlich ein dickes Buch über die Dreharbeiten und Auswirkungen des Films auf das Genre und eine tiefgründige Analyse des Films zu schreiben. Walsh hat mit seinen Werk eine erste ziemlich umfassende Darstellung des Films geschrieben und ein wunderschönes Bilderbuch zusammengestellt. Genaugenommen handelt es sich um ein Bilderbuch mit ergänzenden, informativen Texten. In den Texten stellt Walsh die Macher und Schauspieler und die Drehorte kurz vor und er geht auf die Herstellung der visuellen Effekte ein. Dafür sprach er mit einigen Menschen, die damals in die Entstehung des Films involviert waren. Das Herzstück des Buches und damit auch die Begründung für das große Format von 26×33 cm sind die vielen, teils doppelseitigen Bilder. Es sind vor allem von der Setfotografin Kim Gottlieb-Walker gemachte Standfotos und Aufnahmen von den Dreharbeiten. Außerdem gibt es eine Galerie von in verschiedenen Ländern verwendeten und nicht verwendeten Filmplakaten. Das Originalplakat von Barry E. Jackson, das auch auf dem Buchcover zu sehen ist, ist das gelungenste und auch zeitloseste Plakat.
Für Fans des Films, des Regisseurs und des Science-Fiction-Films ist Walshs Buch ein gutes Weihnachtsgeschenk.
–
John Walsh: Die Klapperschlange – Escape from New York: Die Entstehungsgeschichte des Kultfilms
(übersetzt von Thorsten Walch)
Cross Cult, 2022
160 Seiten
40 Euro
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Originalausgabe
Escape From New York: The Official Story of the Film
Titan Books, 2021
–
Der Film
Die Klapperschlange (Escape from New York, USA 1981)
Regie: John Carpenter
Drehbuch: John Carpenter, Nick Castle
mit Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine, Donald Pleasence, Isaac Hayes, Harry Dean Stanton, Adrienne Barbeau, Tom Atkins
–
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Die Klapperschlange“
Wikipedia über „Die Klapperschlange“ (deutsch, englisch)
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Veröffentlicht von AxelB
Nachträglich: Alles Gute zum Geburtstag, Charly Hübner! (Sein Fünfzigster war am 4. 12.)
One, 22.00
Banklady (Deutschland 2013)
Regie: Christian Alvart
Drehbuch: Christoph Silber, Kai Hafemeister
Bonnie & Clyde in der deutschen Version.
Ein überraschend gelungener Gangsterfilm, der, mit viel Sixties-Flair, die vergessene Geschichte von Deutschlands erster Bankräuberin Gisela Werner erzählt. Auch die anderen Kriminalfilme von Christian Alvart sind sehenswert.
Mehr in meiner ausführlichen Besprechung.
Davor, ab 20.15 Uhr, zeigt One „3 Tage in Quiberon“ (ebenfalls mit Charly Hübner); fast gleichzeitig, ab 23.15 Uhr zeigt der NDR „Jürgen – Heute wird gelebt“ (ebenfalls mit Charly Hübner).
mit Nadeshda Brennicke, Charly Hübner, Ken Duken, Andreas Schmidt, Heinz Hoenig, Henny Reents, Niels Bruno Schmidt, Heinz Struck
Hinweise
Wikipedia über „Banklady“ und die echte Banklady Gisela Werler
Meine Besprechung von Christian Alvarts „Banklady“ (Deutschland 2013)
Meine Besprechung von Christian Alvarts „Halbe Brüder“ (Deutschland 2015)
Meine Besprechung von Christian Alvarts „Steig. Nicht. Aus!“ (Deutschland 2018)
Meine Besprechung von Christian Alvarts „Freies Land“ (Deutschland 2020)
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Veröffentlicht von AxelB
Arte, 20.15
Die drei Tage des Condor (Three Day of the Condor, USA 1975)
Regie: Sydney Pollack
Drehbuch: Lorenzo Semple jr., David Rayfield
LV: James Grady: Six days of the Condor, 1974 (Die 6 Tage des Condor)
Joe Turner ist ein Büromensch und Angestellter der CIA. Als er nach einem Einkauf in das Büro zurückkommt sind seine Kollegen tot und er wird gejagt. Von den eigenen Leuten, wie Turner schnell herausfindet. Turner kämpft um sein Leben.
Der spannende Thriller entstand unmittelbar nach der Watergate-Affäre und fängt – wie einige andere fast zeitgleich entstandene Filme – die damalige Atmosphäre von Mißtrauen und Paranoia gut ein.
Das Drehbuch erhielt den Edgar-Allan-Poe-Preis.
Mit Robert Redford, Faye Dunaway, Cliff Robertson, Max von Sydow, John Houseman
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Die drei Tage des Condor“
Wikipedia über „Die drei Tage des Condor“ (deutsch, englisch)
New York Times: Vincent Canby über „Three days of the Condor“ (25. September 1975)
Jump Cut: Patrick McGilligan redet mit Sydney Pollack (1976)
Lorenzo Semple jr./David Rayfield: Three days of the Condor (Drehbuch, Fassung vom 3. Februar 1975)
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Veröffentlicht von AxelB
Der kleine Nick, dieser sympathische in einem Fünfziger-Jahre-Paris lebende Junge, dürfte allgemein bekannt sein aus Büchern und Verfilmungen. Die jüngste Verfilmung, „Der kleine Nick auf Schatzsuche“, lief im Sommer im Kino.
Aber wie erfanden der Zeichner Jean-Jacques Sempé und der Comicautor René Goscinny diese Figur? Wie erfanden sie danach seine Welt, seine Eltern und seine Freunde? Und wer waren Sempé und Goscinny?
Diese Fragen beantworten Amandine Fredon und Benjamin Massoubre in ihrem Dokumentarfilm „Der kleine Nick erzählt vom Glück“ als Animationsfilm. Neben den Fakten über die beiden Erfinder des kleinen Nicks präsentieren sie auch einige „Der kleine Nick“-Geschichten. Dabei tritt der kleine Nick immer wieder aus seinen Geschichten heraus. Er unterhält sich mit seinen Schöpfer. Er fragt sie über ihr Leben aus. Er lebt mit ihnen, hört mit Jean-Jacques Sempé Jazz und tanzt mit ihm. Und er beteiligt sich an der Entwicklung seiner Welt. Dabei konzentrieren Fredon und Massoubre sich vor allem auf das Leben von Sempé und Goscinny bevor sie diese heute immer noch beliebte Figur erfanden, wie sie ihn erfanden und die ersten Jahre der Figur, die sehr schnell zu einem Publikumserfolg wurde.
„Der kleine Nick erzählt vom Glück“ ist ein kurzweiliger, humorvoller, äußerst charmanter Film in dem sich „kleiner Nick“-Geschichten und Informationen über die Macher gelungen abwechseln und teilweise ineinander übergehen. So gelingt der Einstieg in die Welt des kleinen Nicks und seiner beiden Schöpfer mühelos.
Der kleine Nick erzählt vom Glück (Le petit Nicolas: Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux?, Frankreich/Luxemburg 2022)
Regie: Amandine Fredon, Benjamin Massoubre
Drehbuch: Anne Goscinny, Michel Fessler, Benjamin Massoubre (nach dem Werk von René Goscinny und Jean-Jacques Sempé)
Länge: 86 Minuten
FSK: ab 0 Jahre
–
Hinweise
AlloCiné über „Der kleine Nick erzählt vom Glück“
Moviepilot über „Der kleine Nick erzählt vom Glück“
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Veröffentlicht von AxelB
ZDFneo, 22.05
Last Action Hero (Last Action Hero, USA 1993)
Regie: John McTiernan
Drehbuch: Shane Black, David Arnott (nach einer Geschichte von Zak Penn und Adam Leff)
Jack Slade ist ein Superbulle wie es ihn nur im Film gibt. Und das ist er auch: ein fiktionaler Polizist. Als er durch eine Verkettung unglücklicher Umstände – der junge Danny und eine magische Eintrittskarte haben etwas damit zu tun – in der realen Welt landet, bemerkt er schmerzhaft den Unterschied zwischen Fiktion und Fakt. Daneben muss er immer noch einen fiesen Filmganoven jagen.
Actionkomödie, die damals beim Publikum und der Kritik nicht so gut ankam. Inzwischen sieht das anders aus.
mit Arnold Schwarzenegger, Austin O’Brien, Charles Dance, Robert Prosky, Tom Noonan, Frank McRae, Anthony Quinn, F. Murray Abraham, Mercedes Ruehl, Art Carney
auch bekannt als „Der letzte Action-Held“ (Kinotitel)
Hinweise
Rotten Tomatoes über „Last Action Hero“
Wikipedia über „Last Action Hero“ (deutsch, englisch)
Meine Besprechung von John McTiernans „Nomads – Tod aus dem Nichts“ (Nomads, USA 1985)
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Kriminalakte 