Madeleine Verdier und Pauline Mauléon leben zusammen in einer Ein-Zimmer-Absteige, die nur in Spielfilmen eine gewissen Wohnlichkeit verkörpert. Madeleine ist eine unbekannte Schauspielerin auf der Suche nach irgendeiner, auch noch so kleinen Rolle. Pauline ist eine Anwältin auf der Suche nach ihrem ersten Mandanten. Beide sind jung, wollen im Paris der dreißiger Jahre das Leben genießen und sie brauchen jeden Pfennig. Zum Beispiel um die seit Monaten überfällige Miete bei ihrem Vermieter zu zahlen. Denn so langsam können sie ihn mit ihrem Aussehen und Charme nicht mehr zu einer weiteren Stundung überreden.
Deshalb kommt ihnen der Tod des einflussreichen Theaterproduzenten zupass. Madeleine war für einen Vorsprechtermin in der Villa des Produzenten, der jedes Klischee des fetten, schleimigen und sexgierigen Kapitalisten verkörpert. Das Vorsprechen lief schnell aus dem Ruder – und jetzt hält die Polizei sie für die Mörderin des Theatermannes.
Nach polizeilichen Verhören und einem Gespräch mit ihrer Mitbewohnerin gesteht Madeleine die Tat. Sie hat ihn zwar nicht getötet, aber gemeinsam wollen sie den Mord als Booster für ihre Karriere als Schauspielerin und Anwältin benutzen. Sie machen die Gerichtsverhandlung zum Medienzirkus. Sie stellen die Tat als Notwehr gegen einen übergriffigen Mann da. Und nach dem Freispruch könnte es für sie nicht besser aussehen. Die eine steigt als Schauspielerin, die andere als Anwältin auf. Die gut betuchten, heiratswilligen Männer stehen Schlange.
Dummerweise taucht in dem Moment Odette Chaumette (Isabelle Huppert, gewohnt grandios) auf. Der Stummfilmstar beherrscht immer noch den großen Auftritt. Nur die Filmrollen dafür gibt es nicht mehr. Jetzt fordert sie von Madeleine und Pauline ihren Anteil. Denn sie ist die Mörderin. Und sie könnte die Tat gestehen.
Immer noch liegt François Ozons Arbeitstempo irgendwo zwischen Claude Chabrol und Rainer Werner Fassbinder. Ein Film pro Jahr ist normal. Dabei ist er witziger als Fassbinder und er betrachtet seine Figuren liebevoller als Chabrol. Und er verfilmt öfter Theaterstücke, die er so bearbeitet, dass sie am Ende nicht wie Theaterstücke wirken. Auch sein neuester Film basiert auf einem Theaterstück, das er frei interpretiert und zu einer gleichzeitig zeitgenössischen und traditionsbewussten Screwball-Comedy macht.
Nach mehreren ernsten Filmen, – auch sein vorheriger Film, die gelungene Rainer-Werner-Fassbinder-Hommage „Peter von Kant“, war letztendlich ziemlich ernst -, hat François Ozon jetzt wieder eine waschechte Komödie gedreht, die, so Ozon, als Abschluss einer Trilogie über den Status der Frau mithilfe von Humor und Glamour gesehen werden könne. Die beiden vorherigen Filme dieser sehr losen Trilogie waren „8 Frauen“ (ebenfalls mit Isabelle Huppert) und „Das Schmuckstück“.
„Mein fabelhaftes Verbrechen“ ist eine in den Dreißigern spielende Screwball-Comedy, in der Tempo alles ist. Die Pointen folgen atemberaubend schnell aufeinander. Die Dialoge sind scharfzüngig und voller Anspielungen. Die Geschichte hat zahlreiche temberaubende und überraschende Wendungen. Sie sind wenig vorhersehbarer, aber letztendlich schlüssig. Schließlich verhalten sich alle Figuren in dem Stück, wenn sie von dem Mord profitieren wollen, überaus eigennützig. Vor allem die Männer sind nicht besonders intelligent, dafür aber eitel. Wobei Madame Chaumette als vollendete Diva mit ausladenden Kleidern und Gehabe auch ziemlich eitel ist.
Als Inspiration benutzte Ozon das 1934 entstandene, zweimal von Hollywood verfilmte Theaterstück „Mon Crime“ von Georges Berr und Louis Verneuil. Ozon modernisierte es so gelungen, dass „Mein fabelhaftes Verbrechen“ trotz Modernisierungen in jeder Sekunde wie ein zu Unrecht vergessenes altes Stück wirkt. Schließlich waren in den klassischen Screwball-Comedies die Frauen für die damalige Zeit sehr emanzipiert. In diesem Kosmos fallen zwei, später drei selbstbewusste Frauen, die sich von den Männern nichts vorschreiben lassen, nicht weiter auf.
Ein fabelhafter Spaß.
Mein fabelhaftes Verbrechen (Mon Crime, Frankreich 2023)
Regie: François Ozon
Drehbuch: François Ozon, (in Zusammenarbeit mit) Philippe Piazzo
LV: Georges Berr, Louis Verneuil: Mon Crime, 1934 (Theaterstück)
mit Nadia Tereszkiewicz, Rebecca Marder, Isabelle Huppert, Dany Boon, Fabrice Luchini, André Dussollier, Édouard Sulpice, Régis Laspalès, Olivier Broche
Der Soldat James Ryan (Saving Private Ryan, USA 1998)
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: Robert Rodat
1944, nach der Landung der Allierten in der Normandie, wird US-Captain Miller mit einigen Männern losgeschickt. Sie sollen den titelgebenden Soldaten James Ryan finden und nach Hause schicken. Dummerweise weiß niemand, wo er ist.
Packender Kriegsfilm von Steven Spielberg. Auch wenn er letztendlich nur die Geschichte vom tapferen Soldaten erzählt.
Mit Tom Hanks, Edward Burns, Tom Sizemore, Matt Damon, Barry Pepper, Adam Goldberg, Vin Diesel, Giovanni Ribisi, Jeremy Davis, Ted Danson, Bryan Cranston, Paul Giamatti
LV: Aidan Chambers: Dance on my Grave, 1982 (Tanz auf meinem Grab )
TV-Premiere. Ein Küstendorf in der Normandie in den Achtzigern: der sechzehnjährige Alex muss vor Gericht erklären, warum er auf dem Grab eines Toten tanzte (80er Jahre Provinzprobleme halt). In Rückblenden entfaltet Ozon eine sich über einen Sommer erstreckende Liebes- und Coming-of-Age-Geschichte zwischen dem schüchternen Alex und dem zwei Jahre älteren coolen David.
„Sommer 85“ ist der Auftakt der Reihe „rbb QUEER“. Bis zum 15. August zeigt das rbb Fernsehen dienstags um 22.45 Uhr sieben queere Filme, sechs als deutsche Erstausstrahlung. Die nächsten Filme der sechsten Ausgabe von „rbb QUEER“ sind „Einfach Charlie“ (11. Juli, Großbritannien 2017, Regie: Rebekah Fortune), „Sprung ins kalte Wasser“ (18. Juli, Zypern/Griechenland/Italien 2021, Regie: Stelios Kammitsis), „Sweetheart“ (25. Juli, Großbritannien 2021, Regie: Marley Morrison), „Weekend“ (1. August, Großbritannien 2011, Regie: Andrew Haigh), „Als wir tanzten“ (8. August, Georgien/Schweden 2019, Regie: Levan Akin) und – endlich! – „Tangerine L.A.“ (15. August, USA 2015, Regie: Sean Baker).
Am Donnerstag läuft François Ozons neuer Film „Mein fabelhaftes Verbrechen“ an. Die Screwball-Comedy ist ein herrlich schwarzhumoriger Spaß über einen Mord und wie viele Damen davon profitieren wollen.
mit Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge, Valeria Bruni Tedeschi, Melvil Poupaud, Isabelle Nanty, Laurent Fernandez, Aurore Broutin
Biopic über den Multimillionär Howard Hughes und sein Leben in den dreißiger und vierziger Jahren des vergangenen Jahrhunderts. Gut gespielt, liebevoll ausgestattet, straff erzählt mit einem Blick auf die dunklen Seiten des Porträtierten, aber von Scorsese erwarte ich mehr.
Denn letztendlich ist „Aviator“ Ausstattungskino.
Danach, um 22.55 Uhr, zeigt Arte die gut einstündige Doku „Leonardo DiCaprio: Most Wanted!“ (Frankreich/Deutschland 2020).
Die neueste Zusammenarbeit von Martin Scorsese und Leonardo DiCaprio, „Killers of the Flower Moon“, soll ab dem 19. Oktober in unseren Kinos laufen.
Mit Leonardo DiCaprio, Cate Blancett, Kate Beckinsale, John C. Reilly, Alan Alda, Jude Law, Alec Baldwin, Alan Alda, Ian Holm, Danny Huston, Gwen Stefani, Willem Dafoe
LV: Alice Walker: The Color Purple, 1982 (Die Farbe Lila)
Steven Spielbergs Verfilmung von Alice Walkers mit dem m American Book Award und dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Briefroman. Erzählt wird die Geschichte der Schwarzen Celie (Whoopi Goldberg, Debüt). Sie wird um die Jahrhundertwende geboren, wächst arm auf, wird vom Stiefvater geschwängert, von ihrem Mann missbraucht und erfährt von einer Bluessängerin, wie frau sich gegen übergriffige Männer wehrt.
Damals kam Spielbergs erster ‚ernster‘ Film bei der Kritik nicht allzugut an. Zum Beispiel: „Es ist, als habe ein Regisseur sich aufgemacht, ein zweites ‚Vom Winde verweht‘ zu drehen.“ (Fischer Film Almanach 1987) Oder „Ein überinszeniertes, stark manipulatives Drama (…) kein großartiger Film.“ (Variety). Und ein Kassenerfolg wie seine vorherigen Filme „Indiana Jones und der Tempel des Todes“ oder „E. T. – Der Außerirdische“ war das zweieinhalbstündige Drama auch nicht.
Aus heutiger Sicht fällt auch auf, wie konventionell, harmlos und vorsichtig alles ist. Heute würde man das so nicht mehr inszenieren.
Aber damals war Spielberg der einzige Regisseur, der ein so großes Budget für einen Film erhielt, in dem alle wichtigen Rollen von Schwarzen gespielt wurden und den Film dann für ein weißes Mainstream-Publikum annehmbar zu machen.
„Niemand konnte ihm jetzt noch vorwerfen, er könne nicht mit schweren Stoffen umgehen. In gewisser Weise war ‚Die Farbe Lila‘ der Anfang seiner Entwicklung zu einem kompletteren Filmemacher.“ (Richard Schickel: Steven Spielberg: Seine Filme, sein Leben, 2012)
mit Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard Pugh, Akosua Busia, Desreta Jackson, Rae Dawn Chong
Berlinale 2023: Silberner Bär für Beste schauspielerische Leistung in einer Hauptrolle: Sofía Otero
Der achtjährige Aitor möchte nicht mehr mit seinem Geburtsnamen angesprochen werden. Er bevorzugt Cocó und hat mädchenhaft lange Haare. Aber auch dieser Name gefällt ihm nicht so richtig. Als er mit seiner Mutter und seinen beiden Geschwistern zu einem längeren Urlaub ins Baskenland zu ihrer Großmutter fährt, hat er einen Sommer lang Zeit, sich über seine Identität Gedanken zu machen.
Besonders gut kommt er dabei mit seiner Großmutter und, vor allem, seiner Tante, ihren Bienen und seinem Bruder aus. Seine verständnisvolle Mutter ist dagegen vor allem mit dem Erstellen einer Skulptur (die wir niemals sehen) für eine Bewerbung auf eine Arbeitsstelle, die ihr wohl nicht so wichtig ist, beschäftigt.
Estibaliz Urresola Solaguren erzählt in ihrem Spielfilmdebüt von Cocós Suche nach dem richtigen Namen für sich. Das erzählt sie äußerst feinfühlig, aber auch ohne nennenswerte Konflikte. Ihre Geschwister, ihre Mutter, ihr Vater (der nicht mitkommen konnte und erst am Ende bei einer Familienfeier wieder dabei ist) und ihre Großmutter akzeptieren und unterstützen Cocós Identitätssuche ohne größere Diskussionen.
Etwaige Probleme zwischen den einzelnen Familienmitgliedern werden nur gestreift, aber nie vertieft. Die Dorfbewohner, vor allem Cocós gleichaltrige Spielkameraden, sind nur eine Randnotiz. Figuren, wie Cocós ältere Schwester und ihre Mutter, verschwinden immer wieder über weite Strecken des Films. Cocós erste Begegnung mit den titelgebenden Bienen erfolgt erst ziemlich spät im Film und bleibt, von der Filmzeit, ein Nebenschauplatz.
Das macht „20.000 Arten von Bienen“ zu einem dieser ohne eine nennenswerte Spannungskurve vor sich hinplätschernden „ein Sommer auf dem Land bei den Großeltern“-Filmen, die es früher öfter aus Frankreich gab und natürlich immer auch ein Familienporträt sind.
Die neunjährige Sofía Otero, die Cocó spielt, ist die bislang jüngste Preisträgerin in der Geschichte der Berlinale.
20.000 Arten von Bienen (20.000 Especies de Abejas, Spanien/Frankreich 2023)
Regie: Estibaliz Urresola Solaguren
Drehbuch: Estibaliz Urresola Solaguren
mit Sofía Otero, Patricia López Arnaiz, Ane Gabarain, Itziar Lazkano, Martxelo Rubio, Sara Cózar, Unax Hayden, Andere Garabieta, Miguel Garcés
Berlinale 2022: Silberner Bär für Beste Nebendarstellerin: Laura Basuki
Das hat jetzt, zwischen Berlinale-Premiere und Kinostart, einige Monate gedauert und ob sich das Warten in diesem Fall gelohnt hat, liegt im Auge des Betrachters. Wer nämlich so ein richtiges politisch gesättigtes Historiendrama mit einer oder mehreren Liebesgeschichten erwartet, wird enttäuscht sein. Die Filmgeschichte würde zwar für so einen Film taugen, aber „Before, Now & Then“ ist dieser Film nicht.
Kamila Andinis neuer Film spielt in Indonesien in den sechziger Jahren. Damals putschte General Suharto sich an die Macht. Nana lebt als Frau eines wohlhabenden Sudanesen auf einem anscheinend abgelegen gelegenem Landhaus ein, auf den ersten Blick, gutes Leben. Trotzdem lässt sie die Erinnerung an den gewaltsamen Tod ihres Vaters und an ihren ersten Mann, der vor Jahren verschleppt wurde,und nicht los. Eines Tages taucht er wieder auf.
Andini („Yuni“) macht aus dieser Geschichte ein Slow-Cinema-Werk, das ganz von seinen atmosphärischen, präzise komponierten Bildern, den langen statischen Einstellungen und der hypnotisierenden Minimal-Music von Ricky Lionardi lebt. Sie zeigt schöne Menschen, die in schöner Umgebung zu schöner Musik, fast nichts tun. Vieles wird nur zart angedeutet und bleibt offen für Interpretationen. So lädt der Film zum Entspannen, zum Meditieren und damit zum Abschweifen ein.
Die politischen Hintergründe, die damit verbundenen Konflikte, die Traditionen und herrschenden gesellschaftlichen Regeln, die im Hintergrund immer erahnbar sind, erschließen sich dagegen wahrscheinlich nur Einheimischen oder Menschen, die Indonesiens Nachkriegsgeschichte kennen. Für alle anderen bleiben, wie gesagt, die Bilder und die Musik.
Before, Now & Then (Nana, Indonesien 2022)
Regie: Kamila Andini
Drehbuch: Kamila Andini, Ahda Imran
mit Happy Salma, Rieke Diah Pitaloka, Laura Basuki, Chempa Puteri, Arswendy Bening Swara, Arawindi Kirana, Ibnu Jamil
TV-Premiere. Seine Bilder von ziemlich nackten, muskelbepackten Männern in Leder und Uniform dürften immer noch allgemein bekannt sein. Aber wer zeichnete diese homoerotischen Bilder? Dome Karukoski erzählt in seinem inszenatorich konventionellem, dennoch sehr, sehr sehenswertem Biopic die Geschichte von Tom of Finland, bürgerlich Touku Laaksonen (1920 – 1991).
Als Ruby Gillman ins Wasser springt, um ihren Klassenkameraden Connor vor dem Ertrinken zu retten, entdeckt sie, dass sie kein Mensch, sondern eine Seekrake ist, die sich als Mensch tarnt. Das haben ihre Eltern ihr bislang verschwiegen. Aber die panische Angst ihrer Mutter, dass Ruby mit Meereswasser in Kontakt gerät, ist nun verständlich. Außerdem ist Rubys Mutter keine normale Seekrake, sondern die Tochter der Kriegerkönigin der sieben Meere. Als Seekrake lernt Ruby schnell ihre Großmutter und ihr Schicksal als Thronfolgerin kennen. Sie wird auch schnell in den schon seit Ewigkeiten existierenden Konflikt zwischen den (guten) Seekraken und den (bösen) Meerjungfrauen hineingezogen.
Dabei ahnt sie in dem Moment noch nicht, dass die neue, schnell in der Oeanside High-School überaus beliebte Mitschülerin Chelsea Van Der Zee eine Meerjungfrau ist, die sie manipuliert.
Während der Abschlussfeier, die auf einem Boot stattfindet, eskaliert der Konflikt. Auf dem Boot sind neben Rubys besten Freundinnen auch ihr großer Schwarm Connor, ein obercooler Skater, den sie schüchtern anhimmelt und bei den Matheaufgaben hilft. Denn im Gegensatz zu Ruby ist Connor in Mathe eine Niete.
Der neue DreamWorks-Animationsfilm „Ruby taucht ab“ kann als eine Variation und, vor allem, ein Gegenentwurf zu „Arielle die Meerjungfrau“ gesehen werden. Wie in Arielle verliebt sich in „Ruby taucht ab“ eine, uh, Meerjungfrau in einen Landjungen (kein tapferer Prinz, sondern ein entspannt-cooler Skater) und sie muss gegen eine böse Meerhexe kämpfen. Aber während Disney in ihrer kürzlich gestarteten überlangen Realverfilmung vor allem alte Geschlechterklischees wiederholen, interpretieren Regisseur Kirk DeMicco („Die Croods“) und Co-Regisseurin Faryn Pearl in „Ruby taucht ab“ die Geschlechterverhältnisse modern. Sie verändern auch die Zuschreibung von „gut“ und „böse“. Bei ihnen sind die Meerjungfrauen böse, die Kraken gut. Ihre Geschichte spielt in der Gegenwart. Rubys Mutter verdient als Häusermaklerin das Geld, während ihr Vater entspannt abhängt und sich um die Kinder kümmert. Ihr großer Schwarm ist kein Prinz, sondern einfach nur der coole Typ aus der Schule, dem sie helfen muss. Und, schließlich sind Vorurteile und der Umgang mit ihnen ein wichtiges Thema des Films, gibt es einen alten Seebären, der jetzt Vergnügungsschiffe fährt. Sein Leben hat er der lautstarken Aufklärung über die Verbrechen der Seekraken gewidmet.
Insgesamt ist „Ruby taucht ab“ ein netter, witziger Abenteuerfilm mit einer für Erwachsene arg vorhersehbaren Geschichte und einer für Kinder angenehm kurzen Laufzeit. Und sie sind das Zielpublikum des Films.
Ruby taucht ab (Ruby Gillman, Teenage Kraken, USA 2023)
Regie: Kirk DeMicco, Faryn Pearl (Co-Regie)
Drehbuch: Pam Brady, Brian C. Brown, Elliott DiGuiseppi
mit (im Original den Stimmen von) Lana Condor, Toni Collette, Annie Murphy, Sam Richardson, Liza Koshy, Will Forte, Colman Domingo, Jane Fonda
(in der deutschen Synchronisation den Stimmen von) Patricia Carlucci, Katrin Fröhlich, Yvonne Greitzke, Tobias Schmidt
JAMES BOND: Diamantenfieber (Diamonds are forever, Großbritannien 1971)
Regie: Guy Hamilton
Drehbuch: Richard Maibaum, Tom Mankiewicz
LV: Ian Fleming: Diamonds are forever, 1956 (Diamantenfieber)
Eigentlich soll Bond nur einen Juwelenraub untersuchen. Aber Erzfeind Blofeld (schon wieder mit neuen Gesicht: Charles Gray) hat seine Finger drin.
Sean Connery kehrte für eine damals unglaublich hohe Summe zurück und spendete das Geld dem Scottish International Education Trust.
„Diamantenfieber“ ist insgesamt ein ziemlich lahmer Bond, bei dem nur die Autoverfolgungsjagd in Las Vegas in die Historie einging. Dreiundfünfzig Autos wurden geschrottet. Und die schwulen Killer Mr. Wint (Bruce Glover) und Mr. Kidd (Putter Smith) sind köstlich.
Der letzte Auftritt von Indiana Jones liegt schon fünfzehn Jahre zurück und er war nicht gut. „Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels“ ist ein zugequasselter Actionfilm mit einigen überaus idiotischen Szenen. Im Umfeld der Premiere erklärte Indiana-Jones-Darsteller Harrison Ford, er würde bei einem weiteren Indiana-Jones-Film gerne wieder die Hauptrolle spielen. Seitdem gab es Gespräche über einen fünften Indiana-Jones-Film. Steven Spielberg, der die ersten vier Indiana-Jones-Filme inszenierte, sollte auch den fünften Film inszenieren. Die Dreharbeiten verzögerten sich immer wieder und ich fragte mich schon vor Jahren, ob ich einen achtzigjährigen Indiana Jones sehen möchte. Denn die Macher verständigten sich darauf, dass Indiana Jones im Kino nur von Harrison Ford gespielt wird. Es gibt ja noch eine TV-Serie und, genaugenommen, gibt es sogar in den Spielfilmen einen zweiten Indiana-Jones-Darsteller. In „Indiana Jones und der letzte Kreuzzug“ wird Indiana Jones als Teenager von River Phoenix gespielt. Doch Harrison Ford als Hauptdarsteller war gesetzt. Es gibt nur ein Problem. Diese Filme leben von der Action und ein Achtzigjähriger ist nicht mehr so fit wie ein Vierzigjähriger. Er läuft nicht mehr so schnell. Er schlägt nicht mehr so schnell zu. Alles geht langsamer. James Mangold, zuletzt „Le Mans 66: Gegen jede Chance“ und „Logan“, übernahm die Regie. Und es gab schon während der Dreharbeiten Bilder von einen mittels Computerhilfe digital verjüngten Indiana Jones.
Diese Bilder sind im eine gute halbe Stunde dauernden Prolog von „Indiana Jones und das Rad des Schicksals“ zu sehen und sie noch das Beste an dem Actionfilm. Das liegt an den ständigen Verbesserungen der benutzten Computerprogramme und einem beherzten Griff in das Archiv der Produzenten, wo unzählige Aufnahmen von Harrison Ford, die während den Dreharbeiten für die ersten drei Indiana-Jones-Filme entstanden und niemals benutzt wurden, lagerten. Außerdem wurden die Actionszenen so inszeniert, dass Harrison Ford sich bei den neueren Aufnahmen eher wenig bewegen muss.
1944 kabbeln sich Indiana Jones und sein Freund Basil Shaw (Toby Jones ) in einer Burg und einem Zug mit einem Haufen Nazis über einige historische Artefakte. Das wichtigste ist die Antikythera, ein von Archimedes erfundenes Gerät, das, so heißt es, Zeitreisen ermöglicht.
Die Hauptstory des zweieinhalbstündigen Films beginnt dann 1969 in New York. Jones wird gerade pensioniert und ehe er sich selbstmitleidig seinem ungeliebten Ruhestand ergeben kann, wird er von Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge) angesprochen. Basils Tochter ist seine lange nicht mehr gesehene Patentochter. Sie sucht die Antikythera. Er kann ihr helfen. Denn die eine Hälfte dieses historischen Geräts verstaubt im Archiv der Universität. Die andere Hälfte muss noch gefunden werden.
Das ist der Beginn einer wilden Hatz um den halben Globus in verschiedene nordafrikanische Länder, nach Griechenland und ins Mittelmeer. Halt die Gegend, die vor Jahrhunderten mehr oder weniger zu Griechenland gehörte.
Bei dieser Schnitzeljagd von Hinweis zu Hinweis, von Actionszene zu Actionszene, ist Helena Shaw mal eine kaltschnäuzige Diebin, mal Jones‘ gleichgesinnte Helferin, die ihm aus der Patsche hilft. Gerade so, wie es dem Regisseur gerade gefällt.
Jones‘ Hauptgegner ist der Nazi Jürgen Voller (Mads Mikkelsen), dem er bereits 1944 begegnete. Er sucht immer noch die Antikythera. Mit ihr will er die Geschichte neu schreiben.
„Indiana Jones und das Rad des Schicksals“ ist ein Zugunglück in Zeitlupe. Fast alle Fehler des vorherigen Films werden wiederholt. Einige zum Glück nicht. Ich sage nur Kühlschrank, Lianen, Schlange/Seil und das außerirdische Aussehen der Kristallschädel. Dafür werden neue gemacht, wie den ernst gemeinten dritten Akt, der eher wie eine Drogenfantasie wirkt. Und es wird noch mehr um Harrison Fords Alter heruminszeniert. Es gibt sich elend lang hinziehende Dialoge, in denen uns historische Hintergründe erklärt werden, die uns nicht weiter interssieren und die ohne irgendein Gefühl für Suspense inszeniert werden. Mangold präsentiert in diesen Szenen einfach nur zwei in einem Raum sitzende Menschen, die als sprechende Köpfe uns mit Informationen füttern.
Die Action wurde zwar teilweise real gedreht. Trotzdem wirkt sie immer sehr CGI-lastig und sie ist oft so geschnitten, dass die einzelnen Handlungsabläufte nur nachträglich rekonstruiert werden können. Da sind die Personen zuerst an dem einen, dann an einem anderen Ort. Wie sie von A nach B gelangte, müssen wir uns zusammenreimen.
Die Story ist ziemlich wirr. Beim ersten Film meinte Drehbuchautor Lawrence Kasdan, dass Steven Spielberg und George Lucas Ideen und Set Pieces in den Raum warfen und seine Aufgabe darin bestand, daraus ein kohärentes Drehbuch zu schreiben. Es gelang ihm. Bei diesem Film hatten die Verantwortlichen auch viele Ideen, die in den Raum geworfen wurden. Zum Beispiel eine Verfolgungsjagt mit einem Pferd in Manhattan, wie im dritten „John Wick“-Film, oder eine Autoverfolgungsjagd mit Tuk Tuks, so wie es in „Charlie staubt Millionen ab“ (The Italian Job, 1969) eine mit Mini Coopers gab, oder eine große Kneipenschlägerei oder, weil es im vorherigen Indiana-Jones-Film Aliens gab und Jones nicht auf den Mond geschickt werden kann, irgendetwas mit Zeitreisen. Das sind Ideen, aus denen man etwas machen kann. Nur gab es dieses Mal keinen Lawrence Kasdan, der aus den Ideen eine zusammenhängende und in sich schlüssige Geschichte formulierte. Stattdessen gibt es eine Abfolge von Actionszenen und Dialogen, bei denen die Figuren, teils sogar innerhalb von Szenen, ihre Motivation verändern. Zum Beispiel will Basil Shaw irgendwann nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs in seinem Haus die Antikythera zerstören. Jones will das verhindern, weil man so etwas nicht tut. Shaw sagt, das die Antikythera gefährlich sei. Jones will sie dann mitnehmen und bei sich zu Hause zerstören. Shaw ist einverstanden. Und wir könnten Minuten darüber rätseln, wie die Sinneswandel von Jones und Shaw zustande kamen. In dem Moment haben wir das bereits aufgegeben.
„Indiana Jones und das Rad des Schicksals“ ist ein mit zweieinhalb Stunden überlanges, fast 300 Millionen US-Dollar teueres Werk zum Vergessen. Der konfus überladene Film zeigt gleichzeitig einen älteren und einen in allen für den Blockbuster-Erfolg wichtigen Aspekten nicht älter gewordenen Helden. Das Ergebnis ist ein alter Mann, der wie ein junger Mann agiert. Das funktioniert nicht. Denn die Vergangenheit ist Vergangenheit und irgendwann muss man das akzeptieren.
Ich habe keine Ahnung, warum die Macher diesen Film machen wollten und warum sie nicht einfach, wie bei James Bond, einen anderen Schauspieler für die Rolle engagierten. Denn gegen einen gut gemachten, naiven Abenteuerfilm über einen abenteuerlustigen Archäologen kann nichts gesagt werden und das Publikum dafür sollte es auch geben.
Aber das wäre ein anderer Film. Bis dieser Film im Kino läuft, können wir uns noch einmal die ersten drei, immer noch grandiosen Indiana-Jones-Filme „Jäger des verlorenen Schatzes“ (1980), „Indiana Jones und der Tempel des Todes“ (1984) und „Indiana Jones und der letzte Kreuzzug“ (1989) ansehen. Gerne auch wieder im Kino.
Indiana Jones und das Rad des Schicksals(Indiana Jones and the Dial of Destiny, USA 2023)
Regie: James Mangold
Drehbuch: Jez Butterworth, John-Henry Butterworth, David Koepp, James Mangold (basierend auf Charakteren von George Lucas und Philip Kaufman)
mit Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, Antonio Banderas, John Rhys-Davies, Ethann Isidore, Shaunette Renée Wilson, Thomas Kretschmann, Toby Jones, Boyd Holbrook, Olivier Richters, Karen Allen
Gut, im Moment haben wir nicht gerade vierzig Grad im Schatten. Es gewittert sogar ziemlich heftig und hier in Berlin ist eine Brücke immer wieder überschwemmt, aber das ändert nichts daran, dass Christopher Goldens neuer Roman „Road of Bones – Straße des Todes“ die perfekte für Abkühlung sorgende Sommerlektüre ist.
Felix ‚Teig‘ Teigland, ein junger, verschuldeter Dokumentarfilmer, und sein Freund und Gläubiger Jack Prentiss, wollen eine mit Geister- und Horrorgeschichten garnierte Reportage über die R504 Kolyma drehen. Es handelt sich um eine zweitausend Kilometer lange Schotterpiste in Sibirien. Erbaut wurde sie von Gulag-Häftlingen. Zwischen 250.000 und 1.000.000 Million Häftlinge sollen bei dem Bau gestorben sein. Deshalb wurde die Straße auch ‚Straße des Todes‘ genannt. Als Christopher Golden diese Geschichte hörte, wollte er, wie er mir in einem Gespräch sagte, eine spannende Geschichte über die Straße und die Gegend erzählen, bevor es jemand anderes macht.
Dort ist es im Sommer kalt. Im Winter ist es noch kälter. Ohne mehrere Lagen Kleider geht niemand auch nur eine Sekunde vor die Tür. Trotzdem leben dort einige Menschen. Und die beiden Dokumentarfilmer Teig und Prentiss wollen in der kalten Jahreszeit sogar den kältesten bewohnten Ord der Erde besuchen. Ihr Führer Kaskil, soll sie mit den dort lebenden Menschen bekannt machen. Sie treffen ihn in der Nähe von Magadan, einer Hafenstadt im Nordosten Sibiriens.
Als sie in Achust, dem Heimatdorf von Kaskil, eintreffen, sind alle vierhundert Einwohner spurlos verschwunden. Die Türen ihrer Häuser sind auf. Das Essen steht, gefroren, auf dem Tisch. Sie entdecken Spuren von nackten Füßen, die in den Wald führen.
Noch während sie darüber rätseln, was hier vorgefallen ist, werden sie von einem Rudel Wölfe überfallen. Es sind allerdings keine normalen Wölfe. Sie sind sehr schnell, ausdauernd, scheinbar unverletztlich und werden von einem geheimnisvollem Wesen, dem Parnee, einem Mischwesen aus Schamane und Geist des Waldes, angeführt.
Dieser kann die Gedanken der Menschen so beeinflussen, dasssie das tun, was er will. Zum Beispiel vom Essen aufstehen und ohne richtige Kleidung die Wohnung verlassen.
Als die Wölfe sie in dem Haus, in dem sie sich verschanzt haben, angreifen, beschließen sie, zum nächsten Ort zu flüchten.
„Road of Bones – Straße des Todes“ ist etwas kürzer als die anderen auf Deutsch erschienenen Horrorthriller von Christopher Golden. Das liegt daran, dass er sich in diesem Roman auf eine kurze Zeitspanne und wenige Menschen konzentriert. Er verzichtet auch auf Nebengeschichten und lange Rückblenden. Es geht in der Geschichte nur um eine Handvoll Menschen, die in einer eisigen Nacht um ihr Überleben kämpft. Ihre Chancen, den nächsten Tag zu erleben, sind denkbar schlecht. Denn sie können keine Hilfe rufen, die Umgebung ist menschenfeindlich und ihr Gegner übermächtig. Die Figuren, die Landschaft, das Klimia und die Bedrohung sind gewohnt überzeugend beschrieben.
Goldens neuer Horrorroman ist ein spanneder Thriller, der die Temperatur im Zimmer um einige Grad senkt.
In Deutschland ist der sehr produktive Suspense-Autor Christopher Golden, obwohl er immer beliebter wird, immer noch eher unbekannt. Seit 1995 hat er zahlreiche Horror-, Fantasy- und Thrillerromane geschrieben. Teilweise mit anderen Autoren wie Mike Mignola und Tim Lebbon, teilweise für bestehende Serien, wie die Vampirjägerin Buffy. Er schrieb auch Filmromane, wie „King Kong“, Comics und Jugendromane. Und er wechselt kontinuierlich zwischen Serien- und Einzelromanen. Seine Thriller standen auf der „New York Times“-Bestsellerliste. Sie wurden für den British Fantasy Award, den Eisner Award und, mehrmals, den Bram Stoker Award nominiert. Zu seinen Fans gehören Stephen King, George R. R. Martin, Jonathan Maberry, David S. Goyer, Tad Williams („Otherland“) und Josh Malerman („Bird Box“).
Christopher Golden: Road of Bones – Straße des Todes
(übersetzt von Johannes Neubert)
Cross Cult, 2023
336 Seiten
26 Euro
–
Originalausgabe
Road of Bones
St. Martin’s Press, 2022
–
Kriminalakte unterhält sich mit Christopher Golden und Kim Sherwood auf der Leipziger Buchmesse
Christopher Goldens Buchtipps
John Irving: A Prayer for Owen Meany, 1989 (Owen Meany)
S. A. Cosby: Blacktop Wasteland, 2020 (Blacktop Wasteland)
Tana French: The Secret Place, 2014 (Geheimer Ort)
Chris Cleave: Everyone Brave is Forgiven, 2016 (Die Liebe in diesen Zeiten)
Erik Larson: The Devil in the White City, 2003 (Der Teufel von Chicago: ein Architekt, ein Mörder und die Weltausstellung, die Amerika veränderte)
Polizist Coleman jagt den Nachtclubbesitzer Simon, mit dem er befreundet ist und der Überfälle begeht. Zwischen den beiden Männern steht Simons Freund Cathy.
Nach „Der eiskalte Engel“ und „Vier im roten Kreis“ war „Der Chef“ die dritte Zusammenarbeit von Alain Delon und Jean-Pierre Melville und zum ersten Mal spielte Delon einen Polizisten. Aber weil es Melville in „Der Chef“ auch um die Austauschbarkeit von Gangstern und Polizisten ging, unterschied Delons Rolle sich kaum von seinen vorherigen Rollen als Gangster. Melville räumt Coleman und Simon etwa gleich viel Leinwandzeit ein.
„Melvilles letzter Film (…) ist ein würdiger Abschluss im Werk eines seines Metiers und seiner Liebe zum Kino sicheren Ultra-Professionellen, der die düstersten und unheimlichsten, aber auch ästhetisch vollkommendsten und menschlichsten Filme schuf, die in Frankreich je gedreht worden sind.“ (Hans Gerhold: Un Flic in „Jean-Pierre Melville, Hanser Reihe Film 27, 1982)
„‘Un Flic’ ist vermutlich der kälteste Film Melvilles, und Alain Delon gelingt als Chef-Fahnder Edouard Coleman der Pariser Kriminalpolizei eine brillante Charakterstudie über die Einsamkeit und Isolation des professionellen Menschenjägers.“ (Wolfgang Schweiger: Der Polizeifilm, 1989)
Mit Alain Delon, Catherine Deneuve, Richard Crenna, Riccardo Cucciolla, Michel Conrad
Eine Ausgabe der Filmromane von Campbell Black, James Kahn und Rob Macgregor (Jeder nur ein Buch.) zu den ersten drei Indiana-Jones-Filmen.
In den deutschen Erstausgaben gibt es, wenn ich mich richtig erinnere, außerdem mehrere Seiten mit Filmfotos. Das war damals ein weiterer Grund, um sich die Filmromane zu kaufen. Ein anderer war, den Film noch einmal zu erleben, wenn das örtliche Kino andere Filme zeigte. Oder den Film überhaupt nicht zeigte. Oder glaubte, dieses Mal die Altersbeschränkung durchsetzen zu müssen.
Die Waffenhändlerin Rayna Boyanov (Rose Byrne) will eine Mini-Atombombe verkaufen. Und weil sie die Identitäten von allen CIA-Feldagenten kennt, kann nur Susan Cooper (Melissa McCarthy) das Geschäft verhindern. Denn bislang ist die CIA-Agentin, die noch keinen einzigen Außeneinsatz hinter sich hat, ein unbeschriebenes Blatt. Mit einer falschen Identität nähert sie sich in Paris Boyanov, die dort gerade die Atombombe verkaufen will.
Köstliche Agentenfilm-Parodie und Liebeserklärung an die James-Bond-Filme.
mit Melissa McCarthy, Jason Statham, Jude Law, Rose Byrne, Miranda Hart, Bobby Cannavale, Allison Janney, Peter Serafinowicz, Morena Baccarin, 50 Cent, Ben Falcone
R. i. P. Peter Brötzmann (6. März 1941 in Remscheid – 22. Juni 2023 in Wuppertal)
Wenige Tage vor seinem Tod unterhielt Peter Brötzmann sich mit der Wochenzeitung „Die Zeit“ und dem Magazin „JazzThing“. Dort ist er mit den Worten „Der letzte Romantiker“ der Coverboy. In den Interviews geht es um sein Leben, sein Spiel und seine neue CD „Catching Ghosts“ (ACT), einem Mitschnitt von seinem Konzert beim letztjährigen JazzFest Berlin. Mit dem Guembri-Spieler Majid Bekkas und dem Schlagzeuger Hamid Drake improvisierte der Saxophonist gewohnt hörenswert.
Brötzmann gehört zu den Begründern des deutschen Free Jazz. „For Adolphe Sax“ war 1967 seine Debüt-LP. Eine Trio-Aufnahme. Legendär ist seine zweite LP „Machine Gun“. Eingespielt mit, aus heutiger Sicht, einem All-Star-Ensemble des europäichen Free Jazz. Neben ihm spielen Pianist Fred van Hove, die Saxophonisten Willem Breuker und Evan Parker, die Bassisten Peter Kowald und Buschi Niebergall und die Schlagzeuger Han Bennink und Sven-Åke Johansson. Die Platte ist hochenergetischer Free Jazz. Gespielt wird eine Musik, die damals alles, was man unter ‚Musik‘ verstand, in Frage stellte, alles zertrümmerte, um sich danach an den Wiederaufbau zu machen. Es war Punk, bevor es Punk gab. Auch heute hat die Aufnahme eine immer noch verstörende und aufputschende Energie. 1985 schrieb Steve Lake in den Liner Notes zu einer Wiederveröffentlichung: „It is both an inspiring and a punishing experience for the listener. Also a useful self flagellant on hangover mornings, when you need to confront your own lethargy and lack of discipline. Impossible to play ‚Machine Gun‘ and remain indifferent to life.“ Sehr, sehr empfehlenswert.
Ebenfalls empfehlenswert und legendär sind seine späteren, etwas langlebigeren Ensembles/Projekte „Last Exit“, „Die like a Dog“ (mit der Musik von Albert Ayler) und „Ruf der Heimat“.
Davor, danach und dazwischen spielte er immer wieder, teils im Duo, teils in größeren Besetzungen, oft über viele Jahre, mit einem festen Stamm gleichgesinnter Free Jazzer. Auf den Plattencovern stehen dann einfach die Namen der Musiker nebeneinander.
Und er gehörte zum Ensemble von Alexander von Schlippenbachs legendärem Free-Jazz-Orchester „Globe Unity Orchestra“.
Fortan brötzt er bei den Engeln. Uns bleiben seine Platten, CDs und Aufnahmen seiner Auftritte.
Rocco und seine Brüder (Rocco e i suoi fratelli, Italien/Frankreich 1960)
Regie: Luchino Visconti
Drehbuch: Suso Cecchi D’Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa, Enrico Medioli, Luchino Visconti (nach einer Geschichte von Luchino Visconti, Suso Cecchi D’Amico und Vasco Pratolini, inspiriert von einer Episode aus Giovanni Testoris Roman „Il ponte della Ghisolfa“)
Italien, fünfziger Jahre: Rosario zieht mit ihren vier Söhnen aus dem bitterarmen Süditalien nach Mailand. Dort hoffen sie auf ein besseres Leben.
Über drei Stunden zeigt Luchino Visconti in seinem Sozialdrama das Leben von Rocco (Alain Delon) und seinen Brüdern.
Heute ein unumstrittener Klassiker des Kinos (und damit auch des italienischen Kinos). Damals ein heftig umstrittener Film, der gekürzt und in Teilen Italiens nicht gezeigt wurde. Das SW-Drama wurde trotzdem ein Kassenerfolg und machte Alain Delon zum Star.
Arte zeigt die restaurierte Version von 2015, die auch früher zensierte Szenen enthält.
Veröffentlicht von AxelB 
Kriminalakte 